mercoledì 30 marzo 2022

My Review: Sofsky - Sofsky

 My Review:

Sofsky - Sofsky

A pile of books, two encyclopaedias, the desire to light the fire of memories left to rest and an infinite need to listen to how the night sings songs to the heart.

These are years of electric torches, of neon, of unnatural illuminations that deceive and therefore hurt: I want the lights of lucubration and emotion coming from the sky.

I take my memory and pretend to be on a trip to Lugano, a town I really loved a long time ago, and I crouch down to listen, something that immediately becomes an experience of the senses flirting with each other without hesitation.

In this valley that seems like an ocean at high altitude, five souls completely satisfy me: their name is Sofsky and they have a degree in Beauty and Perfumes.

Because, when music is really beautiful, it smells of uniqueness, invigorating and strengthening the most intimate desires.

In these ten compositions, shades of blue dwell on the skin of grey, because softness and infinity meet melancholy and loneliness.

One jumps in one's seat since questions and amazement grow, in these diamond seconds full of edges softened with wisdom and skill, to convey the feeling that every moment can escape from our ability to understanding.

We should give the word 'delirium' a beautiful meaning: Sofsky modernise the terms because they govern everything that is stale, dirty, unimportant. 

There are sonorous embraces of decades and genres that like cunning wisemen show only hints: it is up to us to become truffle dogs and get our hands dirty to find the secrets of the art of the Lugano guys in depth.

And so, like a book that lights up the heart, in these electric shocks we find the colours of time, the flights of images that separate beauty from filth, we enter the tunnel of night light which illuminates the increasingly dull conscience.

You find yourself crying profusely, you dance like yellow sheep in front of the moonbeams, you reflect like human beings who are constantly brought to light  with this album and you lose yourself with tons of pleasure and spasms.

You listen to it and it seems that places arise in that moment after an earthquake that has silenced everyone. You continue to be silent but this time with shivers, a sensory act that is activated by these voices that are subtle and soft cramps, by this guitar and keyboards that are the queens of enchantment, by the bass and drums that specify everything like dancers with time firmly in their fists, in very capable hands.

Everything is refined, cultured, free, structured so well that it seems you are drinking a red wine produced by the vineyards of the clouds.

Small hints of electronic music give this work the specification of a spectacular debut, where the guitar reigns but without overdoing it.

In silent Lugano, this celestial identity and propensity to create miracles emerges, to close one’s being with the conviction that the true opening towards oneself is represented by the welcoming of all this.

Everything that seems familiar and well-known lasts very little: it is useless to waste time on quotations and comparisons, because we are fed by the show of a mountain swimming in the universal basin of clear and brilliant emotions.

Now in the silence of listening we can witness what sound and smell a monologue of sensuality and polite impetuosity has.

We visit these creatures as students with a stylus pen and the awareness that music is the only miracle that can be repeated without pause and that does not need invocations and prayers: Sofsky are a sign of peace in the belly of a night that through rich melodies electrifies and suspends anxiety.

Off we go then: because talking about perfect things is the right occasion to feel life again as a plain where the wind carries drops of sea and not only of lake...

Song by song

Sleep Cat

In just a few seconds the guitars and voices become streamers for a flight that with an initial Postrock, which includes a nice change of pace, glides towards the final coda with a resounding Shoegaze vortex.

Slowly Breaking

They are able to be versatile and surprising: this song is a poem that colours the skin, a classy performance for the ups and downs, the flights that bring us intense views full of nostalgia. Flavio Calaon's keyboards with Stefano Chiassai's guitar are a frenzy of light, where the other two members know how to delight us in an equally amazing way.


The richness of their talent leads us to open our wings, like a golden eagle that is capable of being gentle. Giona Mattei's bass is a polite but powerful witch, while Nicola Poretti's vocals remind us that one can do better than in the past: they manage to make shoegaze even more interesting by this method that gives it more pathos.


The hat flies high because of the emotion, the astonishment, the sense of lightness that embraces heaviness: in this seductive and powerful track, which includes a change that makes you cry like children who have been deprived of their jam, everything happens when there are two minutes and fourteen to go and you are catapulted with an initial Postpunk approach on a new planet. Then it's shoegaze guitars that show their beauty, in contrast with vocals that are Alternative, almost rock. A gem.

Her Shoes Are Wings to Fly

Mouth still wide open, the surprises continue with this song with a bitter taste, a lead arrow that pierces our fears. Undoubtedly their highest moment for the ability to combine their talent with their artistic planning. You can't resist this flash that takes in different musical genres and turns them into a blue, eternal diamond. 

Keyboards seem to suspend your breath, the guitar is a wound that like an oil painting suspends your fatigue, the rhythm section is simply perfect and vocals an extraordinary dreamlike experience.

