My Review: Nibiru - HYPÓSTATIS

 Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

1st March 2026

Nibiru - HYPÓSTATIS

“Mors ultima linea rerum est.” – Horace

A cypress tree, an ancient and credible symbol of death and mourning, slips into the furrows of a noise heavy with impulses, like a pathology that, biblically and stubbornly, lives on inertia, to sublimate those who do not let their thoughts of extreme truths fade away. Separations, obstacles, flashes and abdominal impulses make the past ferocious, and survival, both human and artistic, can be deposited through a definitive burial. The melody becomes hypnosis, reluctant to any complacency, and wedges itself into the glare of multiple explosions, with shards of stone reducing dreams to ashes.

Ardat, a heart-rending soul protected by the gods of cognitive exploration, knows the desert and inhabits it through a moral range, radioactive, heedless of any softness, and sows the most ancient love, the one that creates bridges, reflections, ebbs, hermetic genuflections towards pleasure, abandoning it to generate a new liturgy, aided by memories to be transformed to give the gauze a burdensome but inevitable task.  

The Turin artist seems like a sour and scruffy elf, far removed from any chemical attraction to pleasure, beauty and comfort, but we have known him for a long time and defend him, becoming treacherous water as we welcome him, as in this new triumph in the human underworld entitled HYPÓSTATIS, a meeting point between hell and the absence of joy, here a sorrowful but satisfied couple, in an exercise in patience that educates and fortifies.

Compositions that make you waver, offer awareness and hinder any need for silly, fast and irrelevant music.  

The lyrics reveal eloquence, surrounded by amplified sacred perversions, like an inescapable prodrome capable of transforming oxygen into a distant memory. In the past, Nibiru have delved into the depths of every indisposition, as well as into the depths of the sea, with a precise desire to annihilate every dull moment: when intelligence is sharp, it immediately rids itself of its enemies. An ancient, imposing album that makes the term 'ambient' a necessary sacrifice to contemplate, with splashes of sheet metal generating chaos and continuous exploration. However, during and at the end of the listening experience, one is certain of a whole, of a ritual that collects objects, fragments, theories and analyses and throws them into a single gaseous slime, rising towards nebulous mental contractions. 

The tension is metaphysical, without hesitation, a constant danger, a nuisance in assimilation that elevates rather than destroys, an orgiastic mass of discord and confused stars, scattered, reduced to bearing witness to Ardat's desperate sweat.

A concept that once again confirms the need to strip away the roots of total love for Aleister Crowley, poet, occultist, creator and sublime exponent of the Thelema philosophy, used here to create multiple links. 

The mastery of natural forces, so fundamental to Giuliano Kremmerz, is also called into question, with the inner transmutation that brings man into contact with the gods. The action, so desired and made real by the hermeticist of Portici, finds in these musical creations a concrete possibility of being avalanche and steel, pressing on the concept of assimilation and contiguity.

Ardat takes the tree of life and transforms it into a conscious flow, a stage for a connection between earth and sky to reach the knowledge that, starting from the roots of birth, arrives at death with the conjunction between prosperity and the final legacy. 

A writing archive, a message that does not obscure fragility, a continuous and bleeding chorus that, compared to the past, shows a visual breath more inclined towards the assimilation of concepts than towards abundant exposition. This aspect reveals an unprecedented attention to bringing the extremes of life into contact, a posthumous judgement that precedes total abandonment.

The theatre of affliction here seeks sensory collaborators, saliva and sand, with a very high telluric performativity, trained to look like a cloak of broken crosses and withered roses in contact. 

The torment and agony rely on sharp mantras, on the lacerations of machines, synths, piano, guitar and bass, with drumming present in a single episode but which fully conveys the urgency to concentrate, filter and explore the boundaries of truth.  

Light, matter, spirit and darkness (primary elements of gnosis) find here a fertile and sublime foundation to be the body and spark of the deepest thought, an initiatory and exploratory form that allows no respite, since HYPÓSTATIS is breathless without pause, a procession with tomes, a precious vestige that stirs the trembling of the legs and leads to the inner comet.

Listening to this work is like a factory producing resources, toxins, shavings, candlesticks, dust, braking, a violent retaliation of pleasure, to conquer purity through sacrifice generated by the abundant and shrill contortion of sound planes, watts, the almost absolute lack of harmonies and melodies, for a bloody but necessary conflict.

Life and death cannot be managed except by abandoning one's self, in a generous propensity towards the other which, in this album, is not human contact but rather the crossing of spiritual, empirical and doctrinal channels, with new symbols to adopt. 

Ardat's voice (formerly a dripping altar in search of entrails) is here a hoarse, enraged, gravitational scratch, a bulldozer and a welder using the electrode as an expendable pawn, a sinful beehive with a bloody cloak, joining with the literal plane, truly coming from an ancient sacredness uninterested in the present. The combination of voice and words is only a pretext to make the artistic association the room in which to warm up the meanings, awaiting the sound system, as a complement and oxidising marriage.

