La mia Recensione: Penelope Trappes - A Requiem + Live in Salford (25 Aprile 2025, Trinity Church)

 

Penelope Trappes - A Requiem + Live in Salford (25th April 2025, Trinity Church)

Ogni verità comporta discese e risalite e, quando il soggetto è la necessità di un dialogo con una presenza ultraterrena (nello specifico tutto ciò che ruota intorno ai defunti), ecco emergere uno scenario visivo e sensoriale che paralizza, seduce, induce i sentimenti e i ragionamenti a compiere nuove nuove scoperte, in un viaggio nel quale la densità si misura con brani come coperte, veli, mulinelli esplorativi ascensionali, in cui il risultato è uno shock ragionato e utile.

Penelope traccia con il suo quinto album l’ennesimo sentiero educativo di chi nella ricerca compone un nuovo pezzetto della propria anima, aiutandosi questa volta anche con il violoncello, l’impronta sacra di nuovi matrimoni spirituali che permettono al suo percorso di essere lucido. Una messa che scavalca i dogmi, che paralizza le pareti, che rende accogliente la paura e i timori, con suoni e grappoli di note che precedono e seguono l’incanto di una voce in perlustrazione, capace di nevrosi, impeti, frustrate e lacrime ghiacciate, in un solstizio in cui il movimento del suo sole interiore esce dall’orbita per incontrare la luna, la terra, la vita e anche la morte, in una celebrazione eclatante di misteri incolonnati, tiepidi, vibranti, necessari e completi.

Vengono mantenute le peculiarità dei suoi assiomi artistici, l’integrità, la sua bellissima ostinazione per la contemplazione dell’emozione vibrante che da sempre la distingue. Musica come attesa, come un mutismo obbligatorio e riflessivo nei confronti di un’altra dimensione, quella temuta, della morte, ma da lei vissuta con eleganza e l’incredibile impresa nel riuscire a trasformarla in un inaspettato incanto. 

Un percorso che, partendo dai boschi della Scozia, approda nei canali mistici, quelli sensoriali, nei canti di streghe e anime ondivaghe in cui il sigillo della lentezza permette l’espansione e la comprensione, passando per un folk antico, qui camuffato, quasi segregato da forme elettroniche che però intendono fare in modo che i respiri di quel genere musicale siano liberi di lasciare le tracce storiche di una modalità che ha sempre fatto del contatto con la natura umana una priorità. Penelope esalta i giochi di luci, frammenta le forme cognitive e ci fa compiere una serie di acrobazie notevoli per essere le ali della sua scrittura, del suo sagrato interiore, per essere luce rovente di una candela timida ma capace. I rituali mostrati diventano così necessità, la coda di impeti e slanci che confluiscono nella sacralità di messaggi e forme forse ignote con il compito di scuotere. La vita si mostra così come un perimetro doloroso in cui la conquista più profonda è la sua sperimentazione, facendo del ricordo non un album fotografico bensì una serie di incontri con personaggi che dispensano sapienza e misteri (druidi su tutti), per trascinare ogni cosa nel vortice di voli rapidi, sebbene la musica sia lenta e sempre piena di cenere e fumo. Le sue lacrime innanzi alla perdita del passato sono clamorosamente genuine, tradotte e trasportate nella zona piramidale di connessioni con un aldilà che fortifica la sua anima e l’allontana dalla perdizione. Le sue visioni si moltiplicano, gli innesti di antiche sacralità paiono essere fragori incontenibili, nei quali il dolore non è l’inizio né tantomeno il terminale del tutto, quanto piuttosto un compagno di viaggio, un amico, una propensione (conscia o meno) con la quale lei si rapporta splendidamente. Non canzoni ma candelabri, pillole cognitive che arrivano dai suoi luoghi nativi, un esercizio mnemonico che la indirizza nella scelta del contatto con la verità, nella obbediente forma di rispetto genitoriale, in un viaggio che attraversa i lampi e scende nella comprensione, con i lutti che diventano corde espressive, liturgiche, contaminanti e preziose, per un album che si rivela un diario nel quale imparare a scrivere un sunto e una propensione, un anticipo della Penelope che sarà, attraverso questa condivisione artistica, che ci abbraccia e ci consegna la consapevolezza di una maturità che ha trasformato il nero e le lacrime in uno spazio necessario e creativo.

