sabato 26 febbraio 2022

My Review: Deserta - Every Moment, Everything You Need

 My Review 

Deserta - Every Moment, Everything You Need

How can the moon not raise a poet's heart, if it can raise the sea!
(Carlos Sawedra Weise)

There was, not long ago, a sound that descended from the moon to reach the planet earth and that by chance managed to attract the attention of attentive souls, in the game of adoration which warms hearts and electrifies minds.

Before arriving here, it flew up from the craters of the moon, dodging the sense of possession of the only satellite of the Earth, and from those high lands it swooped down towards us, escaping from that silence it felt heavy.

It has taken up residence in the city of angels and has a name common to the Earth as well as the Moon: Deserta.

The pilot of that sound is Matt Doty, (singer, guitarist and multi-instrumentalist) who had tried to leave Los Angeles to inhabit the world with two projects, Saxon Shore and Midnight Faces.

Having exhausted that path, from that moment on everything was clear: we could cross his chameleon-like, recognisable style to see how the Moon is here, within the notes of an emotional tsunami that goes by the name of Every Moment - Everything You Need.

Produced by Chris Coady (Slowdive, Beach House), the successor of Black Aura My Sun is undoubtedly the representative of heterogeneous elements capable of compacting the mass of talent and ideas with a thousand roots that end up converging towards recognisability, that structural uniqueness which dilates the possibilities of creating songs like sweet tornadoes full of melody, with solutions in the spirit of continuous ductility.

It surprises again and again because it teaches pessimism towards the evolution of Shoegaze and Dreampop to die quietly, since it manages to dilate the boundaries of these musical genres, for the solutions and for the intensity with which it fills these almost forty-two minutes.

The atmosphere is just that of a day inside the lunar craters: Matt shows that we are not worthy of its beauty, that man must postpone the intention of taking possession of this satellite, because the density, the mystery, the feeling of a unique and wonderful climate would be wasted in our hands. One constantly gets the feeling that this music reveals how there is no place where man can be comfortable with the almost total absence of hydrogen. Deserta is a miracle of restlessness and shortness of breath, of rhythms and melodies that make you faint, suitable only for souls who abandon their sense of immortality to acclimatise to the conviction that you can die happily listening to these sounds, within the architecture of complex textures born to bewitch us and quickly become the drug which bends any desire to stay away from it.

Listening to the eight lunar craters is not addictive but gives an incredible sense of freedom, a pleasant farewell to the dream of a healthy terrestrial life to head with open lungs towards the moon, to sink into it without regret.

What do you want to dream about if you don't try to get an idea of what it would be like to live where all the romantic souls look at on wishful nights? So come on, be assured that in this album you will find the comfort and wealth that not even the greatest dream could give you....

Take your belief that you can only cry over sorrows and put it next to the stereo, because the density of this work will melt those tears you don't know you have...

Musically, the acceleration towards a post-rock that knows how to be much more than an extra is noticeable, with the annexed will to dress the songs with a pop that is in tune with the always present attitude to the perfect cohabitation between Dreampop and Shoegaze.

The use of keyboards allows wider and more effective solutions that, if on the one hand can turn up the nose of the purists and the extreme defenders of the two musical genres just mentioned, on the other hand give freshness and freedom that in the end allow our listening a greater fluidity.

Song by Song

Lost In The Weight

A track that would end an album for most artists. The astonishment comes immediately because it seems to close the possibility of understanding what could happen later, as it resembles the day after the lack of oxygen.

The beginning is powerful but able, with that magnetic keyboards, to keep us in suspense. Then Matt starts to sing and the chorus, which comes almost immediately, brings the first tears. It's like flying over Santa Monica Bay, until the song seems to bid us farewell. But the drumming and keyboards take a breath, dilating the senses towards the beach. This is a majestic example of how Shoegaze and Dreampop are not just walls of sound and melodies in abundance, since here a huge future scenario is revealed.

I'm So Tired

Can melancholy be thought of as an act of sweetness?

