La mia Recensione: Nibiru - HYPÓSTATIS

 Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

1 Marzo 2026

Nibiru - HYPÓSTATIS

“Mors ultima linea rerum est.” – Orazio

Un cipresso, antico e credibile simbolo di morte e lutto, scivola nei solchi di un rumore gravido di impulsi, come una patologia che, biblicamente e ostinatamente, vive di inerzia, per sublimare chi non fa assentare il proprio pensiero di verità estreme. Separazioni, ostacoli, bagliori e pulsioni addominali rendono feroce il passato, e la sopravvivenza, umana e artistica, può essere depositata tramite una sepoltura definitiva. La melodia diventa ipnosi, riluttante a ogni compiacimento, e si incunea nel brillio di multiple esplosioni, con schegge di pietra a ridurre in cenere i sogni.

Ardat, anima lacerante protetta dagli dèi dell’esplorazione cognitiva, conosce il deserto e lo abita attraverso una gittata morale, radioattiva, incurante di ogni morbidezza, e semina l’amore più antico, quello che crea ponti, riflessi, riflussi, ermetiche genuflessioni nei confronti del piacere, abbandonandolo per generare una nuova liturgia, coadiuvato da ricordi da trasformare per dare alle garze un compito gravoso ma inevitabile.  

Parrebbe un folletto inacidito e sciamannato l’artista torinese, lontano da ogni attrazione chimica per il piacere, la bellezza e la comodità, ma lo conosciamo da molto e lo difendiamo, divenendo acqua perfida mentre lo accogliamo, come in questo nuovo tripudio agli inferi umani dal titolo HYPÓSTATIS, punto di incontro tra l’inferno e l’assenza di gioia, qui coniugi dolenti ma appagati, per un esercizio alla pazienza che erudisce e fortifica.

Composizioni che fanno vacillare, offrono consapevolezza e ostacolano ogni bisogno di musica sciocca, veloce e ininfluente.  

La scrittura dei testi rivela facondia, contornata da sacrali perversioni amplificate, come un prodromo ineludibile in grado di trasformare l’ossigeno in un lontano ricordo. I Nibiru, in passato, hanno scavato nel ventre di ogni indisposizione, così come nelle profondità marine, con una precisa volontà di annientare ogni attimo stolido: quando l’intelligenza è acuta si libera immediatamente dei nemici. Un album vetusto, imponente, che rende il termine “ambient” un sacrificio doveroso da contemplare, con schizzi di lamiera a generare caos e perlustrazioni continue. Però, durante e alla fine dell’ascolto, si ha la certezza di un insieme, di un rituale che raccoglie oggetti, frammenti, teorie, analisi e li getta in un’unica melma gassosa, in ascesa verso nebulose contrazioni mentali. La tensione è metafisica, senza indugi, un pericolo costante, un fastidio nell’assimilazione che eleva e non distrugge, una messa orgiastica di dissapori e stelle confuse, sparse, ridotte a testimoniare il sudore della disperazione di Ardat.

Un concept che sancisce ancora una volta il bisogno di scorticare le radici dell’amore totale per Aleister Crowley, poeta, occultista, creatore ed esponente sublime della filosofia Thelema, qui adoperata per creare anelli di congiunzione multipli. Viene inoltre chiamata in causa la padronanza delle forze naturali così fondamentali per Giuliano Kremmerz, con la trasmutazione interiore che mette in contatto l’uomo con le divinità. L’azione, così tanto voluta e resa reale dall’ermetista di Portici, trova in queste creazioni musicali una concreta possibilità di essere slavina e acciaio, premendo sul concetto di assimilazione e contiguità.

