My Review: The Palace of Tears - Veiled Screen, Woven Dream

 

ALBUM OF THE YEAR 2024

The Palace of Tears - Veiled Screen, Woven Dream

When one defines pain as an enemy, one totally loses the possibility to grow, to delineate the truth that develops consciousness and makes it visible and graspable on the alley of near-perfection, since the latter is not a human thing.

Art is granted the possibility of transforming the impossible into a corollary of planets in transit, while carrying on their shoulders the sword of Damocles to be dispersed among the constellations, having in return the emblematic capacity of catharsis to return purifying perceptions, conveying truth and transforming the value of perplexity.

We approach, with grace and respect, an album that consecrates the value of family, of mourning as an opportunity for rebirth, witnessing a diary that recounts the terrible loss of the singer's brother and the probable reunion of the two in a space that is not physical but mental.

Leah Kahn aka LV Darkling (voice, lyricist) is the one who directed the desire of the experience of her brother's celestial journey into verses and introspections that manifested themselves in a uvula capable of releasing black-feathered poetry and amniotic vibrations of unspeakable beauty. One is dazed, handcuffed, paralysed towards a path that transforms convictions into a darkness that determines different boundaries. And the most astonishing fact is that one arrives at different kinds of healings, while one's hands turn out to be wet and one's wrists trembling: one finds oneself inside life lessons that scratch the fear of the loss of what we would like to be infinite in order to understand, instead, that wisdom lies in the desire not to forget those who are precious to us.

Erick R. Scheid (guitars, electronics, engineering) is a magnetic arc of nuclear explosions held within a medieval ampoule that casts the contents of tarred sounds towards the present, elaborating structures around the globe, assimilating notions of physics and mathematics, with the depth of wild animal scratches to make the wounds justified. From there, his laboratory strives to diversify music, not as a stagnant and debasing place of musical genres, but as a birth where birth is the place of metabolisation of previous experiences. With his mind generating impulses, Erick inoculates tensions and vibrations in the exploratory circuit that makes slowness the place where the environment becomes concrete and is visualised by his instruments, with the mastery of one who translates thoughts by drawing paths in which getting lost is the real enjoyment, manifesting the will to bestow sacredness on these sound rivers.

The record becomes the medium through which the body temperature of dramas, of thoughts wrapped in thorns, is measured, but also the prerequisite for growing the breath of hope, giving it the sceptre of perseverance. Acute, profound, embarrassing for the motions that bring fears and discomforts closer, what one hears is a sign of divinities without identity, where adoration and sacrifice are not demanded but an important commitment towards the acceptance of what one fears living.

This leads to the assemblage which, through the sinuous apparatus of the use of electronics, makes compact the long process of sowing gothic glands, splashes of ethereal music propensities and guitars poised between shoegaze and ambient, surprising however in that the whole does not claim a separate identity, but a sensory orgy that frees one from presumption and becomes a boulder that resists temptation.

One lives in the certainty that these seven nocturnal jaws have emerged from a silent film of the last century, from a projector that translates the raids and slow processions and inserts them into moving images, to make the whole univocal, so as not to disperse the complexity of a scenic apparatus that rises at the end of the listening on a stage, in a theatre surrounded by souls eager to see this installation of timeless beauty played out. The soul is placed in a suitcase, the whole life inside a make-up in which the excesses of black are the access to the night sky and where symbols are the guardians of every mental opening: time guards the reflections, the amplexes of thoughts, everything overflows with intelligence and chaos becomes the blood brother that governs madness. Layers, immersions, flights slapping the vault of heaven until gliding over the sand of an unknown desert: what is experienced is an educational, sensorial listening, with memory writing to itself by recycling any waste, to evolve it into a monument that can smile.

New Orleans thus becomes the centre of a spectral, symbolic collection, in a welter of other agglomerations of distant and even recent times (Arcana, Lycia, Dead Can Dance, Ataraxia among the most immediate and intuitable), but with the unquestionable merit of being closer to an extrasensory dimension, making a healthy and abundant effort: given these conditions, the result can only be a process of total purification.

In addition to what has been described, there is no denying the romanticism that manages to immerse itself in the sonic swamps while always finding a way to breathe, to stand firm and to show its feathers: in addition to using one's ears well, one must also sharpen one's eyesight on this album. If you don't want to miss this almost completely vanished mode, you have to look well into these tracks and then a bouquet of roses will appear before your eyes.

Song by Song

1 - Black Obsidian Beyond Oblivion

A vault of micro-frequencies expands its purchasing power in slow procession and distributes the annexed sounds to the sky, in a slow embrace, driven by LV Darkling's contralto voice that sows petals of pain like a winter smile. Sacredness rules the place and one settles down with dignity, while small darkwave torches hint at their presence.

2 - An Echo in Time

A voyage, out of a tomb and brave, is entrusted to synths on military parade, ready to hit the target, then picking up pace and forwarding ethereal inclinations to the edges of an attitude in which gothic scrolls take us on the wings of time. The singing, here more hidden, suddenly veers towards the high register and we are all dreamy tears…

3 - The Embers of Your Being Glow Still

Twilight generates long-range shadows, incense spreads, guitars are sinuous shots in meticulous generosity, between veils and flashes, with the presence of millenary stones acting as celestial vigilantes. The dragons fill with fire and linger in the night moment to make the sky a roaring applause. Mysterious, many-formed, the song is a chaotic hypnosis dressed to attend the message of a blackish-feathered dove…

4 - Cimetière de l'Absinthe no.333

The solution is that of an instrumental track, fuelling moments of tension and the ancient propensity to wait, in a metallic cloud that expands perfectly polished electronic atoms, a wordless fable that knows the way to becoming a beautifully crafted horror film…

5 -Lair of the Undying

Mysticism, espionage (with the great eye writing down what happens), and a flight that embraces the night: the highest peaks of this clamorous work are reached, the music only genuflects to the angelic singing, but without losing heart it traces, with synth, bass and guitar and androgynous drumming, the path of lies in loss of authority. One experiences the refutation of death and fading to believe, rather, in a resounding return. And the music is not a frame, but an expanding landscape…

6 - Veiled Screen, Woven Dream

Here we enter into an apparent state of quiescence, one waits for the crushed grapes to take on a taste, and at the 90th second it happens: from that moment on, the album's title track becomes a chorus entrusted to stretches of distorted guitars, and the clump of dancing shadows is transformed into a canvas that, between darkwave and ethereal deposits, makes the whole thing become a meeting of souls seething with sacredness.

