My Review: Bauhaus - In The Flat Field

Bauhaus - In The Flat Field

The Light. The Darkness. Pathos. The Drama. The Hallucinations. The Impetus. The Challenge. The Error. The Horror. The Carnivorous Absence of Good. The Mental Projections. The Cold. The Caustic Game. The Acting. The Destination. The Destiny.

That's it: a small academic hemisphere on the streets of living spills over into the aforementioned words and creates the Theatre, the stage where acting is the starting point, not the escape, to fall into the vortex of pleasure with blood in the slits of the mind.

Bauhaus is not a band of talented young people in search of success. They are the disrespectful knives that wound the soporific pace of 1979: the Old Scribe accuses them of simply being obscene for an unnatural beauty, creating discomfort in the discomfort of pleasures that came out of the catacombs of a harmless daily wasting of time. Them: the lightning and the crash, the drama pumping in the meanders of an unconscious propensity for nothingness, covered, however, with follies (countless and substantial) that tinge the heart with a necessary quota of fear.

The Bauhaus as source, as a blowtorch that with the first single generated confusion, conflict, interest, sowing ferocious traps in clichés born with their wild disposition to quarrel.

Bauhaus is formed, two months go by and that song enters forever into the immense multitude sinfully waiting for an idyll: in those minutes we witness a birth.

In The Flat Field is a litter of wild spirits on parade, undisciplined and complex, majestically taking the skin off Post-Punk full of anachronistic profligacy. It took a handful of songs as an act against the amorphous ones, throwing salt as a challenge and using sounds in a different way, using some new ones as a further challenge, to set up a kitchen equipped for the preparation of an indigestible but necessary dish.

Which Dark? But when will this ridiculous conviction end? The four are horsemen playing with darkness, they certainly do not have the nihilistic form of Joy Division, the disconnection from reality of The Cure, or the poetry of The Sound. They are shadow painters who kick centuries of obscurantism to expand its boundaries, leaving, incredibly, a long trail of make-up of the dirtiest side of Glam: by pulling the handbrake, they have generated pelvic toxins in the spasms of behaviour that risked ending up, like a funnel without wounds, in the madness of the unconscious crowd.

A bundle of compositions that complicates the understanding of the events that took place just before because, like a catapult working in reverse, the songs settle down in the early seventies (musically speaking), while the enchanting Peter Murphy (acclaimed by Old Scribe as the best singer ever) writes oil drips coming from a school of souls locked in a dungeon. It is the skeletal (a coincidence? I don't think so...) cantor of the mind's perverse mechanisms who holds the story in his grasp, sentencing, suggesting, creating images and stories as if our physicality were to be slaughtered, to his greatest delight. Nightmares and tensions centrifuged together, labyrinths as a pastime, juggling with a throat that seems capable of bringing out a flood of spirits in search of a breath of air. A writing full of exaggerations, of illogical perversions, which amalgamate with a voice that, miraculous as a night without darkness, knows how to cross the listener to make him end up, exhausted, with scars in his heart. 

Nine acts, nine sponges, nine stab wounds, capable of transporting the corpses of our frightened beats into a fury (sound familiar?) and enjoy the sensory massacre provoked. The story of the album, the one that preceded it, is laden with mythology, clamorous lies, useless facts. What occurs in the two sides of the vinyl, on the other hand, is a painful recital of linked woes, of exhaustion that, once brought into the morgue of our thinking, succeeds in making a resounding impression. The instruments, like a bundle of wood packed with dynamite, expose themselves, naked, as they strip away centuries of outposts of unawareness, cutting the music in two: before them and after them. A musical perimeter within which each of the three musicians collects egos in blatant display, hoping that the Master of Storytelling will know not to disfigure them too much. The excellent production work leaves everyone disgruntled: a resounding draw is celebrated at the end of the game. Because, let's be clear, Peter can win alone as well as in company if he wants to….

It is precisely his mode of singing that will lead the American angel Rozz Williams to try to grasp its secrets: oceans are perhaps only kissed through music. The traffic lights of sounds light up with the gloomy colour of perversion and the exhilarating colour of continuous precipitation: missiles rain from that guitar, rocks fall from that bass, and the heart weeps as a result of the crushing given by toxic and innovative drumming. In so many line-ups, the rhythm section has been the base, hidden, through which they could win, performing more. But the two brothers set fire to Daniel Ash's ideas, tortured him and put a gag on him. There was only one condition: 'Dear Daniel, if you want to play with us, you can only do brilliant things'...

It happened, and Bauhaus became, with only one album on their backs, the band of reference for those who wanted to listen to glam while having their heads completely invaded by flights of attention-seeking bats.

They gave no room for nostalgia, they did not get into the ring to beat up bands that were all going in the same direction at the time. Here was the theatricality, the willingness to be derisory, to play as if the sky had taken an hour's rest.

The A-side is the most toxic, devastating, infamous and malignant: five spaceships full of radioactive waste glide over the audience to liquidate every advanced dream. Double Dare is an infamous execution of atrocious beauty, a theatre that opens its doors to commit murder at once. Slow, tribal, gothic because it is close to horror, the desecrating ability to give the guitar the task of being an unlistenable screech, but by which one ends up being captivated. Kevin Haskins towers, shaking the skins and setting the cavern on fire with the force of his drumsticks. David J seems to have come out of a mental stomach pump: he beats slowly, without blinking... Peter? Are you kidding me? We are not talking about the man who paints the flight of fear perfectly: the best actor to illuminate a story that at times can also be atrocious, to make the Rocky Horror Show envious. Yes, he's already a whole show in this track... Ash reduces Peter's eventual show and plays the grimacing child, blatantly but sublimely: impossible for there to be idyll between the two, possible, instead, for those souls to inspire twists as the opening song manages to do.

 

The second heart attack is brought on by the rhythmic cascade that gives the work its title: a running reflection, with the grating of sounds coming out of the grave of Daniel's guitar, a bloody sheet of metal inside the grey smoke of the bass that sweeps away Post-Punk, taking its fingertips to Olympus. Peter plays beautifully, fast crooning, full of sparks, barking at the sky like a wolf never lost but wounded, his inflamed uvula switching from low to high register with monstrous speed and skill. The guitar then chooses to become a film of sandpaper in the finale, and the long fade out is an overture to the next song...

Only two tracks, but fate has already ruled: it's pure devotion for these acerbic but dignified artists. Miracles will happen soon.

The first comes straight away with A God in an Alcove, which is, objectively, the embassy of glam rock that declares surrender: David Bowie stopped believing long ago, the New York Dolls are now ghosts, and it is up to the four of them to revive the glories of the past, but with the task of offering small doses of novelty. By the end of the song, one notices the changes of rhythm, the guitar swells, the bass vomits, and a drum kit waiting to rock but with black sticks. Violent, macabre (God, that chant, a neurotic babble that creates multiple orgasms in the finale), it waits with open arms for Dive, a machine-grind also here in the odour of Glam but more theatrically exaggerated, especially in the bass, unique and invincible, while the drumming definitely comes out of Joy Division's gymnasium. The singing is hysterical but joyful, playful, a blaze of salt in the garden of darkness.

Then the first Goddess, the first black rose, the first true example of the wingless gothic rot: the song falls into the heart, Spy in the Cab is an operation without anaesthesia, in the dark, with only one doctor who seems to be reciting the rosary more than operating, and it is Peter who gives the task to his voice to turn into a heap of sad claws, corrupted by the evilness given by spying in the meanders of the mind, giving continuous motions of bewilderment and discouragement, until Daniel's glacial distorted guitar increases the pathos and fear can only become the best possible friend at that moment. Double vocals, backing vocals and the need to sing like a poison dart inside our ears. By the end of the A-side one is already shattered, disheartened, destroyed.With stubborn conviction we turn the vinyl over and encounter the one song that does not have the same vigour as the others, yet exerts a power of fascination. But Small Talk Stinks is, surely, the band's future coming to the fore. Not too successful due to flimsy rules, but capable of intriguing as it hints at how Peter's acting is waiting to explode.

St. Vitus Dance: cross and delight of the album, the parenthesis, the amphitheatre, the storehouse of their skills, which limits itself to the little task with courage, disrespectful in taking Iggy Pop and ruining his make-up, slaughtering the Stooges, lightening them up, leaving them perplexed. Not a gem, but certainly adept at delivering a thrill.