Ardat prende l’albero della vita e lo trasforma in flusso cosciente, palcoscenico di una connessione tra la terra e il cielo per giungere alla conoscenza che, partendo dalle radici della nascita, arriva alla morte con la congiunzione tra la prosperità e il lascito finale. Un archivio scrivente, un messaggio che non depista le fragilità, un coro continuo e sanguinante che, rispetto al passato, mostra un respiro visivo più incline all’assimilazione dei concetti che non all’abbondante esposizione. Questo aspetto rivela un’attenzione mai avvertita prima volta a mettere in contatto gli estremi della vita, un giudizio postumo che precede l’abbandono totale.

Il teatro dell’afflizione qui ricerca collaboratori sensoriali, saliva e sabbia, con un’altissima performatività tellurica, addestrata per sembrare un mantello di croci spezzate e rose rinsecchite in contatto. Lo strazio e lo spasimo si affidano a mantra affilati, alle lacerazioni di macchine, synth, piano, chitarra e basso, con un drumming presente in un unico episodio ma che rende pienamente l’urgenza di concentrare, filtrare, esplorare i confini della verità.  

La luce, la materia, lo spirito, le tenebre (elementi primari della gnosi) trovano qui un basamento fertile e sublime per essere corpo e scintilla del pensiero più profondo, forma iniziatica ed esplorativa che non si concede soste, poiché HYPÓSTATIS è respiro affannato senza pause, una processione con tomi, una vestigia preziosa che smuove il tremore delle gambe e conduce alla stella cometa interiore.

L’ascolto di quest’opera è una fabbrica che produce risorse, tossine, trucioli, candelabri, polvere, frenate, una violenta ritorsione del piacere, per conquistare la purezza attraverso il sacrificio generato dall’abbondante e stridula contorsione dei piani sonori, dei watt, della quasi assoluta mancanza di armonie e melodie, per un conflitto sanguinolento ma necessario.

La vita e la morte non possono essere gestite se non con l’abbandono del proprio io, in una generosa propensione all’altro che, in questo disco, non è contatto umano bensì attraversamento dei canali spirituali, empirici, dottrinali, con nuovi simboli da adottare. La voce di Ardat (in passato un altare colante in cerca di viscere) qui si ritrova a essere un graffio rauco, inferocito, gravitazionale, una ruspa e una saldatrice che usa l’elettrodo come pedina sacrificabile, un alveare peccaminoso dal mantello cruento, per congiungersi con il piano letterale, davvero proveniente da una sacralità antica disinteressata al presente. Il connubio tra voce e parole è soltanto il pretesto per rendere l’associazione artistica la stanza in cui scaldare i significati, in attesa dell’impianto sonoro, come complemento e matrimonio ossidante.

La musica, nei suoi primi respiri, era un’onda girovaga, una sonda, una piroga, una strega, un vagito, un perlustrare le ipoteticità, un luogo inesistente in cerca di presenze, un’opposizione alla quotidianità, un vocabolario nascente per attirarsi i favori degli spiriti magnetici. Nulla a che vedere con l’apoteosi di perversioni semplicistiche, semplificate e svuotate di ogni legame con le radici. I Nibiru non si rivolgono a nessuno, si avvolgono nel proprio nucleo e ripristinano gli antichi dettami di quest’arte ormai svilita e svuotata.

In un mondo sempre più piatto, che si illude con la tecnologia e con l’assoluta mancanza di pensiero, l’artista Ardat prende la macchina del tempo e scompare alla vista degli sciocchi, usa la sofferenza come modalità espressiva unica, senza la volontà di affiliarsi adepti alle pareti nere dell’esistenza. No, qui non c’è nessuna catarsi, ma un continuo riempire i labirinti mentali e fisici di informazioni, aneddotica, privilegiate incombenze espressive, senza la presunzione del benessere e del benevolo sorriso di circostanza di chi si ritrova a essere imprigionato da questa ragionevole follia in levitazione.