7 - The Serpent Bearer (feat. Unwoman)

The prophecies belonged to men who walked in the desert, instead in this last sonic delirium it is a priestess who performs this act of bravery against time: she touches the sky, she digs into the swampiest earth and the guitar touches are hints made visible by powers unknown to us. Like a long fade-out, the farewell to this incredible work is a reminder to us of the symptoms of pain, its consequences, with the generous intention not to beat but to spread gauze over our minds. Angels and demons sign the armistice and declare how this universe is ready to generate yet more new celestial bodies: the final touch on a walk that has brought life and death together under the hidden cloak of night…

Let the astonishment, the breathlessness, the hope, the sleight of hand be accomplices of this nucleus in eternal exhibition...

Alex Dematteis

Musicshockworld

6th April 2024

https://thepalaceoftears.bandcamp.com/album/veiled-screen-woven-dream-2

La mia Recensione: The Palace of Tears - Veiled Screen, Woven Dream

 

ALBUM OF THE YEAR 2024

The Palace of Tears - Veiled Screen, Woven Dream

Quando si definisce nemico il dolore si perde totalmente la possibilità di crescere, di delineare la verità che sviluppa la coscienza e la rende visibile e afferrabile sul vicolo della quasi perfezione, dato che quest’ultima non è cosa umana.

All’arte viene concessa la possibilità di trasformare l’impossibile in un corollario di pianeti in transito, mentre portano sulle loro spalle la spada di Damocle da disperdere tra le costellazioni, avendo in cambio l'emblematica capacità della catarsi di restituire percezioni purificatrici, veicolando verità e trasformando il valore della perplessità.

Abbiamo modo di approcciarci, con garbo e rispetto,  a un album che consacra il valore della famiglia, del lutto come occasione di rinascita, assistendo a un diario che racconta la terribile perdita del fratello della cantante e la probabile riunione dei due in uno spazio non fisico bensì mentale.

Leah Kahn aka LV Darkling (voce, paroliere) è colei che ha indirizzato il desiderio della esperienza dell’elaborazione del viaggio celeste di suo fratello in versi e introspezioni che si sono palesati in un’ugola capace di rilasciare poesia dalle piume nere e vibrazioni amniotiche dalla bellezza indicibile. Si è frastornati, ammanettati, paralizzati verso un percorso che trasforma le convinzioni in un buio che determina confini diversi. E il fatto più stupefacente è che si approda a diversi tipi di guarigioni, mentre le mani si rivelano bagnate e i polsi tremanti: ci si ritrova dentro lezioni di vita che graffiano la paura della perdita di ciò che vorremmo infinito per comprendere, invece, che la saggezza sta nel desiderio di non dimenticare chi è prezioso per noi.

Erick R. Scheid (chitarre, elettronica, ingegneria) è un arco magnetico di esplosioni nucleari trattenute all’interno di un'ampolla medievale che getta il contenuto di suoni incatramati verso il presente, elaborando strutture che circondano il globo terrestre, assimilando nozioni di fisica e matematica, con la profondità di graffi di animali selvatici a rendere le ferite giustificate. Da lì, il suo laboratorio si ingegna a diversificare la musica, non come luogo stagnante e svilente di generi musicali, bensì come un parto in cui la nascita è il luogo di metabolizzazione delle esperienze precedenti. Con la sua mente che genera pulsioni, Erick inocula tensioni e vibrazioni nel circuito esplorativo che fa della lentezza il luogo nel quale l’ambiente diventa concreto e viene visualizzato dai suoi strumenti, con la maestria di chi traducendo i pensieri disegna sentieri in cui perdersi è il vero godimento, manifestando la volontà di donare sacralità a questi fiumi sonori.

Il disco diventa il mezzo attraverso il quale si misura la temperatura corporea dei drammi, dei pensieri fasciati di spine, ma anche il presupposto per far crescere il respiro della speranza, donandole lo scettro della perseveranza. Acuto, profondo, imbarazzante per i moti che avvicinano paure e disagi, quello che si ascolta è un segno di divinità prive di identità, dove non viene richiesta adorazione e sacrificio ma un impegno importante verso l’accoglienza di ciò che si teme vivere.

Si giunge così all’assemblaggio che, mediante l’apparato sinuoso dell’uso dell’elettronica, rende compatto il lungo processo di seminatura di ghiandole gotiche, schizzi di propensioni di musica eterea e chitarre in bilico tra lo shoegaze e l’ambient, sorprendendo però in quanto il tutto non reclama una identità separata, ma un’orgia sensoriale che liberi dalla presunzione e diventi un masso che resista alle tentazioni.

Si vive la certezza che queste sette fauci notturne siano fuoriuscite da un film muto del secolo scorso, da un proiettore che traduce le scorribande e le lenti processioni e le inserisce nelle immagini in movimento, per rendere univoco l’insieme, per non disperdere la complessità di un apparato scenico che sale alla fine dell’ascolto su un palco, in un teatro circondato da anime desiderose di veder recitato questo impianto di bellezza senza tempo.

L’anima viene messa in una valigia, la vita intera dentro un make up nel quale gli eccessi di nero sono l’accesso al cielo notturno e dove i simboli sono i guardiani di ogni apertura mentale: il tempo custodisce i riflessi, gli amplessi dei pensieri, tutto straborda con intelligenza e il caos diventa il fratello di sangue che governa la follia. Stratificazioni, immersioni, voli a schiaffeggiare la volta celeste sino a planare sulla sabbia di un deserto sconosciuto: ciò che si vive è un ascolto educativo, sensoriale, con la memoria che scrive a se stessa riciclando qualsiasi rifiuto, per evolverlo in un monumento che possa sorridere.

New Orleans diventa così il centro di raccolta spettrale, simbolica, in un marasma che raccoglie in eredità altri agglomerati di tempi lontani e anche recenti (Arcana, Lycia, Dead Can Dance, Ataraxia tra quelli più immediati e intuibili), ma con l’indiscutibile merito di essere più vicini a una dimensione extrasensoriale, facendo compiere una sana e abbondante fatica: esistendo queste condizioni il risultato non può che essere un processo di purificazione totale.

