My Review: Hallelujah Trial - Hallelujah Trial

 Hallelujah Trial - Hallelujah Trial

Review by:

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

1st November 2026

Debut Album of the year 2026

Hallelujah Trial - Hallelujah Trial

“The further a society drifts from the truth, the more it will hate those who speak it” – George Orwell

Returning to intimacy, to whispers, to slowing the pace of a stressful existence, without losing sight of reality. This can and must be achieved through the lens of consciousness, which probes and shifts everything towards a meaning that becomes complete.

Music succeeds in this; one need only listen to this stratospheric debut, of mind-boggling beauty – at once unsettling and comforting, slow, very slow – with nocturnal breaths that bestow life without one being able to fathom how. Songs that penetrate deep within, healing the soul through stories steeped in toil, hardship and tension, as if the working class still existed – the intellectual working class, to be precise – and through their writing deposited dreams and dramas to create a distant, non-parallel circuit. 

This is where English folk music comes into its own, with a view of the ocean and thoughts turning towards the distant American continent… In the tranquillity of these stripped-back compositions, devoid of sonic embellishments, there is no need for any intervention, for the genius lies in the DNA of simplicity – in this piano, in the guitar and in the voice through which it all unfolds, slamming the door in the face of any devilry that might seek to take root within this earthly hellish paradise.

Yes, certainly, to this apparent serenity created by melodies that feel like caresses, we must add lyrics that turn the soul inside out, that confide in you, that prove their strength through honesty and credibility – until, in the end, you realise just how many mirrors lie within them…

The two Liverpool musicians unwittingly pick up the trail left by Jacqui and Bridie, two teachers who gave voice to the hidden realities of a city so shaken by the Beatles’ success. Those two women brought current issues back to the fore, without hesitation, and so too do Tom Roberts and John Canning Yates, who, after twenty years of friendship, have unleashed the purity, the breeze of songs that travel slowly so they may be savoured, allowing every infinite part of them to be appreciated and cherished for eternity. The moods shift between folk and country, with a baritone voice reminiscent of Stuart Staples of the Tindersticks, when a semblance of cheerfulness visits the night…

These are stories that seek to become sound; they break free from the pages and soar into the evocative realms of simple chord progressions, refined arpeggios, and rhythms that caress the sand and mud, into the medley of colours that envelops it all to become a secular, incorruptible prayer, for this is what defines the evident maturity of pieces born to be an oil lamp against the storms of modernity. This duo is not afraid of appearing anachronistic; it does not seek crowds, tributes or acclaim, but rather prefers to let art do what it has historically done: to look after us by presenting a different path and approach, offering reflections and inspiration, whilst never denying that fiction and reality always go hand in hand. 

All moods tending towards melancholy, sadness, unease and much more are captured, whilst taking care to leave kilos upon kilos of positivity hidden between the lines – where there is room for true joy, the kind that makes a person balanced and honest. These are compositions that do not deceive; they plunge into everyday life, into dense afternoons, into nights where thoughts take the place of physicality, in which the narrative is always direct and makes no excuses.

Love, the first setback of dreams, in this debut album is above all self-respect, the need to stake out boundaries within which the freedom to act on one’s own needs is deemed unquestionable. 

Their musical score is a whisper of nature, the almost silent flapping of birds’ wings, and it’s incredible how the two musicians have managed to balance the excesses of what they depict with soundscapes that never detract from a sense of relaxation and contentment.

When the music enters the 1970s (in the track ‘While We May All’), one gets the feeling that Leonard Cohen has found the perfect grandchildren who let him sleep peacefully in his eternity: and it is pure emotion, a stream of tears travelling through the listening room to sow love and gratitude, in a bed of wet roses.

They decide to explore every season (the winter of *On Each Branch*, *Truth & Consequences*, *Joy Is The Aim* and *Together We Lost*), moving on to spring (*Flowers In The Room*, *Rain For Roses* and *Days*), the summer of *Ever Treat You Cruel Again* – sung a cappella – and the autumn of the remaining tracks. 

But it is not just the seasons (and therefore time…), but also constant explorations of the silences, the pauses, the dark corners of the mind, as if they were social workers on a mission to strip away adversity with songs capable of absorbing the darkness.

One experiences the pleasant sensation of exploring the roots of truth, of returning to school desks, attentive and well-behaved, of having, in these tracks, books to study, to bind carefully and to which to provide the necessary means to withstand any wear and tear. 

When tomorrow arrives (Days), we are reminded of who we are, of our time on earth, and all fear melts away; the darkness truly vanishes, as they say, and we reconnect with ourselves.

Tom and his distinctive voice act as the glue, whilst John anchors the encounter with ancient sirens that never cease to enchant and draw us in with movements inclined not towards noise but towards its opposite, like a rock that plunges from the city into the River Mersey to begin a long pilgrimage. Sonic gems like a ship, like waves, like rain, like bonds between poverty and dignity – here the protagonists of journeys where one finds solidarity through modesty, dispelling any impulse towards intolerance or violence.

It is an album that transforms an identity card into a passport to personal growth, leaving echoes of decades now overtaken by modernity – so as not to lose touch with one’s roots, and to offer solace to those (themselves foremost among them) who are entirely unfamiliar with these overwhelming lights and the chaos that obscures the true nature of humanity.

There will certainly be those who do not appreciate this old-fashioned approach, those who find it tedious, and those who will hasten to listen to something else: well, that’s fine; we have no need for people incapable of recognising that it is precisely these examples of musical art that can refresh us, bring us to our senses, and have the power to restore our passion and hope, whilst passing through X-rays that spare us none of the cruelty of behavioural and mental illness. 

Hallelujah Trial is an unexpected gift, a rainbow of the mind that arcs over the mist, the clouds and through the rain: it contains evocative, authentic tracks, with their own effervescence that is meant to be encountered, experienced and savoured whilst sipping a glass of red wine.

