My Review: Drama Emperor - Eden’s Gardens

Drama Emperor - Eden’s Gardens

How tasty is the deception that lives segregated in history, that which slips into every mental recess, without release. There are, in art and beyond, examples that certify this malice, this unacceptable filthiness: it should be prevented that beauty has no throne visible from any latitude.

Le Marche, musically the land that has brought to light such limpid champions as Paul Chain and his Death SS, the Gang, Soviet Soviet and many others, in its fertile and golden womb has thrust into the furious musical panorama also this band, whose new release Old Scribe celebrates: a sound beam illuminated by assorted genius to generate emotions at high altitudes. Not simple, not usable with agility, to encourage, on the part of the listener, a profound work of assembly, as the duo composed of Michele Caserta and Cristiano Ballerini has been continually probing, ever since their 2009 debut, every resistance that is contrary to the programming of a precise commitment to be able to decipher the multi-magnetic waves of which they seem to be the generators blessed by the musical divinity.

They are electric vagabonds, in which the melody is a skeleton devoid of skin but functional to the motricity that makes the listening bodies magnets in mystical attraction towards a place that seems to become, episode after episode, a radioactive glade, managing to burn away the superfluous. We have had indications of this in recent years, despite the fact that the production has never been prolific: perfect, because the Marche's ambitions do not have to enter an assembly line. They sow songs like grains of sand in space: where, apparently, there seems to be a lack of meaning, everything is overturned by an effervescent, dynamic, engaging quality.

There are two new compositions that open the E.P., a pair of assaults with different modes, in style, in speed, but both imbued with wonderful metaphysical approaches. The core is a decidedly intense exploration of the provenance of their 'ancient' sonic reprisals. If one apparently denotes the abandonment of a Post-Punk matrix, in favour of insertions of electronic origin, one must however come to terms with the theatricality, a new element that seems to be a definitive stroke of genius.

In addition, one notes an orchestration that, starting from classical music, moves towards the German experimentation of the second half of the sixties: not just songs with a mantle, but notes that enter the bones. Generous sprinklings of the less orthodox eighties are especially evident in the final two pieces, with the dangerous but in this case successful system of two remixes.

The work on offer is an anvil that divides softness from chill: it is undeniable that the cables moving between the compositions are filled with a powerful capacity for investigation, to generate a fast natural selection. The powerful propensity, whether intentional or a splendid accident matters little, to absorb musical genres, to stun them, to make them objective and not dutifully recognisable, stands out. Everything lives for a few seconds with certain movements, only to be followed by others that seem to conceal the very recent past and vanish into the void. As in a stall tipped over in the mud, this is how the songs come to our listening: by putting a masterful uneasy ease, in the emotional register of an oxymoron that paralyses, conquering.

Time is now reserved for the proximity of these electrodes full of purple rust, to assign each moment our role...

Song by Song

1 - Eden's Gardens

A temporal carousel in search of a place to sow images and introspections, verifying the history of every deception: this is the temple of the greatest human lie, a garden that contemplates only pleasure, leaving the past behind. The guitar is fierce, heartbreaking, as it opposes, while the vocal part is a melancholic weeping, in which the perfect English singing places the accents on the vowels in an enchanting way. The drumming cooks the flanks and the six-string solo is a garden-variety sacrifice. The striking classical orchestration of the finale seems to paint a farewell to all illusions. Death in June, Echo & The Bunnymen, and the sound tails of Kitchens of Distinctions are placed in the first part and the enthralling refrain, in full admiration. But it is the change after the second verse that makes the whole thing elusive, sacred, definitively perfect...

2 - Pulse

No doubt: on the podium of the most interesting and atrocious songs of this dazzling 2023! Pulse is the expressive talent, the sonic investigation that starts with a killer loop, surrounded by an industrial shimmer, and then opens up as the song enters, which is a real exercise in study, resulting in a degree. The expressive theme is a cacophonic loop with a recitative that enervates, saps strength and enchants, due to its melodic leanness, inducing thought to travel in the confines of a pulsating mental labyrinth. This is the profound richness of the two artists: the smugness of complacency in writing music to pleasing effect, to project, instead, into the slow chaos of psychedelic textures and thrusts, seen through a tarnished glass, making them sound like a subtle explosion of a magma that ransacks resistance. Sublime!

