La mia Recensione: Penelope Trappes - A Requiem + Live in Salford (25 Aprile 2025, Trinity Church)

 

Penelope Trappes - A Requiem + Live in Salford (25th April 2025, Trinity Church)

Ogni verità comporta discese e risalite e, quando il soggetto è la necessità di un dialogo con una presenza ultraterrena (nello specifico tutto ciò che ruota intorno ai defunti), ecco emergere uno scenario visivo e sensoriale che paralizza, seduce, induce i sentimenti e i ragionamenti a compiere nuove nuove scoperte, in un viaggio nel quale la densità si misura con brani come coperte, veli, mulinelli esplorativi ascensionali, in cui il risultato è uno shock ragionato e utile.

Penelope traccia con il suo quinto album l’ennesimo sentiero educativo di chi nella ricerca compone un nuovo pezzetto della propria anima, aiutandosi questa volta anche con il violoncello, l’impronta sacra di nuovi matrimoni spirituali che permettono al suo percorso di essere lucido. Una messa che scavalca i dogmi, che paralizza le pareti, che rende accogliente la paura e i timori, con suoni e grappoli di note che precedono e seguono l’incanto di una voce in perlustrazione, capace di nevrosi, impeti, frustrate e lacrime ghiacciate, in un solstizio in cui il movimento del suo sole interiore esce dall’orbita per incontrare la luna, la terra, la vita e anche la morte, in una celebrazione eclatante di misteri incolonnati, tiepidi, vibranti, necessari e completi.

Vengono mantenute le peculiarità dei suoi assiomi artistici, l’integrità, la sua bellissima ostinazione per la contemplazione dell’emozione vibrante che da sempre la distingue. Musica come attesa, come un mutismo obbligatorio e riflessivo nei confronti di un’altra dimensione, quella temuta, della morte, ma da lei vissuta con eleganza e l’incredibile impresa nel riuscire a trasformarla in un inaspettato incanto. 

Un percorso che, partendo dai boschi della Scozia, approda nei canali mistici, quelli sensoriali, nei canti di streghe e anime ondivaghe in cui il sigillo della lentezza permette l’espansione e la comprensione, passando per un folk antico, qui camuffato, quasi segregato da forme elettroniche che però intendono fare in modo che i respiri di quel genere musicale siano liberi di lasciare le tracce storiche di una modalità che ha sempre fatto del contatto con la natura umana una priorità. Penelope esalta i giochi di luci, frammenta le forme cognitive e ci fa compiere una serie di acrobazie notevoli per essere le ali della sua scrittura, del suo sagrato interiore, per essere luce rovente di una candela timida ma capace. I rituali mostrati diventano così necessità, la coda di impeti e slanci che confluiscono nella sacralità di messaggi e forme forse ignote con il compito di scuotere. La vita si mostra così come un perimetro doloroso in cui la conquista più profonda è la sua sperimentazione, facendo del ricordo non un album fotografico bensì una serie di incontri con personaggi che dispensano sapienza e misteri (druidi su tutti), per trascinare ogni cosa nel vortice di voli rapidi, sebbene la musica sia lenta e sempre piena di cenere e fumo. Le sue lacrime innanzi alla perdita del passato sono clamorosamente genuine, tradotte e trasportate nella zona piramidale di connessioni con un aldilà che fortifica la sua anima e l’allontana dalla perdizione. Le sue visioni si moltiplicano, gli innesti di antiche sacralità paiono essere fragori incontenibili, nei quali il dolore non è l’inizio né tantomeno il terminale del tutto, quanto piuttosto un compagno di viaggio, un amico, una propensione (conscia o meno) con la quale lei si rapporta splendidamente. Non canzoni ma candelabri, pillole cognitive che arrivano dai suoi luoghi nativi, un esercizio mnemonico che la indirizza nella scelta del contatto con la verità, nella obbediente forma di rispetto genitoriale, in un viaggio che attraversa i lampi e scende nella comprensione, con i lutti che diventano corde espressive, liturgiche, contaminanti e preziose, per un album che si rivela un diario nel quale imparare a scrivere un sunto e una propensione, un anticipo della Penelope che sarà, attraverso questa condivisione artistica, che ci abbraccia e ci consegna la consapevolezza di una maturità che ha trasformato il nero e le lacrime in uno spazio necessario e creativo.