Il suo occhio (araba fenice e angelo migratore) trasferisce nei solchi una testimonianza continua di getti coscienti, rallentati e quindi esaltati ed esaltanti, in cui le singole note sono diademi liberi di innalzarsi e distinguersi, creando la possibilità di successioni che ammaliano e attraggono come l’infinito della morte…

Un’opera in cui il jazz, la sperimentazione, il neofolk, le unghie di Diamanda Galas e le onde nervose di Zola Jesus sono solamente il contorno di un circolo polare che ghiaccia la furia dell’esistenza trasformandola in un fuoco fatuo. L’artista australiana crea miracoli, tormenti, sgretolamenti, processioni continue, con una produzione artistica che rende ineccepibile il tutto, in cui la penombra, l’intensità del buio, le voci degli spiriti sono tutti messaggeri di contatti futuri. Scavalcano il tempo, aggrediscono con garbo, per essere la Cappella Sistina del nostro tempo, in cui nuovi Dei e nuove forme umane, uscite dallo studio dei morti, dispensano nuove figure e nuove identità. 

La drammaticità del racconto e delle immagini costituisce l’anticipo della nostra coscienza, un’eredità che partendo dalla musica inghiotte i sentieri impervi delle nostre paure, per celebrarle, consolarle ma soprattutto addomesticarle. La condensa di elementi frantuma la sicurezza, con un impianto razionale che semina umidità e secchezza nei respiri: una lunga gittata anestetizzante per indorare amare pillole ma alla fine, dopo ripetuti ascolti, ci si sente in un tempo antico, come entità viventi, vincitori sulla morte perché divenuti immortali spiriti guidati da una follia necessaria…

Salford, concerto

Nella chiesa accogliente, buia, l’artista appare con un copricapo che fa da emissario, da cantastorie di tempi antichi, deliziando la platea che, silenziosa e piacevolmente scioccata, assiste a una performance nella quale viene rappresentato il suo ultimo album A Requiem, per far incontrare le emozioni all’interno di lunghe riflessioni. Ed è magia, incubo, ipnosi, con il suo respiro nel microfono che diventa un mantra, un brivido che raggela le pareti facendo sì che il superfluo sia qualcosa da abbandonare definitivamente. Uno spettacolo lucido, che lascia lividi, gli occhi come meteore in un viaggio senza obiettivi prefissati ma in cui Penelope ci mostra la densità. Nuovi innesti, rispetto alle canzoni originali, consentono ulteriori intuizioni e la manifesta consapevolezza che con quest’ultima opera lei abbia scritto il suo capolavoro, un riassunto e una espansione della sua gravità cognitiva. La voce, mai troppo effettata (non ne ha bisogno, perfetta lo è già, senza alcun dubbio), e le sue mani sono danze sacre, ipnotiche e seducenti, con le quali riesce a palesarsi come un transfer concettuale che rende la visione e l’ascolto del concerto l’idilliaco terminale cognitivo di questo suo nuovo miracolo educativo…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

27 Aprile 2025

https://penelopetrappes.bandcamp.com/album/a-requiem

My Review: Penelope Trappes - A Requiem + Live in Salford (25th April 2025, Trinity Church)

 

Penelope Trappes - A Requiem + Live in Salford (25th April 2025, Trinity Church)

Every truth entails descents and ascents, and when the subject is the need for a dialogue with an otherworldly presence (specifically everything that revolves around the dead), a visual and sensorial scenario emerges that paralyses, seduces, induces feelings and reasoning to make new discoveries, in a journey in which density is measured by songs like blankets, veils, ascending exploratory eddies, in which the result is a reasoned and useful shock.