3 - The Ghost In You

A Darkwave petal that frequents the hot spots of the sluttier and more sensual Coldwave, flies in this hiss that brings to mind great realities of the 1980s: Neon and Gaznevada, two excellences that loved to create to exorcise the fear of experimentation within those musical genres. Certainly dark, introverted, attractive, it makes their affinities and needs visible.

But, and I know that an extraordinary controversy will open up here, it fails to hold the gaze of the first two, because it is more mannered, less able to show the visual genius and quotas. Nothing, let's be clear, that would make the Old Scribe wish not to listen: he would have paid out of his own pocket in 1985 to hear such a composition!

4 - Awake (Soft Rior RMX)

Take Yello out to dinner, take them to the porn cinema of Frankie Goes To Hollywood, and you will see how this remix is a celestial miracle: everything opens up, with continuous electronic inserts making this sonic exercise a hybrid in the direction of madness that becomes a perfect dance hall. Lively, the vocals draw dreams, while the vitaminic Synth discharges are miracles that make strobe lights blush.

5 - The Final Song (Guido Möbius RMX)

A slight ache frequents the mental space: an incipit that wanders in the dryness of a word that bangs on a shrill but extraordinary system, with a special counter-song that recalls Blixa Bargeld in a catatonic state. A sprinkling of dub and proto-house enters the song's circuit: one is constantly in neurotic anticipation...

A demonstration of how time can be put on the table in a laboratory, to design a fluid that makes eternity superfluous: the duo from the Marche has generated the astonishment that travels in the enchanted paradises of perdition, where passions and dreams are splendid corpses to be preserved.

 Italian E.P. of the year for Musicshockworld!

P.S.

Also of note is the splendid artwork by artist Francesco Pirro.

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

17th October 2023

https://dramaemperor.bandcamp.com/album/edens-gardens

La mia Recensione: White Rose Transmission - 700 Miles of Desert

White Rose Transmission - 700 Miles of Desert

Foglie, sterpaglie, avvisaglie, schermaglie.

La radura è folta, un fascio ombroso illumina l’emisfero del pensiero.

La musica permette di annullare la morte, di lasciare in vita le persone, con quello che hanno fatto. 

Il secondo album del duo Adrian Borland e Carlo van Putten allarga i confini, accoglie musicisti in grado di aumentare le possibilità artistiche di questi illuminati pensatori e creatori di nuove stelle da ascoltare e ammirare. Un lavoro che fa male a posteriori, se si valuta cosa è accaduto al regista dei Sound, ma, se adoperiamo ciò che si è letto nelle righe precedenti, anche un benessere, un senso di quiete e di pace ci avvolge, attraverso la dolcezza di un apparato creativo in grado di seminare novità, modalità e grandi battiti pieni di luce.

Quattordici momenti colmi di fascino, in una sfera sad pop che non deprime bensì regala un viaggio all’interno di un testamento scritto con un sorriso e una pacca sulla spalla da parte di Adrian: Carlo raccoglie (ignaro, al tempo) quella confidenza che affermava che nel terzo disco i testi li avrebbe scritti l’ex leader dei Convent. Nel fitto progetto di ciò che ascoltiamo ci rendiamo conto che ascoltiamo musica e non canzoni: nulla è lasciato con l’intenzione di raccogliere consensi, in un piano di ruffianeria estrema, ma incontriamo piuttosto un allargare l’amore, la necessità e la progettualità per tastare il polso ai propri nervi, nella foresta di misteri avvolti e protetti dallo stile, dalla curiosità e dalla volontà di rendere infinito il piacere di veder colorare il tutto con una tinta lucida. Il fatto che si rende maggiormente evidente è quello di essere storditi, confusi, mai certi di quale sia stato il carico di sofferenza di Borland: si teme che sia stato un lascito come un testamento, e in questo caso le lacrime scendono senza arresto. Se invece si immagina questo secondo appuntamento discografico a nome White Rose Transmission come la maniera di trovare conforto, leggerezza, sfogo, distrazione o quant’altro, allora ci potrebbe scappare un sorriso e un abbraccio di ringraziamento.

Certamente, per tutti i sessantaquattro minuti rimane fissa nella mente che la direzione dei generi sia più ampia ma con la volontà di far rimanere il tutto come un profondo respiro, quasi silenzioso. 