Il suo occhio (araba fenice e angelo migratore) trasferisce nei solchi una testimonianza continua di getti coscienti, rallentati e quindi esaltati ed esaltanti, in cui le singole note sono diademi liberi di innalzarsi e distinguersi, creando la possibilità di successioni che ammaliano e attraggono come l’infinito della morte…

Un’opera in cui il jazz, la sperimentazione, il neofolk, le unghie di Diamanda Galas e le onde nervose di Zola Jesus sono solamente il contorno di un circolo polare che ghiaccia la furia dell’esistenza trasformandola in un fuoco fatuo. L’artista australiana crea miracoli, tormenti, sgretolamenti, processioni continue, con una produzione artistica che rende ineccepibile il tutto, in cui la penombra, l’intensità del buio, le voci degli spiriti sono tutti messaggeri di contatti futuri. Scavalcano il tempo, aggrediscono con garbo, per essere la Cappella Sistina del nostro tempo, in cui nuovi Dei e nuove forme umane, uscite dallo studio dei morti, dispensano nuove figure e nuove identità. 

La drammaticità del racconto e delle immagini costituisce l’anticipo della nostra coscienza, un’eredità che partendo dalla musica inghiotte i sentieri impervi delle nostre paure, per celebrarle, consolarle ma soprattutto addomesticarle. La condensa di elementi frantuma la sicurezza, con un impianto razionale che semina umidità e secchezza nei respiri: una lunga gittata anestetizzante per indorare amare pillole ma alla fine, dopo ripetuti ascolti, ci si sente in un tempo antico, come entità viventi, vincitori sulla morte perché divenuti immortali spiriti guidati da una follia necessaria…

Salford, concerto

Nella chiesa accogliente, buia, l’artista appare con un copricapo che fa da emissario, da cantastorie di tempi antichi, deliziando la platea che, silenziosa e piacevolmente scioccata, assiste a una performance nella quale viene rappresentato il suo ultimo album A Requiem, per far incontrare le emozioni all’interno di lunghe riflessioni. Ed è magia, incubo, ipnosi, con il suo respiro nel microfono che diventa un mantra, un brivido che raggela le pareti facendo sì che il superfluo sia qualcosa da abbandonare definitivamente. Uno spettacolo lucido, che lascia lividi, gli occhi come meteore in un viaggio senza obiettivi prefissati ma in cui Penelope ci mostra la densità. Nuovi innesti, rispetto alle canzoni originali, consentono ulteriori intuizioni e la manifesta consapevolezza che con quest’ultima opera lei abbia scritto il suo capolavoro, un riassunto e una espansione della sua gravità cognitiva. La voce, mai troppo effettata (non ne ha bisogno, perfetta lo è già, senza alcun dubbio), e le sue mani sono danze sacre, ipnotiche e seducenti, con le quali riesce a palesarsi come un transfer concettuale che rende la visione e l’ascolto del concerto l’idilliaco terminale cognitivo di questo suo nuovo miracolo educativo…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

27 Aprile 2025

https://penelopetrappes.bandcamp.com/album/a-requiem

My Review: Penelope Trappes - A Requiem + Live in Salford (25th April 2025, Trinity Church)

 

Penelope Trappes - A Requiem + Live in Salford (25th April 2025, Trinity Church)

Every truth entails descents and ascents, and when the subject is the need for a dialogue with an otherworldly presence (specifically everything that revolves around the dead), a visual and sensorial scenario emerges that paralyses, seduces, induces feelings and reasoning to make new discoveries, in a journey in which density is measured by songs like blankets, veils, ascending exploratory eddies, in which the result is a reasoned and useful shock.

With her fifth album, Penelope traces yet another educational path of those who in their search compose a new piece of their soul, this time also helping themselves to the cello, the sacred imprint of new spiritual marriages that allow her path to be lucid. A mass that bypasses dogmas, that paralyses walls, that makes fear and fears welcoming, with sounds and clusters of notes that precede and follow the enchantment of a voice on patrol, capable of neuroses, impulses, frustrations and icy tears, in a solstice in which the movement of its inner sun goes out of orbit to meet the moon, the earth, life and even death, in a resounding celebration of mysteries strung together, tepid, vibrant, necessary and complete.

The peculiarities of her artistic axioms are maintained, her integrity, her beautiful obstinacy for the contemplation of vibrant emotion that has always distinguished her. Music as expectation, as an obligatory and reflective muteness towards another dimension, the dreaded one, of death, but experienced by her with elegance and the incredible feat in managing to transform it into an unexpected enchantment. 