With her fifth album, Penelope traces yet another educational path of those who in their search compose a new piece of their soul, this time also helping themselves to the cello, the sacred imprint of new spiritual marriages that allow her path to be lucid. A mass that bypasses dogmas, that paralyses walls, that makes fear and fears welcoming, with sounds and clusters of notes that precede and follow the enchantment of a voice on patrol, capable of neuroses, impulses, frustrations and icy tears, in a solstice in which the movement of its inner sun goes out of orbit to meet the moon, the earth, life and even death, in a resounding celebration of mysteries strung together, tepid, vibrant, necessary and complete.

The peculiarities of her artistic axioms are maintained, her integrity, her beautiful obstinacy for the contemplation of vibrant emotion that has always distinguished her. Music as expectation, as an obligatory and reflective muteness towards another dimension, the dreaded one, of death, but experienced by her with elegance and the incredible feat in managing to transform it into an unexpected enchantment. 

A journey that, starting from the woods of Scotland, lands in the mystical channels, the sensorial ones, in the songs of witches and wandering souls in which the seal of slowness allows expansion and understanding, passing through an ancient folk, here camouflaged, almost segregated by electronic forms that however intend to ensure that the breaths of that musical genre are free to leave the historical traces of a mode that has always made contact with human nature a priority. Penelope enhances the play of light, fragments cognitive forms and makes us perform a series of remarkable acrobatics in order to be the wings of her writing, of her inner courtyard, to be the burning light of a timid but capable candle. 

The rituals shown thus become necessities, the tail end of impetuses and impulses that flow into the sacredness of perhaps unknown messages and forms with the task of shaking. Life is thus shown as a painful perimeter in which the deepest conquest is its experimentation, making the memory not a photo album but a series of encounters with characters who dispense wisdom and mysteries (druids above all), to drag everything into the vortex of rapid flights, although the music is slow and always full of ash and smoke. Her tears at the loss of the past are resoundingly genuine, translated and transported to the pyramid zone of connections with an afterlife that fortifies her soul and distances her from perdition. Her visions multiply, the grafts of ancient sacredness seem to be uncontainable fragrances, in which grief is neither the beginning nor the end of it all, but rather a travelling companion, a friend, a propensity (conscious or otherwise) with which she relates splendidly. 

Not songs but candelabra, cognitive pills that come from her native places, a mnemonic exercise that directs her in the choice of contact with the truth, in the obedient form of parental respect, in a journey that crosses flashes and descends into comprehension, with mournings that become expressive, liturgical chords, contaminating and precious, for an album that proves to be a diary in which to learn to write a summary and a propensity, a foretaste of the Penelope that will be, through this artistic sharing, which embraces us and delivers the awareness of a maturity that has transformed blackness and tears into a necessary and creative space.

Her eye (phoenix-like Arabian phoenix and migrating angel) transfers into the grooves a continuous testimony of conscious, slowed down and therefore exalted and exhilarating jets, in which the individual notes are diadems free to rise and stand out, creating the possibility of successions that bewitch and attract like the infinity of death…

A work in which jazz, experimentation, neofolk, the nails of Diamanda Galas and the nervous waves of Zola Jesus are only the outline of a polar circle that freezes the fury of existence, transforming it into a fatuous fire. The Australian artist creates miracles, torments, crumbles, continuous processions, with an artistic production that makes the whole thing flawless, in which the half-light, the intensity of the darkness, the voices of spirits are all messengers of future contacts. They bypass time, they attack with grace, to be the Sistine Chapel of our time, in which new gods and new human forms, emerging from the study of the dead, dispense new figures and new identities. 

The dramatic nature of the tale and the images constitutes the anticipation of our conscience, a legacy that, starting from music, swallows the impervious paths of our fears, to celebrate them, console them but above all tame them. The condensation of elements shatters security, with a rational implant that sows humidity and dryness in the breaths: a long anaesthetising jet to sugarcoat bitter pills, but in the end, after repeated listening, one feels in an ancient time, like living entities, victors over death because they have become immortal spirits guided by a necessary madness...