Oltre a ciò che si è descritto non bisogna negare il romanticismo che riesce a immergersi nelle paludi soniche trovando sempre il modo di respirare, di rimanere saldo e di far vedere le proprie piume: oltre a usare bene le orecchie, in questo album bisogna anche aguzzare la vista. Se non si vuole perdere questa modalità quasi completamente scomparsa, occorre guardare bene dentro queste tracce e allora un bouquet di rose apparirà dinanzi ai nostri occhi.

Song by Song

1 - Black Obsidian Beyond Oblivion

Un caveau di microfrequenze allarga in lenta processione il suo potere di acquisto e distribuisce i suoni annessi al cielo, in un abbraccio lento, pilotato dalla voce di contralto di LV Darkling che semina petali di dolore come se fosse un sorriso invernale. La sacralità governa i luoghi e ci si accascia con dignità, mentre piccole fiaccole darkwave accennano la loro presenza.

2 - An Echo in Time

Un viaggio, uscito da un sepolcro e coraggioso, è affidato a synth in parata militare, pronti a centrare il bersaglio, per poi prendere ritmo e inoltrare le inclinazioni eteree ai bordi di una attitudine in cui le pergamene gotiche ci portano sulle ali del tempo. Il cantato, qui più nascosto, a un tratto vira verso il registro alto e siamo tutti lacrime sognanti…

3 - The Embers of Your Being Glow Still

Il crepuscolo genera ombre a lunga gittata, l’incenso si espande, le chitarre sono spari sinuosi in meticolosa generosità, tra veli e lampi, con la presenza di pietre millenarie a fare da vigile celeste. I draghi si riempiono di fuoco e permangono nel momento notturno per rendere il cielo un applauso scrosciante. Misteriosa, dalle molteplici forme, la canzone è una ipnosi caotica vestita per presenziare al messaggio di una colomba dalle piume nerastre…

4 - Cimetière de l’Absinthe no.333

La soluzione è quella di un brano strumentale, che alimenta attimi di tensione e l’antica propensione all’attesa, in una nuvola metallica che espande atomi elettronici perfettamente levigati, una favola priva di parole che conosce il metodo per divenire una pellicola horror di grande fattura…

5 -Lair of the Undying

Misticismo, spionaggio (con il grande occhio che scrive ciò che accade), e un volo che abbraccia la notte: si toccano le vette più alte di questo clamoroso lavoro, la musica si genuflette solo all’angelico cantato, ma senza perdersi d’animo traccia, con synth, basso e chitarra e un drumming androgino, il percorso di bugie in perdita di autorevolezza. Si fa l’esperienza della refutazione della morte e della dissolvenza per credere, piuttosto, a un clamoroso ritorno. E la musica non è cornice, bensì un paesaggio in espansione…

6 - Veiled Screen, Woven Dream

Ecco che entriamo in un apparente stato di quiescenza, si attende che l’uva pigiata prenda gusto e al novantesimo secondo accade: da quel momento, il pezzo  che dà il titolo all’album, diventa un coro affidato a distese di chitarre distorte, e il grumo di ombre danzanti si trasforma in un canovaccio che, tra giacenze darkwave ed eteree, fa divenire il tutto l’incontro di anime ribollenti di sacralità.

7 - The Serpent Bearer (feat. Unwoman)

Le profezie appartenevano a uomini che camminavano nel deserto, invece in questo ultimo delirio sonoro è una sacerdotessa a compiere questo atto di coraggio nei confronti del tempo: si tocca il cielo, si scava nella terra più paludosa e i tocchi di chitarra sono accenni resi visibili da poteri a noi sconosciuti. Come una lunga dissolvenza, l’addio a questo incredibile lavoro è un ricordarci i sintomi del dolore, le sue conseguenze, con la generosa intenzione di non picchiare ma di stendere garze sulla nostra mente. Angeli e demoni firmano l’armistizio e dichiarano come questo universo sia pronto a generare ancora nuovi corpi celesti: il tocco finale di una passeggiata che ha fatto incontrare la vita e la morte sotto il mantello nascosto della notte…

Che lo stupore, l’affanno, la speranza, i giochi di prestigio siano complici di questo nucleo in esibizione eterna…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

6 Aprile 2024

https://thepalaceoftears.bandcamp.com/album/veiled-screen-woven-dream-2

La mia Recensione: The Churchhill Garden - Dreamless

The Churchhill Garden - Dreamless


Anche gli angeli chiedono aiuto, vuotano il sacco, tendono la mano, si afferrano al non so pur di ritrovare la luce. E se a farlo sono due artisti sempre in stato di grazia, che mai ci farebbero pensare a un momento di difficoltà, ecco consegnata una notizia sorprendente: accade tutto nelle note di questa canzone con il pigiama, una meteora lenta che cerca il rientro nell’atmosfera celeste, nella vita, nella condizione terrena. Sono pensieri che scivolano tra le mani di Andy Jossi, sempre più concentrato ad attraversare gli spazi con le sue atmosfere delicate ma piene di tensioni, rese ubbidienti dal suo inconfutabile talento. E nelle parole e nella voce di Krissy Vanderwoude, qui più che mai una fata dalla faccia triste, raccolta nella sua nuvola, alla ricerca del raggio giusto. Brano strepitoso, un concentrato del marchio di fabbrica del duo svizzero-americano, capace di rivelare come la vera amicizia diventi l’ambiente per una scrittura complice, aderente alla realtà, lasciando il tutto al destino destino di questi quasi sei minuti, nei quali ciò che accade è un grido addomesticato da chitarre in modalità alternative prima, dream pop poi, e infine shoegaze, per circolare nella palude di un testo che sembra privo di ossigeno e che viene interpretato dalla cantante di Chicago con un trasporto che non rinuncia alla delicatezza, ma che questa volta comprende gocce di amare lacrime. Senza sogni si potrebbe precipitare, musicalmente parlando, in un putiferio sonoro, nella rabbia, o smettere proprio di suonare. Invece…
Invece ascoltiamo sussurri che accolgono momenti specifici degli ultimi trent’anni, raccolti come ispirazione da Andy che poi, nella sua camera piena di artifizi splendenti, cuce sul manico della sua chitarra un disegno melodico che ancora una volta ha il suo stile, riconoscibilissimo. Dal canto suo Krissy lavora come sempre con il gioco delle doppie voci, con il suo angelico respiro che questa volta ha gli occhi bassi ma potenti, con la scorza doverosa che fuoriesce per portare a compimento il suo bisogno: ritrovare i sogni e farli camminare nel suo cuore. Sia la musica che il testo visitano, con classe e leggerezza, l’inferno: nel groviglio di note colme di liquidi in salita verso il cielo, le parole scendono in un'indagine che trova la verità.
La drum machine apre la danza lenta, poi sono le chitarre che si fanno accompagnare da una delicata tastiera e, sempre delicatamente, si arriva al ritornello che scuote con la sua leggerezza, come se fosse una goccia di brina di fronte all’ingresso del dolore. Appena finito, Andy entra dritto come un fuso in un arpeggio straziante e la voce ritorna, per compattare questa poesia invernale nel centro dei nostri ascolti.
Si piange abbracciando questa coppia di artisti e si esce sudati ma convinti che a volte l’arte compia dei miracoli: ci ritroviamo tutti insieme a brindare a questa sincera canzone, umile e che farà del nostro ascolto una benedizione celeste…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