A journey that, starting from the woods of Scotland, lands in the mystical channels, the sensorial ones, in the songs of witches and wandering souls in which the seal of slowness allows expansion and understanding, passing through an ancient folk, here camouflaged, almost segregated by electronic forms that however intend to ensure that the breaths of that musical genre are free to leave the historical traces of a mode that has always made contact with human nature a priority. Penelope enhances the play of light, fragments cognitive forms and makes us perform a series of remarkable acrobatics in order to be the wings of her writing, of her inner courtyard, to be the burning light of a timid but capable candle. 

The rituals shown thus become necessities, the tail end of impetuses and impulses that flow into the sacredness of perhaps unknown messages and forms with the task of shaking. Life is thus shown as a painful perimeter in which the deepest conquest is its experimentation, making the memory not a photo album but a series of encounters with characters who dispense wisdom and mysteries (druids above all), to drag everything into the vortex of rapid flights, although the music is slow and always full of ash and smoke. Her tears at the loss of the past are resoundingly genuine, translated and transported to the pyramid zone of connections with an afterlife that fortifies her soul and distances her from perdition. Her visions multiply, the grafts of ancient sacredness seem to be uncontainable fragrances, in which grief is neither the beginning nor the end of it all, but rather a travelling companion, a friend, a propensity (conscious or otherwise) with which she relates splendidly. 

Not songs but candelabra, cognitive pills that come from her native places, a mnemonic exercise that directs her in the choice of contact with the truth, in the obedient form of parental respect, in a journey that crosses flashes and descends into comprehension, with mournings that become expressive, liturgical chords, contaminating and precious, for an album that proves to be a diary in which to learn to write a summary and a propensity, a foretaste of the Penelope that will be, through this artistic sharing, which embraces us and delivers the awareness of a maturity that has transformed blackness and tears into a necessary and creative space.

Her eye (phoenix-like Arabian phoenix and migrating angel) transfers into the grooves a continuous testimony of conscious, slowed down and therefore exalted and exhilarating jets, in which the individual notes are diadems free to rise and stand out, creating the possibility of successions that bewitch and attract like the infinity of death…

A work in which jazz, experimentation, neofolk, the nails of Diamanda Galas and the nervous waves of Zola Jesus are only the outline of a polar circle that freezes the fury of existence, transforming it into a fatuous fire. The Australian artist creates miracles, torments, crumbles, continuous processions, with an artistic production that makes the whole thing flawless, in which the half-light, the intensity of the darkness, the voices of spirits are all messengers of future contacts. They bypass time, they attack with grace, to be the Sistine Chapel of our time, in which new gods and new human forms, emerging from the study of the dead, dispense new figures and new identities. 

The dramatic nature of the tale and the images constitutes the anticipation of our conscience, a legacy that, starting from music, swallows the impervious paths of our fears, to celebrate them, console them but above all tame them. The condensation of elements shatters security, with a rational implant that sows humidity and dryness in the breaths: a long anaesthetising jet to sugarcoat bitter pills, but in the end, after repeated listening, one feels in an ancient time, like living entities, victors over death because they have become immortal spirits guided by a necessary madness...

Salford, concert

In the cosy, dark church, the artist appears with a headdress that acts as an emissary, as a storyteller from ancient times, delighting the audience who, silent and pleasantly shocked, watch a performance in which her latest album A Requiem is performed, to bring emotions together within long reflections. And it is magic, nightmare, hypnosis, with her breath into the microphone that becomes a mantra, a chill that chills the walls, making the superfluous something to be abandoned for good. A lucid performance that leaves you bruised, your eyes like meteors on a journey with no set goals but in which Penelope shows us density. New grafts, compared to the original songs, allow for further insights and the manifest awareness that with this latest work she has written her masterpiece, a summary and expansion of her cognitive gravity. Her voice, never overly effected (she doesn't need it, she is already perfect, without any doubt), and her hands are sacred, hypnotic and seductive dances, with which she manages to manifest herself as a conceptual transfer that makes watching and listening to the concert the idyllic cognitive terminal of this new educational miracle of hers…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

27th April 2025

https://penelopetrappes.bandcamp.com/album/a-requiem

La mia Recensione: Brigitte Handley - Cyber Nation

 

Brigitte Handley - Cyber Nation

Arriva il momento in cui si contestualizza, attraverso una precisa razionalità, una serie di malesseri e si suonano campanelli d’allarme, si getta la propria coscienza per le strade del mondo, si stimola un risveglio che possa lasciare libere le persone dalla modernità che ci rende soldatini ubbidienti, ma inconsapevoli dei drammi che il potere impone.