A gentle rocking, a mantra, a constant embrace that leaves no part of us alone: this is the power of this work, perfect for reminding us where we come from, whilst pointing out new lands to conquer on our map – first and foremost, the lightness that comes from knowing what to let go of within ourselves.

Songs for the bedroom, the pub, the garden and parties – with a guitar and people eager to sing about life without fear of judgement, with emotions like stamps that validate every possible feeling, because the two minstrels from Liverpool hold the key to what really matters within their creative minds…

https://hallelujahtrial.bandcamp.com/album/hallelujah-trial?search_item_id%3D4095304385%26search_item_type%3Da%26search_match_part%3D%253F%26search_page_id%3D5920081568%26search_page_no%3D0%26search_rank%3D1=

La mia Recensione: Hallelujah Trial - Hallelujah Trial

 

Recensione di:

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

1 Novembre 2026

Hallelujah Trial - Hallelujah Trial

“Più una società si allontana dalla verità, più odierà coloro che la dicono” - George Orwell

Tornare all’intimità, al sussurro, a rallentare i battiti di un’esistenza stressante, senza perdere di vista la realtà. Si può e lo si deve fare attraverso l’obiettivo della coscienza che sonda e sposta ogni cosa verso un senso che si fa compiuto.

La musica ci riesce, basta ascoltare questo debutto stratosferico, di una bellezza allucinante, scomoda e comoda, lenta, lentissima, con i respiri notturni che regalano la vita senza che vi sia modo di capirne la modalità. Canzoni che entrano dentro, stabiliscono la cura dell’anima, mediante storie pregne di fatiche, di stenti, di tensioni, come se esistesse ancora la classe operaia, quella del pensiero per essere specifici, e che con la scrittura depositasse sogni e drammi per creare un circuito distante, non parallelo. Qui entra in scena il folk inglese con la finestra che offre l’oceano e proiezioni verso la terra americana così distante… Nella pace di queste nude composizioni, senza maggiorazioni sonore, non c’è bisogno di alcun intervento in quanto la genialità sta nel dna della semplicità, in questo pianoforte, nella chitarra e nella voce in cui il tutto si apre, chiudendo la porta in faccia  a qualsiasi diavoleria che volesse prendere piede all’interno di questo paradiso infernale terreno.

Sì, certamente, in questa apparente serenità data da impianti di note che sembrano carezze, bisogna aggiungere testi che rovesciano l’anima, si confidano, si dimostrano forti nell’essere onesti e credibili che alla fine ti rendi conto di quanti specchi abitino al loro interno…

I due musicisti di Liverpool riprendono, inconsapevolmente, le tracce lasciate da Jacqui e Bridie, due insegnati che hanno dato voce alle realtà nascoste di una città così sconvolta dal successo dei Beatles. Quelle due donne rimisero l’attualità al centro, senza tentennamenti e allo stesso modo fanno Tom Roberts e John Canning Yates, che dopo vent’anni di amicizia, hanno liberato la purezza, il vento di canzoni che viaggiano lente per essere colte, per dare modo a ogni sua infinita parte di poter essere colta e accolta per l’eternità. Le atmosfere viaggiano tra il folk e il country, con la voce baritonale che ricorda quella di Stuart Staples dei Tindersticks, quando un’apparente allegria visita la notte…

Sono storie che cercano di diventare suono, si staccano dalle pagine e volano nei circuiti evocativi di semplici successioni di accordi, in arpeggi raffinati, in ritmi che accarezzano la sabbia e il fango, nella miscellanea di colori che avvolgono il tutto per divenire una preghiera laica, incorruttibile, perché questo è ciò che fa l’evidente maturità di brani nati per essere una lampada ad olio contro le bufere della modernità. Non ha paura questo duo di sembrare anacronistico, non cerca folle, tributi, consensi, preferisce, piuttosto, far fare all’arte quello che storicamente faceva: prendersi cura di noi presentando una diversa strada e modalità, offrendo riflessioni, stimoli, non negando mai che finzione e realtà viaggiano sempre insieme. Vengono presi tutti gli stati d’animo tendenti alla malinconia, alla tristezza, all’inquietudine e molto altro ancora con l’accortezza di lasciare chili e chili di positività nascosti tra le righe, in cui ci sia spazio per la gioia vera, quella che rende una persona equilibrata e onesta. Composizioni che non ingannano, si precipitano nella quotidianità, nei pomeriggi densi, nelle notti dove i pensieri sostituiscono la fisicità, nelle quali la narrazione è sempre diretta e non cerca scuse.

L’amore, primo infortunio dei sogni, in questo album di esordio è soprattutto il rispetto di sé, la necessità di piantare bandiere in confini nei quali la libertà di manovra dei propri bisogni sia ritenuta insindacabile. Il loro pentagramma è un bisbiglio della natura, ali di uccelli che sbattono quasi silenziosamente ed è pazzesco come i due musicisti siano riusciti a equilibrare gli eccessi di ciò che descrivono con impianti sonori che non negano mai il rilassamento e la Contentezza.

Quando la musica entra negli anni Settanta (nell’episodio While We May All), si ha la sensazione che Leonard Cohen abbia trovato i nipoti perfetti che lo lasciano dormire serenamente nella sua eternità: ed è commozione pura, una serie di lacrime che viaggiano nella stanza di ascolto per seminare amore e gratitudine, in un letto di rose bagnate.

Decidono di entrare in ogni stagione (l’inverno di On Each Branch, Truth & Consequences, Joy Is The Aim, Together We Lost), per arrivare alla primavera (Flowers In The Room, Rain For Roses, Days),  l’estate di Ever Treat You Cruel Again, cantata a cappella, e l’autunno delle rimanenti. 

Ma non solo le stagioni (e quindi il tempo…), anche ispezioni continue nei silenzi, nelle pause, nei luoghi bui della mente, come se fossero operatori sociali che hanno la missione di spogliare le contrarietà con canzoni che sappiano assorbire il nero.