Il contributo di Rolf Kirschbaum, quello di Mark Burgess, come quello di David Maria Grams e la voce di Claudia Uman regalano la gioia di sentire una band di amici in una sala prove, mentre tutto scivola dentro il pentagramma. Compatto, dilatato, aperto, lasciando  l’ingresso aperto ad alcuni timori, 700 Miles of Desert è un gioiello che non usa maniere forti per mostrarsi, perché pare entrare quasi di nascosto nell’impianto stereo con l’intenzione di rimanerci a lungo. 

Getti psichedelici mascherati, schegge di Post-Punk ammaestrate, il brivido dato da un intenso palazzo acustico celato dalle orchestrazioni, confluiscono nella gloria e nella magnificenza di note senza bavagli, in una giornata nella quale la pioggia bacia la nebbia. 

I testi (dodici su quattordici) di Adrian, sono apparentemente i più malinconici di sempre, come se quelle parole avessero abbandonato la bombola dell’ossigeno, in un lungo commiato. Non esistono congedi, moti di rabbia, forme esplosive che possono paralizzare, ma un soffio dolce-amaro per renderci tutti più consapevoli e in grado, con l’ascolto, di non fargli mancare il nostro amore. Profondo, intenso, l’album spazia dentro sorprese continue e il violino di David Maria Grams è un distributore di singhiozzi, nell’assoluta capacità di affiancare l’approccio della musica classica a quella pop.

In Wild Rain il duetto con Claudia Uman è uno schiaffo al rallentatore, un addio della natura nei confronti dell’uomo. Tutto schizza nella direzione del cielo dove i suoni perdono peso.

Pare di vedere la vita entrare nelle trame espressive per tatuarsi nell’indifferenza di chi non ha saputo riconoscere il valore di un percorso artistico iniziato nella seconda metà degli anni settanta: non seminando rancori e tantomeno accuse. Una penna sia limpida che misteriosa, con la solita incredibile voce a suscitare immense suggestioni. Carlo, per tutto l’album, sembra il miglior amico che sa ascoltare, consigliare, ma facendolo sottovoce, senza smanie di protagonismo. Canzoni come garze di velluto che si inchiodano sui tessuti della nostra riflessione, per riparare il dolore da altri disperati atti osceni: tutta la discografia di Adrian e di Carlo ha subito indifferenza da parte della massa, discografica, di critica e del pubblico. 

E poi lei: InBetween Dreams, che da sola riesce ad andare oltre i suoi sette minuti perché il suo mantra è una sinusite, un colpo di tosse che ci tiene costantemente avvinghiati alla sua brutale bellezza. Pare proprio che i pezzi precedenti e quelli successivi siano l’anticipo e il posticipo di un clamoroso miracolo, umano ancor prima che artistico…

Vive per tutta la durata dell’ascolto il battito di una chitarra che sembra morire con l’ultimo brano, ma non è così. 

Non si può negare che il concetto iniziale di queste composizioni fosse quello di un dipinto sulle superfici dei contrasti, dei dolori, ma con il tentativo, l’ultimo, di non negare chilometri di gioia che sono presenti, eccome se lo sono…

La produzione è un altro attestato di classe, in quanto avvolge gli stili e i generi musicali all’interno di un suono, di accordi, di propulsioni perfettamente assemblati, come un coro d’anime che con un’unica vocale ci inchiodano all’ascolto e alla devozione.

Gli scheletri dell’anima, perfettamente messi davanti al nostro sentire, durante Desert Bones, sembrano uscire da un viaggio psichedelico dei Doors con il supporto di Ennio Morricone, per un brano che scalcia via ogni gioia.

Con The Swimmer, testo di Carlo e musica di Florian Bratmann, siamo nei pressi di una danza elettronica che si intinge nella musica classica, con echi dei Church e dei Psychedelic Furs: un’ulteriore chicca che si stampa dentro il nostro stupore.

La canzone preferita del Vecchio Scriba, di cui è già stata descritta la grandezza, si presenta qui non in versione acustica ma in quella elettrica: Walking In The Opposite Direction è semplicemente la summa di tutto il pulsare emotivo e intellettuale dell’artista nativo di Hampstead, uno strappo carnale tra le ali di angeli che proteggono la sua aura vitale. Un capolavoro che bagna tutte le piume del mondo con il suo respiro lacrimevole…

Stando attenti ci si accorge che c’è un molto che si palesa, un poco che si nasconde, un mix perfetto di equilibri e squilibri che nella strada dell’estate di questo gruppo riesce a camminare nella direzione giusta: consentire a ciò che è contrario alla vita di essere dentro, di partecipare a quella che oggi è la celebrazione dell’ultimo lavoro in vita di Adrian.