Brigitte Handley, la poetessa del brivido, della dolcezza, tira fuori gli artigli e, insieme a tre fedeli compagni di viaggio, scrive un brano che dalla teoria cerca di svincolarsi per essere una realtà che modifichi l’esistenza. Parte dal proprio io per trasformarsi in una voce della comunità mondiale, tra zombies e dipendenza cronica dalla tecnologia, capendo come i limiti lavorativi influiscano sulla modalità del tempo vissuto e sull’impossibilità di accorgersene.

Per farlo, musicalmente, mantiene presenti le pillole preziose delle sue melodie da cantante solista, riconfermando però la svolta creata con Köln, in cui un dark electro vibrante consente una potenza diversa da quella vissuta ai tempi della band The Dark Shadows, di cui era la voce, la chitarra e la tastiera.

Non manca la sua voce vellutata, la dolcezza, la sua peculiare propensione a rispettare gli ascoltatori con il suo garbo e i fiori nell’ugola.

Ma Brigitte è una donna che continua a maturare, in tutti gli aspetti, si mette in discussione, lo fa anche seminando caos in ogni aspetto del mondo e abitandolo con il senso di responsabilità che diventa anche il nostro.

Si danza pensando, con i nostri riti attuali che lei osserva e invita a cambiare, attraverso il moog, il theremin, il vocoder, tastiere e synth e un fascio colorato che ispira la voglia di un arcobaleno nel cervello e un rifiuto nei confronti dell’imbecillità collettiva. Colpisce duro la fata australiana e lo fa perfettamente, come donna adulta in un mondo rincoglionito dalla modalità che il Potere ha creato per renderci obbedienti.

Lei no, contesta e prende il controllo della sua obiettività, scrivendo un brano che dovrebbe essere il nostro altare pagano riconoscente, per la qualità e la profondità del messaggio trasmesso.

La sua musica vive di una modalità attuale, comprensibile, afferrabile, votata al coinvolgimento dato dalla splendida produzione che esalta la perfetta dinamica, utilizzando la velocità per non sprecare tempo, in un vortice di transistors e muscoli pettinati bene al fine di non fare male alla vista di queste movenze, testuali e sensoriali, in cui sperimenta il suono moderno solo per essere più comprensibile. La canzone, però, ha un qualcosa di antico, proviene da realtà lontane che non vogliono morire e che, nel loro lungo elenco, non desiderano perdere il desiderio di poter vivere ancora.

Un gioiello che deve arrivare a chiunque e partorire menti in grado di evolversi nel rispetto del tempo (la nostra unica stazione vitale), per poter trascorrere davvero la vita in modo sensato.

Brigitte ha colpito ancora: tocca a noi ora, attraverso l’ascolto di questo gioiello, fare altrettanto…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

13th April 2025

https://brigittehandley.bandcamp.com/track/cyber-nation

My review: Brigitte Handley - Cyber Nation

 

Brigitte Handley - Cyber ​​Nation

There comes a time when, through a precise rationality, a series of ailments are contextualized and alarm bells are rung, one's conscience is thrown into the streets of the world, an awakening is stimulated that can free people from the modernity that makes us obedient soldiers, but unaware of the dramas that power imposes.

Brigitte Handley, the poet of thrills and sweetness, shows off her claws and, together with three faithful travelling companions, writes a song that tries to break away from theory to be a reality that changes existence. It starts from one's own self to transform itself into a voice of the world community, between zombies and chronic dependence on technology, understanding how work limits influence the way time is lived and the impossibility of realizing it.

To do so, musically, she keeps the precious pills of her melodies as a solo singer, reconfirming however the turning point created with Köln, in which a vibrant dark electro allows a different power from that experienced in the days of the band The Dark Shadows, of which she was the voice, the guitar and the keyboard. Her velvety voice, the sweetness, her peculiar propensity to respect the listeners with her grace and the flowers in the uvula are not missing.  But Brigitte is a woman who continues to mature, in all aspects, she questions herself, she does it also by sowing chaos in every aspect of the world and inhabiting it with the sense of responsibility that also becomes ours.