Si prova la piacevole sensazione di esplorare le radici della verità, di tornare sui banchi di scuola attenti e ben composti, di avere in questi brani libri da studiare, da rilegare bene e a cui offrire i mezzi necessari per resistere a ogni logorio. Quando il domani si presenta (Days), ci si ricorda di cosa siamo, della nostra permanenza terrena ed è scioglimento da ogni paura, il buio davvero scompare come dicono loro e ci si riaccorda con se stessi.

Tom e il suo timbro vocale fanno da collante, mentre John stabilizza l’incontro con sirene antiche che non smettono mai di incantare e attrarre con movenze non inclini al rumore bensì al suo contrario, per essere una roccia che dalla città si tuffa nel fiume Mersey per iniziare un lungo pellegrinaggio. Gioielli sonoricome una nave, come onde, come piogge, come saldature tra la povertà e la dignità, qui protagoniste di percorsi in cui trovare solidarietà con la modestia, annullando ogni impulso di intolleranza o violenza.

È un album che cambia la carta di identità, diventando un passaporto per la maturazione personale, lasciando echi di decenni ormai surclassati dalla modernità, per non perdere le radici, per consolare chi (loro due per primi), non hanno dimestichezza alcuna con queste luci strabordanti e il caos che inganna la reale entità umana.

Sicuramente c’è chi non gradirà questa modalità antica, chi la troverà noiosa, chi si affretterà ad ascoltare altro: bene, perfetto, non abbiamo bisogno di gente incapace di riconoscere che sono questi gli esempi dell’arte musicale che ci possono rinfrescare, rinsavire, che hanno la capacità di ridarci passione e speranza, passando attraverso raggi X che non risparmiano la crudeltà della malattia comportamentale e mentale. Hallelujah Trial è un regalo inaspettato, un arcobaleno della mente che passa sopra la nebbia, le nuvole, dentro la pioggia: contiene brani umidi, credibili, con la loro dote di effervescenza che va incontrata, vissuta ed esibita mentre si sorseggia un calice di vino rosso.

Un dondolio, un mantra, una stretta continua, un abbraccio che non lascia nessun pezzo di noi da solo: è questa la forza di questa opera, perfetta per ricordarci da dove proveniamo, mostrando sulla nostra mappa di navigazione nuove terre da conquistare, prima fra tutte la leggerezza che è la conseguenza di sapere cosa abbandonare di noi stessi.

  Canzoni da camera da letto, da pub, da giardini, da feste con chitarra e gente vogliosa di cantare la vita senza paura di giudizi, di emozioni come francobolli che convalidano tutti i sentimenti possibili, perché i due menestrelli di Liverpool hanno la chiave dell’essenziale nei loro circuiti creativi…

https://hallelujahtrial.bandcamp.com/album/hallelujah-trial?search_item_id%3D4095304385%26search_item_type%3Da%26search_match_part%3D%253F%26search_page_id%3D5920081568%26search_page_no%3D0%26search_rank%3D1=

La mia Recensione: Moon Cowboy and Krissy Vanderwoude / surfboards and desert storms - the Mojave 3 covers

 

Moon Cowboy and Krissy Vanderwoude /  surfboards and desert storms - the Mojave 3 covers 

Recensione di

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

21 Ottobre

Quando incanti diversi si danno appuntamento su un pentagramma, può accadere che l’emozione e il beneficio siano un perenne sospiro, con le persiane dell’anima che lasciano entrare la luce nel cuore…

I Mojave 3, i Moon Cowboy e Krissy Vanderwoude sono i protagonisti di tutto ciò: un ep in arrivo venerdi che collega entità, personaggi della magia e fuoriclasse credibili per aprire cerchi, cavalcare l’idillio di incontri reali e ipotetici, con tre brani che furono scritti negli anni Novanta, diversissimi tra loro, capaci di farci immaginare l’ampiezza del cielo da parte della band di Neil Halstead, Rachel Goswell, Ian McCutcheon, Simon Rowe e Alan Forrester.

Tre gioielli che non sono stati scalfiti dall’interpretazione, dalla necessità di metterci altre dita e corde vocali, riuscendo a prolungare l’estasi e la fedeltà, il tutto condito da un sentito processo di autentico rispetto. Le canzoni scelte disegnano anche il perimetro del talento di Ricardo Fiel, completamente a suo agio in quanto volenteroso di proseguire il proprio preciso percorso artistico che ha stile, identità e riconoscibilità. Troviamo che la sacralità delle versioni originali rimane intatta, ma con una pennellata di colori più sottili, quasi schermati, per non marcare alcuna spavalderia, presunzione e altre sciocchezze.

No, qui assistiamo a un’apnea, a un quasi silenzio, a morbide espressioni shoegaze che raccontano sentimenti, dilatazioni, come se quelle “antiche” canzoni potessero sostenere una nuova giovinezza. Queste nuove versioni hanno soprattutto la capacità di trovarsi di fronte alle originali senza temere giudizi negativi.

Ricardo e Krissy aprono le loro ali, lasciano le loro impronte e le loro caratteristiche individuali in un dipinto che mostra come ciò che è perfetto può avere una sua derivazione, senza sminuire nulla. Accade raramente e quando si presenta in questo modo si può gridare al miracolo, prendere la gioia e farla sedere dentro questi solchi, senza vergogna. 

Le voci sono più nascoste, abbassate, ma la dinamica è  ineccepibilmente qualificata a mostrare non timidezza bensì una fermezza fluida, un circolo di impulsi governati dal suono, che si rivela essere più ampio.