Salford, concert

In the cosy, dark church, the artist appears with a headdress that acts as an emissary, as a storyteller from ancient times, delighting the audience who, silent and pleasantly shocked, watch a performance in which her latest album A Requiem is performed, to bring emotions together within long reflections. And it is magic, nightmare, hypnosis, with her breath into the microphone that becomes a mantra, a chill that chills the walls, making the superfluous something to be abandoned for good. A lucid performance that leaves you bruised, your eyes like meteors on a journey with no set goals but in which Penelope shows us density. New grafts, compared to the original songs, allow for further insights and the manifest awareness that with this latest work she has written her masterpiece, a summary and expansion of her cognitive gravity. Her voice, never overly effected (she doesn't need it, she is already perfect, without any doubt), and her hands are sacred, hypnotic and seductive dances, with which she manages to manifest herself as a conceptual transfer that makes watching and listening to the concert the idyllic cognitive terminal of this new educational miracle of hers…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

27th April 2025

https://penelopetrappes.bandcamp.com/album/a-requiem

La mia Recensione: The Shameless - Prayers After Dark

 

The Shameless - Prayers After Dark

Lunghe file di stelle, figlie di notti piene di blues e circuiti elettrici, si danno appuntamento a Ragusa, città italiana in fermento, attivissima negli ultimi anni, per fissare nel tempo vibranti tensioni e ispezioni meticolose nel perimetro notturno.

La band The Shameless è sicuramente la più dotata, capace di portare nel suolo italico il verbo dei Madrugada, sia nella struttura musicale, sia nel cantato, per un contatto e una somiglianza che però offre anche alcune preziose differenze. Un lavoro che si contraddistingue anche per una mastodontica abilità nel fare del suono un insieme sensato e in grado di calamitare le attenzioni attraverso una densità di frammenti che conferisce al tutto un’identità che non vacilla, un nerbo accalorato di orgasmi e propulsioni, in cui si prediligono ritmi più lenti per espandere in modo dettagliato i vari segmenti ma, quando il ritmo si alza, ci si ritrova con una cupa felicità che ammalia, continuando a produrre dipendenza. 

Sei le tracce originali della band, per un numero che pare esiguo e che invece diventa una poderosa radice quadrata, vista la densità di elementi proposti, la qualità, le stratificazioni e i suggerimenti visivi offerti, in un maremoto emotivo che trova anche nell’aspetto testuale un porto da cui partono considerazioni, emozioni e voli capaci di farci vedere una parte del mondo con una sensuale e strabordante genuinità.

Siamo all’interno di uno stile musicale cupo, in cui l’alternative rock mostra le bave e artigli rispettosi, con fiamme gotiche a consolare le notti, imbevendo il tutto di un post-rock accennato e intelligente, trascinando il blues-rock in vette dalle quali si gode un panorama emotivo doloroso e tuttavia utile. Senza dimenticare quella che può essere definita la madre spirituale dell’intero lavoro: folk rock / americana che aleggia in continuazione, sguinzagliando fervori e lame affilate, con quella cupezza che avvalora il tutto e da cui non si può fuggire. Le progressioni armoniche (dannatamente espressive, del cantante Ippolito Nicolini) sono un ulteriore passo verso la perfezione, in cui teatralità e evocazione sublimano un talento e un duro lavoro di assimilazione.