An initial atomic bass, the drooling drumsticks and neurotic guitar, stretch the soul and present us with a new scaffolding (with a frighteningly large stylistic figure), which make Stigmata Martyr a resounding case of wild connection to frenzy, to the masks exhibited in sounds and images, a bony, long linear rite, a mass celebrated in the mud of a place full of rage, held at bay by the unmatched acting skills of all four members. Plays of light ripped from nightmares are channelled into the guitar, the temple of pain, which, together with Kevin's drumming, makes possible the perception that the words written by Peter seem to want to hide. It is possible to be nihilistic without using the mania of excess: all you have to do is involve the desire for sonic exploration towards the dirty side of Rock and Roll and you're done. Few notes played, but with the strategy of making it all appear like a cloud of instruments hungry to create chaos. 

The recitative returns, the guitar plays on two expressive modes and hardens, even becoming capable of crossing over into the most unknown psychedelia, but doing so ferociously. The album seems to have been born to arrive at this song, which is essential as it distributes all the qualities of the guys, seriously engaged in drawing the bark of perfection...

Now the Old Scribe wishes he were already dead, buried, not responsible for a difficult and indigestible task, because this song is absolutely what he considers to be the masterpiece of their entire discography. The magic, the toxic cloud, the sewage, the awkward smells, the feeling of industrial-derived putrefaction is an absolute certainty: the fright so dear to Black Sabbath here materialises, with an added cabaret vein given by a piano that hypnotises like the grin of an amorphous angel falling into the powerful and devastating voice of Peter, in this case a genial pissed-off shaman, neurotic, sublime in the pauses and in giving space to the play of sighs of the same piano, to inhale into the microphone, making us feel the weight of the scene of which he tells us the evolution. A scream that becomes a rapturous mantra, a warlike vociferation, a satanic doing inside the orderly orchestra of a rhythm that seems cruelly inclined, starting precisely from Black Sabbath, to arrive at the gates of Killing Joke. Bauhaus, however, plays as a frightening need to confuse identities. A procession of symbolic references that would make some American writers happy (Poe and Lovecraft, no less...), to lead them around in the channels of their madness, displacing them with their nightmares, to give fear a place in which to expire without any doubt. Nerves is a looming necessity, a torture, skilfully slow in the manner of its inception, only to be capable of a poignant, vomitous caress, which knows the increase in speed. 

We must add the impressive amount of work that listening induces our souls to perform: nine songs as unsolved, postdated cheques of our perception, challenges that thousands of approaches will not be able to decipher. The most obvious miracle consists of the propensity to reject this album, only to fall into the precipice of an invitation that the four do not tire of. In The Flat Field is by far the only 'almost' Gothic masterpiece we are fascinated by and often addicted to.

Meanwhile, somewhere inside us, there are alarms and petrol spies in a strange pact: to be able to turn off the light for a moment and be like these violent performances of extraordinary beauty...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

12th June 2023

La mia Recensione: Bauhaus - In The Flat Field

Bauhaus - In The Flat Field

La Luce. Il Buio. Il Pathos. Il Dramma. Le Allucinazioni. L’Impeto. La Sfida. L’Errore. L’Orrore. La Carnivora Assenza del Bene. Le Proiezioni Mentali. Il Freddo. Il Gioco Caustico. La Recitazione. La Destinazione. Il Destino.

Ecco: un piccolo emisfero accademico sulle strade del vivere si riversa nelle suddette parole e crea il Teatro, il palcoscenico dove recitare è il punto di partenza, non la fuga, per cadere dentro il vortice del piacere con il sangue nelle feritoie della mente.

I Bauhaus non sono una band di giovani talentuosi alla ricerca del successo. Sono i coltelli senza rispetto che feriscono l’andazzo soporifero del 1979: il Vecchio Scriba li accusa di essere stati semplicemente osceni per una bellezza innaturale, creando sconforto nel disagio di piaceri usciti fuori dalle catacombe di un innocuo perditempo giornaliero. Loro: il lampo e lo schianto, il dramma che pompa nei meandri di una inconsapevole propensione verso il nulla, ricoperto, però, di follie (innumerevoli e sostanziose) che tingono il cuore di una necessaria quota di paura.

I Bauhaus come fonte, foce, come fiamma ossidrica che con il primo singolo ha generato confusioni, conflittualità, interessi, seminando trappole feroci in cliché nati proprio con la loro selvatica predisposizione al litigio.

I Bauhaus si formano, passano due mesi e quella canzone entra per sempre dentro l’immensa moltitudine peccaminosamente in attesa di un idillio: in quei minuti si assiste a un parto.

In The Flat Field è una cucciolata di selvaggi spiriti in parata, indisciplinati e complessi, maestosamente in grado di togliere la pelle al Post-Punk pieno di anacronistica scialorrea. Occorreva un pugno di canzoni come atto contro quelle amorfe, gettare sale come sfida e utilizzare i suoni in modo diverso, usandone alcuni nuovi come ulteriore sfida, per allestire una cucina attrezzata per la preparazione di un piatto indigesto ma necessario.

Quale Dark? Ma quando finirà questa ridicola convinzione? I quattro sono cavalieri che giocano con le tenebre, non hanno di certo la forma nichilista dei Joy Division, la sconnessione dal reale dei Cure, o la poesia dei Sound. Sono pittori delle ombre che prendono a calci secoli di oscurantismo per ampliarne i confini, lasciando, incredibilmente, una lunga scia di make-up del lato più sporco del Glam: tirando il freno a mano hanno generato tossine pelviche negli spasmi di comportamenti che rischiavano di finire, come un imbuto senza ferite, nella follia della folla inconsapevole.

Un fascio di composizioni che complica la comprensione dei fatti accaduti poco prima perché, come una catapulta funzionante al contrario, le canzoni vanno a depositarsi nei pressi dei primi anni Settanta (musicalmente parlando), mentre l’incantevole Peter Murphy (conclamato dal Vecchio Scriba come il miglior cantante di sempre) scrive colate di petrolio che arrivano da una scuola di anime chiuse a chiave in un sotterraneo. Sarà proprio lo scheletrico (un caso? Non credo…) cantore dei meccanismi perversi della mente a tenere in pugno la vicenda sentenziando, suggerendo, creando immagini e storie come se la nostra fisicità dovesse essere macellata, per la sua gioia più grande. Incubi e tensioni centrifugati insieme, labirinti come passatempo, giochi di prestigio con una gola che sembra capace di far uscire una fiumana di spiriti in cerca di una boccata d’aria. Una scrittura carica di esagerazioni, di illogiche perversioni, che si amalgamano a una voce che, miracolosa come una notte senza buio, sa attraversare chi l’ascolta per farlo finire, sfinito, con le cicatrici nel cuore. 

Nove atti, nove spugne, nove pugnalate, in grado di trasportare i cadaveri dei nostri battiti impauriti in una furia (vi ricorda qualcosa?) e godere del massacro sensoriale suscitato. La storia dell’album, quella che l’ha preceduta, è carica di mitologia, di bugie clamorose, di fatti inutili. Quella che si verifica nei due lati del vinile, invece, è una recita dolorosa di pene concatenate, di sfinimenti che, una volta portati nell’obitorio del nostro pensare, riesce a fare una figura strepitosa. Gli strumenti, come una fascina di legna pregna di dinamite, si espongono, nudi, mentre spogliano secoli di avamposti di inconsapevolezza, tagliando la musica in due: prima di loro e dopo. Un perimetro musicale dentro il quale ognuno dei tre musicisti colleziona ego in lampante esibizione, sperando che il Maestro del racconto sappia non farli sfigurare troppo. L’eccellente lavoro di produzione lascia tutti scontenti: un clamoroso pareggio viene celebrato alla fine della partita. Perché, sia chiaro, Peter sa vincere da solo come in compagnia, se lo vuole…

È proprio la sua modalità di canto che porterà l’angelo americano Rozz Williams a cercare di carpirne i segreti: gli oceani si baciano forse solamente attraverso la musica. I semafori dei suoni si accendono del colore tenebroso della perversione e di quello esaltante della precipitazione continua: piovono missili da quella chitarra, cadono rocce da quel basso, e lacrima il cuore in seguito allo schiacciamento dato da un drumming tossico e innovativo. In tante formazioni la sezione ritmica è stata la base, nascosta, attraverso la quale potevano vincere, esibendosi maggiormente. Ma i due fratelli hanno incendiato le idee di Daniel Ash, lo hanno torturato e gli hanno messo un bavaglio. La condizione era una sola: “Caro Daniel, se vuoi suonare con noi, puoi solo fare cose geniali”...