La fugace stagione dell’esistenza qui conosce l’impegno di guardare nei vicoli, nei laghi, nei marasmi, nei tribunali del giudizio, negli specchi che conservano mediocrità e istinti irriverenti: i Nibiru mordono con menefreghismo geriatrico, disinteressato al consenso, mentre si infliggono la punizione della coscienza mantrica. Non canzoni, non esibizioni di capacità, bensì mercurio e assenzio, lapidi e candelabri, storia e chimica, aria compressa e pallottola, tsunami e quiete spossata, sacrificio e magneti, collutorio e ipoclorito di sodio, vespri e canti epilettici, non per eseguire un repertorio, ma per una contaminazione in diretta di ogni propulsione.

Viene rappresentato il Regno Teleste, nella prigionia forzata di un’anima che non riconosce padroni se non l’ubbidienza alla quotidianità cognitiva. L’utero di Sekhmet è il pericardio di questo lavoro, il rabdomante che pone il sigillo della ricerca e comprende la densità dei liquidi, i grumi sanguigni, l’esasperazione della paura del futuro, dello sviluppo fetale di tutti i circuiti conseguenti. Un tritolo acuto, uno stridulo concatenante, un’ebollizione del plasma per ripulire il senso di innocenza e gettarlo nelle mani dei predatori.

Non esiste definizione alcuna per la musica qui esposta: non ci sono generi, parole adeguate per anticipare i corridoi di definizioni stupide, tantomeno parametri di confronto, perché i Nibiru fuggono anche da se stessi, non si soffermano a precisare l’inutile inganno interpretativo, in quanto esperienza in diretta, senza vincoli, senza regole, in un vomito maleducato e dolcemente insostenibile ai più. La perfezione non comprende adesione se non alla propria natura e, in questi solchi, se ne percepiscono ampiezza e determinazione e, con molto sforzo (da parte di chi intende la musica come un regalo semplice e agevole), anche il senso.

Il noise, lo sludge, il ritual sono solo briciole in anticipo, un gioco meraviglioso, un sacrificio per la band sacrificabile. Non sono generi musicali da esibire, ma l’avamposto di una dialettica multiculturale in cerca di contatti, forme diverse, deformi, rigide e convesse: HYPÓSTATIS è Friedrich Nietzsche in vacanza dalla luce, Kenneth Grant e Karl Germer nel giardino dell’esoterismo mentre pubblicano l’organizzazione di un pensiero che bacia la teologia, Jung e il bisogno antropologico di un cervello da scartavetrare e tanto altro ancora, quanto basta per farne un disagio cui togliere la nostra negligenza, una camicia di forza per ridare alla libertà il giusto senso…

Macigno dopo macigno

Azoth

L’abisso accende le anime attraverso un crepitio, voci liriche a ingannare l’armonia e la leggerezza, un preludio che nasconde il flagello incombente, fino al pianto grave di un fanciullo. Tempo di godersi questa anta in apertura, perché poi tutto si atrofizza e la glaciale azione di avanzamento del nichilismo musicale trova il proprio spazio, coniugandosi con la vacua prosperità della luce, tra universi in discesa e onnipresenza del dolore, in una furia trattenuta a stento, mentre l’idea dell’inseminazione da parte del sangue si fa incombente. Una saldatura continua tra distorsioni e mantra psicotici, in un feedback che si ingrassa e diventa uno sciame in cattura. Una Genesi apocalittica, aristocratica nel non-colore, non legata alla religiosità effimera, bensì all’ubbidienza di un divino contemplativo, con il tempo che scorteccia e ingloba le carni, in cui tutto è cibo. Logorante, pressante, fastidioso e piacevolmente disagevole ai più, il brano di apertura palesa invece la bellezza del concreto, della contemplazione acida, dell’apoteosi del male, qui rappresentato da una foschia assassina.