Absolutely, and that's a rare thing to find in music.

While it's clear that the electronic part comes in larger portions than on the first album, it's also true that Matt's voice touches lightly the skin like the favourite son of the most remote Dreampop, where it's not the guitar textures that nail our emotions. But it is enough to wait two minutes and thirty-three seconds and those few notes become the wonder that consoles and cheers those who were waiting for the reigning instrument of these musical genres.

From the Los Angeles beach, we glided almost by stealth to the moon...

Where Did You Go

An almost dramatic beginning.

Distant sparks, hisses and Caroline Lufkin's voice similar to a cheetah waiting to attack, so intense that it rides the lunar dunes with a sound base made of cold Slowdive and mothballed Cocteau Twins.

Then the guitars make love to the keyboards and the tension rises in disguise, until Caroline is left with drums and synth for a few seconds and her voice becomes a scratching claw. With the feeling that Chapterhouse have left traces of themselves in the second lunar crater.

Far From Over

The moon calls Los Angeles: please answer, Deserta has rays of expanding sound to deliver, please make way for Glassell Park and join that hilly sight to what is contained within these swirling, gently abrasive guitars that give way to electronics which enhance the feeling that in these notes are the keys to the future. And it is a dense texture that, starting from flying guitars, ends with a neurotic palpitation fading into the smoke bubble of our vibrations.

It's All a Memory 

What does a Masterpiece look like? 

Sit back and make way for the granite-like clamour of vibes aplenty, where vocals are a lunar gnome and the guitars and drums the perfect bridge connecting the best 4ad to the present day. And, when you get to the catwalk of voluptuous passions of the guitar at the minute 3:53, then you can define the enchantment of the emotional marriage of the senses, because here the farewell seems a splendid thing and the shivers become clusters...

A World Without 

When vocals need a minimal musical base it means it can support anything, and Matt is able to achieve this result. But after a few seconds he becomes generous and makes the emotions grow with a development that moves the dust of dreams to make them red bricks, in a continuous shining of wrinkled-faced guitars. 

Goodbye Vista

There is everything here: from pain to fantasy, from softness to frenzy, guitars, vocals, bass, drums and keyboards have agreed to displace us, to kill us with the beauty of textures able to make us both dream and curl up in the sheets, weeping.

And someone thinks that Shoegaze is gasping for its last breath. You foolish man! Everything that evolves is always better than what remains anchored to the nostalgic past. And the ending of this song reaches the mind and heart of those who have understood the miracle they witnessed.


There are those who want to know the effects used by musicians with their instruments, those who want to know how everything is put together. And more.

But if you close your eyes and listen to the last song on this amazing album, you will realise that there is a language, a code that overrides every means used and their mode.

What comes here is the lunar storm, the ability to alternate, to insert clamour and timidity, in a sonic impact that leaves us lost in the unknown lunar territories, where Deserta is at ease.

It is a hiccup that seems interminable, 315 seconds to understand that we are not able to consciously determine the value of this listening, because where the mystery presents itself there is something that is lost. 

And so we return to the Moon, rewind the tape and lose ourselves again, dressed in the most clamorous beauty...

Deserta has created the perfect dress in which thoughts and emotions fit perfectly together and in which the desire to imitate them, to be compact, has infected us. And this is the only positive contagion we can thank for.

One of the best records of this 2022, undoubtedly.

Alex Dematteis



26th February 2022

La mia Recensione: Deserta - Every Moment, Everything You Need

 La mia Recensione 

Deserta - Every Moment, Everything You Need

Come fa la luna a non elevare il cuore di un poeta, se riesce a innalzare il mare!
(Carlos Sawedra Weise)

C’era, poco tempo fa, un suono che scendeva dalla luna per arrivare al pianeta terra e che per caso riuscì ad attirare l’attenzione delle anime attente, nel gioco dell’adorazione che scalda i cuori ed elettrizza le menti.

