My Review: Bauhaus - In The Flat Field

Bauhaus - In The Flat Field

The Light. The Darkness. Pathos. The Drama. The Hallucinations. The Impetus. The Challenge. The Error. The Horror. The Carnivorous Absence of Good. The Mental Projections. The Cold. The Caustic Game. The Acting. The Destination. The Destiny.

That's it: a small academic hemisphere on the streets of living spills over into the aforementioned words and creates the Theatre, the stage where acting is the starting point, not the escape, to fall into the vortex of pleasure with blood in the slits of the mind.

Bauhaus is not a band of talented young people in search of success. They are the disrespectful knives that wound the soporific pace of 1979: the Old Scribe accuses them of simply being obscene for an unnatural beauty, creating discomfort in the discomfort of pleasures that came out of the catacombs of a harmless daily wasting of time. Them: the lightning and the crash, the drama pumping in the meanders of an unconscious propensity for nothingness, covered, however, with follies (countless and substantial) that tinge the heart with a necessary quota of fear.

The Bauhaus as source, as a blowtorch that with the first single generated confusion, conflict, interest, sowing ferocious traps in clichés born with their wild disposition to quarrel.

Bauhaus is formed, two months go by and that song enters forever into the immense multitude sinfully waiting for an idyll: in those minutes we witness a birth.

In The Flat Field is a litter of wild spirits on parade, undisciplined and complex, majestically taking the skin off Post-Punk full of anachronistic profligacy. It took a handful of songs as an act against the amorphous ones, throwing salt as a challenge and using sounds in a different way, using some new ones as a further challenge, to set up a kitchen equipped for the preparation of an indigestible but necessary dish.

Which Dark? But when will this ridiculous conviction end? The four are horsemen playing with darkness, they certainly do not have the nihilistic form of Joy Division, the disconnection from reality of The Cure, or the poetry of The Sound. They are shadow painters who kick centuries of obscurantism to expand its boundaries, leaving, incredibly, a long trail of make-up of the dirtiest side of Glam: by pulling the handbrake, they have generated pelvic toxins in the spasms of behaviour that risked ending up, like a funnel without wounds, in the madness of the unconscious crowd.

A bundle of compositions that complicates the understanding of the events that took place just before because, like a catapult working in reverse, the songs settle down in the early seventies (musically speaking), while the enchanting Peter Murphy (acclaimed by Old Scribe as the best singer ever) writes oil drips coming from a school of souls locked in a dungeon. It is the skeletal (a coincidence? I don't think so...) cantor of the mind's perverse mechanisms who holds the story in his grasp, sentencing, suggesting, creating images and stories as if our physicality were to be slaughtered, to his greatest delight. Nightmares and tensions centrifuged together, labyrinths as a pastime, juggling with a throat that seems capable of bringing out a flood of spirits in search of a breath of air. A writing full of exaggerations, of illogical perversions, which amalgamate with a voice that, miraculous as a night without darkness, knows how to cross the listener to make him end up, exhausted, with scars in his heart. 

Nine acts, nine sponges, nine stab wounds, capable of transporting the corpses of our frightened beats into a fury (sound familiar?) and enjoy the sensory massacre provoked. The story of the album, the one that preceded it, is laden with mythology, clamorous lies, useless facts. What occurs in the two sides of the vinyl, on the other hand, is a painful recital of linked woes, of exhaustion that, once brought into the morgue of our thinking, succeeds in making a resounding impression. The instruments, like a bundle of wood packed with dynamite, expose themselves, naked, as they strip away centuries of outposts of unawareness, cutting the music in two: before them and after them. A musical perimeter within which each of the three musicians collects egos in blatant display, hoping that the Master of Storytelling will know not to disfigure them too much. The excellent production work leaves everyone disgruntled: a resounding draw is celebrated at the end of the game. Because, let's be clear, Peter can win alone as well as in company if he wants to….

It is precisely his mode of singing that will lead the American angel Rozz Williams to try to grasp its secrets: oceans are perhaps only kissed through music. The traffic lights of sounds light up with the gloomy colour of perversion and the exhilarating colour of continuous precipitation: missiles rain from that guitar, rocks fall from that bass, and the heart weeps as a result of the crushing given by toxic and innovative drumming. In so many line-ups, the rhythm section has been the base, hidden, through which they could win, performing more. But the two brothers set fire to Daniel Ash's ideas, tortured him and put a gag on him. There was only one condition: 'Dear Daniel, if you want to play with us, you can only do brilliant things'...