Lasciate ogni modalità per poter ascoltare musica su questo album e date all’infinito la possibilità e il dovere di rimanere su queste quattordici ali: il volo perfetto abbisogna della perfetta colonna sonora ed è proprio qui…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

15 Ottobre 2023

https://spotify.link/AnW7u9U3UDb

 

My Review: White Rose Transmission - 700 Miles of Desert

White Rose Transmission - 700 Miles of Desert

Leaves, brushwood, sightings, skirmishes.

The clearing is thick, a shadowy beam illuminates the hemisphere of thought.

Music makes it possible to undo death, to leave people alive with what they have done. 

The second album by the duo Adrian Borland and Carlo van Putten expands boundaries, welcomes musicians who can increase the artistic possibilities of these enlightened thinkers and creators of new stars to listen to and admire. A work that hurts in retrospect, if we evaluate what happened to the director of the Sound, but, if we adopt what has been read in the previous lines, also a well-being, a sense of quiet and peace envelops us, through the sweetness of a creative apparatus capable of sowing novelties, modes and great light-filled beats.

Fourteen moments filled with charm, in a sad pop sphere that does not depress but rather gives a journey inside a will written with a smile and a pat on the back by Adrian: Carlo picks up (unaware, at the time) that confidence that stated that in the third disc the lyrics would be written by the former Convent leader.

In the dense design of what we listen to, we realize that we are listening to music and not songs: nothing is left with the intention of garnering acclaim, in a plan of extreme pandering, but rather we encounter a broadening of love, necessity and planning to test the pulse of one's nerves, in the forest of mysteries shrouded and protected by style, curiosity and the will to make infinite pleasure of seeing everything coloured with a glossy hue. The fact that becomes most apparent is that of being stunned, confused, never sure what Borland's burden of suffering was: one fears that it was a bequest like a will, and in this case the tears flow without stopping. If, on the other hand, one imagines this second discographic appointment in the name of White Rose Transmission as the way to find solace, lightness, venting, distraction or whatever, then there might escape a smile and a hug of thanks.

Certainly, for the entire sixty-four minutes it remains fixed in the mind that the direction of genres is broader but with a willingness to make the whole thing remain as a deep, almost silent breath. 

Rolf Kirschbaum's contribution, Mark Burgess's, as well as David Maria Grams's and Claudia Uman's vocals give the joy of hearing a band of friends in a rehearsal room as everything slides into the stave. Compact, dilated, open-ended, leaving the entrance open to some apprehension, 700 Miles of Desert is a gem that uses no strong manners to show itself, as it seems to almost sneak into the stereo system with the intention of staying there for a long time. 

Masked psychedelic jets, splinters of trained Post-Punk, the thrill given by an intense acoustic palace concealed by orchestrations, converge in the glory and magnificence of gagless notes, on a day in which rain kisses fog.

Adrian's lyrics (twelve out of fourteen), are apparently the most melancholy ever, as if those words had left the oxygen tank, in a long farewell. There are no leave-behinds, no angry outbursts, no explosive forms that can paralyse, but a bittersweet breath to make us all more aware and able, with listening, not to let them miss our love. Deep, intense, the album ranges within continuous surprises, and David Maria Grams' violin is a distributor of sobs, in the absolute ability to place side by side the approach of classical and pop music.

In Wild Rain the duet with Claudia Uman is a slow-motion slap in the face, a farewell of nature to man. Everything splashes in the direction of the sky where sounds lose weight.

It seems to see life enter the expressive textures to tattoo itself in the indifference of those who have failed to recognize the value of an artistic journey that began in the second half of the 1970s: not sowing grudges, much less accusations. A pen both limpid and mysterious, with the usual incredible voice to arouse immense suggestions.

Carlo, throughout the album, seems like the best friend who knows how to listen, how to advise, but doing it in a whisper, without any craving for the limelight. Songs like velvet gauzes that nail themselves to the tissues of our reflection, to mend the pain from other desperate acts of obscenity: all of Adrian's and Carlo's discography has suffered indifference from the masses, record, critics and the public. 