Different Keys

Indie rock knows how to change its skin with the guys from Lugano and here it goes for a ride in the 90s and then jumps into the present with extreme ability. It's a track that expands our lungs and once again makes us feel the depth of the lyrics, which to tell the truth is such throughout the album. And falsetto, unexpected and soft, gives everything an elegant dress. Class.

Mon Ologue 

How beautiful is the intense amazement that we experience with the beginning: we are enraptured  by keyboards and vocals. Then, as if trip-hop could become less predictable, here it is associated with a guitar that is a drop of water in the air.

Origami Dog

Jeff Buckley's most secret postpunk appears in the first few seconds and then goes away like a Dreampop dance appearing in the beautiful Swiss mountains.

These guys know, have studied and have found their style, which is remarkable and gives joy and dreams.

Traces of Adorable from the album 'Fake' in vocals offer even more magic. Immense.

Tennis Table

Ask who Roxy Music, Can, Durutti Column were, and then look to Lugano: everything evolves to take a path of great excitement mixed with melancholy, a run that is first slow and then faster, and we find ourselves among the clumps of ecstatic grass. You can't be without this rich display of beauty.


For a moment we fly back to England, to the early 90s, when Shoegaze and Dreampop could coexist without problems.

As the last track of this gem, the atmosphere sounds like a "bye, see you soon", giving us a listening addiction that we bless.

Generous and heartfelt vocals cling to a music that, starting with a syncopated rhythm, reaches a lightness that makes us think.

A debut to be applauded continuously, a standing ovation more than deserved: come on, take your bags and have a nice trip in the mountain of dreams and thoughts that these five guys can offer with great generosity.

Alex Dematteis 



March 30th, 2022

La mia Recensione: Sofsky - Sofsky

 La mia Recensione:

Sofsky - Sofsky

Una pila di libri, due enciclopedie, la voglia di accendere il fuoco delle memorie lasciate a riposo e una infinita necessità di ascoltare come la notte canti canzoni al cuore.

Sono anni di torce elettriche, di neon, di illuminazioni non naturali che ingannano e che quindi fanno male: io voglio le luci dell’elucubrazione e dell’emozione provenire dal cielo.

Prendo la mia memoria e fingo una trasferta  a Lugano, cittadina da me amata molto in un tempo lontano, e mi accuccio nell’ascolto che diviene subito esperienza dei sensi che flirtano tra loro senza tentennamenti.

In questa vallata che sembra un oceano in quota ecco che cinque anime mi soddisfano completamente: si chiamano Sofsky e sono laureati in Bellezza e Profumi.

Perché quando la musica è davvero bella allora profuma di unicità, rinvigorendo e rafforzando le voglie più intime.

In queste dieci composizioni abitano sfumature di blu sulla pelle del grigio, perché la morbidezza e l’infinito incontrano la malinconia e la solitudine.

Si sobbalza sulla poltrona perché le domande e lo stupore crescono, in questi secondi diamantati e pieni di spigoli resi morbidi con sapienza e volontà, per poter dare la sensazione che ogni attimo possa scappare dalla nostra capacità di comprensione.

Dovremmo conferire alla parola “delirio” un significato bellissimo: i Sofsky modernizzano i termini perché governano tutto ciò che è stantio, sporco, privo di importanza. 

Ci sono abbracci sonori di decadi e generi che come astuti saggi mostrano solo degli accenni: tocca a noi divenire cani da tartufo e sporcarci le mani per trovare i segreti dell’arte dei ragazzi di Lugano in profondità.

E allora come un libro che accende il cuore in queste scosse elettriche troviamo i colori del tempo, i voli delle immagini che separano la bellezza dalla sporcizia, si entra nel tunnel della luce notturna che illumina la coscienza sempre più sopita.

Ci si ritrova a piangere copiosamente, si danza come pecorelle gialle di fronte ai raggi lunari, si riflette come esseri umani che nascono continuamente con questo album e ci si perde con tonnellate di piacere e spasmi.

Lo ascolti e pare che le località emergano in quel momento dopo un terremoto che ha zittito tutti. Si continua a tacere ma stavolta con i brividi, un atto sensoriale che viene attivato da queste voci che sono crampi sottili e morbidi, da questa chitarra e dalla tastiera che sono le regine dell’incanto, dal basso e dalla batteria che specificano il tutto come ballerini con il tempo saldamente in pugno in mani davvero capaci.

Tutto è raffinato, colto, libero, strutturato così bene che sembra di bere un vino rosso prodotto dalle vigne delle nubi.

Piccoli accenni di elettronica donano a questo lavoro la specificazione di un debutto spettacolare, dove la chitarra regna ma senza strafare.