Prima di giungere qui si è alzato in volo dai crateri lunari, schivando il senso di possesso dell’unico satellite della Terra e da quelle terre alte è sceso in picchiata verso di noi, scappando da quel silenzio per lui pesante.

Ha preso residenza nella città degli angeli e ha un nome comune alla Terra come alla Luna: Deserta.

Il pilota di quel suono è Matt Doty, (cantante, chitarrista e polistrumentista) che aveva provato a ripartire da Los Angeles per abitare il mondo con due progetti, Saxon Shore e Midnight Faces.

Esaurito quel percorso, da quel momento tutto è stato chiaro: avremmo potuto attraversare il suo stile camaleontico, riconoscibile, per constatare come la Luna sia qui, dentro le note di uno tsunami emotivo che risponde al nome di Every Moment - Everything You Need.

Prodotto da Chris Coady (Slowdive, Beach House) il successore di Black Aura My Sun è indiscutibilmente il rappresentante di elementi eterogenei atti a compattare la mole di talento e spunti dalle mille radici che finiscono per convergere verso la riconoscibilità, quell’unicità strutturale che dilata le possibilità di creare canzoni come tornadi dolci e gonfi di melodia, con soluzioni all’insegna di una duttilità continua.

Sorprende in continuazione perché educa il pessimismo nei confronti dell’evoluzione  dello Shoegaze e del Dreampop a morire silenziosamente, perché riesce a dilatare i confini di questi generi musicali, per le soluzioni e per l’intensità di cui riempie questi quasi quarantadue minuti.

L’atmosfera è proprio quella di una giornata dentro i crateri lunari: Matt dimostra che non siamo degni della sua bellezza, che l’uomo deve posticipare l’intenzione di prendere possesso di quel satellite, perché la densità, il mistero, la sensazione di un clima unico e meraviglioso sarebbe sprecato nelle nostre mani. Si ha continuamente la sensazione che questa musica riveli come non esista un luogo dove l’uomo possa essere a suo agio con l’assenza quasi totale di idrogeno. Deserta è un miracolo di inquietudine e fiato breve,  di ritmi e melodie che fanno svenire, adatte solo alle anime che abbandonano il senso di immortalità per acclimatarsi dentro la convinzione che si possa morire felicemente ascoltando questi suoni, dentro l’architettura di trame complesse nate per stregare e divenire velocemente la droga che piega ogni desiderio di starle lontano.

Non dà assuefazione ma un senso incredibile di libertà l’ascolto degli otto crateri lunari, un piacevole addio al sogno di una sana vita terreste per dirigersi a polmoni aperti verso la Luna, per sprofondarci dentro senza pentimento.

Cosa volete sognare se non provate a farvi un’idea di come sarebbe vivere dove tutte le anime romantiche guardano nelle notti dei desideri? Allora andiamo, siate certi che in questo album troverete la comodità e la ricchezza che neanche il più grande sogno potrebbe darvi…

Prendete la vostra convinzione che si possa piangere solo per dei dolori e posatela di fianco allo stereo, perché la densità di questa opera scioglierà quelle lacrime che non sapete di avere…

Musicalmente è vistosa l’accelerazione verso un post-rock che sa essere molto più che una comparsa, con annessa la volontà di vestire le canzoni con un pop che è in sintonia con la sempre presente attitudine alla perfetta convivenza tra il Dreampop e lo Shoegaze.

L’utilizzo delle tastiere permette soluzioni più ampie ed efficaci che, se da una parte possono far storcere il naso ai puristi e agli estremi difensori dei due generi musicali appena accennati, dall’altra regalano freschezza e libertà che in conclusione permettono all’ascolto una maggiore fluidità. 

Canzone per Canzone

Lost In the Weight

Un brano che avrebbe concluso un album per la maggioranza degli artisti. Lo stupore si presenta subito perché sembra chiudere la possibilità di capire cosa potrebbe accadere dopo, in quanto somiglia al giorno successivo alla mancanza di ossigeno.