It happened, and Bauhaus became, with only one album on their backs, the band of reference for those who wanted to listen to glam while having their heads completely invaded by flights of attention-seeking bats.

They gave no room for nostalgia, they did not get into the ring to beat up bands that were all going in the same direction at the time. Here was the theatricality, the willingness to be derisory, to play as if the sky had taken an hour's rest.

The A-side is the most toxic, devastating, infamous and malignant: five spaceships full of radioactive waste glide over the audience to liquidate every advanced dream. Double Dare is an infamous execution of atrocious beauty, a theatre that opens its doors to commit murder at once. Slow, tribal, gothic because it is close to horror, the desecrating ability to give the guitar the task of being an unlistenable screech, but by which one ends up being captivated. Kevin Haskins towers, shaking the skins and setting the cavern on fire with the force of his drumsticks. David J seems to have come out of a mental stomach pump: he beats slowly, without blinking... Peter? Are you kidding me? We are not talking about the man who paints the flight of fear perfectly: the best actor to illuminate a story that at times can also be atrocious, to make the Rocky Horror Show envious. Yes, he's already a whole show in this track... Ash reduces Peter's eventual show and plays the grimacing child, blatantly but sublimely: impossible for there to be idyll between the two, possible, instead, for those souls to inspire twists as the opening song manages to do.

 

The second heart attack is brought on by the rhythmic cascade that gives the work its title: a running reflection, with the grating of sounds coming out of the grave of Daniel's guitar, a bloody sheet of metal inside the grey smoke of the bass that sweeps away Post-Punk, taking its fingertips to Olympus. Peter plays beautifully, fast crooning, full of sparks, barking at the sky like a wolf never lost but wounded, his inflamed uvula switching from low to high register with monstrous speed and skill. The guitar then chooses to become a film of sandpaper in the finale, and the long fade out is an overture to the next song...

Only two tracks, but fate has already ruled: it's pure devotion for these acerbic but dignified artists. Miracles will happen soon.

The first comes straight away with A God in an Alcove, which is, objectively, the embassy of glam rock that declares surrender: David Bowie stopped believing long ago, the New York Dolls are now ghosts, and it is up to the four of them to revive the glories of the past, but with the task of offering small doses of novelty. By the end of the song, one notices the changes of rhythm, the guitar swells, the bass vomits, and a drum kit waiting to rock but with black sticks. Violent, macabre (God, that chant, a neurotic babble that creates multiple orgasms in the finale), it waits with open arms for Dive, a machine-grind also here in the odour of Glam but more theatrically exaggerated, especially in the bass, unique and invincible, while the drumming definitely comes out of Joy Division's gymnasium. The singing is hysterical but joyful, playful, a blaze of salt in the garden of darkness.

Then the first Goddess, the first black rose, the first true example of the wingless gothic rot: the song falls into the heart, Spy in the Cab is an operation without anaesthesia, in the dark, with only one doctor who seems to be reciting the rosary more than operating, and it is Peter who gives the task to his voice to turn into a heap of sad claws, corrupted by the evilness given by spying in the meanders of the mind, giving continuous motions of bewilderment and discouragement, until Daniel's glacial distorted guitar increases the pathos and fear can only become the best possible friend at that moment. Double vocals, backing vocals and the need to sing like a poison dart inside our ears. By the end of the A-side one is already shattered, disheartened, destroyed.With stubborn conviction we turn the vinyl over and encounter the one song that does not have the same vigour as the others, yet exerts a power of fascination. But Small Talk Stinks is, surely, the band's future coming to the fore. Not too successful due to flimsy rules, but capable of intriguing as it hints at how Peter's acting is waiting to explode.

St. Vitus Dance: cross and delight of the album, the parenthesis, the amphitheatre, the storehouse of their skills, which limits itself to the little task with courage, disrespectful in taking Iggy Pop and ruining his make-up, slaughtering the Stooges, lightening them up, leaving them perplexed. Not a gem, but certainly adept at delivering a thrill.