Nella silente Lugano emerge questa celestiale identità e propensione a creare miracoli, a chiudersi con la convinzione che la vera apertura verso se stessi sia accogliere tutto questo.

Tutto ciò che ci sembra famigliare e noto dura pochissimo: inutile perdere tempo in citazioni e paragoni perché ci si ciba dello spettacolo di una montagna che nuota nel bacino universale di emozioni limpide e brillanti.

Ora nel silenzio dell’ascolto possiamo essere testimoni di che suono e odore abbia un monologo di sensualità e irruenza educata.

Visitiamo queste creature come studenti con la penna a stilo e la consapevolezza che la musica sia l’unico miracolo che si può ripetere senza fare soste e che non abbisogna di invocazioni e preghiere: Sofsky è un segno di pace nel ventre di una notte che attraverso melodie corpose elettrizza e sospende l’ansia.

Via allora: ché parlare di cose perfette è l’occasione giusta per sentire la vita ancora come una pianura dove il vento porta gocce di mare e non solo di lago…

Song by song

Sleep Cat

In pochi secondi le chitarre e le voci diventano stelle filanti per un volo che con un iniziale Postrock, che contempla un bel cambio ritmo, plana sulla coda finale con un clamoroso vortice Shoegaze.

Slowly Breaking

Sanno essere versatili e sorprendenti: questo brano è una poesia che colora la pelle, una esibizione di classe per i saliscendi, i voli che ci portano panorami intensi e pieni di nostalgia. La tastiera di Flavio Calaon con la chitarra di Stefano Chiassai sono un delirio di luci, dove gli altri due componenti sanno deliziarci in un modo altrettanto strepitoso.


La ricchezza del loro talento ci conduce ad aprire le ali, come un’aquila reale che sa essere gentile. Il basso di Giona Mattei è una strega educata ma potente, mentre il cantato di Nicola Poretti ci ricorda che si può migliorare rispetto al passato: riesce a rendere lo Shoegaze ancora più interessante per questo metodo che conferisce maggior pathos.


Il cappello vola in alto per via dell’emozione, dello stupore, del senso di leggerezza che abbraccia la pesantezza: in questo brano seducente e potente, che include un cambiamento che fa piangere come bambini ai quali si è tolta la marmellata, tutto accade quando mancano due minuti e quattordici alla fine e si è catapultati con un approccio Postpunk iniziale in un nuovo pianeta. Poi sono chitarre Shoegaze che mostrano la loro bellezza, con in contrasto il cantato che è Alternative, quasi rock. Un gioiello.

Her Shoes Are Wings to Fly

La bocca ancora spalancata, le sorprese continuano con questa canzone dal gusto amaro, una freccia di piombo che attraversa le nostre paure. Senza dubbio il loro momento più elevato per la capacità di coniugare il loro talento con la loro progettualità artistica. Non puoi opporti a questo lampo che accoglie diversi generi musicali e li trasforma in un diamante blu, eterno. 

La tastiera sembra sospendere il respiro, la chitarra è una ferita che come un dipinto ad olio sospende la fatica, la sezione ritmica semplicemente perfetta ed il cantato una esperienza onirica straordinaria.

Different Keys

L’indie rock sa mutare la pelle con i ragazzi di Lugano e qui va a farsi un giro negli anni 90 per poi saltare nel presente con estrema capacità. Un brano che allarga i polmoni e ancora una volta ci fa sentire la profondità dei testi, che a dire il vero è tale per tutto l’album. Ed il falsetto, inaspettato e morbido, dona al tutto un vestito elegante. Classe.

Mon Ologue 

Che bello è lo stupore intenso che viviamo con l’attacco iniziale: tra la tastiera e la voce siamo rapiti. Poi, come se il trip-hop potesse diventare meno prevedibile, accade che qui si associa ad una chitarra che è una goccia d’acqua nell’aria.

Origami Dog

Il Postpunk più segreto di Jeff Buckley appare nei primi secondi, per poi andarsene via come una danza Dreampop che si manifesta nelle splendide montagne svizzere.

I ragazzi sanno, hanno studiato e hanno trovato il loro stile, che è notevole e regala gioia e sogni.

Tracce di Adorable dell’album “Fake” nel cantato per offrire ancora più magie. Immenso.

Tennis Table

Chiedi chi erano i Roxy Music, i Can, i Durutti Column e poi guarda a Lugano: tutto si evolve per prendere un sentiero di grande effervescenza mista alla malinconia, una corsa prima lenta e poi più veloce, e ci ritroviamo tra i ciuffi di erba estasiata. Non puoi stare senza questa ricca dimostrazione di bellezza.


Per un attimo si vola in Inghilterra, all’inizio degli anni 90, quando lo Shoegaze e il Dreampop sapevano convivere senza problemi.