We dance thinking, with our current rites that she observes and invites us to change, through the moog, the theremin, the vocoder, keyboards and synths and a colored beam that inspires the desire for a rainbow in the brain and a rejection of collective imbecility. The Australian fairy hits hard and does it perfectly, as an adult woman in a world made stupid by the modality that Power has created to make us obedient.

She doesn't, she contests and takes control of her objectivity, writing a song that should be our grateful pagan altar, for the quality and depth of the message transmitted.

Her music lives in a current, comprehensible, graspable way, aimed at the involvement given by the splendid production that enhances the perfect dynamics, using speed to avoid wasting time, in a vortex of transistors and well-combed muscles in order not to hurt the sight of these movements, textual and sensorial, in which she experiments with modern sound only to be more comprehensible. The song, however, has something ancient, it comes from distant realities that do not want to die and that, in their long list, do not want to lose the desire to be able to live again.

A jewel that must reach everyone and give birth to minds capable of evolving with respect for time (our only vital station), to be able to truly spend life in a sensible way.

Brigitte has struck again: it is up to us now, through listening to this jewel, to do the same…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

13th April 2025

https://brigittehandley.bandcamp.com/track/cyber-nation

La mia Recensione: The Dharma Chain -Nowhere

 

The Dharma Chain -Nowhere

La musica continua a volare, a spostarsi, a infischiarsene dei confini, dei trattati, e corre, passeggia e assaggia brividi di connessione ininterrotti.

È il caso di questa band Australiana che dal paese natio è emigrata a Berlino e che presenta l’album di debutto. Esattamente come la vita reale, anche quella artistica dimostra la volontà e l’abilità di spostarsi in zone diverse, di addentrarsi con intelligenza e muscoli perfettamente oliati nella psichedelia più acerba, con le vampate poderose del garage rock e una lieve predisposizione ad affacciarsi allo shoegaze, il tutto con eleganza e sensualità.

Ma si assiste anche un impeto vigoroso, quasi aggressivo, calmato da una maturità davvero notevole, favorita da una produzione che esalta gli spigoli e li smussa perfettamente. Le composizioni creano un ampio stato emotivo, visivo, suggellando l’amalgama tra la danza e l'introspezione, con momenti di dolcezza come nel caso di Her Head, un vascello mentale che ondeggia tra un arpeggio di chitarra e una poderosa distorsione, sino ad accelerare mantenendo uno status onirico.

Quando giunge Clockwork si prova una strana gioia: sarà data dalla tensione di un feedback quasi allucinante, dal basso torbido e da una chitarra che sembra un sitar in cerca di un abbraccio, oppure dalle due voci che si abbracciano. 

YSHK (You Should Have Known) è un mitra gentile, che conduce alla consapevolezza grazie a inevitabili bordate chitarristiche che potrebbero provenire dalla zona di Bristol dei primi anni Settanta, con il supporto di un synth paradisiaco.

Più visiti queste canzoni e maggiore è il coinvolgimento, l’esperienza che trascina l’ascolto a divenire una identità ben precisa, con in regalo una temperatura corporea in aumento, provocando quasi un piacevole stato febbrile.

Quando la ninna nanna elettrica di Somewhere arriva, tutto diviene poesia con pennellate che rendono le nuvole azzurre, in uno spazio onirico che decisamente mostra la dimensione shoegaze del gruppo, facendoci immergere in bisogni nuovi, emergenti, con il fazzoletto che si gonfia di tenere lacrime.

L’apoteosi giunge con Greenlight, il momento più intenso ed elaborato, una collana di coralli che sequestrano la luce e si regalano la profondità del buio, in uno stato di tensione palpabile e avvolgente. Il caos viene ammaestrato, condotto alla riflessione, prima pulito e poi intossicato da una chitarra lancinante e dal connubio del basso e della batteria che sembrano proteggere le parole, consegnando un gioiello incontestabile.

Un debutto clamoroso, intenso, una notevole propensione a rendere la musica nomade, conflittuale ma anche serena, meravigliando e scuotendo la mente di chi l’ascolta. 