Il linguaggio di questa produzione favorisce la calma, la ricchezza della base musicale che accoglie il cantato sorridendo, abbracciandolo, mentre un’onda emotiva fissa la delicatezza e la rende sovrana. Il folk, l’alternative country e il dream pop rallentato dei Mojave 3 viene trasformato in una passeggiata celeste, un viaggio a ritroso nel tempo, come se queste composizioni provenissero dall’Ottocento, con un restyling educato ma deciso. Krissy buca le nuvole da lontano, sorseggia timidezza per poi liberare il suo motore interiore, nel quale sono deposte devozione e riconoscenza per quel progetto e per i precedenti sotto il nome Slowdive. Mette un foulard alla voce e l’ascolto diventa lacrima, vibrazione, un inchino per questa sua sempre evidente volontà di non voler primeggiare o dimostrare chissà cosa: quando apre la bocca, quello che esce sono battiti, carezze, sogni trasformati in suono che ci educano a un’ascolto doverosamente attento, in quanto sentiamo tutta la sua gioia, maturità e una lunga fila di doti. Ritorna dopo un lungo periodo di assenza e ha trovato in Ricardo un lungomare dove poter lasciar andare le paure dentro il mare, ritrovando fiducia in se stessa. Un duo che è partito (direi molto umilmente) non da se stesso bensì dall’ambizione, dal mettersi alla prova, dallo sperimentare un processo lavorativo che avrebbe potuto facilmente farlo arenare.

Invece eccoli qui, lievi, densi, branchie ossigenate che donano la loro classe, facendoci tra l’altro riassaporare il gioco pericoloso dei paragoni. Spiace per gli inetti: alla fine ci ritroviamo con sei canzoni, sei storie, vicende, immensità con identità diverse attorno a un bicchiere di vino a ridere e ad abbracciarci per primi…

Il talento dei due artisti, lontani fisicamente ma abili nell’azzerare questa distanza, ci riporta nella condizione di considerare cosa sia davvero un preciso percorso artistico: regole, impegno, individuazione dei necessari distinguo, scelta dei mezzi e della modalità, per convogliare insieme in un luogo che diventa prezioso, utile e inattaccabile.

I brani selezionati offrono, da un parte (ascoltando gli originali), la certezza di come il tempo non sconfigga la bellezza e la validità, e, dall’altra (con le versioni proposte sotto la dicitura Moon Cowboy), la sicurezza che esista un’epoca e un luogo dove possa accadere che sogni, istinti, necessità di mettersi alla prova conducano al rischio, al pericolo del fallimento, finendo però per trionfare…

Chi, tra i seguaci del genere shoegaze, aveva storto il naso davanti a un’evidente diversificazione del percorso da parte di quei membri degli Slowdive qui avrà la sfrontatezza di pensare che avrebbero dovuto suonare in questo modo. Ma (sono certo che sia la maggioranza) chi ha applaudito allora quel passaggio stilistico oggi farà lo stesso per questa pubblicazione: un gemellaggio particolare, con la fisiognomica diversa, ma volutamente in grado di parlare la stessa lingua, quella del nutrimento dell’anima…

Non vi resta che mettere ogni comparazione in cantina e osservare, piuttosto, come da un quadro perfetto possa nascerne un’altro…

L’ep uscirà venerdì 23 Ottobre su Bandcamp

https://m.facebook.com/story.php?story_fbid=pfbid07rcpRD4ZsqCy3REjhjPSPRB96YVwY9NKFgj25iQC17Lf9K2tfmbGriJ2vYaLPJgUl&id=611835027

My review: Moon Cowboy and Krissy Vanderwoude / surfboards and desert storms - the Mojave 3 covers

 Moon Cowboy and Krissy Vanderwoude /  surfboards and desert storms – the Mojave 3 covers 

Review by

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

21 October 2026

When different enchantments come together on a stave, it can happen that the emotion and the joy become a perpetual sigh, with the shutters of the soul letting light into the heart…

Mojave 3, Moon Cowboy and Krissy Vanderwoude are the protagonists of all this: an EP due out on Friday that brings together entities, magical figures and credible stand-outs to open circles, riding the idyll of real and hypothetical encounters, with three tracks written in the 1990s, each very different from the others, capable of making us imagine the vastness of the sky through the lens of Neil Halstead’s band, Rachel Goswell, Ian McCutcheon, Simon Rowe and Alan Forrester.

Three gems that have remained untouched by the interpretation, by the need to add further hands and vocal cords, managing to prolong the ecstasy and fidelity, all seasoned with a heartfelt process of genuine respect. The chosen songs also highlight the scope of Ricardo Fiel’s talent; he is completely at ease, keen to continue his own distinct artistic journey, one characterised by style, identity and recognisability. We find that the sacredness of the original versions remains intact, yet with a touch of more subtle, almost veiled colours, so as not to convey any arrogance, conceit or other such nonsense.

No, here we witness a moment of stillness, a near-silence, soft shoegaze expressions that convey feelings and expansiveness, as if those ‘old’ songs could sustain a new youthfulness. Above all, these new versions have the ability to stand alongside the originals without fear of negative judgement.

Ricardo and Krissy spread their wings, leaving their mark and their individual characteristics on a canvas that shows how something perfect can have its own evolution, without detracting from anything. It happens rarely, and when it does in this way, one can hail it as a miracle, embrace the joy and let it settle within these grooves, without shame. 

The voices are more subdued, hushed, yet the dynamics are impeccably crafted to convey not timidity but a fluid resolve – a cycle of impulses governed by sound, which proves to be more expansive. The musical language of this album fosters a sense of calm; the rich musical foundation welcomes the vocals with a smile, embracing them, whilst an emotional wave captures their delicacy and elevates it to a state of supremacy. Mojave 3’s blend of folk, alternative country and slow-paced dream pop is transformed into a celestial stroll, a journey back in time, as if these compositions hailed from the nineteenth century, with a subtle yet decisive reworking. Krissy pierces the clouds from afar, sips at her shyness before unleashing her inner drive, within which lie devotion and gratitude for this project and for her previous work under the name Slowdive. She wraps a scarf around her voice and listening becomes a tear, a vibration, a bow to her ever-evident desire not to take centre stage or prove anything in particular: when she opens her mouth, what emerges are beats, caresses, dreams transformed into sound that teach us to listen with due attention, as we feel all her joy, maturity and a long list of talents. She returns after a long absence and has found in Ricardo a seafront where she can let her fears drift out to sea, rediscovering her self-confidence. A duo that began (I would say very humbly) not from within themselves but from ambition, from putting themselves to the test, from experimenting with a working process that could easily have caused them to run aground.