In its early stages, music was a wandering wave, a probe, a canoe, a witch, a cry, an exploration of hypotheticals, a non-existent place in search of presences, an opposition to everyday life, a nascent vocabulary to attract the favours of magnetic spirits. Nothing to do with the apotheosis of simplistic perversions, simplified and emptied of any connection to their roots. Nibiru does not address anyone, it wraps itself in its own core and restores the ancient dictates of this art, now debased and emptied.

In an increasingly flat world, deluded by technology and a complete lack of thought, the artist Ardat takes the time machine and disappears from the sight of fools, using suffering as his sole means of expression, without any desire to attract followers to the black walls of existence. No, there is no catharsis here, but a continuous filling of mental and physical labyrinths with information, anecdotes, privileged expressive tasks, without the presumption of well-being and the benevolent smile of circumstance of those who find themselves imprisoned by this reasonable levitating madness.

The fleeting season of existence here knows the commitment to look into the alleys, the lakes, the slums, the courts of judgement, the mirrors that preserve mediocrity and irreverent instincts: the Nibiru bite with geriatric indifference, uninterested in consensus, while inflicting the punishment of mantric consciousness upon themselves. Not songs, not displays of skill, but mercury and absinthe, tombstones and candelabra, history and chemistry, compressed air and bullets, tsunamis and exhausted calm, sacrifice and magnets, mouthwash and sodium hypochlorite, vespers and epileptic songs, not to perform a repertoire, but for a live contamination of every propulsion.

The Celestial Kingdom is represented, in the forced imprisonment of a soul that recognises no masters other than obedience to cognitive daily life. Sekhmet's womb is the pericardium of this work, the diviner who seals the search and understands the density of liquids, blood clots, the exasperation of fear of the future, of the foetal development of all the resulting circuits. A sharp TNT, a shrill concatenation, a boiling of plasma to cleanse the sense of innocence and throw it into the hands of predators.

There is no definition for the music presented here: there are no genres, no words adequate to anticipate the corridors of stupid definitions, let alone parameters of comparison, because Nibiru also flee from themselves, they do not dwell on clarifying the useless interpretative deception, as it is a live experience, without constraints, without rules, in a rude and sweetly unbearable vomit for most people. Perfection does not include adherence to anything other than one's own nature, and in these grooves, one can perceive its breadth and determination and, with great effort (on the part of those who understand music as a simple and easy gift), even its meaning.

Noise, sludge, ritual are just crumbs in advance, a wonderful game, a sacrifice for the expendable band. They are not musical genres to be exhibited, but the outpost of a multicultural dialectic in search of contacts, different, deformed, rigid and convex forms: HYPÓSTATIS is Friedrich Nietzsche on holiday from the light, Kenneth Grant and Karl Germer in the garden of esotericism as they publish the organisation of a thought that kisses theology, Jung and the anthropological need for a brain to be sanded down and much more, enough to make it a discomfort from which to remove our negligence, a straitjacket to give freedom back its rightful meaning...

Boulder after boulder

Azoth

The abyss ignites souls with a crackle, lyrical voices deceiving harmony and lightness, a prelude that hides the impending scourge, until the grave cry of a child. Time to enjoy this opening door, because then everything atrophies and the glacial advance of musical nihilism finds its space, combining with the vacuous prosperity of light, between descending universes and the omnipresence of pain, in a fury barely restrained, while the idea of insemination by blood looms large. A continuous welding between distortions and psychotic mantras, in a feedback that thickens and becomes a swarm in capture. An apocalyptic Genesis, aristocratic in its non-colour, not linked to ephemeral religiosity, but to the obedience of a contemplative divine, with time that strips and engulfs the flesh, in which everything is food. Wearisome, pressing, annoying and pleasantly uncomfortable for most, the opening track reveals instead the beauty of the concrete, of acid contemplation, of the apotheosis of evil, represented here by a murderous mist.

Binah

Swamp, sluggish limbs, invocation, pills of sound with metastasis, a time capsule without headlights in the universe: we find ourselves in the darkness of the unconscious, in a game of monsters and slow-motion nightmares, a dramatic and contagious fluorescence, a mass in the amphitheatre of punished orgasms, with the theatrical diabolical enunciation of Ardat, here baritone and irreverent, robotic without gasping, while drums like crosses settle in the circles of a sacred and abundant synth. It is surrender, it is full moon, it is contortion, life of love in gentle death...

Idolum

Ardat recites the shadows, in a decadent perspective, with the notes of a piano that seems abandoned at the foot of a precipice. Smudged, vibrant notes that play at bringing the recitative to life after searching through the scars, finding refuge in a cave that empties the music and ignites the bloody symbols, like chains that tattoo the breaths. The seemingly most accessible point of the album actually becomes the fulcrum of a creativity that here measures the embarrassment of having to react to what has torn apart the beats.