Si viene trasportati nella zona della curiosità, dove tutto si amplia e non ha fretta di definirsi. Un grandissimo abbraccio alla band e un grazie immenso: sono lavori come questo che fanno dell’ascoltatore un privilegiato e un clamoroso beneficiario di splendide “torture accennate”, definendo in modo nuovo la parola delizia…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

20 Giugno 2024

https://anomicrecords.bandcamp.com/album/the-dharma-chain-nowhere

My Review: The Dharma Chain -Nowhere

 

The Dharma Chain -Nowhere

Music continues to fly, to move, to disregard boundaries, treaties, and to run, walk and taste uninterrupted thrills of connection.

Such is the case with this Australian band who emigrated from their home country to Berlin and present their debut album. Exactly like their real life, their artistic life also demonstrates a willingness and ability to move into different zones, to delve with intelligence and perfectly oiled muscles into the most acerbic psychedelia, with the mighty flushes of garage rock and a slight inclination towards shoegaze, all with elegance and sensuality.

But there is also a vigorous, almost aggressive impetus, calmed by a truly remarkable maturity, aided by a production that enhances the edges and smooths them out perfectly. The compositions create a wide emotional, visual state, sealing the amalgam between dance and introspection, with moments of sweetness as in the case of Her Head, a mental vessel that sways between a guitar arpeggio and a powerful distortion, until accelerating while maintaining a dreamlike status.

When Clockwork arrives, one feels a strange joy: it will be given by the tension of an almost hallucinatory feedback, the murky bass and a guitar that sounds like a sitar in search of an embrace, or the two voices embracing. 

YSHK (You Should Have Known) is a gentle miter, leading to awareness thanks to unavoidable guitar on fire that could have come from the Bristol area of the early seventies, backed by heavenly synths.

The more you visit these songs, the greater the involvement, the more the experience drags the listener into becoming a distinct identity, with a rising body temperature as a gift, almost causing a pleasant feverish state.

When the electric lullaby of Somewhere arrives, everything becomes poetry with brushstrokes that make the clouds blue, in a dreamlike space that decisively shows the shoegaze dimension of the group, plunging us into new, emerging needs, with the handkerchief swelling with tender tears.

The apotheosis comes with Greenlight, the most intense and elaborate moment, a necklace of corals that seize the light and give themselves the depth of darkness, in a state of palpable and enveloping tension. Chaos is trained, led to reflection, first clean and then intoxicated by an excruciating guitar and the combination of bass and drums that seem to protect the words, delivering an undeniable jewel.  A resounding, intense debut, a remarkable propensity to make music that is nomadic, confrontational but also serene, marvelling and shaking the listener's mind. 

One is transported to the zone of curiosity, where everything expands and is in no hurry to define itself. A big hug to the band and an immense thank you: it is works like this that make the listener a privileged and resounding beneficiary of splendid ‘mild torture', defining the word delight in a new way…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

20 Giugno 2024

https://anomicrecords.bandcamp.com/album/the-dharma-chain-nowhere

La mia Recensione: Graveyard Train - Hollow

Graveyard Train - Hollow

Scena: un bambino con gli occhi appiccicati al suo oceano lancia lo sguardo e insieme a esso la voce e il tempo, per ingrassare il sogno di un delirio cupo. Quella che ascoltate è una musica che scende nelle viscere per trovare un covo di vipere in manifesta attitudine di bave raccolte nei secondi precedenti un attacco. Quattro, cinque, sei corde e pelli piene di catrame, una miriade di strumenti assemblati per far correre quel gesto del bambino tramite i sei musicisti di Melbourne, che stanno dalla parte sbagliata della città. 

Le storie raccontate sono sciabolate di demoni dal ghigno metallico, gonfio, affacciate dentro il dolore di un disagio che accoglie chilometri di romanzi, dove la pazzia è forse il sorriso di Dio… Un album pieno di segreti, di tormenti, di tensione manifeste, di ossessioni con il riverbero, con il blues che accarezza la chitarra slide in procinto di confermare la commistione tra l’alt-rock, il country più maligno e il lato più oscuro di un arsenale che conosce forme, modalità, tossicità e alcol senza il tappo, nel salto carpiato verso un ventre inebetito. Capire cosa avviene nel deserto lunare e notturno di Melbourne è estremamente complesso: tra gli sbandati, le anime appese a un ago, una bottiglia, o chiuse in una desolante meditazione solitaria, a fare la differenza è il binocolo senza peli sulla lingua del gruppo australiano, che srotola la vergogna, il timore, e li inchioda tra solchi pregni di polvere e anime grattugiate.