Yet here they are: light, dense, oxygen-rich gills that lend their own class, allowing us, amongst other things, to savour once more the dangerous game of comparisons. It’s a shame for the incompetent: in the end, we find ourselves with six songs, six stories, tales, vastnesses with distinct identities, gathered round a glass of wine, laughing and embracing one another first…

The talent of these two artists – physically distant yet adept at bridging that gap – brings us back to considering what a true artistic journey really is: rules, commitment, identifying the necessary distinctions, choosing the means and methods, to bring it all together in a space that becomes precious, useful and unassailable.

The selected tracks offer, on the one hand (when listening to the originals), the certainty that time does not defeat beauty and validity, and, on the other (with the versions presented under the title ‘Moon Cowboy’), the assurance that there exists a time and place where dreams, instincts and the need to test oneself can lead to risk, to the danger of failure, yet ultimately triumph…

Those among the shoegaze faithful who turned up their noses at the obvious shift in direction taken by those members of Slowdive will now have the audacity to think that this is exactly how they should have sounded. But (and I’m sure this is the majority) those who applauded that stylistic shift back then will do the same today for this release: a unique pairing, with a different appearance, yet deliberately capable of speaking the same language – that of nourishment for the soul…

All you have to do is put any comparisons to one side and observe, instead, how one perfect picture can give rise to another…

The EP will be realised on Friday 23 October on Bandcamp

https://m.facebook.com/story.php?story_fbid=pfbid07rcpRD4ZsqCy3REjhjPSPRB96YVwY9NKFgj25iQC17Lf9K2tfmbGriJ2vYaLPJgUl&id=611835027

La mia Recensione: Federale - Love & Other Lies

 Federale - Love & Other Lies

Recensione di:

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

18 Ottobre 2026

Data di uscita dell’album 30 ottobre 2026

Federale - Love & Other Lies

«I film sono una fucina di maghi: ti permettono di costruire una storia con le mani.»  

Mario Bava

Presenza e immaginazione comportano da sempre una condizione di instabilità, una piccola infelicità garantita, un’esplorazione che scavalca il senso e l’utilità. Ma sono necessarie, in quanto si tratta di un’instancabile condizione umana. L’arte ne fa il suo covo, mantra e direzione. Il cinema, la fotografia e la musica in questo stabiliscono un contatto serrato, fertile, la certezza che il reale e il concreto siano suscettibili di pause, rivalutazioni e immersioni in altre zone non del tutto toccabili. Quando a tutto ciò si aggiungono trame, sentimenti, la vita reale in cerca di una fuga, ecco che si realizzano opere di immensa bellezza, tensione, i non luoghi e le figure proiettate nella mente assumono il controllo e diverse dimensioni coabitano dentro di noi.

Con il nuovo progetto della band Federale troviamo, tra le altre cose, i seguenti elementi: un fascio di brividi, slanci, freni, drammi, l’incantevole sensazione di un film che si trasforma nella pellicola di una vecchia macchina fotografica, dalla quale escono all’improvviso musiche e una voce a disegnare questa illuminante situazione. 

La mente si impossessa dell’impossibile, dell’infinito e l’album manifesta la forza di un tendone da circo che, privo di animali ma pieno di anime che provano a connettersi con l’emisfero celeste, ospita il loro divagare, benedetto da storie in cui ferite e sogni hanno lo stesso peso. Il tempo diventa un’incosciente massa di meteoroidi, destinati a non raggiungere mai il pianeta Terra, a non trasformarsi in meteoriti.

 Questo accade con l’ascolto di questa immensa nuova opera del bardo di Portland, Mr. Collin Hegna, mai dimentica della storia iniziata nel 2007 con La Rayar: A Tale of Revenge e proseguita senza soste, per illuminare la coscienza e il suo opposto, per trasformare l’ascolto in una proiezione di immagini piene di polvere, sangue, torture mentali, scenari di ambasce e sottili malinconie in cerca di abbracci. Tanti anni sono passati, il tappeto musicale colmo di gothic-western ha accolto altre modalità espressive e in questo nuovo appuntamento tutto è perfettamente coniugato, come se nell’esplorazione il punto fisso fosse proprio non dimenticare nulla.

 Canzoni che sembrano avvicinarsi maggiormente alle molteplicità della psichedelia, quella che traduce i raggi solari in sensazioni multiformi, con annessa la volontà di trasferire il proprio bagaglio temporale degli anni Ottanta nei giorni nostri, senza plagi bensì con un grazie e una riconoscenza liberi di avere un proprio spazio di creatività. Si scopre, infatti, durante l’incantevole ascolto, quanti chilometri la scrittura abbia percorso, attraverso un’evoluzione che non disdegna un pudico approccio a canzoni con l’abilità di essere catchy, volendo però conservare quella magnetica oscurità che da sempre contraddistingue la band americana. 