An initial atomic bass, the drooling drumsticks and neurotic guitar, stretch the soul and present us with a new scaffolding (with a frighteningly large stylistic figure), which make Stigmata Martyr a resounding case of wild connection to frenzy, to the masks exhibited in sounds and images, a bony, long linear rite, a mass celebrated in the mud of a place full of rage, held at bay by the unmatched acting skills of all four members. Plays of light ripped from nightmares are channelled into the guitar, the temple of pain, which, together with Kevin's drumming, makes possible the perception that the words written by Peter seem to want to hide. It is possible to be nihilistic without using the mania of excess: all you have to do is involve the desire for sonic exploration towards the dirty side of Rock and Roll and you're done. Few notes played, but with the strategy of making it all appear like a cloud of instruments hungry to create chaos. 

The recitative returns, the guitar plays on two expressive modes and hardens, even becoming capable of crossing over into the most unknown psychedelia, but doing so ferociously. The album seems to have been born to arrive at this song, which is essential as it distributes all the qualities of the guys, seriously engaged in drawing the bark of perfection...

Now the Old Scribe wishes he were already dead, buried, not responsible for a difficult and indigestible task, because this song is absolutely what he considers to be the masterpiece of their entire discography. The magic, the toxic cloud, the sewage, the awkward smells, the feeling of industrial-derived putrefaction is an absolute certainty: the fright so dear to Black Sabbath here materialises, with an added cabaret vein given by a piano that hypnotises like the grin of an amorphous angel falling into the powerful and devastating voice of Peter, in this case a genial pissed-off shaman, neurotic, sublime in the pauses and in giving space to the play of sighs of the same piano, to inhale into the microphone, making us feel the weight of the scene of which he tells us the evolution. A scream that becomes a rapturous mantra, a warlike vociferation, a satanic doing inside the orderly orchestra of a rhythm that seems cruelly inclined, starting precisely from Black Sabbath, to arrive at the gates of Killing Joke. Bauhaus, however, plays as a frightening need to confuse identities. A procession of symbolic references that would make some American writers happy (Poe and Lovecraft, no less...), to lead them around in the channels of their madness, displacing them with their nightmares, to give fear a place in which to expire without any doubt. Nerves is a looming necessity, a torture, skilfully slow in the manner of its inception, only to be capable of a poignant, vomitous caress, which knows the increase in speed. 

We must add the impressive amount of work that listening induces our souls to perform: nine songs as unsolved, postdated cheques of our perception, challenges that thousands of approaches will not be able to decipher. The most obvious miracle consists of the propensity to reject this album, only to fall into the precipice of an invitation that the four do not tire of. In The Flat Field is by far the only 'almost' Gothic masterpiece we are fascinated by and often addicted to.

Meanwhile, somewhere inside us, there are alarms and petrol spies in a strange pact: to be able to turn off the light for a moment and be like these violent performances of extraordinary beauty...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

12th June 2023

La mia Recensione: Bauhaus - In The Flat Field

Bauhaus - In The Flat Field

La Luce. Il Buio. Il Pathos. Il Dramma. Le Allucinazioni. L’Impeto. La Sfida. L’Errore. L’Orrore. La Carnivora Assenza del Bene. Le Proiezioni Mentali. Il Freddo. Il Gioco Caustico. La Recitazione. La Destinazione. Il Destino.

Ecco: un piccolo emisfero accademico sulle strade del vivere si riversa nelle suddette parole e crea il Teatro, il palcoscenico dove recitare è il punto di partenza, non la fuga, per cadere dentro il vortice del piacere con il sangue nelle feritoie della mente.

I Bauhaus non sono una band di giovani talentuosi alla ricerca del successo. Sono i coltelli senza rispetto che feriscono l’andazzo soporifero del 1979: il Vecchio Scriba li accusa di essere stati semplicemente osceni per una bellezza innaturale, creando sconforto nel disagio di piaceri usciti fuori dalle catacombe di un innocuo perditempo giornaliero. Loro: il lampo e lo schianto, il dramma che pompa nei meandri di una inconsapevole propensione verso il nulla, ricoperto, però, di follie (innumerevoli e sostanziose) che tingono il cuore di una necessaria quota di paura.

I Bauhaus come fonte, foce, come fiamma ossidrica che con il primo singolo ha generato confusioni, conflittualità, interessi, seminando trappole feroci in cliché nati proprio con la loro selvatica predisposizione al litigio.

I Bauhaus si formano, passano due mesi e quella canzone entra per sempre dentro l’immensa moltitudine peccaminosamente in attesa di un idillio: in quei minuti si assiste a un parto.