8 Dicembre 2023

https://thechurchhillgarden.bandcamp.com/track/dreamless

My Review: The Churchhill Garden - Dreamless

 The Churchhill Garden - Dreamless

Even angels ask for help, they spill the beans, they reach out their hand, they grasp at the don't-know-what in order to find the light again. And if to do so are two artists always in a state of grace, who would never make us think of a moment of trouble, here we receive a surprising news: it all happens in the notes of this song with pyjamas, a slow meteor seeking re-entry into the heavenly atmosphere, into life, into the earthly condition. These are thoughts slipping through the hands of Andy Jossi, increasingly focused on traversing the spaces with his delicate but tension-filled atmospheres, made obedient by his irrefutable talent. And in the words and voice of Krissy Vanderwoude, here more than ever a sad-faced fairy, gathered in her cloud, searching for the right ray. Stunning track, a concentrate of the Swiss-American duo's trademark, capable of revealing how true friendship becomes the environment for a complicit writing, adherent to reality, leaving it all to the doom of these almost six minutes, in which what happens is a cry tamed by guitars in alternative mode first, dream pop then, and finally shoegaze, to circulate in the swamp of a text that seems to be devoid of oxygen and that is interpreted by the Chicago singer with a transport that does not give up delicacy, but that this time includes drops of bitter tears. Without dreams one could plunge, musically speaking, into a sonic ruckus, anger, or stop playing at all. Instead.
Instead we listen to whispers that take in specific moments of the last thirty years, collected as inspiration by Andy who then, in his room full of shining artifices, sews on the neck of his guitar a melodic pattern that once again has his own style, highly recognizable. For her part, Krissy works as always with the play of double voices, with her angelic breath that this time has low but powerful eyes, with the dutiful zest that comes out to bring to fruition her need: to find dreams and make them walk in her heart. Both music and lyrics visit, with class and lightness, hell: in the tangle of liquid-filled notes ascending to heaven, the words descend in an inquiry that finds truth. The drum machine opens the slow dance, then it is the guitars that are accompanied by a delicate keyboard and, ever so gently, we come to the refrain that shakes with its lightness, as if it were a drop of frost in front of the entrance of pain. As soon as it is over, Andy enters straight as a spindle into a heartbreaking arpeggio and the voice returns, to compact this winter poem into the centre of our listening.
We weep as we embrace this pair of artists and leave sweaty but convinced that sometimes art performs miracles.We all come together to toast this sincere, humble song that will make our listening a heavenly blessing...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