Avvenne, e i Bauhaus divennero, con un solo album sulle spalle, la band di riferimento per chi voleva ascoltare il glam avendo la testa completamente invasata da voli di pipistrelli in cerca di attenzioni.

Non hanno dato spazio alla nostalgia, non sono saliti sul ring per picchiare i gruppi che in quel momento andavano tutte verso la stessa direzione. Ecco la teatralità, la volontà di essere irrisori, di suonare come se il cielo si fosse preso un’ora di sosta.

Il lato A è quello più tossico, devastante, infame e maligno: cinque navicelle piene di scorie radioattive planano sull’ascolto per liquidare ogni sogno avanzato. Double Dare è una infamante esecuzione di atroce bellezza, un teatro che apre le porte per commettere subito un omicidio. Lenta, tribale, gotica perché vicina all’horror, alla dissacrante abilità di dare alla chitarra il compito di essere uno strillio inascoltabile, ma da cui si finisce per essere ammaliati. Kevin Haskins troneggia, scuote le pelli e infiamma la caverna con la forza delle sue bacchette. David J sembra essere uscito da una lavanda gastrica mentale: picchia lentamente, senza battere ciglio… Peter? Scherziamo? Non si parla di chi dipinge il volo della paura perfettamente: il miglior attore per illuminare una storia che a tratti sa essere anche atroce, da far invidia al Rocky Horror Show. Sì, lui è già un intero spettacolo in questo brano… Ash riduce l’eventuale show di Peter e gioca a fare la bambina smorfiosa, in modo plateale ma sublime: impossibile che ci sia idillio tra i due, possibile, invece, che quelle anime sappiano ispirare torsioni come la canzone d’apertura riesce a fare.

Il secondo infarto cardiaco è provocato dal cascata ritmica che dà il titolo al lavoro: una riflessione fatta di corsa, con la graticola di suoni che escono dalla tomba della chitarra di Daniel, lamiera sanguinolenta dentro il fumogeno grigio del basso che spazza via il Post-Punk, portando i suoi polpastrelli nell’Olimpo. Recita benissimo Peter, un crooning veloce, pieno di scintille, abbaiando al cielo come un lupo mai smarrito ma ferito, con la sua ugola infiammata che passa dal registro basso a quello alto con una mostruosa velocità e capacità. La chitarra sceglie poi di diventare una pellicola di carta vetrata nel finale, e il lungo fade out è una ouverture per la prossima canzone…

Solo due brani, ma il destino ha già sentenziato: è pura devozione per questi acerbi ma dignitosissimi artisti. I miracoli accadranno a breve.

Il primo si presenta subito con A God in an Alcove che è, obiettivamente, l’ambasciata del glam rock che dichiara la resa: David Bowie ha smesso di crederci da tempo, i New York Dolls sono ormai fantasmi, e tocca proprio ai quattro rinverdire i fasti del passato, ma con il compito di offrire piccole dosi di novità. Alla fine del pezzo ci si accorgerà dei cambi di ritmo, delle slavine della chitarra, dei vomiti del basso, e di una batteria in attesa di essere rockeggiante ma con le bacchette nere. Violenta, macabra (Dio, quel canto, un balbettio nevrotico che nel finale crea l’orgasmo multiplo), aspetta a braccia aperte Dive, una mitragliata anche qui in odore di Glam ma più teatralmente esagerata, soprattutto nel basso, unico e invincibile, mentre il drumming decisamente esce dalla palestra dei Joy Division. Il cantato è isterico ma gioioso, giocoso, una fiammata di sale nel giardino delle tenebre.

Poi la prima Dea, la prima rosa nera, il primo vero esempio del marciume gotico senza ali: il brano cade nel cuore, Spy in the Cab è una operazione senza anestesia, al buio, con un solo medico che sembra recitare il rosario molto più che operare ed è proprio Peter che dà il compito alla sua voce di trasformarsi in un cumulo di artigli tristi, corrotti dalla malvagità data da uno spiare nei meandri della mente, regalando moti di spaesamento e sconforti continui, sino a quando la glaciale chitarra distorta di Daniel aumenta il pathos e la paura non può che divenire la miglior amica possibile in quel momento. Doppie voci, il controcanto e il bisogno di cantare come un dardo velenoso dentro le nostre orecchie. Finito il lato A si è già sconquassati, avviliti, distrutti.

Con ostinata convinzione si gira il vinile e incontriamo l’unica canzone che non ha lo stesso vigore delle altre, pur esercitando un potere di fascinazione. Ma Small Talk Stinks è, sicuramente, il futuro della band che si affaccia. Un gioco non troppo riuscito per via di regole fragili, ma capace di incuriosire in quanto fa intendere quanto la recitazione di Peter sia in attesa di esplodere.

St. Vitus Dance: croce e delizia del disco, la parentesi, l’anfiteatro, il magazzino delle loro abilità, che si limita al compitino con coraggio, irrispettosa nel prendere Iggy Pop rovinandogli il trucco, trucidando gli Stooges, alleggerendoli, lasciandoli perplessi. Non un gioiello, ma sicuramente abile nel regalare un brivido.

Un iniziale basso atomico, le bacchette sbavanti e la chitarra nevrotica, stirano l’anima e ci presentano una nuova impalcatura (dalla cifra stilistica spaventosamente grande), che fanno di Stigmata Martyr un clamoroso caso di selvaggia connessione alla frenesia, alle maschere esibite nei suoni e nelle immagini, un rito ossuto, longilineo, una messa celebrata nel fango di un luogo pieno di rabbia, tenuta a bada dall’inarrivabile dote recitativa di tutti e quattro i membri. Giochi di luci strappati agli incubi si incanalano nella chitarra, il tempio del dolore, che, insieme al drumming di Kevin, rende possibile la percezione che le parole scritte da Peter sembrano invece voler nascondere. Si può essere nichilisti senza adoperare la mania dell’eccesso: basta coinvolgere il desiderio di perlustrazione sonora verso il lato sporco del Rock and Roll e il gioco è fatto. Poche note suonate, ma con la strategia di far apparire il tutto come una nuvola di strumenti affamati nel creare il caos. Torna il recitativo, la chitarra gioca su due modalità espressive e si indurisce, divenendo anche capace di attraversare la psichedelia più ignota, facendolo però in modo feroce. L’album pare nato per arrivare a questa canzone, essenziale poiché distribuisce tutte le qualità dei ragazzi, seriamente impegnati a disegnare la corteccia della perfezione…

Ora il Vecchio Scriba vorrebbe essere già morto, sepolto, non responsabile di un compito difficile e indigesto, perché questo brano è in assoluto quello che ritiene sia il capolavoro della loro intera discografia. La magia, la nuvola tossica, i liquami, gli odori maldestri, la sensazione di una putrefazione di derivazione industriale è certezza assoluta: lo spavento così caro ai Black Sabbath qui si materializza, con in aggiunta una vena cabarettistica data da un pianoforte che ipnotizza come il ghigno di un angelo amorfo caduto nella potente e devastante voce di Peter, in questo caso geniale sciamano incazzato, nevrotico, sublime nelle pause e nel dare spazio ai giochi di sospiri dello stesso piano, per arrivare a inspirare nel microfono, facendoci sentire il peso della scena di cui ci racconta l’evolversi. Un urlo che diventa mantra estasiante, un vocio bellico, un fare satanico dentro l’orchestra ordinata di un ritmo che pare crudelmente incline, partendo appunto dai Black Sabbath, ad arrivare alle porte dei Killing Joke. I Bauhaus, però, recitano come spaventosa necessità di confondere le identità. Una processione di riferimenti simbolici che farebbero felici alcuni scrittori americani (Poe e Lovecraft, nientemeno…), per portarli in giro nei canali della loro follia, spiazzandoli con i loro incubi, per donare alla paura un luogo in cui spirare senza dubbio alcuno. Nerves è una necessità che incombe, una tortura, sapientemente lenta nella modalità del suo principiare, per poi essere in grado di una struggente e vomitosa carezza, che conosce l’aumento della velocità. 