Come ultimo brano di questo gioiello l’atmosfera sembra un “ciao, ci vediamo presto”, per donarci una dipendenza dall’ascolto che benediciamo.

Un cantato generoso e sentito si appiccica ad una musica che, partendo dal ritmo sincopato, arriva ad una leggerezza che ci fa riflettere.

Un esordio da applausi continui, una standing ovation più che meritata: forza, prendete le valigie e fatevi un bel viaggio nella montagna dei sogni e dei pensieri che i cinque sanno offrire con grande generosità.

Alex Dematteis 



30 Marzo 2022

sabato 26 marzo 2022

My review: Emily Jane White - Alluvion

 My Review 

Emily Jane White - Alluvion

No one loves secrets so much as those who have no intention of keeping them.
(Charles Caleb Colton)

Here I am, as a loyal subject of Charles Colton: telling you a secret, sweet, valid, eloquent and wonderful, that lives inside a beam of orange and cobalt blue light.

Cobalt blue is a colour discovered in 1802 and this music contained in 'Alluvion' often seems to come from far away: an exciting and sensual event that can shock for its beauty and depth.

The girl from Oakland knows how to feed the stars of our dreams, how to be a fist that has knowledge of soft ways to communicate the abundance of her arguments and needs, human and not only artistic.

The content of this work ranges like a space shuttle in perpetual motion, busy because it has so much to give and there are so many places to deposit these enchantments that we banally call songs: it is much more than a collection of songs, much more.

She is a soul that strips itself bare, that investigates, takes note, reports with sounds and words the immensity of her feeling and understanding.

There is an acuity, a refinement, an unusual way of doing things that embraces particles that she colours with harmonious life: it may be her voice (a pure diamond that explodes in the heart) or her music (a continuous gentleness, like a single endless breath) and it may be much more, but here we are inside the mystery which makes us beautiful in each of the forty-four minutes of the album.

And in her seventh seal there is also room for her personal losses, traumas and difficulties, but hers is not a gift which leads us to reject them.

On the contrary: she has transformed everything into harmony and elegance, respecting herself and the listener by giving us her process of transformation.

She started off with folk music, but over the years she has gradually managed to bring together the need to add other elements in her sensitivity and artistic planning. 

And so the electronic part, pop, Dreampop and Shoegaze enter the grooves of "Alluvion".

The delicacy of her electropop is a masterpiece: it allows non-stop imaginative flights and smiles that convince the mind to grow.

What remains intact, as the lowest common denominator of her past, is her ability to be inclined to an intimacy that enables us to notice her, but without hurting her.

Because in Emily, strength and fragility coexist perfectly, like an enchantment that stuns and generates beautiful reactions.

In the record there is also room for death, covid, police violence and murdered women. Since there is also her wisdom and willingness to talk about the dark side of humanity: and he does it perfectly.

Now I am going to describe each of the songs included in this excellent stream of dense songs.

At the moment this is my favourite album of 2022. No doubt about it.

Song by song

Show me the war

It is war, with its streams of blood invading the breaths of those who remain alive, that opens the album: an elegant funeral march, between electronic music and a lump in the throat and vocals that are a beautiful bullet...


About the loss of someone, the second song shows how pain can be sung using a short melody, with the guitar capturing the sense of grief in a few notes, and then off to a refrain that opens the arms of solidarity.

Heresy (feat. DARKSHER)

A piano, then chords that get heavier, preceding the view of what is wrong, with a successful attempt to keep the drama in the short chorus. The song is like a gospel without a future, with an alarm siren of our conscience keeping us alert, while outside the cruelty continues and the piano, sadly, fascinates us...


With a folk start in the style of Amy Macdonald, Emily takes note of the pain of her surroundings but, as her great peculiarity, she leaves traces of drama in the music with a slight relief. She doesn't want to fatally wound us, she keeps us alive with a song that apparently seems to live within a vivacity that, given the lyrics, seems a forced act, for a beautiful window.

Body Against The Gun

A neofolk with the mask of a shiny carnival leads us to listen to a song that seems to move very well up to sparks of Heather Nova and Tori Amos, in a view where death shows us cold bodies and the silence is lit by an untiring piano.

The Hands Above Me

If the Cure were still melancholic they would have these guitars, while the doubled vocals tell of a held breath, of betrayals. As if Coldwave could meet sweetness, echoes of Darkwave held down with a pillow, while Emily addresses her America with a voice that is at once trembling and strong, with guitars that take joy away and leave it in the sky.

Mute Swan

Identities that change, questions that suddenly arise and here we are in Mute Swan, a subtle mantra with powerful and deep keyboards, narcotizing the sense of loss, with echoes of electronic music seducing the breath. Emily raises her voice register to the sky, while everything scratches the thoughts which become black boxes that would like to melt. And a knife sticks around with the support of this music like an elegant hypnosis...