Sekhmet

A slingshot welcomes vibrations and murmurs, shadows punish by creating horror, terror, spilling sounds, in a sieve that is a series of oxymorons on patrol. Nothingness finds its specific weight through the turbulence of machines producing electric cables, and slowness laughs mockingly. Of an obscene and majestic beauty, this artistic expression elevates the concept, establishing contact between the gaze of others and one's own fallacy, and the need to become a god who, lost, leads his flock towards the abyss...

Shalicu

A barrage of tamed rays gives this exploration the role of material executor of a series of murders, from that of the body to that of the mind, passing through memories, in an evil wave that does not need the abundance of rhythm. A flight of identity, a message that probes convictions and uses sound waves, crashes, shootings, in a tension where a single bombastic note is enough to generate paralysis. A relentless procession, it presses time and stimulates spasms illuminated by a chain of nerves, with the voice like bare sandpaper, skinning shreds of flesh, grating dreams, killing them too. Cadaverous, Mephistophelean, lustful, the vocal cords process and become the tongue of the serpent in the time of quotation...

Obeah

Here it is, the death of the abyss, its sweetness, its French gestures crossing a theory that suddenly finds itself in the hands of a sequence of minimalist chords, recited by a female voice that creates a hiatus between gravity and lightness, the last bastard deception to pursue, almost a gift for those who have travelled, resisted and experienced this enchanting Gethsemane in which once again the representation of deception has been seen. After all, this masterpiece was born from a series of deaths and needed fictitious art to sublimate itself, guaranteeing itself the eternal throne...

https://open.spotify.com/album/2szeebqDDzHM3YZQs4j1Kn?si=qOc1dGBeSwCvgCMl_xRcyw

La mia Recensione: Nibiru - HYPÓSTATIS

 Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

1 Marzo 2026

Nibiru - HYPÓSTATIS

“Mors ultima linea rerum est.” – Orazio

Un cipresso, antico e credibile simbolo di morte e lutto, scivola nei solchi di un rumore gravido di impulsi, come una patologia che, biblicamente e ostinatamente, vive di inerzia, per sublimare chi non fa assentare il proprio pensiero di verità estreme. Separazioni, ostacoli, bagliori e pulsioni addominali rendono feroce il passato, e la sopravvivenza, umana e artistica, può essere depositata tramite una sepoltura definitiva. La melodia diventa ipnosi, riluttante a ogni compiacimento, e si incunea nel brillio di multiple esplosioni, con schegge di pietra a ridurre in cenere i sogni.

Ardat, anima lacerante protetta dagli dèi dell’esplorazione cognitiva, conosce il deserto e lo abita attraverso una gittata morale, radioattiva, incurante di ogni morbidezza, e semina l’amore più antico, quello che crea ponti, riflessi, riflussi, ermetiche genuflessioni nei confronti del piacere, abbandonandolo per generare una nuova liturgia, coadiuvato da ricordi da trasformare per dare alle garze un compito gravoso ma inevitabile.  

Parrebbe un folletto inacidito e sciamannato l’artista torinese, lontano da ogni attrazione chimica per il piacere, la bellezza e la comodità, ma lo conosciamo da molto e lo difendiamo, divenendo acqua perfida mentre lo accogliamo, come in questo nuovo tripudio agli inferi umani dal titolo HYPÓSTATIS, punto di incontro tra l’inferno e l’assenza di gioia, qui coniugi dolenti ma appagati, per un esercizio alla pazienza che erudisce e fortifica.

Composizioni che fanno vacillare, offrono consapevolezza e ostacolano ogni bisogno di musica sciocca, veloce e ininfluente.  

La scrittura dei testi rivela facondia, contornata da sacrali perversioni amplificate, come un prodromo ineludibile in grado di trasformare l’ossigeno in un lontano ricordo. I Nibiru, in passato, hanno scavato nel ventre di ogni indisposizione, così come nelle profondità marine, con una precisa volontà di annientare ogni attimo stolido: quando l’intelligenza è acuta si libera immediatamente dei nemici. Un album vetusto, imponente, che rende il termine “ambient” un sacrificio doveroso da contemplare, con schizzi di lamiera a generare caos e perlustrazioni continue. Però, durante e alla fine dell’ascolto, si ha la certezza di un insieme, di un rituale che raccoglie oggetti, frammenti, teorie, analisi e li getta in un’unica melma gassosa, in ascesa verso nebulose contrazioni mentali. La tensione è metafisica, senza indugi, un pericolo costante, un fastidio nell’assimilazione che eleva e non distrugge, una messa orgiastica di dissapori e stelle confuse, sparse, ridotte a testimoniare il sudore della disperazione di Ardat.