Occorre aggiungere l’impressionante mole di lavoro che l’ascolto induce le nostre anime a compiere: nove canzoni come insoluti, assegni postdatati del nostro percepire, sfide che migliaia di approcci non sapranno decifrare. Il miracolo più evidente consta della propensione al rifiuto verso questo album, per poi cadere nel precipizio di un invito che i quattro non si stancano di fare. In The Flat Field è in assoluto l’unico “quasi” capolavoro gotico da cui siamo affascinati e spesso dipendenti.

Intanto, da qualche parte dentro di noi, esistono allarmi e spie della benzina in uno strano patto: poter spegnere la luce per un attimo ed essere come queste violente esecuzioni di straordinaria bellezza…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

12 Giugno 2023

My Review: Be Opened By The Wonderful

James - Be Opened By The Wonderful

The sky of a thought is often made of metastases, of arthritis, of fatigues that cling to the rays to glide to earth.

When it happens above the one in Manchester, the chest swells with shivers: the city of the Smiths welcomed those who had been born before them, those James who opened the dances at the Haçienda on a rainy day in 1982. The following year they debuted with Simone, the first medieval smile of the musical capital of the north, to happily conquer anonymity, surrendered as supporters of Morrissey's band, only to return to the bench where the lights embrace, mute, with their feathers closed.

The nine members decide to write a new episode in their career: there is no room for nostalgia or commercial actions such as a Greatest Hits to fall into this sterile game. Then it happens that the memory of an unrecorded evening conquers space, generating the idea of entrusting their careers to the hands of that conductor who in 2011 had impressed, fascinated, trained the hearts by making James feel in a long dress, as if the theatre were allowing them to attend a play in which they themselves ended up on stage, doing nothing.... James have always been synonymous with magic, with small tremors in the neuralgic areas of the chest, where night and darkness are not relatives or housemates, but souls on a journey.

The album is actually the precise gesture of a fan who has built his reputation over the years as one of the most skilful conductors. A truly Mancunian, he involved the large group in integrating desires, planning and playing without a flag inside a recording studio for four intense days. Joe Duddell chose the songs, he watered without taking away the roots of those sound squirrels that have won the respect of the listener, right from the start. This is where the first miraculous phase manifests itself, the first chalice to be raised: do not spoil, do not sully, do not take away the sacredness. Good: not only the orchestra but also a choir, made up of shivers without chains, free to enter into the enlightened and illuminating words of Tim in order to walk above the clouds. The band consists of eight musicians, plus Booth on vocals. Many of them multi-instrumentalists, with a deep knowledge of classical and baroque music, especially Saul Davies, who, having arrived in 1989 as a guitarist, quickly revealed himself to be an excellent violinist. And of violins these songs have not only the sound, but more than anything else the elegance that makes harmony and melody two enchantments within kissing distance. The xylophone, the cello, the trumpet, the timpani, the accordion, a multicoloured bandwagon, ready to move to the crossroads to park their quality and wait for the right reflexes to rise again. Be Opened By The Wonderful is a bundle of twenty benches tilted towards sweetness, emotion, the orgasm of dopamine-distributing cries, conceived and developed to keep what happens at their concerts going: whipping, stroking, changing the songs all the time. That's it: a large enclosed space in a studio so that only the emotions, the artistic needs can fly out, in the carillon of pleasure seeking the right sound. James range through the sampler of talent, enthusiastically renting out their catalogue to the master and letting performance anxieties take a back seat. Once the set list was decided upon, everything calcified, with the imprints of mastery letting us know that the band known for being folk, folk-rock, indie, alternative, electronic, could solidify it all by diving into the aristocratic movements typical of classical music.

Some compositions retained their framework, others saw, through precise and showy arrangements (some joyful, others with the salt of tears in free fall), proudly take the road of loving effusion: all Mancunians' songs are angels with a single feeling...

War, mass discontent, death, constant striving, monarchy, remained intact, but with the enormous capacity to be better understood. It may be the dilation, the decrease in rhythm), the little presence of drumming (but when present, David Baynton Power is, as usual, outstanding ), the willingness to mix with world music as well. The fact is that, while listening to these spiritual guides, nostalgia ceases to make any claim whatsoever. Like a strange, peculiar birth, in which one knows the face and has already decided on the name of the unborn child, but with the story still to be written, it does not even seem to have incorporated them into our feeling and our need. One suffers a great deal in certain episodes and smiles even more in others, when every voice, every instrument, every word, every sound launches itself towards positivity, the only missing sky in this existence of ours. It is not a pop record, it is not an outing where commitment is absent: BOBTW is the sponge that swells the chest to release mineral water, full of proteins, vitamins and substances that dissolve in the ceiling of our understanding. In the saturation of inconclusive music, of great aligned flaws, of extravagances without content, listening to this complex work does not make it any easier for those seeking abstention. Exactly the opposite. The Bluesprint Studios in Manchester allowed the tracks to head inside themselves, among complacent vipers invited to leave those places immediately: with the usual refined elegance, the notes found their dimension, spread out, excited, realised, dragging the oxygen towards an unusual happy hour. The piano, an ironic and fundamental instrument, played by Mark, was flanked by that of the orchestra, for a repetition of butterfly flights, where the sweetest expressions matched the most ungainly ones of a guitar or bass. One track, recorded to be part of the next album, found its place as its electronic nature had no distance from the others, in a furious dance of joy with the stars in celebration. Tim has mellowed his human reception even more, giving his singing a way of presenting itself as a schoolboy in an apron, dirty with life, with games in his uvula, riots by assumptions that have managed to twist the listener's stomach. England is safe now, its path breathes a sigh of relief, for no band has the sense of modernity chained to methodologies stretching back to the 1920s like James. History does not trust the present, we know that, but in this record everything seems to separate itself from conventional and conservative practices. It is badly and too often thought that experimentation is an affair of modernity, of the present day. The quotas, the specifications, the ramifications that one touches with one's hand as one listens confirm Brian Eno's words: no one anticipates reality like the band born in 1982. Better even than itself, because it continues to surprise itself first. A waltz, a tango, a sensual dance seems to register residence by declaring allegiance. It is enough.

The slow strings lighten the anxieties and condense them towards exercises that the birds are aware of. Everything shifts, allowing the repetitiveness of the guitars to tighten up, to remove masks. Watery flights that make infant dreams already capable of a language and the consequential message: not only does Tim step on the toes of human history, so do the orchestra and the band, as each song has a direction, a task that arouses curiosity and creates confidence, resulting in a fearless overture of thoughts. Each sound fragment goes beyond the task of creating a showcase to display one's work, as there is a destiny to be assigned, a meaning. The oddities, the difficult moments, the misunderstandings (of which human affairs abound on a daily basis), also come forward here, generating a cloud of yellowish dust, which cheers and fortifies. The old songwriting has been put under pressure, besieged, but always with the cuteness that distinguishes them, for new impulses capable of generating amazement under the sky. The orchestra confirms the belly pop genius of many sound butterflies, sedates them, stuns them, pinches them and then lunches them together. If we take the band's two best-known songs as examples (we will see which ones later), we realise the courage, the absolute discipline of carrying within them a multifaceted identity, in which nothing is hasty or inconclusive. The obscurity of songs that inexplicably did not find a place on this album uncorks a bottle of champagne: cleaned up, connected to the magic of classical music's attitude, they do not even seem related. The work of the choir (above all the celestial Why So Close), filled Tim's voice with new rainbows, enriching the analytical geometries of the lyrics with additional support. Touching what one has memorised, loved, believed in, grown up with resembles a crime, a wrongdoing. Instead, the miracle is exaltation, measured, whispered, without shrieking, with that lightness from which they absolutely cannot separate themselves.

Now it is time to cross these clouds, the feathers, and feel the heart as a muscle capable of migrating to the joy of nameless places, but with the knowledge that the story of these compositions has been able to transcend, to cross over, to separate, to make its core a melodic laughter…

Song by Song

1 Sometimes

From the album Laid

The most frequently sung song in the pubs of northern England immediately demonstrates a willingness to strip away flesh and pulp and keep the skeleton: it is up to the voice and strings to determine the depth of a song that is an invocation to pay attention to the events in the sky and at the same time to the truth that establishes its perimeter in the eyes, where the soul perceives the value of people. When the piano in the second part enters, everything seems to settle into a secret kiss, until the moment when the explosion of the chorus raises the chills, making one lose strength, in the swamp of restless tears...