L’inizio è possente ma in grado, con quella tastiera così magnetica, di tenerci con il fiato sospeso. Poi Matt inizia a cantare ed il ritornello, che arriva quasi subito, fa scoppiare le prime lacrime. Sembra di volare sulla Baia di Santa Monica, sino a quando la canzone sembra congedarsi da noi. Ma il drumming e la tastiera riprendono fiato, dilatando i sensi verso la spiaggia. Maestoso esempio di come lo Shoegaze e il Dreampop non siano solo muri di suono e melodie in abbondanza, perché qui viene svelato uno scenario futuro davvero immenso.

I’m So Tired

Si può pensare alla malinconia come un atto di dolcezza?

Certamente, ed è una cosa rara da trovare nella musica.

Se è evidente che la parte elettronica si presenta in porzioni più ampie rispetto al primo album, è anche vero che la voce di Matt sfiora la pelle come il figlio prediletto del Dreampop più remoto dove non sono le trame delle chitarre a inchiodare le nostre emozioni. Ma basta aspettare due minuti e trentatré secondi e quelle poche note sono lo stupore che consola e allieta chi era in attesa dello strumento regnante di questi generi  musicali.

Dalla spiaggia Losangelina siamo planati quasi di soppiatto sulla Luna…

Where Did You Go

Inizio quasi drammatico.

Scintille lontane, sibili e la voce da ghepardo in attesa di attaccare di Caroline Lufkin, così intensa da cavalcare le dune lunari di una base sonora fatta di Slowdive infreddoliti e Cocteau Twins in naftalina.

Poi le chitarre fanno l’amore con la tastiera e la tensione sale mascherata sino a quando Caroline rimane per pochi secondi con la batteria e il synth e allora la sua voce diventa artiglio che graffia. Con la sensazione che i Chapterhouse hanno amo lasciato tracce di sè nel secondo cratere lunare. 

Far From Over

Luna chiama Los Angeles: rispondete, Deserta ha raggi di suono in espansione da recapitare, fate spazio al Glassell Park e unite quello spettacolo collinare a quello che è contenuto dentro queste chitarre roteanti, dolcemente abrasive, che concedono spazio all’elettronica che esalta la sensazione che in queste note vi siano le chiavi del futuro. Ed è una trama fitta che partendo da chitarre in volo si conclude con una palpitazione nevrotica che sfuma dentro la bolla di fumo del nostro vibrare.

It’s All a Memory 

Che faccia ha un Capolavoro? 

Sedetevi e fate posto al clamore granitico di vibrazioni in abbondanza,  dove la voce è uno gnomo lunare e le chitarre e la batteria il ponte perfetto che collega la 4ad migliore ai giorni nostri. E quando si arriva alla passerella degli impeti voluttuosi della chitarra al terzo minuto e cinquantatreesimo secondo allora si può definire l’incanto del matrimonio emotivo dei sensi, perché qui il congedo pare una cosa splendida e i brividi diventano grappoli…

A World Without 

Quando il cantato abbisogna di una base musicale minima significa che può sostenere ogni cosa e Matt ci riesce. Ma dopo pochi secondi diventa generoso e fa crescere le emozioni con uno sviluppo che sposta la polvere dei sogni per renderli mattoni rossi, in un continuo brillare di chitarre dalla faccia rugosa. 

Goodbye Vista

C’è tutto qui: dal dolore alla fantasia, dalla morbidezza al delirio, chitarre voce basso batteria e tastiera si sono messe d’accordo per spiazzarci, per ucciderci con la bellezza di trame che sanno sia farci sognare che piegare nelle lenzuola, piangenti.

E qualcuno pensa che lo Shoegaze stia esalando gli ultimi respiri. Stolto. Ciò che si evolve è sempre migliore di chi rimane ancorato al passato nostalgico. Ed il finale di questa canzone raggiunge la mente e il cuore di chi ha capito il miracolo di cui è stato testimone.