Un concept che sancisce ancora una volta il bisogno di scorticare le radici dell’amore totale per Aleister Crowley, poeta, occultista, creatore ed esponente sublime della filosofia Thelema, qui adoperata per creare anelli di congiunzione multipli. Viene inoltre chiamata in causa la padronanza delle forze naturali così fondamentali per Giuliano Kremmerz, con la trasmutazione interiore che mette in contatto l’uomo con le divinità. L’azione, così tanto voluta e resa reale dall’ermetista di Portici, trova in queste creazioni musicali una concreta possibilità di essere slavina e acciaio, premendo sul concetto di assimilazione e contiguità.

Ardat prende l’albero della vita e lo trasforma in flusso cosciente, palcoscenico di una connessione tra la terra e il cielo per giungere alla conoscenza che, partendo dalle radici della nascita, arriva alla morte con la congiunzione tra la prosperità e il lascito finale. Un archivio scrivente, un messaggio che non depista le fragilità, un coro continuo e sanguinante che, rispetto al passato, mostra un respiro visivo più incline all’assimilazione dei concetti che non all’abbondante esposizione. Questo aspetto rivela un’attenzione mai avvertita prima volta a mettere in contatto gli estremi della vita, un giudizio postumo che precede l’abbandono totale.

Il teatro dell’afflizione qui ricerca collaboratori sensoriali, saliva e sabbia, con un’altissima performatività tellurica, addestrata per sembrare un mantello di croci spezzate e rose rinsecchite in contatto. Lo strazio e lo spasimo si affidano a mantra affilati, alle lacerazioni di macchine, synth, piano, chitarra e basso, con un drumming presente in un unico episodio ma che rende pienamente l’urgenza di concentrare, filtrare, esplorare i confini della verità.  

La luce, la materia, lo spirito, le tenebre (elementi primari della gnosi) trovano qui un basamento fertile e sublime per essere corpo e scintilla del pensiero più profondo, forma iniziatica ed esplorativa che non si concede soste, poiché HYPÓSTATIS è respiro affannato senza pause, una processione con tomi, una vestigia preziosa che smuove il tremore delle gambe e conduce alla stella cometa interiore.

L’ascolto di quest’opera è una fabbrica che produce risorse, tossine, trucioli, candelabri, polvere, frenate, una violenta ritorsione del piacere, per conquistare la purezza attraverso il sacrificio generato dall’abbondante e stridula contorsione dei piani sonori, dei watt, della quasi assoluta mancanza di armonie e melodie, per un conflitto sanguinolento ma necessario.

La vita e la morte non possono essere gestite se non con l’abbandono del proprio io, in una generosa propensione all’altro che, in questo disco, non è contatto umano bensì attraversamento dei canali spirituali, empirici, dottrinali, con nuovi simboli da adottare. La voce di Ardat (in passato un altare colante in cerca di viscere) qui si ritrova a essere un graffio rauco, inferocito, gravitazionale, una ruspa e una saldatrice che usa l’elettrodo come pedina sacrificabile, un alveare peccaminoso dal mantello cruento, per congiungersi con il piano letterale, davvero proveniente da una sacralità antica disinteressata al presente. Il connubio tra voce e parole è soltanto il pretesto per rendere l’associazione artistica la stanza in cui scaldare i significati, in attesa dell’impianto sonoro, come complemento e matrimonio ossidante.

La musica, nei suoi primi respiri, era un’onda girovaga, una sonda, una piroga, una strega, un vagito, un perlustrare le ipoteticità, un luogo inesistente in cerca di presenze, un’opposizione alla quotidianità, un vocabolario nascente per attirarsi i favori degli spiriti magnetici. Nulla a che vedere con l’apoteosi di perversioni semplicistiche, semplificate e svuotate di ogni legame con le radici. I Nibiru non si rivolgono a nessuno, si avvolgono nel proprio nucleo e ripristinano gli antichi dettami di quest’arte ormai svilita e svuotata.

In un mondo sempre più piatto, che si illude con la tecnologia e con l’assoluta mancanza di pensiero, l’artista Ardat prende la macchina del tempo e scompare alla vista degli sciocchi, usa la sofferenza come modalità espressiva unica, senza la volontà di affiliarsi adepti alle pareti nere dell’esistenza. No, qui non c’è nessuna catarsi, ma un continuo riempire i labirinti mentali e fisici di informazioni, aneddotica, privilegiate incombenze espressive, senza la presunzione del benessere e del benevolo sorriso di circostanza di chi si ritrova a essere imprigionato da questa ragionevole follia in levitazione.

La fugace stagione dell’esistenza qui conosce l’impegno di guardare nei vicoli, nei laghi, nei marasmi, nei tribunali del giudizio, negli specchi che conservano mediocrità e istinti irriverenti: i Nibiru mordono con menefreghismo geriatrico, disinteressato al consenso, mentre si infliggono la punizione della coscienza mantrica. Non canzoni, non esibizioni di capacità, bensì mercurio e assenzio, lapidi e candelabri, storia e chimica, aria compressa e pallottola, tsunami e quiete spossata, sacrificio e magneti, collutorio e ipoclorito di sodio, vespri e canti epilettici, non per eseguire un repertorio, ma per una contaminazione in diretta di ogni propulsione.