2 Love Make A Fool

New Single

The new track, excluded from the forthcoming work, is a slowed down, civilised techno machine gunshot, released on a Monday night for dancing alone. The carpet, the obsessive handclapping, Tim's vocals like the refined groan of a dulled orgasm, allow us to appreciate the vitality of the band, which retains the style, but gives itself permission to experiment again.

3 We're Gonna Miss You

From the album Millionaire 

Taken from from the penultimate album with Brian Eno's production, WGMY reveals its Eighties nature (guitar in the odour of The Police), but with that lightness that gives the sound system the chance to benefit from the cadenced violins, the tuba, the simplicity of a four-quarter drum that seems to be a stick swimming smoothly in the sea of this delicate extension of the lack of affection. The final chorus, repeated, without instruments, enters as hard as a halfback tackle: the song must be freed of all misunderstandings, and it is essential to end it in full melodic explosion. A diamond it already was, now it has taken on even more light...

4 Tomorrow 

From the album Wah Wah 

For the old scribe, masterpieces are few, often useless, in the welter of ever less recognisable beauty. But Tomorrow.

Invigorated without increasing its watts, found the crevice where to insert an approach that verges on perfection, this version is a tear in the eye as it awaits its execution, its last breath. James kisses it, gives it a warm peck on the cheek and launches it straight into pop verticality, with the care to keep its sacredness preserved... Chloe's backing on vocals is a feather that intoxicates the lungs of Tim's trembling timbre. If there is a song to say to life 'I won't leave you', this is it...

5 The Lake

B-side of the single Laid 

The b-side of the single Laid is by far the most brilliant, touching, thrifty, sweet moment of this album. Everything turns to ice with arteries full of dreams as the orchestra's storm of thunder-driven strings seem to measure the moon's patience. As if the 1950s were compressed into a song, everything goes further back, further away, with the ability of the arrangements to make us feel the waters of the Mississippi. Thunderous, slow, tepid, a gluey thrill will enter your curtains...

6 She's A Star

From the album Whiplash 

Joe Duddell sensed back in 2011 that it was possible to combine the song's sweetness with the drama of a misunderstanding: the lyrics are a trap, and the conductor understood that. A different pathos has to be given, to remove the somewhat rough patina of the original version and colour its walls with chills and fears. The cello hides, bends its back, leaves room for the violins, but then, slyly, arrives and decrees the apotheosis, leading the story's couple to flee into a music that seems to create the same effect (though it is not) as Fado, with the sadness that does not pull its nails away from happiness…

7 Lookaway

From the mini album The Morning After

A few electronic diamonds open the dance of awareness: slowly the song arrives at the stoplight, gaining courage, first with small electric guitar cues, then managing to pierce any resistance with vehemence. And the pop soul caresses 1970s folk, with a guitar arpeggio that is swallowed up by ravenous yet sensual strings

8 Sit Down

Single from 1989

The manifesto of empathy, of communion, of sharing, of faith hanging on insecurity, knows a different spirituality, changing the approach, refusing the repetition of one miracle to create another, all new, all so ancient... Sit Down here is a rubber band on Tim's warm syllables, a curbed waltz, a legal theft towards the melodies of the smoky Manchester clubs of the 1950s, where every song was a poem full of blood. With the rhythm section removed, it all sounds like a 1400s fresco with the absolute cunning of being able to overtake time…

9 Alaskan Pipeline

From the album Please To Meet You

What weapons does the beauty of timeless enchantment use? Those at the disposal of the awe-inspiring vapours coming out of a revisited ballad, brought to the ER, where the Doctor of melody operated in the channels of one of the most touching performances ever. James overdo it here: they pilot the mud-filled sludge eager for a bath inside this miracle, laying it down with xylophone drops, a trumpet embrace and Chloe's vocal, as the last razor's edge to make poignancy the sweetest of defeats...

10 Someone's Got It For Me

From the album Millionaire 

The victims who sing of suffering are all pressed together in this modern funeral march, in which there is no lack of brushstrokes of thunderous colours ('To be born again', in the refrain), but the epidermis plunges in a plunge into the pain that here is accentuated first by the toxin-filled violins, then by the impact (again in the refrain) of the distorted guitar and the drums that seem to make everything die even more, until Tim in the finale raises his singing beyond the miracle, which not even the song can accomplish, however, surely, his is the movement of a soul that has been able to incline its uvula towards the earthly zone of perfection... Like a ball that deflates with dignity, so does the song in its fade-out...

11 - Hey Ma

From the album Hey Ma

Mistakenly referred to as the interpretation of 9/11 (also, but not only), Hey Ma, besides being the title of an unfortunate album because it did not get the reception it deserved, is also the title of an impressive intellectual vector, with its polite rock nature, and in this case the orchestra had less need to alter the original version. Slow, without a drop of sweat, it manages to make you dance towards the end, like a bubble playing with the grim reality, that stage of unconscionable violence, which Tim tries to educate to dissolution...

12 Hello

From the album Millionaire 

At last many can appreciate the magic of that fairy called Chloe. The perfume comes out of her mouth, with the gills of the orchestra working almost in the background, in a whisper, as the end of human existence is greeted with extreme grace and respect, in the din of a waning dream first, dying later. So does the music, in its jerks, but not bothering the text, remaining in the background to bear witness to another jewel...

13 Beautiful Beaches

From the album All The Colours Of You

Having eliminated the electronics (the only song on their wonderful album two years ago), the song picks up the flames that threatened to burn down the singer's house, only to extinguish them with a propensity for slowness that benefits everything, in a spiral that certainly knows the mode of the Parisian streets of the 19th century. Princely, warm, it exerts a precise will to give the text the sceptre, without disdaining a melodic approach that eventually bewitches...

14 Why So Close

From the album Stutter

Perhaps for many less convincing than the original (from their 1988 second work), it certainly has the ability to filter the nature of the folk music to deliver harmonious tracks in an a cappella mode, like a challenge between Tim and the choir. A pacifist song, anomalous in both lyric and musical mode, it finds its way by making the old medieval nature its own and brings it to the feet of heaven in the resounding finale…

15 Medieval

From the album Strip-Mine

The only survivors from that period are Tim and Jim, the bass player. The musical zones of the time were firmly in the folk lane, old-fashioned, with martial metrics, allowing the drumming to manifest strength and hold a firm pulse. Through it all, the singing sounds like the heralding of the victory of peace...

16 Hymn From A Village

From the James II single

The first James song to be written. 

Manchester is a cursed treasure chest: how many enchanting secrets lie in the chambers of selfish listening... This is no exception: a carnival, a harlequin descending into the notes to bring the life of a village in the 1500s into view. A dance, a revelry, a celebration, and the tribute to the preservation of positivity...

17 Say Something

From the album Wah Wah

Dialogue as a vital beat, the proportion of values leaving home. James decide to take away the impetus, to rely on the subtle sting of the orchestra and thus see the magnetic trend of a track that finds itself within the hourglass, whose component is not salt but love.... And the final guitar is the sweetest of handshakes...

18 Top Of The World

From the album Gold Mother

Remember. One of their albums ended with this muted firework, the shampoo to melt the grease of a vertigo, to reach the top of the world with obstinacy and conviction.

Well: almost everything preserved, small shifts, small torches to illuminate, like a polite breath, the brilliance of a timeless text. The flavour finds its blanket, the strings knead the rhythm and it swings ...

19 Movin On

From the album La Petite Mort

"Leave a little light on," sings Tim, at the moment when, in the lyrics, a breath knows a first pause, then a second, then the elegant exit, where the silence blends with the silent tears of the singer who decides to write the sweetest song about the handover, between the breath and its absence... He and Chloe stroll between the words, while the psychedelic guitar sounds like a choked cry, and the violins, for their part, seem to want to hasten the moment of the passing. Then Andy, the human being whose mouth inflates the air with magic, blows into his feather-filled trumpet THANK YOU MY MOTHER, and plunges us into the least corrupt cry ever. If perfection has a light that fades softly it is among these notes...