8th December 2023

https://thechurchhillgarden.bandcamp.com/track/dreamless

La mia Recensione: Born Days - My Little Dark

Born Days - My Little Dark

L’oscurità è la compagna preferita del viaggio del tempo, dall’inizio di ogni forma vivente, perché la sua essenza non necessita dello sforzo della luce e riesce ad assorbire più facilmente ogni forza contraria. Quando è l’arte della musica ad approcciarsi a questo contesto, ecco che è possibile nutrirsi di veementi stupori appiccicati, nel frastuono delle oscillazioni sensoriali che non negano la loro soggezione nei confronti dell’argomento. Incontriamo un’artista americana, Melissa Harris, in grado di sondare, di mischiare le elucubrazioni, di trasferire il conosciuto sulla pelle sguaiata dell’inconscio, per attivare circuiti mentali e sonori nel connubio che esporta la bellezza dal piano ipotizzato a quello reale. My Little Dark è un gioiello all’interno di lenti viaggi nello spazio, partendo dai tratti onirici per finire a quelli somatici, avendo in dote l’indiscutibile capacità di fisicizzare il tutto. Focalizza il progetto e si arma di dilatazioni, sperimentazioni, costruendo cornici e dipinti perfettamente oliati nella sua prodigiosa orchestrazione elettronica, vero traduttore delle sue necessità. Si è sgomenti, impauriti, inteneriti, mai perplessi, sempre desiderosi di questa dolcezza che bacia il buio, attraversando lo scorrere del bisogno che conduce a una metamorfosi senza fine. Non sono canzoni, ma strutture di acciaio prive di stridori all’interno delle nostre tempie, nelle quali abita una forma di gentilezza non prevista ma di cui diventa obbligatorio cibarsi. Melissa disegna le traiettorie del suono per erudirli, attinge da oceani di imprevisti per educarli, plasmando e seducendo per quella continuità del lato espressivo che conduce l’ascoltatore a stabilire una verità ineccepibile: se esiste il concept album, questo ne è la dimostrazione perfetta, precisa, avvinghiando il corpo e la mente in una morsa che non lascia graffi. Netta è la sensazione di entrare in un sogno, all’interno di una navicella spaziale, con il silenzio che spinge a rendere muti i nostri pensieri, affidando l’unico nostro spazio libero al compito di sentire questa voce sintetizzare miliardi di assioni, nel gioco di molecole in cerca di una guida. Allora siano i sintetizzatori, i beats, le trame come lame piene di suspense a determinare uno sconvolgimento che sia eterno. La morte pare un appuntamento galante e interessante, non meno dell’esistere: questi brani tolgono travi, schegge, affanni, e regalano pace senza squilli, trasportando l’esistenza sopra il cielo.
Innegabile l’abilità di far nuotare la musica in una coperta elettrica piena di spugna, con i tintinnii che coccolano e ammantano. Naviga questa incredibile creatura nella storia dell’elettronica, da quella puramente giocosa a quella gioiosa, da quella pragmatica a quella sperimentale, per essere poi determinata nell’esporre il risultato al fine di rendere piacevole la paralisi consequenziale.
Si è sicuramente nutrita di studi, di approcci, i maestri del possibile lei sicuramente li conosce, ma, da alunna impenitente, li ha superati, con questo album che dimostra come la matassa sconosciuta, se scoperta, riesce ad abbattere tutte le gioie precedentemente vissute. Sconvolge, per la sua sapiente dose di sale nelle onde magnetiche dei suoi computer, dei suoi synth, per lo zucchero depositato nella sua modalità del cantato, mentre, quando meno te l’aspetti, lei ti ha già reso dipendente dal suo intento…
Quintali di misticismo, chilometri di lenti a contatto per mettere a fuoco l’invisibile, giochi continui tra l’ingenuità e la saggezza, la conducono ad attraversare diversi generi musicali senza redini né controllo, finendo per farci diventare disarticolati ma perfettamenti consoni al suo obiettivo, che pare quello di smembrare le sicurezze e la noia che possono provenire da quello in cui invece noi troviamo risorsa e affinità. Mette la psichedelia, il Dream-Pop, la Coldwave, la Darkwave nel suo imbuto raffinato per farli deperire, con intelligenza e la giusta dose di cattiveria.
Prende i passaggi immaginifici e li francobolla a quelli reali, nella danza distorta di una confusione spettacolare, sempre con il ritmo che non vuole raggiungere la massima velocità: anche per questo motivo il suo è il coraggio di un’anima forte e consapevole, perché non cerca il successo bensì un’espressione educativa, che sappia, forse, anche essere spiazzante.
Il buio copre ogni speranza, ogni sorriso, lasciando che sia il sommerso della mente a guidare le risorse che la sua musica espone con generosità, spaziando e seminando canzoni come rapine in banca senza proiettili o maschere sul volto: lei precipita nel furto consegnando alla paura una risata, lenta, anestetizzandola. Scrive un miracolo per complessivi cinquantuno minuti: la misura, iniziale, della sua infinita classe…

Song by Song

1 - Enemy

Ed è carillon umorale, nella lentezza che accoglie atmosfere sia dolci che tetre, in un loop su cui la voce vola con il suo nemico, per una tristezza che riceve un clamoroso sostegno: applausi!

2 - My Little Dark

Il volo cresce, in altezza e velocità, sempre però senza affanni né sudori: tutto viene calibrato perfettamente per una torcia elettrica che rende il cielo il figlio di questa carezza che abbraccia, per avanzare una proposta alla morte che qui vive una sfida all’insegna dell'incanto.

3 - Bird Song

Il desiderio di vita Melissa lo mette nelle parole del testo come nella musica: partendo dal cinguettio di una natura ancora vogliosa di presenza, si arriva a una tastiera che tratteggia il cielo, con le corde vocali che si riempiono di tensione elettrica, mentre la melodia è talmente umana da commuovere…

4 - Over Again

“Burn myself over again”: un temporale di intenti trova sede nella spettrale Over Again, una litania laica che invita alla danza ma avendo tutti i sensi all’erta. Una sapiente miscela Darkwave nell’aspetto ma non nel genere musicale specifico, si inoltra nel bacino di una essenziale dreamwave con pennellate di electrowave a definire un brano immenso, sospeso e liturgico…

5 - Dreams

Una passeggiata nel parco rivela particelle di pensieri importanti: viene costruito un cavo elettrico dalla grande tensione, in uno spettacolare setaccio di note versatili e inclini a muoversi nei contorni di un trip-hop che corteggia la neopsichedelia.

6 - How To Disappear

Piovono nuvole nel cuore, con l’impressione che Melissa sappia utilizzare parte della saggezza della musica classica per poi smembrarla e lasciarci un tappeto sonoro quasi semplice, ma che in realtà rivela l’immensa capacità di donare equilibrio tra le varie fasi della canzone.

7 - Ganymede

Forse il momento più solenne dell’album, il sunto delle sue volontà e la manifesta capacità di essere un ago sottile che penetra i sensi. Dopo la parte iniziale onirica arriva l’evoluzione elettronica che offre una drammaticità perfettamente controllata.

8 - Deep Empty (DMT Feelings)

Forse la depressione invade la corsia di questo album: lo fa con parole e musiche giustamente grevi, che paiono figlie di antiche tristezze sfiorate e vissute dai Cure e dai Sound, seppur con differenti attitudini musicali. Ma qui manca, piacevolmente, il fiato…

9 - Destroyer

Il teatro dell’orrore si getta in un testo che scombina i vestiti dei pensieri. Le successioni di un loop energetico e i synth che recitano progressioni pesanti rendono il brano un effervescente inchino in cui la paura sogghigna felice. Clamorosa!