Lo schema di scrittura prevede chitarre potenti e voci che siano rappresentanti del lato più tenebroso di quelle corde che scavano dentro il lato sud-ovest degli Usa, filtrando, dilatando, per poter mettere il timbro che non consenta insicurezze: le undici composizioni provengono dalla terra dei koala, non v'è dubbio alcuno. Inutile, dannoso, alquanto banale e stupido citare Nick Cave: siamo molto lontani da quella pazzia meravigliosa, sragionata e adolescenziale del cantante che poi si è ritrovato l’epicentro di tante nuove anime.

No, questi non sono bardi, lupi della notte, nemmeno una sfilza di crudeli nubifragi comportamentali. I Graveyard Train (con questo insieme sonoro finalmente decisi ad avere un batterista a tempo pieno) sono dal lato opposto di ogni conclamata sicurezza: descriverli è come lanciare una manciata di sabbia cruda sulle onde dell’oceano. Le coordinate sono letterarie prima di tutto, con la sfiducia nei confronti dell’essere umano, finendo per mostrare paralisi continue. La parte strumentale è un combo nocivo, una grattugia di oggetti presi a schiaffi, per produrre la schiuma e cristallizzare la sofferenza, non come richiesta di aiuto bensì come una lastra che mostra il cancro comportamentale di una umanità ormai inchiodata con i suoi libri. E allora, in questo epidermico contesto cristallino dai guaiti continui, si afferma un legame fiduciario con la depressione e il vizio conclamato, si invita a bere per ricordare come sotto il cielo di Melbourne ci sia un bambino che, ipnotizzato e imbambolato sotto l’effetto di incubi senza fine, non ha un passato e tantomeno un futuro. I cori, così dichiaratamente legati all’opzione rockabilly americana degli anni Cinquanta, fanno rimbombare versi che escono dichiaratamente da letture di libri tenuti di nascosto negli scantinati, negando loro la possibilità di offrire se stessi alla consapevolezza di un mondo disinteressato a fare ciò. Adem Johansen è un ipotetico filo spinato, con i petali di dolcezza che sanno comparire nei pochi momenti nei quali la ballad sospende la processione sonora così incline alla psichedelia tedesca, per un salto nello spazio davvero impressionante. La slide guitar in quelle poche occasioni sale in cattedra, toglie il nero e inserisce un blu malinconico ma sognante. In quelle canzoni la band perde l’impatto concentrico per nutrire il fabbisogno dell’anima di quel fanciullo…

La chiarezza del suono serve per esaltare il lato oscuro di una città sempre più vittima del progresso, sempre abile a emarginare il debole, e in tutto ciò il senso di inquietudine pare un amico in stato di grazia. Un fascio di particelle sonore per un cammino nel piacere di un vizio che tolga la dimensione della comprensione e della consapevolezza. Storie squallide, crude, pruriginose, insopportabili avevano bisogno di un cavo elettrico, di ritmi senza esitazioni, un peso uguale a quello di testi imbevuti di petrolio. La ballata da pub come la danza scatenata sui bordi di una notte sbagliata si incontrano nel luogo di queste canzoni che spesso richiamano le pellicole dei festini pieni di cocaina, per dei sogni con un incubo ricorrente…

Spaventosamente credibile, il tappeto sonoro è una terapia d’urto, nelle paludi di un futuro che qui si rivolge a dischi pieni di polvere. Spesso la voce sembra la conseguenza del diavolo che mette le dita nella presa di un egoismo: sclerata, senza ossigeno, l’ugola di Adem non offre dubbi perché la normalità esiste e non abita qui!

Un lungo fuoco fatuo attraversa il tempo, inchioda la speranza sulla croce dell’eternità con queste frammentazioni continue, nei saliscendi tenebrosi di un lavoro che consente ai sei la possibilità di essere odiati bene, quasi con amore: a loro non manca il coraggio di asfaltare le bugie, le idiozie, di schierarsi contro il mercato, figli di quella sinistra australiana che non usa il megafono ma brani come letame, per coprire le altrui incapacità.