20 Laid

From the album Laid

'A disease without a cure': if that were the case we would all be out of breath by now. Instead, James surprise again by finding it: a gem that polishes the fear and makes one return home, to continue every disaster with the relief of a faith that dwells in the soggy soul of a lyric that, dropped in the warm notes of the acoustic guitar and a resounding cello, finds the place to suggest a story where the psyche seems like a scare in the mad lane of the wind. Insecurity ("Ah, you think you're so pretty") does not invalidate, does not harm the hidden enthusiasm of a man who still wants to caress the skin of his beloved. The band, the orchestra, tune in to the stave of chance at any cost and everything is filled with emotion, and, as the falsetto comes in to stun us, it becomes the perfect way to end the listening to a miracle that can be repeated whenever the love of beauty finds itself in reserve.

There is a delivery coming: leave the door of your heart open, because this album will take care of it...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

11th June 2023

James:

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La mia Recensione: James - Be Opened By The Wonderful

 James - Be Opened By The Wonderful

Il cielo di un pensiero è fatto spesso di metastasi, di artriti, di fatiche che si aggrappano ai raggi per planare sulla terra.

Quando accade sopra a quello di Manchester il petto si gonfia di tremori con la brillantina: la città degli Smiths accoglieva chi era nato prima di loro, quei James che aprirono le danze all’Haçienda in un giorno di pioggia del 1982. L’anno successivo esordirono con Simone, il primo sorriso medievale della capitale musicale del nord, per conquistare felicemente l’anonimato, ceduto come supporter della band di Morrissey, per poi tornare nella panchina dove le luci si abbracciano, mute, con le piume chiuse.

I nove membri decidono di scrivere un episodio nuovo della loro carriera: non c'è spazio per la nostalgia o azioni commerciali come un Greatest Hits per cadere in questo gioco sterile. Poi accade che la memoria di una serata non registrata conquisti spazio, generando l’idea di affidare la propria carriera alle mani di quel direttore d’orchestra che nel 2011 aveva colpito, affascinato, ammaestrato i cuori facendo sentire i James con un abito lungo, come se il teatro concedesse loro di assistere a una recita nella quale sul palco finivano loro stessi, senza fare nulla…. Da sempre i James sono sinonimo di magia, di piccole scosse nelle zone nevralgiche del petto, in cui la notte e il buio non sono parenti o coinquilini, bensì anime in viaggio.

L’album è in realtà il gesto preciso di un fan che negli anni si è costruito la reputazione come uno dei più abili direttori di orchestra. Mancuniano D.O.C., ha coinvolto il folto gruppo a integrare desideri, progettazione e giochi senza bandiera dentro uno studio di registrazione per quattro, intensi giorni. 

Joe Duddell ha scelto le canzoni, ha innaffiato senza togliere le radici a quegli scoiattoli sonori che hanno conquistato il rispetto di chi li ascolta, sin dall'inizio. Qui si manifesta la prima fase miracolosa, il primo calice da alzare: non rovinare, non imbruttire, non togliere la sacralità. Bene: non solo l’orchestra ma anche un coro, composto da brividi senza catene, liberi di entrare nelle parole illuminate e illuminanti del buon Tim per poter passeggiare sopra le nuvole. La band è composta da otto musicisti, più Booth al canto. Molti di loro polistrumentisti, con una conoscenza profonda della musica classica e barocca, soprattutto Saul Davies, che, giunto nel 1989 come chitarrista, ha rivelato in fretta di essere un violinista eccelso. E di violini queste canzoni hanno non solo il suono, ma più di tutto l’eleganza che rende l’armonia e la melodia due incanti a portata di bacio. Lo xilofono, il violoncello, la tromba, i timpani, la fisarmonica, un carrozzone multicolore, pronto a spostarsi negli incroci per parcheggiare la loro qualità e aspettare i riflessi giusti per alzarsi nuovamente. Be Opened By The Wonderful è un fascio di venti panchine inclinate verso la dolcezza, la commozione, l’orgasmo di pianti che distribuiscono dopamina, ideato e sviluppato per far continuare quello che accade nei loro concerti: frustare, accarezzare, modificare le canzoni sempre. Ecco: un grande spazio chiuso in uno studio per poter far volare fuori solo le emozioni, i bisogni artistici, nel carillon del piacere che cerca il suono corretto. I James spaziano nel campionario del talento, affittano con entusiasmo il proprio catalogo al maestro e fanno mettere a sedere le ansie da prestazione. Una volta decisa la scaletta, tutto si calcifica, con le impronte della maestria a farci intendere che la band nota per essere stata folk, folk-rock, indie, alternative, elettronica, poteva solidificare il tutto tuffandosi nelle aristocratiche movenze tipiche della musica classica.

Alcune composizioni hanno mantenuto la loro ossatura, altre hanno visto, tramite precisi e vistosi arrangiamenti (alcuni gioiosi, altri con il sale delle lacrime in caduta libera), prendere con fierezza la strada dell’effusione amorosa: tutti i brani dei Mancuniani sono angeli con un unico sentimento…

La guerra, lo scontento di massa, la morte, lo stentare continuo, la monarchia, sono rimasti intatti, trovandosi, però, con la capacità enorme di essere intese meglio. Sarà la dilatazione, la diminuzione del ritmo, la poca presenza del drumming (ma quando presente, David Baynton Power è come al solito strepitoso!), la volontà di miscelarsi anche con la world music. Fatto sta che, mentre si ascoltano queste guide spirituali, la nostalgia cessa proprio di avanzare qualsiasi pretesa. Come un parto strano, particolare, in cui si conosce il volto e si è già deciso il nome del nascituro, ma con la storia tutta da scrivere, ecco che non pare nemmeno di averle già inglobate nel nostro sentire e nel nostro bisogno. Si soffre moltissimo in certi episodi e si sorride ancora di più in altri, quando ogni voce, ogni strumento, ogni parola, ogni suono si lancia verso la positività, l’unico cielo mancante di questa nostra esistenza. Non è un disco pop, non è una gita in cui far assentare l'impegno: BOBTW è la spugna che gonfia il petto per rilasciare acqua minerale, piena di proteine, vitamine e sostanze che si sciolgono nel soffitto della nostra comprensione. Nella saturazione di musiche inconcludenti, di grandi pecche allineate, di stravaganze senza contenuto, l’ascolto di questo complesso lavoro non facilita per nulla chi è alla ricerca di un’astensione. Esattamente l’opposto. I Bluesprint Studios di Manchester hanno consentito ai brani di dirigersi dentro se stessi, tra vipere compiacenti invitate a lasciare immediatamente quei luoghi: con la consueta raffinata eleganza, le note hanno trovato la loro dimensione, si sono  sparse, eccitate, realizzate, trascinando l’ossigeno verso un happy hour inconsueto. Il pianoforte, ironico e fondamentale strumento, suonato da Mark, è stato affiancato da quello dell’orchestra, per un rimpallo di voli di farfalle, dove le espressioni più dolci si sono accordate con quelle più sgraziate di una chitarra o di un basso. Un brano, registrato per far parte del prossimo album, ha trovato collocazione in quanto la sua natura elettronica non presentava distanze con gli altri, in un furibondo ballo di gioia con le stelle in festa. 

Tim ha ingentilito ancora di più la sua umana accoglienza, dando al suo cantato il modo di presentarsi come uno scolaro con il grembiule, sporco di vita, con i giochi nell’ugola, tumulti per presupposti che hanno saputo far attorcigliare lo stomaco di chi lo ascolta. L’inghilterra è salva ora, il suo percorso tira un sospiro di sollievo, perché nessuna band ha il senso di modernità incatenato alle metodiche che arrivano sino agli anni Venti come i James. La storia non si fida del presente, lo sappiamo bene, ma in questo disco tutto sembra separarsi dalle prassi convenzionali e conservatorie. Si pensa malamente e troppo spesso che la sperimentazione sia un affare della modernità, dell’attualità, insomma dei giorni nostri. Le quote, le specificazioni, le diramazioni che si toccano con mano all’ascolto confermano le parole di Brian Eno: nessuno anticipa la realtà come la band nata nel 1982. Meglio anche di se stessa, poiché continua a stupirsi per prima. Un valzer, un tango, una danza sensuale sembra registrare la residenza dichiarando fedeltà. Ci basta.