Gianpaolo Cassarino è un fulmine ipnotico con il suo basso e il violino (senza dimenticare il synth e la tastiera), mentre lo stile potente del drumming di Alberto Difalco non necessita di trucchi tecnici: lui centra il cuore con classe assoluta, donando al suono del suo strumento una forte densità emotiva. Le due chitarre di Gaetano Scribano e Giuliano Spataro sono il fiume nero che aspira la gravità e la conduce nel caos interiore di questa formazione così nordica, persa nella sua bellezza e densità. Tutti e cinque i musicisti sfiorano i confini quotidiani dei sogni (veri protagonisti di quest’opera) e li conducono con uno sguardo rispettoso nel luogo intimo di preghiere, invocazioni, senza cadere nella trappola della speranza, dimostrando una maturità notevole. La sensazione che la disperazione sia non un corollario bensì una delle fonti di ispirazione di questo album rende l’ascolto altamente denso e attento, in quanto non vi sono mai segnali di resa o compiacimento. Anche per questo aspetto il plauso non può che essere poderoso e intenso: i cinque ragazzi sono davvero dei cavalieri anacronistici che non dimenticano il tempo attuale ma vivono intensamente la qualità della memoria, mostrando chiaramente i loro punti di riferimento, le preferenze e una notevole capacità di assorbimento di alcuni valori ormai andati persi. Ecco, dunque, allineate perfettamente le trame che comprendono la rabbia e la fede nell’essere umano (più che nei confronti di un Dio qualunque), per poter planare nella ricchezza dell’anima umana, qui delicatamente perlustrata e descritta, sino a dipingerne la fragilità. Un percorso che entusiasma per direzioni, profondità, abilità e cultura dei vari condotti comportamentali di presenze spirituali in subbuglio e ciononostante attente a non disperdersi. Sono canzoni guida, maestre, figlie di notti insonni e di raggi solari controllati, che ci portano in dono riflessioni ed emozioni perfettamente appaiate e inglobate in un contesto che è inevitabile amare.

Il Vecchio Scriba è noto per non apprezzare le cover, tuttavia i due pezzi che concludono questo gioiello sono un atto d’amore rispettoso, vibrante, per due band che nell’album paiono non apparire troppo (visti gli stili musicali esibiti), tuttavia in realtà il brano dei Sound (I Can’t Escape Myself) e quello di Nick Cave & the Bad Seeds (Straight to You) diventano il riassunto perfetto del tutto, dove decadenza e tensione, messaggio e lascito si ritrovano insieme, come rappresentante supremo di questa effervescente e tribolata slavina di Prayers After Dark, un diamante duro e compatto con le sembianze di un cigno che nuota nel mare dei nostri bisogni. 

Si vive, con queste composizioni, lo spazio celeste di un abbandono fertile, una carica vitaminica di realtà che passano attraverso le preghiere e il buio, per un afflato che rende le composizioni un matrimonio poetico tra il tempo che fu e l’attualità…

Song by Song

1 - Chic Jesus

L’unico singolo apre l’album ed è uno spiritual che si appoggia al blues elaborato perfettamente da Mark Lanegan nella seconda parte della sua carriera. Lampi psichedelici convergono in questa processione che mette insieme religione cristiana e paganesimo.

2 - Stuck in a moment

Si entra nel cuore della notte con Gesù negli occhi e un racconto che si muove tra suggestioni poetiche e lame roventi, nel quale tutto fatica a rimanere nella memoria, per un gioiello elettrico completamente messo a fuoco da un ritornello che amplifica il già elevato tenore qualitativo.

3 - Nobody save me but you love

I Madrugada imperiosi e omicidi abbracciano la band siciliana per un vascello a bordo del quale viaggiano arpeggi maligni, parole che ossidano le luci e un’atmosfera decadente completamente funzionale.

Velenosa, sinuosa, terrificante, nevrotica: canzone che oltrepassa i confini della piacevolezza per condensarsi e riposarsi nelle nostre arterie affondate…

4 - Oh sister

L’amore vive la tragedia quotidianamente: per rappresentare il concetto il gruppo utilizza la complessità semplice di melodie in ascesa, con un filo carico di watt malinconici che si accasciano dolcemente tra le braccia di Nick Cave.