Binah

Palude, lentezza degli arti, invocazione, pillole di suono con metastasi, navicella del tempo senza fari nell’universo: ci ritroviamo nel buio dell’inconscio, in un gioco di mostri e incubi al rallentatore, una fluorescenza drammatica e contagiosa, una messa nell’anfiteatro degli orgasmi puniti, con la teatrale enunciazione diabolica di Ardat, qui baritonale e dissacrante, robotico senza ansimare, mentre tamburi come croci si assestano nei gironi di un synth sacro e abbondante. È resa, è plenilunio, è contorsione, vita d’amore nella morte gentile…

Idolum

Ardat recita le ombre, in decadente prospettiva, con le note di un piano che sembra abbandonato ai piedi di un precipizio. Note sbavanti, vibranti, che giocano a far arrivare il recitativo dopo aver perlustrato le cicatrici, trovando rifugio in una caverna che svuota la musica e accende i simboli sanguigni, come catene che tatuano i respiri. Il punto apparentemente più accessibile dell’album diventa in realtà il fulcro di una creatività che qui misura l’imbarazzo di dover reagire a ciò che ha lacerato i battiti.

Sekhmet

Una fionda accoglie vibrazioni e brusii, le ombre puniscono creando orrore, terrore, spargimenti di suoni, in un setaccio che è una serie di ossimori in perlustrazione. Il nulla trova il proprio peso specifico tramite turbolenze di macchine che producono cavi elettrici e la lentezza ride beffarda. Di una bellezza oscena e maestosa, questa espressione artistica eleva il concept, stabilisce il contatto tra lo sguardo altrui e la propria fallacia, e il bisogno di divenire un dio che, smarrito, guida il proprio gregge verso il baratro…

Shalicu

Una gittata di raggi addomesticati conferisce a questa esplorazione il ruolo di esecutore materiale di una serie di omicidi, da quello del corpo a quello della mente, passando per i ricordi, in un’onda malefica che non abbisogna dell’abbondanza del ritmo. Un volo dell’identità, un messaggio che perlustra le convinzioni e si serve di lave sonore, schianti, fucilazioni, in una tensione a cui basta una nota roboante per generare paralisi. Implacabile processione, pressa il tempo e stimola spasmi illuminati da una concatenazione di nervi, con la voce come carta vetrata nuda, a spellare brandelli di carne, grattugiando i sogni, uccidendo anche loro. Cadaveriche, mefistofeliche, lussuriose, le corde vocali processano e diventano la lingua del serpente nel tempo della citazione…

Obeah

Eccola, la morte dell’abisso, la sua dolcezza, i suoi gesti francesi attraversare una teoria che si ritrova improvvisamente tra le mani una sequenza di accordi minimalisti, recitati da una voce femminile che crea uno iato tra la gravità e la leggerezza, ultimo bastardo inganno da perseguire, quasi un dono per chi ha viaggiato, resistito e vissuto questo incantevole Getsemani in cui ancora una volta si è vista la rappresentazione dell’inganno. In fondo, questo capolavoro è nato da una serie di morti e ha necessitato dell’arte fittizia per sublimare se stesso, garantendosi il trono eterno…

https://open.spotify.com/album/2szeebqDDzHM3YZQs4j1Kn?si=qOc1dGBeSwCvgCMl_xRcyw

Recensione di Marco Sabatini: Shesgot - A House Into a Body

Marco Sabatini

Musicshockworld 

Offagna

20 Febbraio 2026
 

Shesgot, una caverna dentro un treno. 

Parte la batteria, tuona un basso, arpeggi di chitarra, siamo in una cantina, notte fonda e vorremmo essere a Varsavia con un boccale di birra, tanta schiuma e un kabanos affumicato.

Procedere a zig zag scandito da scoppi di sei corde e voci di baritono che giocano tra loro, colore scuro, frasi ripetute. 

Ma abbiamo davanti un mare nero in burrasca che sbatte contro scogli alti e appuntiti, studiati per mettere a disagio chi ascolta e trovare nell'intreccio delle frasi un percorso sotterraneo che porta un po' di luce,  la furia del mare in lontananza che continua a scudisciare la costa. 

Fortunale selvaggio che tutte le tavolate sconquassa e viene maledetto.