Hold Them Alive

A song with bandages, shreds of trust that no longer scream, a walk started by a piano that meets a guitar that, terse and essential, explodes the anger slowly: there is no need for distortions because everything is already deposited in the lyrics. And only Nature remains to console us, to give us morsels of beauty. And this voice which flies in the heart like a pin that stings in a different way. But the end offers flashes of baroque music in a modern dress: here we can see how sadness can become attractive and beautiful!

Hollow Hearth

Micheal Nyman and Lorena McKennitt seem to embrace each other convinced that Emily is the right voice to sing this song, which is a list of generosity with a decadent breath, where the future dies almost immediately, using the softness of a melody that is a witch hidden in the Oakland bay.

I Spent the Years Frozen

The fire descends from the sky as if it were a bundle of violins and harpsichords with a renewed sound to be faced with an icy view in which to experience the daze of the senses. And it is a drama that the music, wisely, seems to conceal with its melodic variations. But you cannot always avoid holding back what is dramatic and so Emily gives her voice the role of opening our eyes.

Battle Call

The last track sounds like a shower to hide the drama of this world, knowing that in modern life there is nothing that can really cleanse the tragedies of this cruel existence. Drums and rich guitars ally themselves to a piano that flexes inside high notes, in a farewell march to the planet that reveals all the despondency that runs through our ignorance. A sumptuous and vehement way to say goodbye.

A definitely gothic album, intense, full of a conscience that frightens those who believe that the world is still a beautiful place and life an easy affair. Emily is a fairy who brings uncomfortable truths and does so with the ability to give music that knows how to mix drama and flowers of poetry. Meanwhile, all around, we are left with 'Everything that I see, life's blood raining down on me, no blind divinity justifies this to me'.

A masterpiece, it really is, travelling alone: let's not abandon it...

Alex Dematteis 



27th March 2022

La mia Recensione: Emily Jane White - Alluvion

 La mia Recensione 

Emily Jane White - Alluvion

Nessuno ama tanto i segreti quanto chi non ha intenzione di mantenerli.
(Charles Caleb Colton)

Eccomi, come fedele suddito di Charles Colton: vi racconto un segreto, dolcissimo, valido, eloquente e stupendo, che vive dentro un fascio di luce arancione e blu cobalto.

Il blu cobalto è un colore scoperto nel 1802 e questa musica contenuta dentro “Alluvion” pare provenire spesso proprio da molto lontano: una vicenda entusiasmante e sensuale che può scioccare per bellezza e profondità.

La ragazza di Oakland sa come nutrire le stelle dei nostri sogni, come essere un pugno che conosce modi soffici per comunicare l’ampiezza delle sue argomentazioni e necessità, umane e non solo artistiche.

Il contenuto di questo lavoro spazia come navicella in perenne movimento, indaffarata perché ha tanto da donare e moltissimi sono i luoghi dove depositare questi incanti che banalmente chiamiamo canzoni: è tutto molto di più che un insieme di canzoni, molto di più.

Emily è un’anima che si spoglia, che indaga, annota, riporta con suoni e parole l’immensità del suo sentire e capire.

C’è un acume, una raffinatezza, un fare inusuale che ingloba particelle che lei colora di vita armoniosa: sarà la sua voce (diamante puro che esplode nel cuore) o la sua musica (una gentilezza continua, come un soffio unico senza fine), e sarà sicuramente anche molto altro, ma qui siamo dentro il mistero che ci fa belli in ognuno dei quarantaquattro minuti dell’album.

E nel suo settimo sigillo c’è spazio anche per le sue perdite personali, traumi e difficoltà, ma non è un regalo il suo che ci conduce a rifiutarli.

Al contrario: lei ha trasformato tutto in armonia ed eleganza, rispettando se stessa e l’ascoltatore dandoci il suo processo di trasformazione.

Partita dal folk, mano a mano col passare degli anni ha saputo far confluire nella sua sensibilità e progettualità artistica il bisogno di aggiungere altri elementi. 

Ed ecco che la parte elettronica, il pop, il Dreampop e lo Shoegaze entrano nei solchi di “Alluvion”.

La delicatezza del suo electropop è un capolavoro: consente voli fantasiosi senza sosta e sorrisi che convincono la mente a crescere.

Rimane intatta, come minimo comune denominatore del suo passato, la sua capacità di essere propensa a una intimità che ci permette di notarla, senza farle però del male.

Perché in Emily convivono perfettamente la forza e la fragilità, come un incanto che stordisce e genera reazioni bellissime.

E nel disco trovano spazio anche la morte, il covid, la violenza della Polizia, le donne ammazzate. Perché esiste anche la sua saggezza e volontà di parlare del lato oscuro umano: e lo fa perfettamente.