10 - Conscious Conscience

Certi pensieri hanno voci che rivelano verità che sembrano lontane: per concludere l’album l’artista di Chicago percorre minuti come se il lettino di uno psicologo accogliesse la sua più profonda intimità. Si è come avvolti in uno schiaffo lento, ossessivo, con i palmi delle mani che schiacciano lentamente il nostro collo. Mentre la voce sembra liberarsi di tutto e salire tra le braccia delle nuvole…

Un’opera clamorosa che il Vecchio Scriba definisce come il secondo miglior album di questo 2023…

Alex Dematteis
Musicshockworld
Salford
19th November 2023

https://borndays.bandcamp.com/album/my-little-dark

My Review: Born Days - My Little Dark

 

                                                                          Born Days - My Little Dark

Darkness is the favourite companion on the journey of time, from the beginning of every living form, because its essence does not require the effort of light and can more easily absorb any opposing force. When it is the art of music that approaches this context, it is possible to feed on the vehement amazement of the sensory oscillations that do not deny their awe of the subject matter. Let us meet an American artist, Melissa Harris, capable of probing, of mixing lucubrations, of transferring the known onto the fuzzy skin of the unconscious, to activate mental and sound circuits in the union that exports beauty from the hypothesised to the real plane. My Little Dark is a jewel within slow space travels, starting with dreamlike traits and ending with somatic ones, having in its dowry the unquestionable ability to physicalise everything. She focuses the project and arms herself with dilations, experimentations, building frames and paintings perfectly oiled in his prodigious electronic orchestration, the true translator of her needs. One is dismayed, frightened, tenderised, never perplexed, always eager for this sweetness that kisses the darkness, crossing the flow of need that leads to endless metamorphosis. These are not songs, but steel structures free of screeching inside our temples, in which dwells a form of gentleness not foreseen but on which it becomes compulsory to feed. Melissa designs the trajectories of sound to erudite them, she draws from oceans of the unexpected to educate them, shaping and seducing by that continuity of the expressive side that leads the listener to establish an unimpeachable truth: if there is such a thing as a concept album, this is the perfect, precise demonstration of it, gripping body and mind in a grip that leaves no scratches. There is a clear sensation of entering a dream, inside a spaceship, with the silence pushing our thoughts to mute, entrusting our only free space to the task of hearing this voice synthesising billions of hypothetical elementary particle, in the interplay of molecules seeking guidance. Then it is the synthesisers, the beats, the plots like suspenseful blades that determine an upheaval that is eternal. Death seems to be a gallant and interesting date, no less than existence: these tracks remove beams, splinters, and frets, and give peace without ringing, transporting existence above the sky. There is no denying the ability to make music swim in an electric blanket full of sponge, with the tinkles cuddling and cloaking. She navigates this incredible creature through the history of electronics, from the purely playful to the joyful, from the pragmatic to the experimental, and then is determined to expose the result in order to make the consequential paralysis pleasant.

She has certainly nourished herself with studies, with approaches, the masters of the possible she surely knows, but, as an unrepentant pupil, she has surpassed them, with this album that demonstrates how the unknown skein, if discovered, can break down all previously experienced joys. It shocks, for its wise dose of salt in the magnetic waves of her computers, her synths, for the sugar deposited in her singing mode, while, when you least expect it, she has already made you addicted to her intent... Quintals of mysticism, kilometres of contact lenses to focus on the invisible, continuous games between naivety and wisdom, lead her to cross different musical genres without reins or control, ending up making us disjointed but perfectly in tune with her objective, which seems to be to dismember the certainties and boredom that can come from that in which we instead find resource and affinity. She puts psychedelia, Dream-Pop, Coldwave, Darkwave into her refined funnel to perish them, with intelligence and just the right amount of nastiness.
She takes the imaginative passages and stamps them to the real ones, in the distorted dance of a spectacular confusion, always with a rhythm that does not want to reach maximum speed: for this reason, too, her is the courage of a strong and aware soul, because she does not seek success but an educational expression, one that can, perhaps, also be disorienting. Darkness covers every hope, every smile, leaving it to the submerged of the mind to guide the resources that her music generously exposes, ranging and sowing songs like bank robberies without bullets or masks on the face: she plunges into the robbery, delivering a slow, anaesthetising laugh to fear. She writes a miracle for a total of fifty-one minutes: the initial measure of her infinite class...  

Song by Song

1 - Enemy

And it is moody carillon, in the slowness that welcomes atmospheres both sweet and gloomy, in a loop on which the voice flies with its enemy, for a sadness that receives resounding support: applause!

2 - My Little Dark

The flight grows, in height and speed, but always without pain or sweat: everything is calibrated perfectly for a torch that makes the sky the child of this caress that embraces, to make a proposal to death that here lives a challenge under the banner of enchantment.

3 - Bird Song

Melissa's desire for life is as much in the words of the lyrics as in the music: starting with the chirping of a nature that still wants to be present, we arrive at a keyboard that sketches the sky, with vocal chords that are filled with electric tension, while the melody is so human that it moves us... 4 - Over Again

"Burn myself over again": a thunderstorm of intentions finds a home in the spectral Over Again, a secular litany that invites one to dance but with all senses alert. A skilful darkwave blend in appearance but not in the specific musical genre, it drifts into the basin of an essential dreamwave with electrowave brushstrokes to define an immense, suspended and liturgical track

5 - Dreams

A walk in the park reveals particles of important thoughts: an electric cable of great tension is constructed, in a spectacular sieve of versatile notes prone to move in the contours of a trip-hop that courts neo-psychedelia.

6 - How To Disappear

It rains clouds in your heart, with the impression that Melissa knows how to use some of the wisdom of classical music and then dismember it to leave us with a sound carpet that is almost simple, but in reality reveals an immense ability to give balance between the various phases of the song. 7 - Ganymede

Perhaps the album's most solemn moment, the summary of its will and manifest ability to be a subtle needle that penetrates the senses. After the initial dreamy part comes the electronic evolution that offers a perfectly controlled drama.

8 - Deep Empty (DMT Feelings)

Perhaps depression invades the lane of this album: it does so with words and music that are justifiably grievous, that seem to be the daughters of ancient sadnesses brushed over and experienced by the Cure and the Sound, albeit with different musical attitudes. But here there is a pleasant lack of breath...

 9 - Destroyer

The theatre of horror throws itself into a lyric that messes up the clothes of thoughts. Energetic loop successions and synth reciting heavy progressions make the track an effervescent bow in which fear grins happily. Clamorous!

10 - Conscious Conscience

Certain thoughts have voices that reveal truths that seem far away: to conclude the album, the Chicago artist spends minutes as if a psychologist's couch were welcoming her deepest intimacy. One is as if enveloped in a slow, obsessive slap, with the palms of the hands slowly crushing our necks. While the voice seems to free itself of everything and ascend into the arms of the clouds...

A resounding work that the Old Scribe describes as the second best album of this 2023...