Dialoghi tra anime un po' brille che vedono davanti a sé e il buio della notte. Banchi di nebbia che fanno il loro ingresso togliendo ogni oggetto dalla vista per poi ritornare alla limpidezza di un buio illuminato dalla luce di un' area di servizio semi vuota. 

E le piante che contornano questo scenario sono percorse da filo spinato elettrificato che passa tra i loro rami, devi accollarti tutto, sia ben chiaro.

Uscire dall' incantesimo non è tra le opzioni: "A house into a body" è l'irreale che diventa rituale, non un fulmine passeggero.

https://shesgot.bandcamp.com/album/a-house-into-a-body-new-album

La mia Recensione: Shesgot - A House Into a Body

 

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

19 Febbraio 2026

Shesgot - A House Into a Body

Il vocabolario si sta svuotando, conseguentemente si riflette di meno, si parla peggio, ridicolizzando le lingue, rubando il bagaglio di tutti i popoli. Si trovano però momenti di esaltazione quando, ascoltando un album come questo, la ricchezza di diverse forme di comunicazione trovano il modo di emergere, adoperando parole, suoni, inclinazioni, prospettive e meravigliose ricerche, in questo insieme che ricorda il lungo percorso della formazione dei concetti e dei suoi metodi espressivi.

A House Into a Body adotta, comprime e fa dilatare ogni istinto per costruire, con un efficace lavoro di stratificate sinergie epocali, un corpo solido, dotato di una notevole autonomia. Per farlo circumnaviga generi espressivi diversi, a partire dalla metodologia di scrittura dei testi di Federico Palmieri (con un crooning contestualmente nervoso, disincantato, sublimemente tossico e suggestivo, sino ad arrivare a delle incantevoli performances melodiche), per poi rimarcare, attraverso l’ampio raggio delle musiche, il suono, i graffi,  le esplosioni di cumuli densi di nervature che definiscono le varie e significative espressioni di un combo in cui la chitarra diventa lo stregone e il basso e il drumming i nervi che definiscono spazi cognitivi di grande valore.

 Sparisce quasi del tutto la tentazione della melma nera di The Seeker, l’album di esordio del 2021, nel quale bagliori shoegaze e turbinii post-punk erano timonieri assoluti. Qui, invece, viviamo la drammaticità che abbisogna di maggiori dilatazioni e modalità per costruire un basamento multicolore e multiforme. Il rock vibra con riff e arpeggi, in affascinanti deserti notturni in cui vivono lampi erotici e cabaret in un teatro dal palco mobile, in continuo avanzamento, con un plot che racconta nevrosi e cecità di una realtà mutante e colpevole. Tic e soffocamento si uniscono per essere poligoni, i brani immensi bagliori densi di ombre e multiple complessità che timbrano l’attualità con l’onesta volontà di non fare sconti. Tra la vulcanica espressività dei The Boys Next Door, i filmati horror dei primi Virgin Prunes, la dialettica caleidoscopica dei The Dresden Dolls, il terzetto di Macerata forma un nucleo di composizioni atte a lacerare la forma canzone per garantirsi spazi intellettuali, manovrandole nel contesto di una seria libertà che ha l'intenzione di limitare le divagazioni e le velleità per divenire, senza dubbio, un universo concreto di torsioni e sperimentazioni. I fantasmi di David Lynch creano immagini che scaldano i cuori e le menti, un diario che dilata e compatta decenni di ricerca, in immersioni che traducono i geroglifici storici di una cultura ormai segregata e spenta.

 Gli Shesgot se ne fregano di piacere, di creare stupide connessioni di contatti fuorvianti e badano al sodo: usano balestre lancinanti, contorsioni e intime nevrosi come scandagli e cornici, per inglobare sensi cognitivi con una longia corta, in cuoio, per dirigere queste canzoni che sono dei purosangue di indicibile forza e sensualità magnetica.