Viene rappresentato il Regno Teleste, nella prigionia forzata di un’anima che non riconosce padroni se non l’ubbidienza alla quotidianità cognitiva. L’utero di Sekhmet è il pericardio di questo lavoro, il rabdomante che pone il sigillo della ricerca e comprende la densità dei liquidi, i grumi sanguigni, l’esasperazione della paura del futuro, dello sviluppo fetale di tutti i circuiti conseguenti. Un tritolo acuto, uno stridulo concatenante, un’ebollizione del plasma per ripulire il senso di innocenza e gettarlo nelle mani dei predatori.

Non esiste definizione alcuna per la musica qui esposta: non ci sono generi, parole adeguate per anticipare i corridoi di definizioni stupide, tantomeno parametri di confronto, perché i Nibiru fuggono anche da se stessi, non si soffermano a precisare l’inutile inganno interpretativo, in quanto esperienza in diretta, senza vincoli, senza regole, in un vomito maleducato e dolcemente insostenibile ai più. La perfezione non comprende adesione se non alla propria natura e, in questi solchi, se ne percepiscono ampiezza e determinazione e, con molto sforzo (da parte di chi intende la musica come un regalo semplice e agevole), anche il senso.

Il noise, lo sludge, il ritual sono solo briciole in anticipo, un gioco meraviglioso, un sacrificio per la band sacrificabile. Non sono generi musicali da esibire, ma l’avamposto di una dialettica multiculturale in cerca di contatti, forme diverse, deformi, rigide e convesse: HYPÓSTATIS è Friedrich Nietzsche in vacanza dalla luce, Kenneth Grant e Karl Germer nel giardino dell’esoterismo mentre pubblicano l’organizzazione di un pensiero che bacia la teologia, Jung e il bisogno antropologico di un cervello da scartavetrare e tanto altro ancora, quanto basta per farne un disagio cui togliere la nostra negligenza, una camicia di forza per ridare alla libertà il giusto senso…

Macigno dopo macigno

Azoth

L’abisso accende le anime attraverso un crepitio, voci liriche a ingannare l’armonia e la leggerezza, un preludio che nasconde il flagello incombente, fino al pianto grave di un fanciullo. Tempo di godersi questa anta in apertura, perché poi tutto si atrofizza e la glaciale azione di avanzamento del nichilismo musicale trova il proprio spazio, coniugandosi con la vacua prosperità della luce, tra universi in discesa e onnipresenza del dolore, in una furia trattenuta a stento, mentre l’idea dell’inseminazione da parte del sangue si fa incombente. Una saldatura continua tra distorsioni e mantra psicotici, in un feedback che si ingrassa e diventa uno sciame in cattura. Una Genesi apocalittica, aristocratica nel non-colore, non legata alla religiosità effimera, bensì all’ubbidienza di un divino contemplativo, con il tempo che scorteccia e ingloba le carni, in cui tutto è cibo. Logorante, pressante, fastidioso e piacevolmente disagevole ai più, il brano di apertura palesa invece la bellezza del concreto, della contemplazione acida, dell’apoteosi del male, qui rappresentato da una foschia assassina.

Binah

Palude, lentezza degli arti, invocazione, pillole di suono con metastasi, navicella del tempo senza fari nell’universo: ci ritroviamo nel buio dell’inconscio, in un gioco di mostri e incubi al rallentatore, una fluorescenza drammatica e contagiosa, una messa nell’anfiteatro degli orgasmi puniti, con la teatrale enunciazione diabolica di Ardat, qui baritonale e dissacrante, robotico senza ansimare, mentre tamburi come croci si assestano nei gironi di un synth sacro e abbondante. È resa, è plenilunio, è contorsione, vita d’amore nella morte gentile…

Idolum

Ardat recita le ombre, in decadente prospettiva, con le note di un piano che sembra abbandonato ai piedi di un precipizio. Note sbavanti, vibranti, che giocano a far arrivare il recitativo dopo aver perlustrato le cicatrici, trovando rifugio in una caverna che svuota la musica e accende i simboli sanguigni, come catene che tatuano i respiri. Il punto apparentemente più accessibile dell’album diventa in realtà il fulcro di una creatività che qui misura l’imbarazzo di dover reagire a ciò che ha lacerato i battiti.