And then her: InBetween Dreams, which alone manages to go beyond its seven minutes because its mantra is a sinusitis, a coughing fit that keeps us constantly clinging to its brutal beauty. It really seems that the preceding and following pieces are the anticipation and postponement of a resounding miracle, human even before it is artistic....

It lives for the duration of listening the beat of a guitar that seems to die with the last track, but it does not.

There is no denying that the initial concept of these compositions was that of a painting on the surfaces of contrasts, of sorrows, but with an attempt, the last one, not to deny miles of joy that are present, and how very present they are...

The production is another attestation of class, as it wraps musical styles and genres within a perfectly assembled sound, chords, propulsions, like a chorus of souls that with a single voice nail us to listening and devotion.

The skeletons of the soul, perfectly placed before our hearing, during Desert Bones, seem to come out of a Doors psychedelic trip with Ennio Morricone backing, for a song that kicks away all joy.

With The Swimmer, lyrics by Carlo and music by Florian Bratmann, we are in the vicinity of an electronic dance that dips into classical music, with echoes of Church and the Psychedelic Furs: yet another gem that prints itself inside our awe.

The Old Scribe's favorite song, whose greatness has already been described, is presented here not in an acoustic version but in an electric one: Walking In The Opposite Direction is simply the summa of all the Hampstead artist's emotional and intellectual pulse, a carnal tear between the wings of angels protecting his vital aura. A masterpiece that wets all the feathers of the world with its tearful breath...

Being careful one realises that there is a lot that is apparent, a little that is hidden, a perfect mix of balances and imbalances that in this group's summer road manages to walk in the right direction: to allow what is contrary to life to be inside, to participate in what is now the celebration of Adrian's last living work.

Leave every mode to be able to listen to music on this album and give infinity the chance and the duty to stay on these fourteen wings: perfect flight needs the perfect soundtrack and it is right here...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

15th October 2023

https://spotify.link/YVWa19Q3UDb

La mia Recensione: eNiB - Cut

 eNiB - Cut

“Oggigiorno, vediamo la nebbia non perché essa esista, ma perché pittori e poeti ci hanno insegnato quale sia la misteriosa grazia del suo effetto.”

Oscar Wilde

Esistono palazzi mentali in ascesa, altri in discesa, mentre circondano la ricerca e la strutturano, determinando flussi solidi e liquidi, sino al congelamento della verità, l’unica regina in grado di dare autorevolezza a questa vera e propria missione. Ecco un’anima che, partendo da Roma, coi suoi fitti vicoli pericolosi, si è trasferito a Frascati, e ha sconfitto la noia, la banalità, l’assenza di celebrazione dell’inutile per costruire un percorso artistico, iniziato dagli Echoes of Silence, per proseguire su autostrade emotive ed espressive molto diverse, disegnando traiettorie di studi che meglio delineassero la sua sensibilità e la grande necessità di esplorare il vuoto, di sminuire la grassezza umana che impedisce di essere snelli e capaci.

Ha voluto dare un taglio a tutto e, si sa, quando ciò accade si separa il passato dal futuro, si comprime l’insoddisfazione e ciò che è indigesto e ci si proietta in quello che è sconosciuto, utilizzando i mezzi a disposizione offerti dal presente. Eccola allora la divina scelta dell’elettronica, ingiustamente etichettata come ciò che fa assentare l’emozione e il calore, presentarci il suo viale espressivo con nove proiezioni, introspezioni, sondaggi e quant’altro, che cercheremo di scoprire e accatastare, insieme al talento di chi ha imparato a entrare nel mondo della nebbia per costruire un tracciato umano diverso. Synth-etico, Synth-omatico, in un mare di frenesie che provengono dal torpore Yugoslavo dei primi anni Ottanta, il metodo utilizzato è quello di far vibrare la tastiera, di pilotare i voli del suo pensare in una struttura musicale che abbia una zona d’ombra elettrica. Non sono le chitarre a farci piangere, sono i tasti bianchi e quelli neri, con i suoi circuiti pieni di cavi e sudore, di nervi controllati, educati, fatti esplodere senza stupide distorsioni, per pilotare un’apparente forma di distacco, ma Filippo Biagioni Gazzoli ha inventato un arcobaleno grigio, con sfumature e piume che volano senza cadere. I Transistor si lamentano, i messaggi, codificati come l’antica Coldwave era abituata a fare, sono uno scafandro pesante da indossare. Ogni brano di Cut ci mostra il dolore di attraversare il pianeta dei comportamenti senza, purtroppo, saper rinunciare al chaos. È l’impetuosa Electro Dark che spinge l’artista romano a visitare le impronte dei suoi pensieri e di quelli di chi lo circonda: in quei frangenti la sua musica è una operazione cerebrale, senza risparmio. L’ebm, un amore violento per Filippo seppure  piacevole, in questo lavoro è un supporto ideologico più che strutturale: è come avere sempre un amico pronto ad ascoltarti. Perché è ovvio che sia un insieme di pezzi nati per sviluppare l’amicizia con il suo silenzio, con la necessità di non spartire con nessuno il suo percorso. Lo si evince dalla compattezza, dalla fluidità, dallo stile che permea ogni composizione come se fosse un lungo pellegrinaggio senza necessariamente dover cambiare l’abito. Unica eccezione è Come to Me, più robusta, aggressiva, la miglior pecora nera della famiglia che cerca di distinguersi, mostrando anch’essa grandi qualità. Ed è proprio con quel brano che si intende la sottile linea ironica che doveva presentare il conto a tutti noi.