Affondi continui di robuste torsioni, con un vistoso eclettismo, un girovagare notturno che nasce dal tedio circolare che opprime, ottunde per togliere illusioni, declamando, piuttosto, il marmoreo sconfinamento verso la paranoia e la tristezza della modernità, usando, difatti, linguaggi e modalità antiche, con sussurri e grida degni di Bergman, per accerchiare la realtà e diversificarla. Ben vengano le devastanti distorsioni di Michele Caserta, con il suo basso rovente in due episodi e dita impregnate di sangue e la tecnica e il cuore preciso come il suo respiro nel suonare anche la batteria, riuscendo a prendere la storia dello strumento e fissarlo in operative ed eclettiche estensioni, facendo del drumming un velo per proteggere le magnetiche esplorazioni di Matteo Palmieri (al basso in sette brani) che con la chitarra crea disordini, crociate, arpeggi stregati e ritmiche sospese che fanno vacillare chi non comprende il suo eclettismo infinito. Insieme i tre sventolano la bandiera viola, fanno del cielo una fabbrica in preda al vento e lanciano mine lente, più pesanti, nel perfetto matrimonio tra la vita e la morte, arrivando a un cannibalismo estetico davvero liturgico. 

Il Vecchio Scriba rimane inglobato in queste performanti forme dialettiche, incastonate in effervescenze e stagnazioni continue, in un girone dantesco, con folate ritmiche e perlustrazioni armoniche davvero impressionanti….

È tempo di provare a guardare questo insieme, con timore e rispetto, perché solo l'arte con la A maiuscola sortisce questo effetto… 

 Song by Song

1 - The Hall

Si entra nell’atrio di una casa incendiata da questa atmosfera spettrale, un crooning perfettamente appoggiato a un drumming nebbioso, la chitarra prima arpeggiata e poi laminata, con oscillazioni dream pop ma cupe, sino a un boato vocale tenuto quasi segreto. Un rituale, per principiare questo nuovo lavoro, con una introduzione che annichilisce con veemenza ogni pretesa pop. Qui si cammina nel fianco acido e mellifluo di tremori gotici…

2 - The Return

I Bauhaus incontrano la Fura dels Baus, per poi creare un’altalena melodica che cerca di disarcionare ogni fatica. Ed è involucro sacro, sino al cambio ritmo e a un mantra della chitarra che consente al basso e alla batteria di elaborare una protezione massiccia….

3 - Flames’ Night

La dolcezza nasconde il fremito, per poi diventare apoteosi e nevrosi, in una quasi ballad psichedelica dal profumo neofolk, in cui una forma pagana ci presenta una strega che vaga di notte, in questi solchi che evocano riti e lacrime perfettamente cullate da un vocio e suoni che circondano generi musicali in attesa….

4 - The Train

Il drumming è un binario e una locomotiva, il basso un fantasma nerastro, la chitarra un'antica croce post-punk e la voce un'eco di Rozz Williams e Peter Murphy con dosi di valium, per fare di questo brano una celebrazione ritmica del pensiero, attraverso riferimenti multipli in un archivio prodigioso…

5 - Home

Albori shoegaze si affacciano, ma è una feroce illusione: qui siamo al cospetto di una ricerca frenetica di cupe e meticolose perversioni mutanti, un diamante grezzo immerso nel petrolio, una marcia lenta, militare, duodeno e intestino che vengono lacerati, per costruire mura melodiche in espansione continua, tenendo la voce muta perché già è tutto dichiarato, facendo delle movenze della chitarra l’unico metodo per farci commuovere…

6 - Backseat

I Killing Joke entrano in una chiesa sconsacrata e sentono queste note: si celebra la sontuosa capacità di mostrare le ferite sulla pelle, in un apparato musicale legato a un inizio lento per poi sganciarsi e diventare un sacrario in cui la corsa trova i suoi nervi, rallentando nuovamente, mentre l’apparato ritmico crea nevrosi e si lancia in flussi corrosivi sublimi…