C’è chi vuole sapere gli effetti usati dai musicisti nei loro strumenti, chi come si assembla il tutto. E altro ancora.

Ma chi chiude gli occhi ascoltando l’ultima canzone di questo strepitoso album si rende conto che esiste un linguaggio, un codice che scavalca ogni mezzo usato e la sua modalità.

Qui ciò che arriva è la tempesta lunare, la capacità di alternare, di inserire clamori e timidezze, in un impatto sonoro che ci lascia perduti negli sconosciuti territori lunari, dove invece Deserta si trova a suo agio.

È un singhiozzo che pare interminabile, 315 secondi per capire che non siamo in grado di determinare coscientemente il valore di questo ascolto perché dove il mistero si presenta c’è qualcosa che si perde. 

E allora si ritorna sulla Luna, si riavvolge il nastro e ci si perde nuovamente, vestiti della bellezza più clamorosa…

Deserta ha confezionato l’abito perfetto nel quale i pensieri e le emozioni stanno perfettamente insieme e dove il desiderio di imitarli, di essere cioè compatti, ci ha contagiato. E questo è l’unico contagio positivo per cui possiamo ringraziare.

Uno dei dischi migliori di questo 2022, senza dubbi.

Alex Dematteis 



26 Febbraio 2022

venerdì 25 febbraio 2022

My Review: Sugar For The Pill - Quicksand & Falling Back To You

 My Review 

Sugar for the Pill - Quicksand - Falling back to you 

"Waiting dampens mediocre passions and increases the greatest ones."


When you realise that there are few situations that you can wait for without feeling helpless and passive you still feel pleasantly like a child. 

It happens, then, that you spot those things which already belong to you in advance, because you have caught some very sweet signals.

This is the case of the album by the Greeks Sugar for the Pill, who have released two singles to anticipate their Wanderlust, that will be out on 18 March 2022.

Today I'm talking about these two songs that have already opened the heart, brought the body into the zone of conscious and robust dance, while the eyes become alert, then dreamy and then able to take what is far from reality and be led into everyday life.

This band is simply a mitral valve, a tunnel where beauty and enchantment take refuge. 

Quicksand is the poetry of dust that you hear in the initial notes of keyboards and then deliver in the guitar and in the vocals which shock for their reflections of the 90s, creating echoes in the heart.

Like Fountain of Light, the song lives on the union of alchemy and celestial excursions, with the bass that alone would be enough to make us fall in love. But all the members of the band enter the work shop, where they exercise their impulses, the passions that generate this jewel, as a unique specimen in which to rejoice, with wide and serene smiles.

Falling Back To You is the movement of the sea that enters the sand and does so with subtlety, with elegance, while the drumming alternates, beating out the rhythm with the guitars that travel in the macrocosm of Dreampop and a bass that, starting from the Cure and arriving at Joy Division, is a solid pillar for Vana Rose’s voice which electrifies the air with its melodic melancholy.

The guitars of Spyros Mitrokotsas and Elias K are ecstatic and invade the senses, keyboards and the bass of Stefanos Manousis are ecstatic and frenetic, with the drums of Konstantinos Athanasopoulos giving liveliness, joy and a sense of rush towards that little bit of enthusiasm left for us to live.

A band that is what we are waiting for, as children, as adults, to be able to play with beauty...

Alex Dematteis



February 25th, 2022

La mia Recensione: Sugar For The Pill - Quicksand e Falling Back To You

 La mia Recensione 

Sugar for the Pill - Quicksand
 Falling back to you 

“L'attesa attenua le passioni mediocri e aumenta quelle più grandi.”


Come essere piacevolmente ancora dei bambini quando capisci che sono poche le situazioni che si possono attendere senza sentirsi inermi e passivi.

Capita, quindi, di individuare quelle cose che già ti appartengono in anticipo, perché hai colto dei segnali dolcissimi.

È il caso dell’album dei greci Sugar for the Pill, usciti con due singoli per anticipare il loro Wanderlust, atteso per il 18 marzo 2022.