In The Flat Field è una cucciolata di selvaggi spiriti in parata, indisciplinati e complessi, maestosamente in grado di togliere la pelle al Post-Punk pieno di anacronistica scialorrea. Occorreva un pugno di canzoni come atto contro quelle amorfe, gettare sale come sfida e utilizzare i suoni in modo diverso, usandone alcuni nuovi come ulteriore sfida, per allestire una cucina attrezzata per la preparazione di un piatto indigesto ma necessario.

Quale Dark? Ma quando finirà questa ridicola convinzione? I quattro sono cavalieri che giocano con le tenebre, non hanno di certo la forma nichilista dei Joy Division, la sconnessione dal reale dei Cure, o la poesia dei Sound. Sono pittori delle ombre che prendono a calci secoli di oscurantismo per ampliarne i confini, lasciando, incredibilmente, una lunga scia di make-up del lato più sporco del Glam: tirando il freno a mano hanno generato tossine pelviche negli spasmi di comportamenti che rischiavano di finire, come un imbuto senza ferite, nella follia della folla inconsapevole.

Un fascio di composizioni che complica la comprensione dei fatti accaduti poco prima perché, come una catapulta funzionante al contrario, le canzoni vanno a depositarsi nei pressi dei primi anni Settanta (musicalmente parlando), mentre l’incantevole Peter Murphy (conclamato dal Vecchio Scriba come il miglior cantante di sempre) scrive colate di petrolio che arrivano da una scuola di anime chiuse a chiave in un sotterraneo. Sarà proprio lo scheletrico (un caso? Non credo…) cantore dei meccanismi perversi della mente a tenere in pugno la vicenda sentenziando, suggerendo, creando immagini e storie come se la nostra fisicità dovesse essere macellata, per la sua gioia più grande. Incubi e tensioni centrifugati insieme, labirinti come passatempo, giochi di prestigio con una gola che sembra capace di far uscire una fiumana di spiriti in cerca di una boccata d’aria. Una scrittura carica di esagerazioni, di illogiche perversioni, che si amalgamano a una voce che, miracolosa come una notte senza buio, sa attraversare chi l’ascolta per farlo finire, sfinito, con le cicatrici nel cuore. 

Nove atti, nove spugne, nove pugnalate, in grado di trasportare i cadaveri dei nostri battiti impauriti in una furia (vi ricorda qualcosa?) e godere del massacro sensoriale suscitato. La storia dell’album, quella che l’ha preceduta, è carica di mitologia, di bugie clamorose, di fatti inutili. Quella che si verifica nei due lati del vinile, invece, è una recita dolorosa di pene concatenate, di sfinimenti che, una volta portati nell’obitorio del nostro pensare, riesce a fare una figura strepitosa. Gli strumenti, come una fascina di legna pregna di dinamite, si espongono, nudi, mentre spogliano secoli di avamposti di inconsapevolezza, tagliando la musica in due: prima di loro e dopo. Un perimetro musicale dentro il quale ognuno dei tre musicisti colleziona ego in lampante esibizione, sperando che il Maestro del racconto sappia non farli sfigurare troppo. L’eccellente lavoro di produzione lascia tutti scontenti: un clamoroso pareggio viene celebrato alla fine della partita. Perché, sia chiaro, Peter sa vincere da solo come in compagnia, se lo vuole…

È proprio la sua modalità di canto che porterà l’angelo americano Rozz Williams a cercare di carpirne i segreti: gli oceani si baciano forse solamente attraverso la musica. I semafori dei suoni si accendono del colore tenebroso della perversione e di quello esaltante della precipitazione continua: piovono missili da quella chitarra, cadono rocce da quel basso, e lacrima il cuore in seguito allo schiacciamento dato da un drumming tossico e innovativo. In tante formazioni la sezione ritmica è stata la base, nascosta, attraverso la quale potevano vincere, esibendosi maggiormente. Ma i due fratelli hanno incendiato le idee di Daniel Ash, lo hanno torturato e gli hanno messo un bavaglio. La condizione era una sola: “Caro Daniel, se vuoi suonare con noi, puoi solo fare cose geniali”...

Avvenne, e i Bauhaus divennero, con un solo album sulle spalle, la band di riferimento per chi voleva ascoltare il glam avendo la testa completamente invasata da voli di pipistrelli in cerca di attenzioni.