Ora mi accingo a descrivere ognuna delle canzoni comprese in questo eccellente fiume di dense canzoni.

E al momento questo è il mio album preferito del 2022. Senza dubbi.

Song by song

Show me the war

È la guerra con i suoi flussi di sangue che invade i respiri di chi rimane in vita ad aprire l’album: una marcia funebre elegante, tra elettronica e groppo in gola ed un cantato che è una pallottola bellissima…


E sulla perdita di qualcuno la seconda canzone mostra come si possa cantare il dolore utilizzando una melodia breve, con la chitarra che con poche note cattura il senso del lutto e poi via per un ritornello che apre le braccia della solidarietà.

Heresy (feat. DARKSHER)

Un pianoforte, poi accordi che si appesantiscono, precedono lo sguardo di ciò che è sbagliato, con il tentativo riuscito di mantenere il dramma nel breve ritornello. La canzone è come un gospel senza futuro, con una sirena d’allarme della nostra coscienza a tenerci vigili, mentre fuori la crudeltà continua ed il piano, tristemente, ci affascina…


Con un attacco folk alla Amy Macdonald, Emily annota il dolore del circostante, ma come sua grande peculiarità lascia alla musica tracce di dramma con un leggero sollievo, non vuole ferirci a morte, ci tiene in vita con una canzone che apparentemente sembra vivere dentro una vivacità che, visto il testo, pare un atto forzato, per una finestra bellissima.

Body Against The Gun

Un neofolk con la maschera del carnevale più lucido conduce all’ascolto di un brano che sembra muoversi così bene fino a regalarci scintille di Heather Nova e Tori Amos, in uno scenario dove la morte ci mostra corpi freddi ed il silenzio è acceso da un pianoforte instancabile.

The Hands Above Me

Se i Cure fossero ancora malinconici avrebbero queste chitarre, mentre le voci raddoppiate raccontano di un fiato trattenuto, di tradimenti. Come se la Coldwave potesse incontrare la dolcezza, echi di Darkwave tenuta ferma con il cuscino, mentre Emily si rivolge alla sua America con voce tremante e forte al contempo, con le chitarre che portano via la gioia e la lasciano nel cielo.

Mute Swan

Identità che cambiano, domande che nascono all’improvviso ed eccoci dentro Mute Swan, un mantra sottile dalla tastiera possente e profonda, a narcotizzare il senso di smarrimento, con echi di elettronica a sedurre il respiro. Emily fa salire il suo registro di voce verso il cielo, mentre tutto graffia i pensieri che diventano scatole nere che vorrebbero sciogliersi. Ed un coltello rimane nei paraggi con il supporto di questa musica come una ipnosi elegante…

Hold Them Alive

Una canzone con le bende, brandelli di fiducia che non urlano più, una passeggiata iniziata da un piano che incontra una chitarra che secca ed essenziale fa esplodere la rabbia lentamente: non c’è bisogno di distorsioni perché è già tutto depositato nel testo. E non rimane che la Natura a consolarci, a donarci briciole di bellezza. E questa voce che vola nel cuore come uno spillo che sa pungere in modo diverso. Ma il finale regala lampi di musica barocca con un vestito moderno: quando la tristezza può divenire attraente e bellissima!

Hollow Hearth

Micheal Nyman e Lorena McKennitt sembrano abbracciarsi convinti che Emily sia la voce giusta per cantare questo brano,  che è un elenco di generosità con il respiro decadente, dove il futuro muore quasi subito, utilizzando la morbidezza di una melodia che è una strega nascosta nella baia di Oakland.

I Spent the Years Frozen

Il fuoco scende dal cielo come se fosse un fascio di violìni e clavicembali con un suono rinnovato per trovarsi di fronte uno scenario ghiacciato nel quale vivere lo stordimento dei sensi. Ed è un dramma che la musica, saggiamente, pare nascondere, con le sue variazioni melodiche. Però ciò che è drammatico non puoi evitare sempre di trattenerlo e allora ecco che Emily dà alla sua voce il ruolo di aprirci gli occhi.

Battle Call

Ed ecco che l’ultimo brano sembra una doccia per nascondere il dramma di questo mondo, sapendo che nella vita moderna non c’è nulla che possa purificare davvero le tragedie di queste esistenza crudele. Tamburi e chitarre grasse si alleano ad un pianoforte che si flette dentro note alte, in una marcia di addio al pianeta che rivela tutto lo sconforto che attraversa la nostra ignoranza. Un modo sontuoso e veemente per congedarsi.