Gli archi lenti alleggeriscono le ansie e le condensano verso esercizi di cui gli uccelli hanno consapevolezza. Tutto si sposta consentendo alla ripetitività delle chitarre di stringere sodalizio, di togliere le maschere. Voli acquatici che rendono i sogni infanti già in grado di un linguaggio e del consequenziale messaggio: non solo Tim pesta i piedi della storia umana, lo fa anche l’orchestra e la band, dal momento che ogni canzone ha una direzione, un compito che sollecita curiosità e crea fiducia, per il risultato di una overture dei pensieri senza paura.

Ogni frammento sonoro va oltre il compito di creare una vetrina per esporre il proprio lavoro, in quanto c’è da assegnare un destino, un senso. Le stranezze, i momenti difficili, le incomprensioni (di cui le vicende umane abbondano quotidianamente), si fanno avanti anche qui, generando una nube di polvere giallastra, che rallegra e fortifica. L’antico songwriting è stato messo sotto torchio, assediato, ma sempre con la carineria che li contraddistingue, per pulsioni nuove capaci di generare stupori sotto il cielo. L’orchestra conferma la genialità pop del ventre di molte farfalle sonore, le seda, le stordisce, dà loro un pizzicotto per poi pranzare insieme. Se prendiamo come esempio le due canzoni più note della band (vedremo dopo quali), ci accorgiamo del coraggio, dell’assoluta disciplina di portare dentro di loro un’identità multiforme, nella quale nulla è sbrigativo e inconcludente. L’oscurità di brani che inspiegabilmente non hanno trovato ascolto in questo album stappano una bottiglia di champagne: ripuliti, connessi alla magia dell’attitudine della musica classica, non paiono nemmeno parenti. Il lavoro del coro (su tutte la celestiale Why So Close), ha riempito la voce di Tim di nuovi arcobaleni, arricchendo le geometrie analitiche dei testi di ulteriori supporti. Toccare ciò che si è memorizzato, amato, in cui si è creduto, con il quale si è cresciuti assomiglia a un delitto, a un'azione scorretta.

Invece il miracolo è l’esaltazione, misurata, sussurrata, senza strilli, con quella leggerezza da cui loro non possono assolutamente separarsi.

Ora è tempo di attraversare queste nuvole, le piume, e sentire il cuore come un muscolo in grado di emigrare verso la gioia di luoghi senza nome, ma con la consapevolezza che la storia di queste composizioni ha avuto modo di trascendere, di valicare, di separarsi, di fare del proprio nucleo una risata melodica…

Song by Song

1 Sometimes

Dall’album Laid

La canzone più cantata nei pub del nord dell’Inghilterra dimostra subito la volontà di togliere carne e polpa e mantenere lo scheletro: tocca alla voce e agli archi determinare lo spessore di un brano che è una invocazione a prestare attenzione agli avvenimenti del cielo e al contempo alla verità che stabilisce il suo perimetro negli occhi, dove l’anima intuisce il valore delle persone. Quando il piano nella seconda parte entra, tutto sembra stabilirsi in un bacio segreto, sino al momento in cui l’esplosione del coro alza i brividi, facendo smarrire la forza, nella palude di lacrime inquiete…

2 Love Make A Fool

Nuovo Singolo

Il pezzo nuovo, escluso dal prossimo lavoro, è una mitragliata techno rallentata, civilizzata, uscita il lunedì sera per ballare da sola. Il tappeto, l’handclapping ossessivo, i vocalizzi di Tim come il gemere raffinato di un orgasmo spento, consentono di apprezzare la vitalità della band che conserva lo stile, ma si autorizza a compiere nuove sperimentazioni.

3 We’re Gonna Miss You

Dall’album Millionaire 

Tratta dal penultimo album con la produzione di Brian Eno, WGMY rivela la sua natura anni Ottanta (chitarra in odore di Police), ma con quella leggerezza che dà all’impianto sonoro la possibilità di giovarsi dei violini cadenzati, della tuba, della semplicità di un quattro quarti della batteria che pare essere un bastoncino che nuota senza scossoni nel mare di questa delicata estensione della mancanza di un affetto. Il coro finale, ripetuto, senza strumenti, entra duro come il tackle di un mediano: c’è da liberare la canzone da ogni equivoco, ed è fondamentale concluderla in piena esplosione melodica. Un diamante lo era già, ora ha preso ancora più luce…

4 Tomorrow 

Dall’album Wah Wah 

Per il vecchio scriba i capolavori sono pochi, spesso inutili, nel marasma della bellezza sempre meno riconoscibile. Ma Tomorrow…

Rinvigorita senza aumentare i propri watt, trovato il pertugio dove inserire un approccio che sfiori la sua perfezione, questa versione è una lacrima in un giorno di festa mentre attende la sua esecuzione, il suo ultimo respiro. I James la baciano, le danno un caloroso buffetto sulla guancia e la lanciano direttamente nella verticalità pop, con l’accortezza di mantenere conservata la sua sacralità… Il supporto di Chloe alla voce è una piuma che intossica il polmone del timbro tremante di Tim. Se esiste un brano per dire alla vita “non ti lascio” è proprio questo…

5 The Lake

B-side del Singolo Laid 

La b-side del singolo Laid è in assoluto il momento più geniale, toccante, parsimonioso, dolce di questo album. Tutto diventa ghiaccio con le arterie piene di sogni mentre la tempesta dell'orchestra, con i suoi archi pilotati dal tuono, sembrano misurare la pazienza della luna. Come se gli anni Cinquanta fossero compressi in una canzone, tutto di dirige ancora più indietro, più lontano, con l'abilità degli arrangiamenti di farci sentire le acque del Mississippi. Fragorosa, lenta, tiepida, un brivido con la colla entrerà nei vostri sipari…

6 She’s A Star

Dall’album Whiplash 

Joe Duddell già nel 2011 aveva intuito che era possibile unire alla dolcezza del brano la drammaticità di una incomprensione: il testo è una trappola, e il direttore lo aveva capito. Si deve dare un pathos diverso, togliere la patina un po’ approssimativa della versione originale e colorare di brividi e paure le sue pareti. Il violoncello si nasconde, piega la schiena, lascia spazio ai violini ma poi, sornione, arriva e decreta l’apoteosi, portando la coppia della storia a fuggire dentro una musica che pare creare lo stesso effetto (pur non essendolo) del Fado, con la tristezza che non allontana le sue unghie dalla felicità… 

7 Lookaway

Dal mini album The Morning After

Pochi diamanti elettronici aprono la danza della consapevolezza: lentamente la canzone arriva al semaforo, per prendere coraggio, prima con piccoli segnali di chitarra elettrica, poi riuscendo a bucare ogni resistenza con la veemenza. E l’anima pop accarezza il folk degli anni Settanta, con un arpeggio di chitarra che viene inghiottito da archi famelici ma sensuali…

8 Sit Down

Singolo del 1989

Il manifesto dell’empatia, della comunanza, della condivisione, della fede appesa all’insicurezza, conosce una spiritualità diversa, cambiando l’approccio, rifiutando la ripetizione di un miracolo per crearne un altro, tutto nuovo, così antico… Sit Down qui è un elastico sulle sillabe calorose di Tim, un valzer frenato, un furto legale verso le melodie dei fumosi locali di Manchester degli anni Cinquanta, dove ogni canzone era una poesia piena di sangue. Eliminata la sezione ritmica, tutto appare un affresco del 1400 con l'assoluta scaltrezza di saper sorpassare il tempo.