7 - The Fountain

Un terremoto del decimo grado della scala Richter coinvolge e sconvolge il teatro in cui si recita la vita, in smembramenti affascinanti e raccapriccianti, una detonazione che conosce armonia e melodia mentre tutto sbava e rapisce i sensi mediante lancinanti torsioni della chitarra e un drumming con ripetuti stop and go dentro la modalità che fu dei Death in June nel secolo scorso…

8 - Mark E. Smith

L’esaltazione del più grande genio di Salford avviene tramite perversioni apocalittiche, in frenetica esposizione, come se Manchester e i Fall diventassero un’odissea. Una telefonata tra una ragazza scozzese, Leyre Mann Vadillo (presente con la sua voce), e il nostro amico Marco Sabatini, per parlare dell’amore nei confronti della band mancuniana, genera la base di questo brano. Ed è un turbinio di cavi e spasmi, con il cantato che sostiene il duro lavoro ritmico con una litania incantevole e che appiccica le note al ventre…. 

9 - January’s Note

Questo incredibile lavoro si conclude con una slavina ritmica e armonica, con un cantato evocativo e i drammi di improvvise lacerazioni, qui tradotte e rese eterne da un calvario sonoro in cui la vocazione drammatica della liturgia pagana conquisterà molte anime…

Shesgot:

Federico Palmieri - Voci

Michele Caserta - Batteria e Basso in The Hall e Mark E. Smith

Matteo Palmieri - Basso e chitarre

La formazione di Macerata dal vivo comprende Giulia Tanoni al basso

Sarà pubblicato domani 20 febbraio su Bandcamp e SoundCloud 

Disponibile anche in vinile edizione limitata 100 copie

https://shesgot.bandcamp.com/album/a-house-into-a-body-new-album

https://music.apple.com/gb/album/a-house-into-a-body/1877676825

https://open.spotify.com/album/0Ghz6zwkkzgLO14UZzL7D3?si=N6txmee-SXiOSGToB4huxw

La mia recensione: Drogo - Smart Horror Show

 

Drogo - Smart Horror Show

Avere tra le mani un cd, ascoltarlo e ritrovarsi in un non spazio, il migliore di tutti per intenderci, privati di superficialità e altre abominevoli situazioni.

Un disco con l’intenzione antica di dedicare ogni singolo brano a qualcuno o a qualcosa già significa mostrare premure, attenzioni, lanciare messaggi laddove di parole non c'è traccia apparente e circondare le note con il compito di fare della chiarezza il primo obiettivo. Giunto al secondo album, il quartetto che prevede membri da Imola e Carpino (Foggia), ha messo a fuoco il talento e la tecnica disegnando escursioni, specificazioni sonore e strategie per dare all'insieme un respiro temporale davvero lungo: dal funk ipnotico degli anni Settanta, all’ethno jazz di matrice africana (con poliritmie), comprendente anche la scena indiana, sino ad arrivare all’acid londinese, senza dimenticare Brooklyn e le fresche escursioni giapponesi.

Le loro intenzioni sono chiare sin dalla copertina: quattro entità, complesse, indiscutibili, che hanno reso l’intelligenza umana e artistica un basamento essenziale. Ci troviamo, quindi, Frank Zappa, Julian Assange, Rosa Parks e Tiziano Terzani. Già da questa premessa riusciamo a intendere un mappamondo preciso, che si muove nella storia, nella geografia, nell’etica, nell'impegno e nella intenzione di spendere con abilità e saggezza la propria vita. Abbiamo a che fare con musicisti che, come succedeva con il progressive rock di cinquant’anni fa, si isolano, trasformano, trascinano le note a creare complicità e immaginazioni in una coesistenza fluida e in grado di generare stupore e beneficio. La gioia dell’ascolto nasce da una disciplina evidente, che passa attraverso variazioni improvvisate, con il groove che si flette armoniosamente, con tempi spesso binari, una brillantezza del suono che rende calda l’atmosfera. Quando giungono ventagli acid jazz, ecco che la band rende evidente il percorso post-jazz, con gli odori urbani, le luci e un caos ragionato, ma sfuggente: una delle qualità più eccelse dei Drogo, senza discussioni.