Oggi vi parlo di questo paio di canzoni che già hanno aperto il cuore, portato il corpo nella zona della danza consapevole e robusta, gli occhi che si fanno vigili, quindi sognanti e allora capaci di prendere ciò che sta lontano dalla realtà e farsi condurre nella quotidianità.

Questa band è semplicemente una valvola mitrale, un tunnel dove si rifugia la bellezza e l’incanto. 

Quicksand è la poesia della polvere che senti nelle note iniziali della tastiera per poi consegnarsi nella chitarra e nel vocalizzo che sconvolge per i suoi riflessi degli anni 90 creando echi nel cuore.

Come Fontana di luce, la canzone vive dell’unione di alchimie ed escursioni celesti, con il basso che da solo basterebbe per farci innamorare. Però tutti i membri della band entrano nella bottega del lavoro, dove esercitano i loro slanci, le passioni che generano questo gioiello, come esemplare unico nel quale poter gioire, a denti larghi e sereni.

Falling back to you è il moto del mare che entra nella sabbia e lo fa con sottigliezza, con eleganza, mentre il drumming si alterna scandendo il ritmo con le chitarre che viaggiano nel macrocosmo del Dreampop ed un basso che, partendo dai Cure e arrivando ai Joy Division, fa da pilastro saldo per la voce di Vana Rose che elettrizza l’aria con la sua melodica malinconia.

Le chitarre di Spyros Mitrokotsas  e di Elias K sono estasi che invadono i sensi, la tastiera e il basso di Stefanos Manousis sono estasianti e vertiginosi, con la batteria di Konstantinos Athanasopoulos a dare vivacità, allegria e senso di corsa verso quel poco entusiasmo che ci è rimasto da vivere.

Una band che è ciò che attendiamo, come bambini, come adulti, per poter giocare con la bellezza…

Alex Dematteis



25 Febbraio 2022

giovedì 24 febbraio 2022

La mia Recensione: Antonio Smiriglia - Amanti, Santi e Naviganti

 La mia Recensione 

Antonio Smiriglia - Amanti, Santi e Naviganti

Le conchiglie non conoscono le parole, eppure nel loro suono così semplice è descritto tutto il mare.
(Fabrizio Caramagna)

La terra è il deposito delle meraviglie che conoscono moti e saggezza, come un insieme spettacolare e divino che bacia ciò che non riesce ad essere all’altezza. Tra le sue stelle ci sono le conchiglie, le ossa delle Sirene, che tramandano la loro bellezza sulla sabbia.

Dal loro arrivo sul nostro pianeta loro espandono le voci con fare perpetuo e solo le orecchie  attente sanno coglierle ed accoglierle.

Sono tutte bellissime e quando arrivano nelle mani di cuori premurosi nell’accarezzarle accade che l’incanto diviene una danza che abbellisce l’anima che si accosta a loro.

 Una di queste si chiama Antonio Smiriglia e ha trovato un modo, angelico, per descriverne l’intensità coniugandola alla terra nella quale abita. Ed è incanto e passione, un fuoco rispettoso che scalda i cuori e li benedice.

Come in una notte di stelle calde e profumate, nella quale l’atmosfera è di totale dedizione, tutto confluisce in nove favole dalla faccia chiara, dal vestito zuppo dell’odore del Mare, che raccontano gli incontri, le storie di vita senza setacci, con una forte spiritualità, utilizzando la storia, potente e magnetica, di quella regione dal petto pieno di battiti misteriosi che è la Sicilia. 

Antonio sventola con fierezza la bandiera di quella zona fertile e la mette su note come un bambino saggio fa con ciò che ama.

Non c’è vergogna né timidezza, sono semi queste canzoni, un lasciapassare prezioso di segreti custoditi da tempo immemorabile e anche un tam tam sottile dai codici tradotti per tutti noi: c’è intenzione di far conoscere e non ci sono dubbi che tutto sia comprensibile ed efficace.