Sekhmet

Una fionda accoglie vibrazioni e brusii, le ombre puniscono creando orrore, terrore, spargimenti di suoni, in un setaccio che è una serie di ossimori in perlustrazione. Il nulla trova il proprio peso specifico tramite turbolenze di macchine che producono cavi elettrici e la lentezza ride beffarda. Di una bellezza oscena e maestosa, questa espressione artistica eleva il concept, stabilisce il contatto tra lo sguardo altrui e la propria fallacia, e il bisogno di divenire un dio che, smarrito, guida il proprio gregge verso il baratro…

Shalicu

Una gittata di raggi addomesticati conferisce a questa esplorazione il ruolo di esecutore materiale di una serie di omicidi, da quello del corpo a quello della mente, passando per i ricordi, in un’onda malefica che non abbisogna dell’abbondanza del ritmo. Un volo dell’identità, un messaggio che perlustra le convinzioni e si serve di lave sonore, schianti, fucilazioni, in una tensione a cui basta una nota roboante per generare paralisi. Implacabile processione, pressa il tempo e stimola spasmi illuminati da una concatenazione di nervi, con la voce come carta vetrata nuda, a spellare brandelli di carne, grattugiando i sogni, uccidendo anche loro. Cadaveriche, mefistofeliche, lussuriose, le corde vocali processano e diventano la lingua del serpente nel tempo della citazione…

Obeah

Eccola, la morte dell’abisso, la sua dolcezza, i suoi gesti francesi attraversare una teoria che si ritrova improvvisamente tra le mani una sequenza di accordi minimalisti, recitati da una voce femminile che crea uno iato tra la gravità e la leggerezza, ultimo bastardo inganno da perseguire, quasi un dono per chi ha viaggiato, resistito e vissuto questo incantevole Getsemani in cui ancora una volta si è vista la rappresentazione dell’inganno. In fondo, questo capolavoro è nato da una serie di morti e ha necessitato dell’arte fittizia per sublimare se stesso, garantendosi il trono eterno…

https://open.spotify.com/album/2szeebqDDzHM3YZQs4j1Kn?si=qOc1dGBeSwCvgCMl_xRcyw

La mia Recensione: Clan of Xymox - Clan of Xymox

 Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

26 Febbraio 2026

Clan of Xymox - Clan of Xymox

Captare il bisogno di cambiare i confini, diradare le tensioni per trasformarle in alveari personali, illuminare l'inquietudine e dirigerla verso cieli ombrosi è il segnale di una evidente separazione, in un tempo (la metà degli anni Ottanta) in cui molto stava rischiando di ammuffire, di imbruttire i regali di un movimento di pensieri recente. L’Europa fortificava masse obbedienti costruite su lacerazioni, inganni e bei vestiti…

La sensibilità, i denti stretti, i sorrisi dimenticati nella lavatrice condussero tre ragazzi a sperimentare scappatoie, giocando sugli strumenti per creare uno spirito horror da metabolizzare, infarcendo il tutto di illusioni, sequenze brevi ma dilatate, con le note come sacrifici postmoderni da definire con delay, echi e polvere grigia per poter appesantire, volutamente, le riflessioni.

 Una solitudine in cerca di uno spazio intimo. E le canzoni a volte sono una risorsa infinita ma definibile, in questo contesto, per liberare gli spazi da scomode abitudini. La ricerca del trio di Nijmegen fu meticolosa, assidua, determinata a fare dell’arte musicale un rifugio e non un richiamo, un rapportarsi alle proprie inclinazioni con la spavalderia di chi ha i luoghi, gli spazi e le mancanze giuste per non sprecare energie nei sogni di grandezza che nuocciono. I Clan of Xymox scrivono 8 brani per aprire un ventaglio di luce nel cielo che hanno di proposito abbassato, generando lampi e tuoni quasi muti, con lamenti affidati alle chitarre, e allucinazioni attraverso synth come scavatrici dell’anima, in costante connessione con i fondamenti della musica classica. 

Colpisce come la synthwave e la darkwave facciano del post-punk un ricordo da non considerare, dando lucentezza alle nuvole grigiastre di una realtà che abbatte l’aspetto onirico così tanto utilizzato nel recente passato. Si intuisce come la spiritualità venga considerata come un supporto da canalizzare nei fatti quotidiani, non come risorsa  bensì come un vestito da esibire, ma a cui non si dà troppa importanza. 

Le voci sono vernici, liquidi cavernosi in baritonale espressione ( Ronny Moorings) e sospiri al vetriolo (Anka Wolbert). Tutti suonano le tastiere, cantano e scrivono testi, un episodio raro di compattezza e intenti, con Pieter Nooten che contribuisce con le sue dita a dipingere gli interni di sentimenti imbottiti di malinconia.

John Peel li definisce autori di brani Darkwave, Ivo li fa firmare per la 4AD, dopo che una cena nella loro cittadina li porta a parlare con Brendan Perry e Lisa Gerrard: certe notti sono il primo vagito di un futuro che sta già incidendo la sua importanza. In questi otto lampioni nasce un imbuto, un infarto contagioso, il coraggio timido di perlustrare nuove modalità espressive, come un album in attesa di continuare altrove, in un altro momento… Tutto ha origine da un E.P. (Subsequent Pleasures) che suscita stupore e attira gli addetti ai lavori con spasmodica volontà di connessione. Il fatto che l'Olanda fosse in grado di avvicinare l'Australia e l'Inghilterra in questo modo è stata davvero una notevole sorpresa per tutti.