Cut dimostra come, per saper meritare una seriosa critica musicale adoperando alcuni generi musicali, più che dei riferimenti che giungono da altre nazioni, occorre sottrarre la pericolosa intenzione del copia e incolla e studiare i perimetri entro i quali i tecnicismi potrebbero banalizzare ogni approccio. Filippo ci riesce: un’opera d’amore, di ringraziamento, di spunto, una nascita continua dove non nascondere la morte, la paura, la tensione. Come i fulmini, che hanno la consapevolezza del timore che regalano, l’artista in questione scaglia bordate di colori, all’interno del suo arcobaleno grigio, per attraversare l’umore e la solitudine. Stupisce, meraviglia, stordisce la produzione, il lavoro della bottega del suono che regna sovrano all’interno delle nove tracce. Maestosa la scelta di non dare alla voce il compito di pilotare l’ascolto: la musica precede, tiene lo scettro, e le corde vocali sono premurose nel non disturbare, nel cercare lo spazio per inserirsi e mostrare una razionalità mai pedante, ossessiva o noiosa. Straordinario è il ritardo nella pubblicazione di questo fascio sonoro complesso e audace: fosse uscito nel 1983 avrebbe conquistato il mondo. Ma è chiaro, e va detto, il fatto che la strumentazione adoperata per costruire il palco sonoro non sarebbe stata possibile prima. È innegabile tuttavia che si attraversano foreste, grandi corsi, si sale sulla scogliera, si precipita dalla montagna della sofferenza con grande coraggio. Si danza per scoprire il malfunzionamento osseo e muscolare, si rallentano i ritmi e si guarda dentro di sé, come un magnete doveroso che cerca di planare con efficacia. Londra, Berlino, Cracovia, Bruges, Amsterdam, Mosca: ideali piazze in attesa di celebrare chi sa fasciare i confini e far sentire tutti questi luoghi come una grande sala da abitare, per sconvolgersi, appartenersi e dilaniarsi sorridendo alla nebbia…

Ora andiamo a visitare queste vibrazioni elettroniche, una a una, per mitragliare la mente con la poesia visionaria di Filippo Biagioni Gazzoli…

Song by Song

1 - No Way Out

Front 242 dove siete? Clock Dva che fate? Venite qui ad ascoltare il vostro nipotino romano: l’opera parte da una scheggia piena di sale, nebulosa e tremante, piena di trucchi sonori, per trascinare la mente in una fuga doverosa, senza sapere se esiste la via di uscita che accolga la paura…

2 - Getting Nervous

Un mantra, un loop assassino, le atmosfere che si incupiscono, il cantato con la faccia Darkwave muove i muscoli dei confini mentre le note musicali sono armi che sorvolano i nervi, spargendo microbi omicidi. Gli anni Ottanta si presentano nella scelta melodica che imprime il buon Filippo e nelle scorciatoie ritmiche: sincopatici ritmi per far rifiatare le gambe e per dare alla mente nuovo ossigeno. Tetra ma bilanciata, misurata verso il rifugio che attende un ipotetico ospedale psichiatrico…