Alex Dematteis
Musicshockworld
Salford
19th November 2023

https://borndays.bandcamp.com/album/my-little-dark

La mia Recensione: Black Swan Lane - Dead Souls Collide

 Black Swan Lane - Dead Souls Collide

ALBUM DELL'ANNO 2023

Il cielo si riempie di acqua, un diluvio al contrario è stato avvistato dagli occhi sempre svegli di un uomo perennemente appiccicato alla sua dualità, non conflittuale, volta a vivere gli aspetti opposti della vita, dove il bene e il male imperversano senza sosta. Un artista che scrive della contemporaneità come pochi altri, conservando il supporto di un passato che ha insegnato, mostrato i pugni e le carezze. Da Atlanta, Usa, assistiamo a un evento che partendo dalla volta celeste scende nei nostri pensieri disarmando le difese, ottenendo un applauso che odora di adorazione senza possibilità di mutare intenzione.

Dead Souls Collide è l’undicesimo album a nome Black Swan Lane, per via della scelta di Jack Richard Sobel di non rinunciare a ciò che aveva creato, anche se in realtà è rimasto l’unico vero musicista. Tutto ciò dona all’autore americano fiumi di libertà e catene in diffusione continua, per poter celebrare i suoi raggi di azione con autenticità. 

Si assiste a una evidente maturità compositiva, l’uso di esperienza e creatività al supporto di un fascio sonoro ancora robusto e sensuale, ma aggiungendo una zona misteriosa nata da un sapiente intreccio tra la musica e le parole. Ci stupisce, conferma che il suo mondo visionario è davvero al di sopra di ogni aspettativa, dipingendo il suono sì con il solito muro di chitarre ma riuscendo a miscelare i messaggi, le propensioni umorali e morali verso le espressioni intense e grigie di un pentagramma gravido di dolore e al contempo di fiducia, un abbraccio seducente e che sa stordire e nutrire i vicoli poco illuminati dei nostri pensieri.

 La formula Rock rimane la preferita, sempre accompagnata da un pulsare Post-Punk, gravitando con eleganza in onde nelle quali il luccichio e la passione per lo Shoegaze, l’Alternative e il Sad Pop rimangono ben in vista, nella complessità progettuale che da sempre testimonia le qualità di questo funambolico artista. Canzoni che sconvolgono, scivolano sotto il battito, dietro i canali del labirinto mentale per prendere residenza. Undici respiri illuminati dall’obesità del mondo, da una volontà critica che è maggiorata, precisandosi nella complessità comportamentale che, partendo dalle relazioni personali, di coppia, sa giungere alla collettività, per un attacco rispettoso nei confronti della mediocrità.

Non mancano le sorprese, sia nello stile, nell’approccio mentale, che nei nuovi rituali che fanno pensare, come spesso accade con Jack, a un concept album, per dare continuità e profondità a questo nuotare nel tempo della degradazione. Rimane intatta la sua capacità di togliere le maschere, di depositare l’inevitabile dentro chitarre che sono piene di sale, sciogliendo il nostro ascolto in un bagno di solitudine immersa in un’acqua colma di scie.

La solitudine viene descritta sia come una opportunità che come una condanna che non può essere negata, delegando ai sogni occasioni sicuramente migliori ma non credibili. Sobel apre il giornale della vita pregno di parole che sanno rompere i cristalli della sicurezza e dell’inganno. Per fare ciò la sua voce è mutata, virando nella drammaticità più rovente e spettrale, adagiando le sue tonsille sui sentimenti più curvi e mistici, disintegrando e confortando, togliendo il fiato, riempiendo le nostre orecchie di connessioni intime davvero imponenti. 

Se i precedenti Hide in View (2021) e Blind (2022) avevano mostrato un piglio più rock, rumoroso, con il ritmo al centro di ogni intenzione, con Dead Souls Collide ci troviamo a fare i conti con una ponderazione davvero imponente, con le canzoni messe una dopo l’altra con intelligenza, per donare all’ascoltatore la continuità, l’eleganza e il senso di un cammino che, attraverso passi mai confusi, sa come costruire un oceano dentro le nostre lacrime. I Black Swan Lane attaccano, rendono visibile un muro di note che graffiano il nero per lasciare nel cielo la possibilità di un bianco che sappia almeno sorridere ogni tanto.

C’è chi perde tempo a cercare le radici della band, le somiglianze, facendo paragoni: il cattivo giornalismo non muore mai. Piuttosto: si dia a questa molecola ancora non conosciuta la possibilità di essere valutata in sé, di scorgere originalità che non mancano, di intravedere un qualcosa di unico che non è difficile da scorgere. L’ascolto rivela un’anima che pianta la bandiera nel luogo dell’intimità, una concessione che non serve a divenire amico dell’artista bensì la modalità attraverso la quale si può compiere un giro malinconico, ma vivace, nei pressi dei propri passi ormai stanchi. Il lavoro è dinamico, in questo senso, in quanto apre le braccia degli arcobaleni, e poco conta se la sensazione di pessimismo sembra vincere, perché non è così.

La bellezza di questo lavoro consta di una innumerevole serie di novità, per far sembrare tutto uno sprint, regalando gli affanni e i sospiri, i turbamenti e i sogni dentro melodie che sembrano essere state trovate sotto la pelle di un’autostrada: che il ritmo sia lento o veloce poco importa poiché  tutto fuoriesce con precisione, abbinando il fragore delle chitarre con una sapiente dose elettronica, utilizzando al meglio i software e le modalità concesse dalla modernità. 

Il drumming è come sempre secco, espressivo, potente e fantasioso, nell’abbraccio cacofonico con il basso, nuovamente protagonista, ma in questa opera musicale maggiormente a servizio delle numerose chitarre che, sanguinanti, mortali, dinamiche, corrosive, sensuali, riescono a essere le protagoniste di canzoni con la bava alla bocca. Le tastiere, il piano, i campionamenti sono l’ulteriore forma di residenza di Jack, fatto in sé iniziato già da almeno due album, per conferire a questo abito un portamento spettacolare e ineccepibile.