Concludono il tutto con un tuffo nel petardo che fa terminare il mondo: dove c’è obiettività l’unica resa consta di una scrittura musicale che verrà ricordata nel prossimo bing bang…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

11 Settembre 2023

https://graveyardtrain.bandcamp.com/album/hollow

My Review: Graveyard Train - Hollow

Graveyard Train - Hollow

Scene: a child with his eyes glued to his ocean casts his gaze, and along with it his voice and time, to grease the dream of a dark delirium. What you hear is music that descends into the bowels to find a den of vipers in manifest attitude of burrs gathered in the seconds before an attack. Four, five, six strings and tar-filled skins, a myriad of instruments assembled to run that baby act through the six Melbourne musicians on the wrong side of town. 

The stories told are sabre-rattling demons with metallic, bloated grins, facing into the pain of a discomfort that welcomes miles of romance, where madness is perhaps God's smile... An album full of secrets, of torments, of manifest tension, of reverberating obsessions, with the blues caressing the slide guitar about to confirm the mingling of alt-rock, the most malignant country and the darkest side of an arsenal that knows forms, modes, toxicity and alcohol without the cap, and within the pike jump towards an inebriated belly.

Understanding what goes on in Melbourne's lunar, nocturnal desert is extremely complex: among the stragglers, the souls hanging from a needle, a bottle, or locked in desolate solitary meditation, it is the Australian band's unabashed binoculars that make the difference, rolling out the shame, the fear, and nailing them between dusty grooves and grated souls.

The writing scheme involves powerful guitars and vocals that are representative of the darker side of those strings that dig into the south-west side of the USA, filtering, dilating, in order to put a timbre that allows no insecurities: the eleven compositions come from the land of koalas, no doubt about it. It is useless, harmful, rather banal and stupid to quote Nick Cave: we are a long way from that marvellous, unhinged, adolescent madness of the singer who later found himself the epicentre of so many new souls.

No, these are not bards, wolves of the night, not even a parade of cruel behavioural cloudbursts. Graveyard Train (with this sonic ensemble finally determined to have a full-time drummer) are on the opposite side of any self-confessed certainty: describing them is like throwing a handful of raw sand on the ocean waves.

The coordinates are literary first and foremost, with distrust of the human being, ending up showing continuous paralysis. The instrumental part is a noxious combo, a grating of objects slapped together to produce foam and crystallise suffering, not as a plea for help but as a slab showing the behavioural cancer of a humanity now nailed to its books. And so, in this epidermic crystalline context of constant yelps, a fiduciary link to depression and overt vice is affirmed, a drink is invited to remind us how under the Melbourne sky there is a child who, hypnotised and bamboozled under the effect of endless nightmares, has no past, let alone a future. The choruses, so avowedly linked to the American rockabilly option of the 1950s, rattle out verses that avowedly come out of readings from books kept secretly in basements, denying them the chance to offer themselves to the awareness of a world uninterested in doing so. Adem Johansen is a hypothetical barbed wire, with the petals of sweetness that know how to appear in the few moments when the ballad suspends the sonic procession so prone to German psychedelia, for a truly impressive leap into space.

The slide guitar on those few occasions takes over, removing the black and inserting a melancholic but dreamy blue. In those songs, the band loses the concentric impact to nourish the soul's need for that child's soul...

The clarity of the sound serves to exalt the dark side of a city increasingly victimized by progress, always adept at marginalising the weak, and in all this the sense of unease seems a friend in a state of grace. A bundle of sound particles for a journey into the pleasure of a vice that takes away the dimension of understanding and awareness. Bleak, crude, itchy, unbearable stories needed an electric cable, rhythms without hesitation, a weight equal to that of oil-soaked lyrics. The pub ballad as well as the wild dance on the edge of a bad night meet in the place of these songs that often recall the films of cocaine-filled parties, for dreams with a recurring nightmare

Frighteningly credible, the sound carpet is shock therapy, in the swamps of a future that here turns to dust-filled records. Often the voice seems the consequence of the devil putting his fingers in the grip of a selfishness: unhinged, without oxygen, Adem's uvula offers no doubts because normality exists and does not live here!

A long fatuous fire crosses time, nails hope on the cross of eternity with these continuous fragmentations, in the tenebrous ups and downs of a work that allows the six to be hated well, almost with love: they do not lack the courage to tar lies, idiocies, to take sides against the market, sons of that Australian left that does not use the megaphone but songs like dung, to cover others' incapabilities.

They end it all with a dive into the firecracker that ends the world: where there is objectivity the only surrender consists of musical writing that will be remembered in the next bing bang...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

11th September 2023

https://graveyardtrain.bandcamp.com/album/hollow