Aperture melodiche più ampie, una collettiva abilità di fare delle singole parti di appartenenza il bisogno di incrociarsi con le altre. Si spiega così questa illuminazione dei paesaggi, delle storie scritte come sempre con grande maestria da Collin, in perenne contatto con l’attraversamento mentale e fisico che parte dalla sua città e come sempre arriva in Europa. Ma, ed ecco la sorpresa e lo stupore, non vi sono solo le antiche sue fascinazioni per il genere giallo, l’horror, il cinema di grandi registi italiani, piuttosto la capacità di entrare in luoghi poco perlustrati, con le avventure che si riempiono di nuove figure, nuove perlustrazioni e l’intenzione (quella sì, come sempre) di rendere fisiche le vicende raccontate. L’Indie Rock consente una maggiore leggerezza dell’ascolto, mentre il rock psichedelico mette nella mente nuove valigie, con il risultato di una gioia che illumina il cielo pieno di nuvole grigie: una condizione che permette di conservare la tensione di questo combo, allenato a contenere benissimo le diverse condizioni tematiche, le contraddizioni, avendo l’intuito di trasformare possibili contraddizioni in un percorso lineare, donando magia, in modo totalitario…

Incontrare la fusione tra le radici acustiche della musica folk e country americana e la riservatezza della vecchia Europa, tra cambi di ritmo, scenari e attracco alle storie raccontate, palesa nuove e indubbie qualità, un mix concreto che permette alle composizioni di abbracciare la fiumana di elementi a disposizione, rifiutando solo in parte le zone colme di positività del country in modo particolare, per esibire la sicurezza di una vulnerabilità che non conosce paure. Nuova magia, nuovo colpo di scena… Non ci troviamo innanzi a delle murder ballads vere e proprie ma ne sentiamo l’odore, con il marcio che non vuole conoscere l’abbandono, regalando rispetto e comprensione. Le chitarre, più taglienti rispetto al passato, sono il bisturi che trova la verità, il ritmo dato dalla sezione ritmica basso e batteria è il vestito di piombo pieno di impreviste agilità, le tastiere sono sibili melodici piacevolmente ingannevoli e capaci di trasferire il tutto verso l’interno della nostra incoscienza.

Rimane intatta la ribellione mascherata, la lunga fila di segreti che la musica di questa formazione ha sempre avuto la priorità di conservare,  un diadema illuminante per gli ascoltatori pieni di una vista profonda.

 Questo album gioca con i ruoli, responsabilizza, come se fosse un lavoro che non permette sbavature nelle attenzioni: ogni secondo richiede impegno e la volontà di memoria. I riferimenti, a cui accennavo prima, sono sì evidenti, ma occorre stare attenti in quanto Collin è il maestro che trasforma lo studio in una nuova via di percorrenza, un trascinatore equilibrato che mentre scrive indaga, immagazzina, certifica ciò che deve rimanere puro distinguendolo da quello che deve essere toccato, e conduce l’arte della musica in un complesso abitacolo che sfreccia, con consapevolezza, tra i tre cardini del tempo: passato, presente e futuro. Il lavoro sullo stile è maestoso, riconoscibile, e in questo aspetto i vecchi amanti della band possono essere felici. La narrazione, da sempre il punto forte e riconoscibile, qui accoglie smussature, cambi di direzione quasi minimali, un piccolo foulard posizionato sopra il bavero della giacca, che non appesantisce, piuttosto fa l’esatto contrario. Entrano, dunque, l’inanità e la vaghezza, in un assemblaggio mai violento ma deciso, che esprime perfettamente l’ampiezza di capacità e vedute di questo sestetto.

 Quando il torpore ipnotico indotto dalla sezione ritmica mostra il suo volto, ecco che la musica spalanca maggiormente i suoi riflessi, diventando una slavina coinvolgente, priva di ogni disastro ipotizzato: ed è nuova magia… Paradisiaca è la sensazione di toccare l’aspetto brumoso di queste canzoni, facendoci sfiorare le parti musicali che specificano il senso di abbandono, facendo convivere la mestizia in modalità pervicace, trascinando il tutto nei confini lisergici di cui questo diadema di note è colmo.

Non lo si può collocare, questo progetto, nell’individuazione totale delle parti di cui è pregno: canzoni come una corsa che deve distanziarci, le doverose pause che però non ci consentono di raggiungerle fanno di questa ineluttabile verità una bellezza che nemmeno si sfiora ma si percepisce, donandoci perfettamente la gioia dolorosa della consapevolezza che esista sempre una distanza tra l’arte e la vita umana. 

I Federale scrivono un romanzo con le parole in grigio su sfondo nero: occorre allenare la vista a resistere, i sensi a essere martoriati dolcemente, e abbandonare per sempre l’idea che si possa decidere con il proprio gusto se “merita” o meno di rimanere in noi, perché Love & Other Lies sotto questo aspetto è tremendo, cattura e immobilizza ogni rifiuto, divenendo un atto artistico di cui cibarsi in continuazione… Musicalmente assistiamo a un abbraccio, sistematico e prolungato, nei confronti di una clamorosa forma di accoglienza dei generi, un crossover ordinato, pulito, in grado di conservare stile e concetti, con la volontà di sottolineare la propria identità e non solo di essere di supporto a questi testi ammalianti e coinvolgenti.

 La personalità delle note e la loro struttura spostano di molto il baricentro rispetto ai lavori precedenti, confermando ciò che l’ormai penultimo album aveva sussurrato: la band sta camminando verso nuove prospettive, è cresciuta nella padronanza della visione d’insieme, generando un tutt’uno che rapisce e conquista. Notevoli e dominanti si rivelano essere il suono e la produzione: non solo la cura dei dettagli ma la disciplina con la quale tutto si palesa ci resoconta di scelte, pulsioni e determinazioni che offrono un’agglomerazione incline alla perfezione.

Ci si ritrova su un palcoscenico calpestato da un tenebrore perfetto, la vera pellicola che avvolge queste composizioni, come una manifestazione solenne in cerca di una spiritualità evocativa, in coerenza con le tematiche e le maniere in cui esse sono sviluppate. Il mistero e l’introspezione regnano sovrani, in modo viscerale, in vortici nei quali finiscono le nostre attenzioni.

 La potenza, struggente, di questo fascio musicale, ci conduce alla  magnetica sensazione di vivere nei pressi di uno spazio abissale, del quale la band ha un controllo assoluto. Tale vaticinante esperienza fa sì che si possa immaginare un futuro nel quale questa formazione continuerà su questa via: dare alla musica una forma intellettuale, una preveggenza, significa aver catturato il destino, e la qualità dell’insieme non può che sbalordire.