3 - Limbo

Uno dei vertici assoluti, un abbaglio improvviso che ci mostra gli studi dell’artista: la melodia non conosce l’immediata complicità ritmica riuscendo, quando la drum machine inizia a scuotere l’aria, a donarci qualche energia in più, in quanto questo brano è una frusta sul cuore, la voce conosce un volume più alto rispetto ad altri, e fugge dentro i sibili accennati, per farci addormentare nel grigiore di ogni limbo…

4 - Cut

Schianto, i brandelli di fiducia sintetizzati da sintetizzatori spavaldi e crudi: una sola parola cantata, con diverse tonalità, quella che dà il titolo all’album. Siamo nei territori dei Cat Rapes Dog e dei Philadelphia, due tra le più importanti band che hanno portato l’ebm ad abbracciare la Dark-Electro. Melodia piena di ossa, una singola nota che sequestra, un lavorio nell’individuazione della giusta compagine sonora e poi via: la punta di diamante è ora ben posta dentro il nostro cranio sconquassato….

5 - Lost

Il Vecchio Scriba gioisce nel sapere che eNiB non fa più parte degli Echoes of Silence: se questo quinto episodio fosse nato con la formazione romana avrebbe rubato stilemi, angoli e pettinature nei confronti di molte inclinazioni morali della Coldwave. Filippo invece viaggia da solo, meravigliosamente, in un brano schematico, limpido e cupo al contempo, dove la leggerezza del non perdere nulla ha a che fare con la solitudine. Per essere convincente limita i fraseggi e trova un loop che se fate attenzione vi ricorderà Enola Gay. È da questi piccoli particolari che si fa un artista…

6 - Devourer 

Tenebre dove siete? Avevate paura di essere state messe da parte? Impossibile: la desolazione pretende ed esige la presenza. Eccole, qui, come in un brano degli OMD, capaci di avere piume Pop, di far danzare, mentre le lacrime sprofondano. L’unico brano dell’album che sperimenta più generi musicali, per un risultato finale davvero notevole.

7 - Intruder (Feat. DonTToxique)

Elaborato, con un inizio che sembra richiamare la scena iniziale del film The Day After, la canzone è un esperimento ebm alleggerito della drammaticità espressiva sonora, ma non di quella suggestione che il cantato femminile (che sorpresa, ammettiamolo!) esprime in modo incantevole: su un impianto su cui i Depeche Mode avrebbero costruito un intero album (poverini, eh sì…), l’artista gioca con i flash, avanza nella sperimentazione, schiera più loop e porta la musica a essere un balcone pieno di crisantemi. Occorreva dare alle vibrazioni continenti senza confini temporali e il brano pare essere un raggio nebbioso partito dagli anni Ottanta per schiaffeggiare, morbidamente, tutto il tempo che lo divideva dal presente…

8 - Come to Me

Mi scusi: per Berlino 1994? Vado bene se continuo su questa pista musicale? La perla, la pecora nera della famiglia Biagioni è una poetessa con i nervi belli tesi, figlia di una città senza muro e senza più dignità. Siamo proprio nell’agglomerato urbano tedesco: Alberto Camerini adorerebbe questo brano… Metrico, robotico, dai confini stretti, toglie il fiato attraverso una danza ossessiva e disordinata. Ancora dubbi su questo album? Suvvia, siate ragionevoli…

9 Savour

Il Vecchio Scriba abituava piccole folle, negli anni Novanta, a ballare canzoni lente con un’intima propensione alla velocità, per defenestrare i capricci e la semplicità. eNiB fa lo stesso: trascinante senza aver il bisogno di un drumming potente e maestoso, concentra l’energia per sviluppare una prigione mentale dentro la quale costruire una forma di dipendenza. Suggestivo, compulsivo, sfiancante, l’ultimo appuntamento sonoro sembra celebrare l’orrore senza rendergli facile la vita: che vada a danzare altrove! Che, in questo contesto, è un fatto clamorosamente positivo!

Ci si congeda così da un lavoro che, direbbero gli scrittori bravi, ha un profumo internazionale. Sicuro che il successo non bacia i meritevoli, l’augurio è che esistano anime che potranno inciampare in questo disco: anche nella sofferenza esiste un sorriso e uno splendido arcobaleno grigio…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

12 Ottobre 2023

https://enib.bandcamp.com/album/cut