5 - Transhumans

La passione che spezza le ossa trova rifugio in una composizione musicale che sembra trasportare le immagini dentro di noi, che parte lenta e poi, in un vortice ammaliante di chitarre amare, accelera il battito, per divenire un blues di matrice folk /americana perfettamente integrata nel contesto di parole piene di gas e lacrime…

6 - Cry Cry Baby

Si torna nei canali onirici, in un abbraccio amoroso poetico, con la canzone che rivela l’abilità dell’arrangiamento, in una finezza balistica davvero impressionante. Tutto parrebbe essere una culla, ma alla fine il brano condensa sentimenti contrastanti, definendo la bellezza e l’utilità del dolore…

7 - Straight To You

Lacrime scintillanti e un inchino doveroso: l’approccio a questa chicca del bardo australiano Nick Cave offre il fianco a inevitabili critiche. E invece ci ritroviamo nelle orecchie una carezza che dimostra come la band abbia esaltato la parte più intima di questo gioiello, mettendo in evidenza l’armonia e l’intensità…

8 - I Can’t Escape Myself

Si piange, si ringrazia il coraggio e l’amore degli Shameless per i Sound, per questo diamante eterno che i siciliani hanno vissuto in prima persona in ascolti che hanno afferrato tutta la bellezza del brano per poi rispettarne l’integrità, con un processo che pone l’attenzione sul suono la qualità precisa e necessaria per non offenderla. Ed è boato ed è anche il modo perfetto per terminare un lavoro altrettanto perfetto…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

13 Aprile 2025

https://theshameless2.bandcamp.com/album/the-shameless-prayers-after-dark

My Review: THE SHAMELESS - PRAYERS AFTER DARK

 

THE SHAMELESS - PRAYERS AFTER DARK

Long lines of stars, daughters of nights full of blues and electric circuits, meet in Ragusa, an Italian city in ferment, very active in recent years, to fix in time vibrant tensions and meticulous inspections in the night perimeter.

The band The Shameless is undoubtedly the most gifted, capable of bringing Madrugada's word to Italian soil, both in its musical structure and in its singing, for a contact and a similarity that nonetheless also offers some precious differences. It is a work that is also characterised by a mastodontic ability to make the sound a sensible whole, capable of attracting attention through a density of fragments that gives the whole an identity that does not waver, a heartfelt sinew of orgasms and propulsions, in which slower rhythms are favoured to expand the various segments in detail, but when the pace picks up, one is left with a dark happiness that bewitches, continuing to produce addiction. 

There are six original tracks by the band, for a number that seems small but instead becomes a mighty square root, given the density of the elements proposed, the quality, the layers and the visual suggestions offered, in an emotional tidal wave that also finds in the textual aspect a harbour from which considerations, emotions and flights depart, capable of making us see a part of the world with an overflowing genuineness.

We are within a sombre musical style, in which alternative rock shows its burrs and respectful claws, with gothic flames to console the nights, imbuing the whole with a hinted and intelligent post-rock, dragging blues-rock to peaks from which we enjoy a painful and yet worthwhile emotional panorama. Without forgetting what can be defined as the spiritual mother of the entire work: folk-rock/Americana that hovers continuously, unleashing fervours and sharp blades, with that gloom that corroborates the whole and from which one cannot escape. The harmonic progressions (damn expressive, by singer Ippolito Nicolini) are a further step towards perfection, in which theatricality and evocation sublimate a talent and hard work of assimilation.

Gianpaolo Cassarino is a hypnotic lightning bolt with his bass and violin (not forgetting synth and keyboard), while Alberto Difalco's powerful drumming style needs no technical tricks: he strikes at the heart with absolute class, giving the sound of his instrument a strong emotional density. Gaetano Scribano's and Giuliano Spataro's two guitars are the black river that sucks in gravity and leads it into the inner chaos of this soaring, northern formation, lost in its beauty and density. 