Non sono canzoni bensì passaparola continui che destano stupore ed emozioni senza parvenza di arresto. Ci si ritrova all’ascolto con l’impressione di essere stati da sempre lontani dalla bellezza più autentica, capace di contagi che non conducono alla morte bensì alla vita vera, quella consapevole.

Pregno di stili, di propensioni generose, di stratificazioni che raggiungono lidi lontani, questo racconto di conchiglie e magie infinite si intitola “Amanti, Santi e Naviganti” e già nel titolo siamo pilotati verso il rispetto e l’attenzione, con il compito di sapere che ogni incastro è il terminale di migliaia di esistenze che si incontrano attorno al focolare di una festa genuina e capace di far riflettere ed emozionare, senza reticenze.

E la modalità, lo stile con il quale Antonio comunica è gravido di un sapere gentile, dove le scomodità del fare umano si presentano una ad una attraverso un clima dove la sincerità e a volte la durezza non diventano attrito ma risorsa preziosa per cercare di colorare l’esistenza con magia e sapienza.

Idiomi e lingue come templi dove mostrare ringraziamenti continui sono damigelle d’onore di musiche che sparpagliano le loro capacità in generi molteplici e armoniosi, come ventaglio che copre le varie possibilità espressive.

Andiamo ora a conoscere la faccia di queste conchiglie, i loro dintorni, le voci di anime irrequiete ma vogliose dell’esistenza, per non disperdere di loro nemmeno un respiro.

Canzone per Canzone


Una chitarra, una voce, un inizio verso l’idea del viaggio che poi, a mano a mano che la canzone si sviluppa, diventa reale e si ci si trasforma in naviganti per davvero, con la protezione della Madonna e dei Santi. Tutto inizia con fare gentile, con la leggerezza di un racconto, musicale e del testo, che sviluppa le sue trame come un sorriso leggero, come una introduzione che già manifesta purezza e capacità, con frammenti di folk a sussurrare attenzioni alla natura, tra fasci di vento e preghiere.


Entrano i sentimenti, le inclinazioni, i personaggi, i desideri con la pelle di una musica che ci porta nelle colline assetate di pioggia. Ed è la primavera che si manifesta con un progressive folk che ci riporta agli anni 70 ma mostrando le sue diramazioni, le contaminazioni, le specifiche differenze. Un senso di conquista dei sensi che dalla richiesta di attenzioni approda al farsi guardare in un gioco medievale di armonie spavalde e positive.


Il concetto di World Music è da rivedere. Troppo legato ai grandi nomi degli anni 80. Ascoltate Terra e tornerete studenti non di un concetto ma di una essenza che si manifesta con la luna che incendia gli occhi del Mare con le sue speranze. Musica che diventa emigrante per accogliere le diverse culture che sono bisognose di un incontro, di un abbraccio. Quella che troviamo su queste onde è puro incanto che scalda le vene, uccide la guerra e diventa un gabbiano senza rabbia che porta la sua bellezza dentro di noi, scendendo su una barca che vuole liberarsi dei suoi morti.


Non è un caso che dopo Terra vi sia Amanti: è il ciclo della vita che continua per completarsi.

Antonio parte da una chitarra che ha semi di Simon & Garfunkel nei suoi movimenti ma poi tutto si arricchisce di mura siciliane, di visi, di rose rosse dalla pelle bagnata e non per sbaglio. Il canto si avvicina a quello di Raffaella Misiti della band romana degli Acustimantico e la musica guarda alla PFM più dotata e generosa. Ma non è che un battito minimo: il brano odora di riservatezza, che fa scomparire i riferimenti in fretta per vibrare della propria fattura.

Donna Gintili  

La musica come trama: un Romanzo che prende per le mani la versatilità delle note e le stende sui brillii del bisogno di comunicare. Strumenti che arrivano come se giocassero a nascondino, si inseriscono dando all’arrangiamento il suo vero ruolo e significato.