Le atmosfere rivelano le magnificenti propensioni eteree tipiche delle band inglesi di quel periodo, mettono in coabitazione riverberi, nebbia, pioggia, venti, per fare del romanticismo gotico un baluardo, un crocevia, una molla e una coperta sotto la quale proteggersi. L’equilibrio viene offerto dall’essenza della teatralità musicale di quel periodo, favorendo, piuttosto, una immersione in dilatazioni che sviluppano la descrizione di strutture letterarie, dell’alimentazione dell’esistenza verso l'alienazione più cruda e specifica.  Il caos, fattore determinante di questa arte, degli ultimi vent’anni, qui si inchina, se ne va e assiste inebetito alla proliferazione di migliaia di dettagli sparsi nei brani, come cellule in cerca di contatto senza alzare la voce, adoperando spesso la strategia del quasi silenzio per innaffiare le idee. Si spiega così come le canzoni che colpiscono più velocemente siano quelle da vivere nella propria soffitta, gelosamente, in quanto in grado di gratificare le lacrime con i giusti sogni…

Un disco credibile, che affossa totalmente la miriade di band colte ossessionate dal fare della musica un palcoscenico, cercando di arrivare alla condivisione per celebrare la propria capacità di convinzione. I Clan of Xymox vanno in direzione opposta: chilometri di intuizioni, di esperimenti, di attimi fossilizzati per catturare senza diventare obbligatoriamente loop e ingannevoli status quo, preferendo calibrare il lavoro di synth che avvolgono, delegando alla drum machine il compito di non spadroneggiare ma di limitarsi a essere parte di una semplicità complicata e commovente. Per fare dell'insieme degli strumenti un tappeto volto a procreare cristalli di vetri inesplosi e tuttavia ipoteticamente capaci di divenire lava.

Viene praticata la cultura di un’angoscia a due velocità, con l’intenzione di stabilire il punto di coesione tra la realtà e l’aspetto fittizio, per sviluppare osmosi e concretezza. I brani sono veicoli appassionati, ancora privi della elettronica dominazione futura della band, ma già forgiati da una malleabilità apparente, mentre, per essere sinceri, vincono i suggerimenti verso una lieve danzabilità, accordi e note suggerite più che esposte, per farci approcciare all’ascolto con la determinata volontà di abbinarci alle loro note. Un lavoro che dalla Mitteleuropa cerca e trova adesioni internazionali, arrivando a planare soprattutto negli Stati Uniti, con lentezza ma con un vibrante passaparola nelle solitarie dancing hall. L’aspetto gotico, ingannevole, di questo disco è in realtà una ghiotta occasione per mostrare come la musica della band olandese non abbia bandiera, non sia un baricentro bensì una possibile via di uscita e di fuga, un temerario balcone da cui osservare nuove inclinazioni e necessità. 

Ogni iniziale trasformazione induce alla pazienza, a un coinvolgimento rarefatto e lento, però, innegabilmente, i tre sanno come generare entusiasmi, candela in avanscoperta, tremori gioiosi mentre si piange inavvertitamente, con il mistero glaciale a sorridere.

 È come se la natura della coldwave avesse trovato una cugina, in una euforia moderata, che alla fine conduce alla gelosia e non alla possessione. Lavoro unico, uno stile riconoscibile, riferimenti abbondanti ma mai in grado di togliere dei meriti fanno di questa opera l'avamposto di  un futuro che i giovani avrebbero voluto abitare da almeno un paio di anni. La promozione, la condivisione, la profonda ambizione di essere cuccioli acquattati permetterà alla band tranquillità mentre i palchi incominciano ad aumentare, come la fitta adesione di nuovi seguaci.

I COX fanno intendere che non vi è bisogno delle chitarre generose dei Bauhaus e dei Sisters of Mercy o dei Red Lorry Yellow Lorry per donare e consentire alle pillole gotiche di permeare il mood di sorrisi decadenti. Più texture che riff, più accenni che presenza, per ottenere come risultato una maggiore flessibilità e adiacenza all’aspetto propositivo di anime che si vogliono diversificare avendo come profitto una maggiore inventiva. Il colpo geniale della chitarra acustica li rende credibili laddove si tende a escluderla aprioristicamente. La poderosa produzione consente ai brani di entrare in pellicole cinematografiche in bianco e nero, di diversi generi (dal drammatico, al giallo-suspense), sino a essere perfette anche come documentari, perché tutte le composizioni spalancano lo sguardo dando vita progressivamente a nuove immagini, spesso intrinseche. 