Progressioni di accordi come un vocabolario, in una scrittura che privilegia movenze spirituali, adiacenze cinematografiche, in cui non è difficile immaginare tutto ciò come una perfetta colonna sonora mentre si entra in uno dei tanti club dove i generi proposti dai quattro sono poltrone per la mente, una ginnastica attitudinale per un ristoro che si rivela piacevolissimo e una serie di incantevoli congiunzioni. Nove peregrinazioni, incursioni, immersioni per poter rendere edotta un'apertura mentale più che mai necessaria. Smart Horror Show diventa una caccia al tesoro in abiti eleganti, in ambienti nei quali l’agio è quello di sentire un abbraccio avvolgersi continuamente. Il sax e il piano di Antonio Pizzarelli e Fabio Landi sono i fari che illuminano la bellezza nascosta della verità, mentre il basso di Luca Pasotti è un’aquila reale che regna sul cielo di queste fulgide composizioni, con, infine, il drumming di Stefano Passaretti che mostra un’immensa conoscenza e abilità nel muoversi tra generi, modalità, come una straordinaria ragnatela a raccogliere i frutti ma anche a svilupparli. Ecco, questo è un combo che non odora di italiano, libero di avere un passaporto artistico in volo perenne, dando, come risultato, la piacevole sensazione di una band che suona in groppa al vento e allo scorrere dei giorni.

Registrato in presa diretta, queste onde cerebrali ed emotive sanno come costruire contaminazioni multiple, dall’impegno del riconoscimento sociale di personaggi emblematici ai confini musicali in cui l’unica vera obbedienza è data dai fluidi che abbisognano di una fissa dimora, permettendo una fusione che ci sgancia dal noioso tentativo di classificazione. Sono anarchici in tutto ciò, scevri dell'obbedienza imposta, facendo di loro stessi dei cavalieri medievali nel tempo attuale, molto più buio di quello di seicento o settecento anni fa. 

Lavoro dalle sembianze moderne, proiettato nel futuro, ha in realtà nel suo dna il rispetto della memoria, del praticare attenzioni, di rivelare studi ed entusiasmi più che mai necessari. L’invito è quello di un ascolto solitario, intimo, nel proprio salotto, con gli occhi pieni di luce e raggi nella mente, in quanto queste nove canzoni ci parlano direttamente, una a una, senza per forza immetterci in un contesto pubblico. Musica per interni, quelli del nostro pensiero e della sua essenza, in una girandola di emozioni davvero lucide e ipnotiche. Si percepisce che questi musicisti cercano di affiancare la cultura pop a quella classica. L’aspetto ideologico lo rende un concept album ad ampio spettro, per portarci nella provincia, fisica e mentale, con una passeggiata che segna il distacco dalla frenesia e l'esagerazione urbana.

La critica alla modernità, alla confusione di una informazione sempre più imbavagliata dai poteri oscuri e da una tecnologia che inaridisce la natura umana cammina dentro queste tracce in modo autentico, come studenti e manovali uniti, come sogno e realtà che stipulano un patto: Smart Horror Show è una magia lenta che arriva improvvisamente per cambiare le regole e non le carte in tavola, utilizzando la musica come un gancio vero e non un artifizio, un disco concreto nella melma musicale che viene qui ossigenata. Potete anche svagarvi, alleggerirvi con questi brani, ma avrete sempre a portata di vista un panorama nel quale loro hanno creato, benissimo, un luogo in cui impegno e leggerezza si incontrano per saldare il futuro.

I Drogo sono una stella con un orologio al centro, che simboleggia la direzione dell’anima dentro la consapevolezza del proprio tempo. Un disco semplicemente imperdibile… 

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

3 Febbraio 2026

https://open.spotify.com/album/1iU8Lcb1nNDrSQ3sgurfMx?si=QjFYv2_aRwyoSjYN2WvOGg