Non hanno dato spazio alla nostalgia, non sono saliti sul ring per picchiare i gruppi che in quel momento andavano tutte verso la stessa direzione. Ecco la teatralità, la volontà di essere irrisori, di suonare come se il cielo si fosse preso un’ora di sosta.

Il lato A è quello più tossico, devastante, infame e maligno: cinque navicelle piene di scorie radioattive planano sull’ascolto per liquidare ogni sogno avanzato. Double Dare è una infamante esecuzione di atroce bellezza, un teatro che apre le porte per commettere subito un omicidio. Lenta, tribale, gotica perché vicina all’horror, alla dissacrante abilità di dare alla chitarra il compito di essere uno strillio inascoltabile, ma da cui si finisce per essere ammaliati. Kevin Haskins troneggia, scuote le pelli e infiamma la caverna con la forza delle sue bacchette. David J sembra essere uscito da una lavanda gastrica mentale: picchia lentamente, senza battere ciglio… Peter? Scherziamo? Non si parla di chi dipinge il volo della paura perfettamente: il miglior attore per illuminare una storia che a tratti sa essere anche atroce, da far invidia al Rocky Horror Show. Sì, lui è già un intero spettacolo in questo brano… Ash riduce l’eventuale show di Peter e gioca a fare la bambina smorfiosa, in modo plateale ma sublime: impossibile che ci sia idillio tra i due, possibile, invece, che quelle anime sappiano ispirare torsioni come la canzone d’apertura riesce a fare.

Il secondo infarto cardiaco è provocato dal cascata ritmica che dà il titolo al lavoro: una riflessione fatta di corsa, con la graticola di suoni che escono dalla tomba della chitarra di Daniel, lamiera sanguinolenta dentro il fumogeno grigio del basso che spazza via il Post-Punk, portando i suoi polpastrelli nell’Olimpo. Recita benissimo Peter, un crooning veloce, pieno di scintille, abbaiando al cielo come un lupo mai smarrito ma ferito, con la sua ugola infiammata che passa dal registro basso a quello alto con una mostruosa velocità e capacità. La chitarra sceglie poi di diventare una pellicola di carta vetrata nel finale, e il lungo fade out è una ouverture per la prossima canzone…

Solo due brani, ma il destino ha già sentenziato: è pura devozione per questi acerbi ma dignitosissimi artisti. I miracoli accadranno a breve.

Il primo si presenta subito con A God in an Alcove che è, obiettivamente, l’ambasciata del glam rock che dichiara la resa: David Bowie ha smesso di crederci da tempo, i New York Dolls sono ormai fantasmi, e tocca proprio ai quattro rinverdire i fasti del passato, ma con il compito di offrire piccole dosi di novità. Alla fine del pezzo ci si accorgerà dei cambi di ritmo, delle slavine della chitarra, dei vomiti del basso, e di una batteria in attesa di essere rockeggiante ma con le bacchette nere. Violenta, macabra (Dio, quel canto, un balbettio nevrotico che nel finale crea l’orgasmo multiplo), aspetta a braccia aperte Dive, una mitragliata anche qui in odore di Glam ma più teatralmente esagerata, soprattutto nel basso, unico e invincibile, mentre il drumming decisamente esce dalla palestra dei Joy Division. Il cantato è isterico ma gioioso, giocoso, una fiammata di sale nel giardino delle tenebre.

Poi la prima Dea, la prima rosa nera, il primo vero esempio del marciume gotico senza ali: il brano cade nel cuore, Spy in the Cab è una operazione senza anestesia, al buio, con un solo medico che sembra recitare il rosario molto più che operare ed è proprio Peter che dà il compito alla sua voce di trasformarsi in un cumulo di artigli tristi, corrotti dalla malvagità data da uno spiare nei meandri della mente, regalando moti di spaesamento e sconforti continui, sino a quando la glaciale chitarra distorta di Daniel aumenta il pathos e la paura non può che divenire la miglior amica possibile in quel momento. Doppie voci, il controcanto e il bisogno di cantare come un dardo velenoso dentro le nostre orecchie. Finito il lato A si è già sconquassati, avviliti, distrutti.