Meritano, ovviamente, un capitolo a parte la voce e il cantato di Collin Hegna: il suo baritono noir con scintille gotiche rimane, conforta e ci fa godere per le sue brillanti dosi di potenza e abilità. Però in questo album aggiunge la maestria nell’alleggerire le tragedie, con una narrativa che seduce le corde vocali e le trasforma, ogni sillaba pesa, la sensualità diventa una forma di libertà, aggiungendo tensioni ma con rilassatezza, sapendo allungare le vocali alla fine dei versi, quando è necessario.

Abile con gli accenti, con i toni, ha lavorato molto sull’inspirazione e sulla ritmica. Come un attore noir sul palcoscenico della teatralità, recita i versi più che cantarli, donando in tal modo scioltezza, convinzione e la sensazione che non ci sia un corpo fisico dietro tutto questo, bensì una serie di spiriti che si schierano davanti al microfono.

La quota di eleganza oscura crea dipendenza, come se fosse un impasto di cantanti a cui si offre la nostra devozione: lui li riassume, li potenzia, poi li abbandona e ci ritroviamo al cospetto della sua originalità. Spesso, in questi episodi, ci si accorge di come lo studio di registrazione sia solamente l’avamposto di uno spettacolo che le sue abilità svilupperanno sul palco in futuro. I Federale sono assolutamente una delle poche realtà musicali che ti fanno già immaginare come le canzoni registrate potranno essere modificate durante i live per scelta e non per difficoltà logistiche…

Si diceva di una maggiore propensione pop: non un’offesa, non una negazione delle radici, quanto piuttosto un’intrigante e probabilmente voluta capacità di dare alla scrittura un nuovo respiro, e lo si capisce soprattutto nei brani con un ritmo più veloce, nei quali le frasi ripetute, il rimanere su un periodo breve ma precisato, fanno affluire una maggiore intenzione all’aspetto mnemonico, rendendo l’insieme ficcante ed entusiasmante.

Echo & The Bunnymen, Electrafixion, The Mission, The Psychedelic Furs, Daran et les chaises, Jay Munly, Lilium, Amigo the Devil, The Dead South: per motivi diversi tutti questi artisti hanno aspetti in comune con questo album (soprattutto nella modalità di scrittura dei testi e nei parametri cinematografici), facendoci intuire come tanta apertura e volontà di presenziare in periodi e luoghi diversi siano una qualità innegabile di questa band.

 Le melodie, le percussioni e gli arrangiamenti finalizzano molto bene ciò che sembra apparire: un viale alberato che insegue gli eventi, tra ostilità, aggressioni, storie cupe e battaglie (mentali e fisiche) che l’ensemble risolve con la descrizione e le ali che offre ai protagonisti. La magia ritorna, come ben vedrete, per l’ennesima volta.

Si rimane di stucco quando, dopo diversi ascolti, ci si accorge di come le melodie dipinte siano costantemente in grado di creare voragini, in quanto imbevute di storia, di lavoro, di un’encomiabile resistenza, rendendo possibile l’innamoramento più profondo: è il tempo, il circolo vitalizzante, che affianca l’intelligenza, il miglior amico di queste gemme.

Ora andiamo nel nucleo, soffermiamoci e inchiniamoci al loro nuovo progetto, che tante soddisfazioni darà a chi vive la musica come un atto conoscitivo e contemplativo…

Song by Song

1 - A Strange Vice

L’oscurità, i vizi, i conflitti, la dualità e la consapevolezza inaugurano l’album, facendoci sentire la bellezza di un assolo di chitarra che prende la strofa e la rende perfetta, tra rock del nord e del sud americano, sino ad atterrare in Europa con la tastiera, abile nel guidare le pause, per arrivare al ritornello, qui, saggiamente, centrato sulla frase che apre il brano e rimane in circolo, come una dolcissima ossessione. Emblematico esempio di come gli esordi della band  in questo nuovo esercizio artistico trovino solo un accenno, mostrando l’acqua passata sotto i ponti ma con una giovinezza data dal suono, dai cori, dalla luce che attraversa i versi e i grappoli di note. La si balla, la si canta, in una corrosione dei sensi sublime, un loop che ci fa accapponare la pelle e ci fa sorridere. Suona come una country song infettata dal dolore, arricchita da strumenti che spingono verso una corsa inarrestabile…

2 - Thick As Thieves

Prima vera sorpresa: da Portland a Liverpool non è una passeggiata semplice… Ma il gruppo statunitense si immerge nel vapore psichedelico dei Bunnymen (anni 90) e compone un dado colorato che stravolge l’idea che ci si poteva fare del loro songwriting. Eccoci innanzi a un ritmo sincopato, il drumming potente ma melodico, la chitarra, sia ritmica che solista, a fare da vigile, a spostare le abitudini e a crearne delle nuove. Ne giova molto il cantato, libero di interpretare le diverse condizioni stilistiche per dare spazio alla fantasia evocativa. Testo illuminante sulla sincerità, sugli schieramenti, sui nemici, con un candore che è tutto fuorché debolezza e arrendevolezza: Collin scrive un trattato bellico corposo e condivisibile, attraverso immagini che chiariscono quale sia la distanza reale tra le persone.