Il caos evidenziato è una coccola nella culla del fremito, con canzoni che fanno danzare, riflettere, scuotere gli animi, per un chiaro omicidio del superfluo. Un duro lavoro, meticoloso, concentrato e bisognoso di sbattere in faccia un portamento aggressivo ma rispettoso. Frecce scagliate, lampadari rotti in faccia, urla, ali piene di sabbia e il respiro che si ingrossa, allucinato ma consapevole: l’ulteriore dimostrazione di una completezza che non concede repliche. Jack ha scritto il suo momento più intenso: non rimane che fare la doccia in cotanta bellezza e decidere se seguirlo o meno…

Armatevi di curiosità: undici schegge stanno per rivelare se stesse…

Song by Song

1  Covenant

La canzone che apre l’album ha un testo ipnotico e misterioso, con una chitarra solista sorniona che si inserisce perfettamente in quelle graffianti, con una tastiera che incolla, quasi segretamente, questo involucro alla nostra attenzione. Sullo stile degli ultimi due lavori, mostra segnali interessanti per la capacità di trasportare una natura rock verso la nuvola shoegaze, senza esagerare. Preziosa.

2 The Sacrifice

Primo sobbalzo, all’interno di un testo che sa coniugare critica e amarezza, in un piano relazionale che affronta anche l’aspetto religioso, con un impianto sonoro che alterna un basso Post-Punk con chitarre elettriche e semiacustiche per giungere a un ritornello Sad Pop che si conficca nella mente. La melodia è minuscola ma in grado di ipnotizzare, come un mantello di sabbia in un giorno di pioggia. Acida e potente.

3 Crushed

Nella potente soluzione finale di una quantità considerevole di pillole come una anestesia necessaria nei confronti di una fatica relazionale, il pezzo è un potente battito animale, con il drumming che picchia, all'interno del gioco di chitarre elettriche ritmiche e arpeggi con quelle semiacustiche. La voce è un mantra perfettamente sincronizzato con una struttura significativa, in quanto mostra (soprattutto con il basso) un profondo legame con le canzoni dei loro primi album. Pregna di acidi, come uno schiaffo delicato, questo brano sottolinea l'abilità dei BSL di prendere bene la mira e centrare il bersaglio. Possente.

4 Push Me Under

I demoni della mente espongono nel testo i loro traffici attitudinali, uno squilibrio, una solitudine, una caduta sostenuta da una melodia corposa e dolce, su un buon ritmo, per una canzone che conferma la volontà di tenere per mano il bisogno di ballare in modo sincopato con una struttura sognante. Chicca da coccolare. 

5 Thorns

Come coniugare perfettamente il pessimismo e lo slancio positivo: un testo geniale per un brano colossale, con una impronta horror perfettamente confermata dalla voce (con il suo cantato) e gli strumenti, in grado di creare fremiti. Cupa e abile nel rendere palpabile l’avvicinamento della morte mentale, trova modo nel ritornello e nelle successive cascate sonore delle chitarre di appiccicarsi alla mente. Straordinaria.

6 Forever Lost

Con la presenza di Robyn Elizabeth Abrams alla voce, per pochissimi ma significativi secondi (emozionata, emozionante, un inserimento eccellente), questa chicca sonora possiede enormi meriti: conduce la memoria a ritrovare bagliori Post-Punk in un nucleo melodico che conforta, visto che il testo non concede tanto spazio al sorriso. La chitarra ruota intorno al bisogno di coniugare ritmo e arpeggio riuscendo a stordire perfettamente: intensa.

7 Alone As Me

Il momento più spettacolare di questo undicesimo lavoro, il brano con il maggior minutaggio, come un lungo dramma esposto con una duplice modalità: una prima parte decadente e lenta, una seconda vibrante, per poi ripetersi, per un insieme che conduce direttamente al pianto. Tutto il disagio del vivere sembra crollare all’interno di questo palco che consente anche momenti di tenerezza. Sepolcrale e stordente.

8 Under My Wings

Senza ombra di dubbio il capolavoro dell’album: tutto funziona in modo perfetto, mostrando, tra le tante cose, come Jack sappia domare la sua voce e portarla, all’interno di un registro più alto e potente, in uno spazio visivo allucinato e pieno di forza, conferendo alle parole un atto recitativo molto convincente. Potente e chirurgica sia nella musica che nel testo, sa come spiazzare, condurre l’ascoltatore in una fascina bagnata da lacrime incantevoli e disperate. Perfetta e chirurgica.

9 A Place Where The Light Dies

Qui ci troviamo di fronte alla tenerezza di una struttura musicale apparentemente votata alla dolcezza che viene frantumata in fretta da un caos meraviglioso, a un cantato pieno di tenebra e dolore, con chitarre sanguinanti e riflessive al contempo. Una summa perfetta del Jack rimasto come unico artefice del tutto, libero di attraversare la possibilità di compattare lati estremi e di farli convivere con agio e scioltezza. Potente, sognante, piena di ardore e gramigna all’interno di un pianeta sognante. Un altro prodigio.

10 Ghosts (instrumental)

Coda perfetta della canzone precedente e anticipatrice di quella successiva, ci troviamo nel magnetico campo di un giorno in cui l’autunno è una coperta leggera che si avvicina al cielo, con la tentazione di strappare le lacrime al loro silenzio. Dolce, amara, perfetta. 

11 Inhibitions 

Jack conosce il modo di dare all'intimità il suono perfetto, circondandola di mistero, di rallentare la frenesia e collocare il tutto, perfettamente, come ultimo brano, con una chitarra che flette la tristezza verso il desiderio di luce. Con parole che sembrano una dichiarazione d’amore senza negare la difficoltà del vivere, ripresenta Elizabeth per un mantra perfetto che rallenta ogni impeto per un finale che come una colla perfetta mette in contatto l’intenzione e le possibilità effettive, per un risultato magnetico e significativo. Sognante e necessaria.

Il miglior lavoro di Jack come solista. L'intensità espressa dona a tutti la possibilità di una immersione profonda nell’acqua torbida dei nostri respiri. Con successiva e impegnativa esigenza di strutturare il pensiero verso nuove rive.

Album dell’anno per il Vecchio Scriba: si dia spazio alla necessità di trovare nella musica un soffio di vento che ci conduca lontano da ogni fragilità…

L'album uscirà il 12 Dicembre 2023

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

5 Novembre 2023