Con ostinata convinzione si gira il vinile e incontriamo l’unica canzone che non ha lo stesso vigore delle altre, pur esercitando un potere di fascinazione. Ma Small Talk Stinks è, sicuramente, il futuro della band che si affaccia. Un gioco non troppo riuscito per via di regole fragili, ma capace di incuriosire in quanto fa intendere quanto la recitazione di Peter sia in attesa di esplodere.

St. Vitus Dance: croce e delizia del disco, la parentesi, l’anfiteatro, il magazzino delle loro abilità, che si limita al compitino con coraggio, irrispettosa nel prendere Iggy Pop rovinandogli il trucco, trucidando gli Stooges, alleggerendoli, lasciandoli perplessi. Non un gioiello, ma sicuramente abile nel regalare un brivido.

Un iniziale basso atomico, le bacchette sbavanti e la chitarra nevrotica, stirano l’anima e ci presentano una nuova impalcatura (dalla cifra stilistica spaventosamente grande), che fanno di Stigmata Martyr un clamoroso caso di selvaggia connessione alla frenesia, alle maschere esibite nei suoni e nelle immagini, un rito ossuto, longilineo, una messa celebrata nel fango di un luogo pieno di rabbia, tenuta a bada dall’inarrivabile dote recitativa di tutti e quattro i membri. Giochi di luci strappati agli incubi si incanalano nella chitarra, il tempio del dolore, che, insieme al drumming di Kevin, rende possibile la percezione che le parole scritte da Peter sembrano invece voler nascondere. Si può essere nichilisti senza adoperare la mania dell’eccesso: basta coinvolgere il desiderio di perlustrazione sonora verso il lato sporco del Rock and Roll e il gioco è fatto. Poche note suonate, ma con la strategia di far apparire il tutto come una nuvola di strumenti affamati nel creare il caos. Torna il recitativo, la chitarra gioca su due modalità espressive e si indurisce, divenendo anche capace di attraversare la psichedelia più ignota, facendolo però in modo feroce. L’album pare nato per arrivare a questa canzone, essenziale poiché distribuisce tutte le qualità dei ragazzi, seriamente impegnati a disegnare la corteccia della perfezione…

Ora il Vecchio Scriba vorrebbe essere già morto, sepolto, non responsabile di un compito difficile e indigesto, perché questo brano è in assoluto quello che ritiene sia il capolavoro della loro intera discografia. La magia, la nuvola tossica, i liquami, gli odori maldestri, la sensazione di una putrefazione di derivazione industriale è certezza assoluta: lo spavento così caro ai Black Sabbath qui si materializza, con in aggiunta una vena cabarettistica data da un pianoforte che ipnotizza come il ghigno di un angelo amorfo caduto nella potente e devastante voce di Peter, in questo caso geniale sciamano incazzato, nevrotico, sublime nelle pause e nel dare spazio ai giochi di sospiri dello stesso piano, per arrivare a inspirare nel microfono, facendoci sentire il peso della scena di cui ci racconta l’evolversi. Un urlo che diventa mantra estasiante, un vocio bellico, un fare satanico dentro l’orchestra ordinata di un ritmo che pare crudelmente incline, partendo appunto dai Black Sabbath, ad arrivare alle porte dei Killing Joke. I Bauhaus, però, recitano come spaventosa necessità di confondere le identità. Una processione di riferimenti simbolici che farebbero felici alcuni scrittori americani (Poe e Lovecraft, nientemeno…), per portarli in giro nei canali della loro follia, spiazzandoli con i loro incubi, per donare alla paura un luogo in cui spirare senza dubbio alcuno. Nerves è una necessità che incombe, una tortura, sapientemente lenta nella modalità del suo principiare, per poi essere in grado di una struggente e vomitosa carezza, che conosce l’aumento della velocità. 

Occorre aggiungere l’impressionante mole di lavoro che l’ascolto induce le nostre anime a compiere: nove canzoni come insoluti, assegni postdatati del nostro percepire, sfide che migliaia di approcci non sapranno decifrare. Il miracolo più evidente consta della propensione al rifiuto verso questo album, per poi cadere nel precipizio di un invito che i quattro non si stancano di fare. In The Flat Field è in assoluto l’unico “quasi” capolavoro gotico da cui siamo affascinati e spesso dipendenti.

Intanto, da qualche parte dentro di noi, esistono allarmi e spie della benzina in uno strano patto: poter spegnere la luce per un attimo ed essere come queste violente esecuzioni di straordinaria bellezza…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

12 Giugno 2023