All five musicians touch the everyday boundaries of dreams (the true protagonists of this work) and respectfully lead them to the intimate place of prayers, invocations, without falling into the trap of hope, demonstrating a remarkable maturity. The feeling that despair is not a corollary but one of the sources of inspiration of this album makes for a highly dense and attentive listening experience, as there are never any signs of surrender or complacency. For this aspect, too, the applause can only be powerful and intense: the five guys are truly anachronistic knights who do not forget the present time but live intensely the quality of memory, clearly showing their reference points, preferences and a remarkable capacity to absorb certain values now lost. Here, then, are perfectly aligned plots that encompass anger and faith in the human being (rather than in any God), in order to glide through the richness of the human soul, here delicately explored and described, to the point of painting its fragility. A journey that thrills with direction, depth, skill and culture of the various behavioural conduits of spiritual presences in turmoil and nevertheless careful not to disperse.  They are guiding, masterful songs, daughters of sleepless nights and controlled sunshine, bringing us reflections and emotions perfectly matched and embedded in a context that we are bound to love.

The Old Scribe is notorious for not liking cover versions, yet the two pieces that conclude this gem are a respectful, vibrant act of love for two bands that do not seem to appear too much on the album (given the musical styles exhibited), yet in reality the Sound's track (I Can't Escape Myself) and that of Nick Cave & the Bad Seeds (Straight to You) become the perfect summary of the whole, where decadence and tension, message and legacy are found together, as the supreme representative of this effervescent and tribulating sledgehammer of Prayers After Dark, a hard and compact diamond with the appearance of a swan swimming in the sea of our needs. 

One experiences, with these compositions, the celestial space of a fertile abandon, a vitaminic charge of realities that pass through prayers and darkness, for an afflatus that makes the compositions a poetic marriage between the time that was and the present day.

Song by Song

1 - Chic Jesus

The only single opens the album and is a spiritual that relies on the blues elaborated perfectly by Mark Lanegan in the latter part of his career. Psychedelic flashes converge in this procession that brings together Christian religion and paganism.

2 - Stuck in a moment

We enter the heart of the night with Jesus in our eyes and a tale that moves between poetic suggestions and searing blades, in which everything struggles to remain in the memory, for an electric gem completely focused by a refrain that amplifies the already high quality.

3 - Nobody save me but you love

The imperious and homicidal Madrugada embrace the Sicilian band for a vessel aboard which travel malignant arpeggios, light-oxidising lyrics and a fully functional decadent atmosphere.

Poisonous, sinuous, terrifying, neurotic: a song that crosses the boundaries of pleasantness to condense and rest in our sunken arteries

4 - Oh sister

Love experiences tragedy on a daily basis: to portray the concept, the group uses the simple complexity of soaring melodies, with a thread laden with melancholic watts that gently slump into the arms of Nick Cave.

5 - Transhumans

Bone-breaking passion finds refuge in a musical composition that seems to transport the images inside us, which starts out slow and then, in a bewitching swirl of bitter guitars, quickens the beat, to become a folk/American blues perfectly integrated in the context of gas and tear-filled lyrics

6 - Cry Cry Baby

We return to dreamy channels, in a poetic love embrace, with the song revealing the skill of the arrangement, in a truly impressive ballistic finesse. Everything seems to be a cradle, but in the end the song condenses mixed feelings, defining the beauty and utility of pain...

7 - Straight To You

Shimmering tears and a dutiful bow: the approach to this gem by the Australian bard Nick Cave offers the side of inevitable criticism. Instead, we find in our ears a caress that shows how the band has brought out the more intimate side of this gem, highlighting the harmony and intensity...

8 - I Can't Escape Myself

One weeps, one thanks the courage and love of Shameless for the Sound, for this eternal diamond that the Sicilians have experienced first hand in listens that have grasped all the beauty of the song and then respected its integrity, with a process that puts the focus on the sound the precise quality necessary not to offend it. And it's roaring and it's also the perfect way to end an equally perfect work...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

13th April 2025

https://theshameless2.bandcamp.com/album/the-shameless-prayers-after-dark