Un album decisamente gotico, intenso, pregno di una coscienza che spaventa chi crede che il mondo sia ancora un luogo bello e la vita una vicenda facile. Emily è una fata che porta verità scomode e lo fa con la capacità di regalare musiche che sanno miscelare drammaticità e fiori di poesia. Intanto, attorno, noi ci ritroviamo con “Everything that I see, life’s blood raining down on me, no blind divinity justifies this to me”.

Un Capolavoro, lo è per davvero, che viaggia da solo: non abbandoniamolo…

Alex Dematteis



27 Marzo 2022

La mia Recensione: La Grazia Obliqua - Canzoni d'amore e morte e altri eventi accidentali

 La mia Recensione 

La Grazia Obliqua - Canzoni d'amore e morte e altri eventi accidentali

Roma, la Divina pigra dai gioielli sempre capaci di uscire dal suo ventre.

Roma, guardatela bene: lì il fato incide sulla volontà e combatte il silenzio con la sua propria luce cupa.

Roma, che spruzza acqua dentro i crateri neri del mondo che ruota attorno alla tragedia, sa ancora partorire angeli dai vestiti scuri senza per questo essere carnefici.

Dagli alberi pieni di ossigeno antico arriva La Grazia Obliqua, un combo che entra a contatto con la drammaticità e l’intelligenza portando a sé personaggi colmi di bellezza e valore, per poter percorrere le catacombe della superficie romana, spostando spesso anche i confini di questa volontà.

La loro musica è uno splendido stratagemma: come Maestri di parole e pensieri disposti ad essere lame di luce, si tuffano in suoni che partendo dal neo-folk rivisitato e corretto, galleggiano nell’art wave che seduce e la Darkwave che supporta quelle pesantezze inevitabili che devono emergere.

L’atmosfera permea il fiato di stupore e un’allegria che fanno i conti con la gravità del tempo, ma tutto è sostenibile perché streghe e maghi convivono lasciandosi in vita: è magia quella che sentiamo e che vediamo, come una cascata che prima di tutto pulisce le ferite e poi regala sogni.

E come i lasciti di una antica pergamena, i ragazzi romani raccolgono i silenzi ed i loro segreti per usare le mani come abili sirene che sanno uccidere la morte al fine di sedurre per l’eternità.

Michael Nyman, Philip Glass, Brian Eno sembrano i guardiani del loro suono, uniti nel consenso: la band ha una spiccata personalità che permette loro di navigare tra i generi musicali senza però lasciare orme evidenti, come ladri legalizzati solo per pochi attimi perché poi nel loro granaio la farina è prodotta da loro.

Canzoni come rifugio cristallino di un ritmo che si coniuga alla melodia con sapienza, dove la qualità regna indisturbata: non vi è rumore bensì luce che irradia forze deboli tremanti, come se tutto venisse messo su un palco e ad illuminarlo fosse il mistero della neve che canta parole cariche di sabbia africana.

La crescente oscurità che invece di terrorizzare consola, laddove l’intimità diventa la dolcezza di tragedie che mostrano il fianco, fa di questo album un rosario senza spine sul capo ma nello spazio sconfinato dei pensieri possiamo trovare tutto il dolore.

La forza espressiva raggiunge vette strazianti e si può toccare con mano ciò che è leggiadro e onirico, come se le melodie e le impalcature sonore fossero alleati per portare il sentimento di perdita che è francobollato sulla pelle di questo album.

Un’opera eclettica, fluida, peccaminosa e vorticosa, che si espande e offre mazzi di fiori dai petali dorati, usando la lentezza come il bacio ingannevole di un’epoca che da sempre soffia sulla capitale.

Andiamo ora ad aprire la pergamena, saremo Patrizi e Plebei con disagi moderni. Un po’ d’uva sulle mani e poi via: si va a mangiare la bellezza…

Canzone per canzone

Antro/ The meeting room

Come una fiaba musicale eseguita da Douglas Pierce (che troveremo più avanti), con il recitativo di Alessandro Bellotta (potrebbe starci il paragone con Emidio Clementi dei Massimo Volume, ma si rivela subito inappropriato) tutto vibra per poter essere sbalzato via da Alessandra Trinity Bersiani. Con il suo ingresso la musica cambia e tutto si fa lunare, sospeso e sensuale. E questo incrocio tra le due parti scivola via con un sottofondo elettronico sublime. Come una puntura a calmare le paure, il brano apre in modo sinuoso le telluriche ma lente danze.

L’ultimo sipario 

La Germania si impone: Kraftwerk e Daf, con il mistero degli altrettanto seminali NamNamBulu, e i Rammstein più melodici fanno da padrini a questa guerra, con il cielo che viene colpito a sangue da un testo magnifico per immagini, grondante silenzi che quietano ogni impeto. Il solo finale di chitarra ci porta il rock progressive dei Gonge alla mente e lo Space Rock per indurire il tutto in generosa abbondanza.