3 - Kill The Rabbit

Nella tossicità di questa scrittura criptica ma dall’odore di grande amarezza assistiamo al magico incontro tra Wayne Hussey, Ian McCulloch e lo stesso Collin. Poi, quando la tastiera si mostra, tutto diventa trascendenza, assenza, incubo ipnotico melodico, esperienza radioattiva… Il drumming accenna, rimane con la sua modalità a farci muovere, mentre l’involucro sonoro ci paralizza, ci seda, ci rapisce. Si spara, ci si ferisce, si corre, mare e cielo dialogano su come accogliere i protagonisti di questo episodio, mentre alla fine ci si accorge di come poche note possano creare trambusto e fedeltà. Scuote, e pure molto, il terzo episodio dell’album, mentre già capiamo che stiamo assistendo a una dimostrazione di forza che non abbisogna di trucchi, watt e distorsioni. E alla fine le ferite sono ancora più profonde…

4 - No Cure

Quando Collin parla di distanze, qualunque esse siano, è davvero strepitoso e unico… Tra pillole Post-Punk e Psychedelic Pop, questo quarto momento ci mostra la perfetta dinamica del suono, l’ampiezza dei riferimenti, l’asciuttezza della melodia, con questa melanconia che si francobolla al petto. Un senso di coralità riempie gli spazi: anche durante la strofa (quando la voce viene messa in risalto), si sente come il treno che sfreccia sotto le corde sia quello di strumenti compatti, che lavorano convintamente per creare una struttura che possa sostenere il percorso della storia qui rappresentata. Echi dei Fields of the Nephilim (più magri…) spostano di molto il confine e il condimento di questo pezzo, così eclettico, spavaldo, energetico e soprattutto straordinariamente capace di bilanciare tutti gli elementi che lo compongono.

5 - Sad Machine

 Traccia che pare richiamare la Sacra Bibbia, per il suo immaginario e la sua movenza, con uno scritto che si associa al cantato mentre la musica crea vulcani nel deserto, a passo lento, attraverso stratificazioni, inserti che donano la sensazione, come uno spettro reale, di essere guidati nel tempo lontano, e che dimostra ancora una volta come ciò che più è congeniale a questa band è portare la clessidra in periodi e luoghi distanti dalla contemporaneità. Geniale la lentezza del brano che si ingrassa strada facendo con inserti minimalistici ma concreti. Un graffio continuo mediante una chitarra grattugiata marca sin dall’inizio questo gioiello musicale così vicino ai Wovenhand come stile, per poi trovare una propria epicità che si conferma essere quella di certe scene dei film di Sergio Leone…

6 - Fear Naught

L’uomo maturo forse è quello che vince la paura. La composizione documenta questo importante traguardo, con i nemici che cadono davanti a questo essere umano saggio, fermo, spavaldo e libero. Così è la musica, missile ragionevole, fatto di chitarre che incrociano le epoche e i generi (tra Darkwave, Post-Punk e una parte di Kraut rock), per rovistare nel lato oscuro del pop. Sensuale e trasparente, convincente nella sua brevità, anche se vorremmo che durasse dieci minuti…

7 - I Want A New Drug

La prima delle due cover è la più strabiliante: cambia i connotati, il senso, la modalità, e ci porta maggiormente nel garage rock sospeso di band inglesi della seconda parte degli anni Sessanta. L’abbinamento vocale tra voce maschile e femminile si rivela perfetto, mentre la chitarra graffia le pareti e ci fa intendere come Huey Lewis potrebbe essere davvero felice di questa operazione di restyling del suo pezzo. Rivela, tra le altre cose, come il basso abbia uno spazio che contrappone la sua cupezza alla radiosità degli altri strumenti, finendo per essere un ottimo espediente per generare maggiore fluidità e interesse…

8 - The Score

L’uomo da sempre cerca la ricchezza, e la corsa all’oro non è da relegare solo all’Ottocento… Qui vediamo connessi il passato e il presente con Collin che alza il registro della voce, pulendola, e la band scartavetra il blues del delta con dei piccoli accenni, mentre il ritmo pare essere quello di un’auto che procede senza perdere la rotta: tra neo-psichedelia e lo spaghetti western, assistiamo a un brano che odora di pellegrinaggio. Stupendo sentire l’unione tra la chitarra acustica (ritmica) e quella elettrica, con la seconda che arpeggia e produce piccoli assoli. La voce è vellutata, calda, e l’impianto indie-rock mostra la sua piacevolezza nel connettersi con la band…

9 - It Ain’t Easy

Il brano di Ron Davies (reso noto da David Bowie) viene trasformato in un circo dove una base western piena di collant gotici cerca l’abbinamento con uno spirito soul che si sposa perfettamente con il testo e la voce di Collin. L’inizio riporta i Sixties nel cuore, e poi via, un perfetto incrocio di propensioni e tensioni degli anni Novanta trova nel ritornello il modo di rivelarsi. Tutto ciò dimostra che non è una vera cover, bensì l’apertura della loro ricerca stilistica, ambientata e sviluppata in questo paradiso infernale che è Love & Other Lies. Da questa versione si comprendono certi momenti di Ocean Rain degli Echo & The Bunnymen: i Federale ampliano, approfondiscono, abbracciano il Duca Bianco per pochi istanti e poi  piantano un’altra bandiera sul terreno di questo lavoro…

10 - Hey

La conclusione è strabiliante, effervescente dimostrazione di come la psichedelia utilizzata a un certo punto della carriera dagli Animals e dai Beatles, ripresa poi dagli Echo & the Bunnymen e dai Cast, abbia in questo brano il degno erede. È commovente la quantità di particelle malinconiche che fuoriescono da questo laboratorio nel quale i componenti vengono strutturati per contemplare l’ampiezza del cielo. Il cantato pare l’approccio amoroso di un gatto che cerca di svegliare le altrui attenzioni, riuscendoci, per via di tecniche che sottolineano accenti e modalità secche, senza sbavature, con la chitarra che scava nei meandri del blues e si esibisce in un solo davvero efficace…

Perché comprare questo album

Di sicuro perché ricerca, qualità, costanza, tensione, stile, memoria e proiezioni abitano corposamente il tutto, generando riflessioni ed emozioni che, in un salone affollato di protagonisti, riescono a regalare efficacia e mistero…

P.S.

Su Bandcamp avrete l’opportunità di ascoltare altri due brani, strumentali, che per suggestione, bellezza e intensità considero personalmente facenti parte del disco…

Album of the year n. 3

https://federalemusic.bandcamp.com/album/love-other-lies