Il clima di trance conduce a ritornelli che osano l’orecchiabilità, ispirando l’ascoltatore a memorizzare distanze e vicinanze come un elogio alla creatività. Provare urgenza, moderazione, introspezione, sentimentalità, sempre all’interno di una genuflessione dell’allegria nei confronti del sudore malinconico è davvero impressionante. Canzoni come cubetti di ghiaccio nei quali si può sentire il battito del cuore ma non intravedere il benessere del respiro: in questa coesistenza (priva di forzature) si srotola un filo sottile fatto di moti notturni al riparo da ogni corruzione. Una prigionia l’ascolto, una robotica meccanicità la danza, con il risultato di un benessere improvviso, diverso, non decodificabile. Da qui parte una rivoluzione che conquisterà il mondo: ai Clan of Xymox va riconosciuto il ruolo di ebbri conservatori che cercano di grattare via la storia e fertilizzare giovani pruriti, scrivendo una pagina che non si è ancora consumata…

Song by Song

1 - A Day

L’inizio è una processione sonora, acqua che vola sul pattern motorio della drum machine, synth analogico che scruta l’orizzonte con nostalgia su note acute e un basso come un tuono alla ricerca del giusto cielo. Il suono diventa un manifesto gotico perfetto per la 4AD, s lacrime veloci su una valvola elettronica che sviluppa assiomi senza temere il consumo….

2 - No Words

Brano più complesso, con modulazioni costanti nella chitarra, con un giro armonico che suggerisce nostalgia e consapevolezza, con un cantato astuto nel rovesciare parole brevi, spezzando il ritmo e sollevando una polvere magnetica e magica. L'arrangiamento consente legami con l’Inghilterra della fine degli anni Settanta, con quelle modulazioni che abbracciano la leggerezza facendoci sprofondare nella dipendenza più assoluta. Anche le lacrime sanno danzare…. 

3 - Stumble and Fall

Si entra nell’intimità del rock meno governabile, tra dolcezze dandy e incastri di synth e della chitarra a cercare la voce che qui illumina di romanticismo un testo tendenzialmente attratto da una descrizione dell’esistenza destinata al dolore. Quando il registro vocale di Ronny si alza ecco che si ha l’impressione che tutto il brano aspettasse quel momento. Vicino all’inclinazione decadente di Momus e di Marc Almond, il pathos vocale inchioda la musica spingendola a generare una empatia clamorosa…

4 - Cry in the Wind

Probabilmente la struggevolezza aspettava questa canzone per divenire materia concreta.  Arpeggi tenebrosi si spostano nei giochi ipnotici di synth vellutati, il basso qui è asciutto, lineare, una macchina di fuoco a tenere l’insieme per avvertire calore e che necessita di mutazioni. La chitarra acustica dona la possibilità di sterili paragoni (The Cure, Essence), in quanto qui diventa una continuità poetica e non un mero aspetto tecnico musicale. Il finale è apoteosi amara, trascinante, definitiva, un delirio che ci riporta a quello di Is This Life? dei Cardiacs…

5 - Stranger

La paura, quasi amata, cercata, esibita, subita, che non conosceva opposizione di cui parla H.P. Lovecraft, trova nella prima parte di questo singolo tutta la sua potenzialità, un deserto di incubi rallentati, che conduce ai brividi più puri. Poi è delirio di ipnosi e flirt rapaci, uno scenario mutante, una lezione stilistica che fa della darkwave un nuovo ponte, un viaggio dalla pelle di serpente, in un camminamento notturno. La chitarra lascia sussurri, mentre il restante apparato musicale ambisce a creare aspetti visionari, tra un Morricone elettrizzato e un Moroder più consapevole. Sguardi, parole, passi, luoghi: un assemblaggio esistenziale cantato come fosse un ibrido, un brivido, una cieca e lenta dimissione dalla realtà. Suggeritrice, più che in grado di palesare forze, la canzone è un capolavoro di efficaci vibrazioni incolonnate….

6 - Equal Ways

Una ballad romantica in cerca di disegni oscuri, una lenta esposizione di cristalli opachi fa di questo gioiello un momento perfetto per accucciarsi, per evitare la danza e ritrovare un equilibrio psichico, sino a quando la drum machine disegna arcobaleni e fulmini sovrapposti, per trasformare questo nucleo in un monumento di passaggio, di consegne, un gioco delicato dove ritmo e armonia si studiano. Sublime…

7 - 7th Time

Il giro di basso, ripreso poi dai Madreblu nella canzone Primanotte, è un vistoso spartiacque stilistico, una porta che aprendosi concede nuove possibilità alla band olandese. Una di queste è lo splendido cantato di Anka, che spoglia la dirompenza di Anja Huwe e la rende umana. Il synth è un compagno di viaggio discreto, quasi votato al silenzio, ma quando si espone diventa micidiale. Tutto sembra essere percussione in cerca di supporti, una favola antica piena di interruzioni e di accelerazioni. Emozionante, sensuale, votata all’adorazione totale… 

8 - No Human Can Drown

L’esordio termina con una indagine testuale davvero interessante, profonda, mentre la quasi ballad gotica cerca spazi multipli, con un riverbero che copre gli ambienti pieni di spifferi, inglobando echi leggeri ma significativi. Un terminale evocativo, note esposte per imbalsamare, una tragedia tenuta quasi vicina a un dark pop che ispira affetto e attrazione…