Landscapes (reanimated)

Roma si alza per andare a ballare: le vesti sono composte di seta color piombo, passi pesanti, la scia di suono che segue la scena per fare di questo brano l’eco lontano dei Camouflage inzuppati di inquietudine, tra beat elettronici e aperture improvvise nel ritornello. Qualcosa di soffice avanza, ma c’è sempre questa piacevole sensazione di una canzone che vuole inchiodare, lentamente, la disgrazia del mondo sulla croce. Il Synthpop pare timido, ma riesce ad ossigenare le vesti e a condurre il tutto verso la nebbia che protegge il groppo in gola.

Fall Apart 

I ragazzi romani sono coraggiosi: sfidano la sacra terra dei Death in June con una versione di Fall Apart. Operazione che mi lascia intellettualmente non d’accordo: avrei preferito un altro loro brano.

Però apprezzo la capacità di farle indossare una veste meno sacra e più intima, sospesa sin dall’inizio dall’elettronica che crea pathos e toglie alla chitarra acustica quella tensione che era la peculiarità del brano, insieme al testo. Qui invece musicalmente tutto si fa più complesso risultando interessante e le voci sono due che saltuariamente si accavallano creando una malinconica suggestione.

Prima del diluvio

La bellezza di un piano che sembra suonato dalle dita di un Paolo Conte di buon umore e che attraversa le notti ed il fumo di una bisca clandestina di Detroit lascia velocemente spazio ad un fare più robusto sul quale Andrea Chimenti, sul testo voluttuoso di Alessandro Bellotta, deposita la sua voce calda e ipnotica in un brano stupefacente e sorprendente. Tutto si gonfia di ombre con luci negli occhi. Ed è vitamina per il cuore che, robusto, spande calore intenso.

La figlia di Iorio

Di stupore in stupore: con l’inizio che ricorda in parte American Wheeze dei 16 Horsepower, siamo qui nell’equinozio di primavera dove tutto ha il coraggio di uscire, sebbene compaia una strega a complicare il tutto. Ma la band di Roma ha gli arnesi pronti per far vincere il bene nella storia feroce piena di cenere. Quando il neo-folk si accoppia al Dark-noir come in questo caso non può che scaturirne una sfera di luce che genera vita. E il recitato femminile nel finale regala una ulteriore sorpresa con la suspence che ci stringe piacevolmente coinvolti.

L’eterno era notte

Con un sentore di temporale in arrivo nei primi decimi di secondo del brano, ecco che appaiono i Cure di Disintegration a costruire la base musicale su cui le due voci, accostate, ci portano invece Franco Battiato nel testo e nella modalità del canto. Ma vi è spazio per sentire nelle vene di questo gioiello armonie proprie della band che senza vergogna le tiene quasi nascoste. Si deposita nella testa e diventa tutto un mantra pieno di seduzione, che nella parte in cui la chitarra prende lo spazio ci porta rose dipinte di viola. Meravigliosa!


E non finisce la brezza che ossigena la pelle del cuore: Mishima è una nuova scintilla che musicalmente sorprende perché visita nuovi ulteriori territori e come un terremoto dei sensi svela la gentilezza che accoglie questi talenti che invocano i nostri ascolti.

Tonalità soul in evidenza controllata, l’electro-pop che manda baci ad un trip-hop mascherato e qualcosa di jazzy aleggia facendo del brano una passeggiata sonora sulla superficie lunare. Il tutto è rarefatto e ben confezionato, per lanciare Roma nel futuro, in un silenzio maggiormente sostenuto da fondamenta moderne. 

Se avevano ipotizzato un tentativo per non farsi sconfiggere dalle tenebre ci sono perfettamente riusciti.


Non neghiamolo: quest’album è un crescendo di gentili abbracci che conducono alla fame di bellezza.

E il tutto trova la fine con questo ennesimo impianto sonoro che commuove all’inizio per ciò che evoca, come la conclusione di una guerra medievale.

Poi, nel cantato che unisce Douglas Pierce a Cristiano De André (una ipotesi assurda, ma che si concretizza con un risultato immenso), si fa spazio una versione apocalittica della vita che trova nella musica la sua fedele compagna. Questo sì che è un viaggio: si parte dalla città eterna per planare nel futuro fatto di lampi e tamburi che cercano e trovano nelle nuove macchine sonore un connubio perfetto, trasportando il tutto nella dimensione dell’inquietudine senza governabilità. E si esisterà continuando a resistere, perché lavori come questi saranno elementi di saggezza da considerare e non solo uno spazio riempitivo del suono.

Album altamente consigliato a tutti!

L'album uscirà il 31 Marzo 2022

Alex Dematteis 



26 Marzo 2022

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