Antonio raddoppia le voci e crea piani emotivi diversi capaci di farci salire nel cielo così come di accarezzare la terra.

E poi la sorpresa dell’incontro con la voce di Oriana Civile, un diadema che apre il suo cuore e lo posa su un arpeggio vellutato e luccicante. Una canzone che offre il confronto tra trame piene di frumento e i garofani Americani sul tappeto di giorni ingrossati da una attitudine corale dove emerge il bisogno di confronti stilistici con gli strumenti come generosi operai della bellezza.

Rosi e Spini

Come spinge qui l’albero della ispirazione: raccoglie e diventa slancio e, partendo dall’acqua fresca di una fontana, percorre il pizzico di corde e gote che si gonfiano per spingere sullo strumento a fiato che ci porta nell’epoca che non ha numero. 

Al trentesimo secondo si accende la danza che non abbisogna di rimanere: si affaccia e se ne va, e ritorna.

Ci voleva proprio Oriana con la sua voce piena di olio e magia per accompagnare Antonio, ed il brano diventa una pellicola per conservare il fato e la poesia.

Si li me Paroli

Dannazione: qui non ho parole adatte, le sto invocando, ed è la canzone che mi aiuta, perché nella sua verità tutto emerge.

Non è un miracolo, non una eccezione nella quale inginocchiarci per ringraziarla.

Piuttosto è una bufera che incontrando l’amore si educa e si calma, bacia l’atmosfera Francese, quella usata anche da Guccini in Signora Bovary. Si entra nel bisogno di trovare le cose perdute con l’ombra di note musicali che guardano al Fado, al folk della sponda nordica dell’Africa, alla sottile propensione ad una danza lenta, con la batteria che lavora i fianchi dolcemente, come battito di ali e non del ritmo.

Ci si accascia sulla voce di Antonio che diventa l’anestesia perfetta per far dormire il dolore.

E forse qui si tocca la vetta dell’Etna per guardare leggeri non solo la Sicilia, ma la mappa della nostra esistenza.

Ballata di li Santi

Coralità, danza, la Grazia che mostra la vivacità dell’isola, con punti di contatto con la Sardegna, e si vola nei secondi con un tam tam gentile, il cantato veloce e melodico, e ancora si balla come il vento della coscienza che ci rende leggeri. E se esiste la World Music la invito a entrare dentro questi due minuti e cinquantadue secondi: farebbe bene a prendere appunti e annotare come i confini più tremendi siano nelle convinzioni sbagliate.

La religiosità ancora una volta è un percorso che accoglie, che non ha i paraocchi e che è disposta ad essere un abbraccio intelligente, nutriente, senza esagerazioni.

È la Sicilia tutta che vestita di colori danza e saluta i Santi, in una gioia che si appiccica alla musica in stato di Grazia…


Le conchiglie, non le ho dimenticate, né loro si sono dimenticate di noi.

Hanno aspettato il momento giusto, per spiegarci il tempo. 

Siamo di nuovo sulla spiaggia, pronti a tornare naviganti, con i vocalizzi di Antonio che, come preghiere piene di fiducia,   spingono il testo ad essere un assolo che sfocia nella parte musicale, quasi jazz, mischiata alla salsedine e ai coralli pronti a guardarci. Il Tempo non è mai un congedo ma un continuare in luoghi diversi. E allora tutto accade all’alba, il tempo in cui le forze e la stanchezza si guardano in viso. Voce come muezzin, e i musicisti che sembrano fare una jam in uno stato cosciente senza freni, con gli arrangiamenti che applaudono e stabiliscono la prossima rotta.

Quando un album diventa un libro che continua a scrivere di se stesso, rifiutando la parola Fine…

Alex Dematteis 



24 Febbraio 2022

La mia Recensione: Federale - Reverb & Seduction

  Federale - Reverb & Seduction In un mondo fatto di grida, più o meno rumorose, e di falsità, trovarsi all’interno di un misterioso riv...