9 Alaskan Pipeline

Dall’album Please To Meet You

Quali armi usa la bellezza dell’incanto senza tempo? Quelle a disposizione dei vapori pieni di stupore che escono da una ballad rivisitata, portata al Pronto Soccorso, dove il Dottore della melodia ha operato nei canali di una delle performance più toccanti di sempre. I James qui esagerano: pilotano il fango pieno di acqua desiderosa di un bagno all’interno di questo miracolo, lo stendono con gocce di xilofono, un abbraccio di tromba e il vocalizzo di Chloe, come ultima rasoiata per fare della struggevolezza la più dolce delle sconfitte…

10 Someone’s Got It For Me

Dall’album Millionaire 

Le vittime che cantano la sofferenza si trovano pigiate tutte insieme in questa moderna marcia funebre, in cui non mancano pennellate di colori fragorosi (“To be born again”, nel ritornello), ma l'epidermide precipita in un tuffo dentro il dolore che qui viene accentuato prima dai violini pieni di tossine, poi dall’impatto (sempre nel ritornello) della chitarra distorta e dalla batteria che sembra far morire tutto ancora di più, sino a quando Tim nel finale innalza il suo canto oltre il miracolo, che nemmeno la canzone può compiere, però, sicuramente, la sua è la movenza di un’anima che ha saputo inclinare l’ugola verso la zona terrestre della perfezione… Come una palla che si sgonfia con dignità, così fa il brano nella sua dissolvenza…

11 - Hey Ma

Dall’album Hey Ma

Erroneamente definita l’interpretazione dell’11 settembre (anche, ma non solo), Hey Ma, oltre a essere il titolo di un album sfortunato perché non ha avuto l’accoglienza che meritava, è anche il titolo di un vettore intellettivo impressionante, con la sua natura rock educata, e in questo caso l’orchestra ha avuto meno necessità di modificare la versione originale. Lenta, senza una goccia di sudore, riesce a farti danzare verso la fine, come una bolla che gioca con la triste realtà, quel palcoscenico di violenze inconcepibili, che Tim cerca di educare allo scioglimento…

12 Hello

Dall’album Millionaire 

Finalmente in tanti potranno apprezzare la magia di quella fata che si chiama Chloe. Il profumo esce dalla sua bocca, con le branchie dell’orchestra che lavorano quasi in sottofondo, sottovoce, mentre la fine dell'esistenza umana viene salutata con estremo garbo e rispetto, nel fragore di un sogno calante prima, morente poi. Così fa la musica, nei suoi sobbalzi, non importunando però il testo, rimanendo in disparte a testimoniare un altro gioiello…

13 Beautiful Beaches

Dall’album All The Colours Of You

Eliminata l’elettronica (unica canzone del loro meraviglioso album di due anni fa), il brano raccoglie le fiamme che rischiavano di bruciare la casa del cantante, per poterle spegnere con una propensione alla lentezza di cui tutto beneficia, in una spirale che sicuramente conosce la modalità delle vie parigine dell’Ottocento. Principesca, calda, esercita la volontà precisa di dare al testo lo scettro, senza sdegnare un fare melodico che alla fine strega…

14 Why So Close

Dall’album Stutter

Forse per molti meno convincente dell’originale (dal loro secondo lavoro del 1988), ha in sé, sicuramente, la capacità di filtrare la natura folk per distribuire tracce armoniose in una modalità a cappella, come una sfida tra Tim e il coro. Una canzone pacifista, anomala sia nel testo che nella modalità musicale, trova strada facendo sua l’antica natura medievale e la porta ai piedi del cielo nel finale clamoroso…

15 Medieval

Dall’album Strip-Mine

Gli unici superstiti di quel periodo sono Tim e Jim, il bassista. Le zone musicali del tempo erano decisamente sulla corsia folk, di antica fattura, con metriche marziali, che consentivano al drumming di manifestare la forza e di tenere il polso saldo. In tutto questo il cantato sembra l’annunciazione della vittoria della pace…

16 Hymn From A Village

Dal Singolo James II

La prima canzone dei James a essere stata scritta. 

Manchester è uno scrigno maledetto: quanti segreti incantevoli giacciono nelle stanze di ascolti egoisti… Questa non fa eccezione: un carnevale, un arlecchino che scende nelle note per portare a conoscenza la vita di un villaggio del 1500. Una danza, una baldanza, una festa, e il tributo alla conservazione della positività…

17 Say Something

Dall’album Wah Wah

Il dialogo come un battito vitale, la proporzione dei valori che escono di casa. I James decidono di togliere l’impeto, di affidarsi alla sottile puntura dell’orchestra e vedere così fiorire il magnetico andamento di un brano che trova se stesso all’interno della clessidra, il cui componente non è sale bensì l’amore…. E la chitarra finale è la più dolce delle strette di mano…

18 Top Of The World

Dall’album Gold Mother

Ricordate? Un loro album terminava con questo fuoco d'artificio ammutolito, lo shampoo per sciogliere il grasso di una vertigine, per poter giungere alla cima del mondo con ostinazione e convinzione.

Ebbene: quasi tutto conservato, piccoli spostamenti, piccole torce per illuminare, come un soffio educato, la brillantezza di un testo senza tempo. Il sapore trova la sua coperta, gli archi impastano il ritmo e si dondola…

19 Movin On

Dall’album La Petite Mort

“Lascia una piccola luce accesa” canta Tim, nel momento in cui, nel testo, un respiro conosce una prima pausa, poi una seconda, poi l’elegante uscita di scena, dove il silenzio si sposa con le lacrime mute del cantante che decide di scrivere la più dolce canzone sul passaggio di consegne, tra il respiro e la sua assenza… Lui e Chloe passeggiano tra le parole, mentre la chitarra psichedelica sembra un pianto strozzato, e i violini, dal canto loro, paiono voler affrettare il momento del trapasso. Poi Andy, l’essere umano che con la sua bocca gonfia l’aria di magia, soffia nella sua tromba piena di piume color GRAZIE MADRE MIA, e ci fa tuffare nel pianto meno corrotto di sempre. Se la perfezione ha una luce che si spegne piano è proprio tra queste note…

20 Laid

Dall’album Laid

“Una malattia senza cura”: se così fosse saremmo tutti già senza respiro. Invece i James sorprendono ancora trovandola: una gemma che lucida la paura e fa compiere il ritorno a casa, per continuare ogni disastro con il sollievo di una fede che alberga nell’anima fradicia di un testo che, sceso nelle note calde della chitarra acustica e di un violoncello strepitoso, trova il posto dove suggerire una storia dove la psiche sembra uno spavento nella folle corsia del vento. L’insicurezza (“Ah, you think you’re so pretty”) non inficia, non lede l’entusiasmo nascosto di un uomo che ancora vuole accarezzare la pelle della sua amata. La band, l’orchestra, si accordano sul pentagramma della chance a ogni costo e tutto si riempie di commozione, e, giunto il falsetto a stordirci, diventa il modo perfetto per terminare l’ascolto di un miracolo che può ripetersi ogni qual volta l’amore per la bellezza si ritroverà in riserva…

C’è una consegna in arrivo: lasciate aperta la porta del vostro cuore, perché questo album saprà prendersene cura…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

11 Giugno 2023

James:

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La Mia Recensione: Echo & the Bunnymen - Porcupine

Echo & the Bunnymen - Porcupine

Un anno indimenticabile vede venire alla luce la magnificente sequenza di petali sgargianti, nella scia di una progressione stilistica musicale senza precedenti: dal pop, al rock, al blues, al soul, al post-punk, è tutta un’esposizione di gemme in cerca di un congelamento, poiché quando i miracoli accadono occorre conservarli, nel ciclo maestoso dell'eternità.
Liverpool, città disonesta e sgarbata per eccellenza, continuava a distribuire band come gang in grado di graffiare la buona educazione, morale e musicale. Gli Echo & the Bunnymen erano i più dotati ma, appunto, disordinati: seguendo gli istinti erano stati capaci di generare entusiasmi, ma dal punto di vista della concretezza stentavano in quanto le grandi canzoni (che non mancavano di certo nel loro pallottoliere) non bastavano. Eccoli, conseguentemente, “usare” il 1983 per assestare un colpo inatteso: tre singoli potenti, prepotenti, emissari di un lavoro che sarebbe arrivato a breve e che avrebbe sconvolto e deluso fans e molti addetti ai lavori. Si sbaglia, siamo umani, ma per il Vecchio Scriba in questo caso tutto è inammissibile, perché Porcupine è il diamante di una strategia occulta: occorre molto tempo per assimilare le diverse parti che lo compongono e per poter apprezzare la prima, sensazionale volta nella quale la progettazione fece di loro dei menestrelli con le mani e gli strumenti di architetti che cercavano di costruire impalcature diverse, per lanciare nel vuoto anni di miserie nere e creare un colpo a effetto, tingendo il loro tessuto musicale di psichedelia e di quell’Asia che tanto fu presa sotto mira dai Byrds e dai Beatles negli anni Sessanta. I suoni, che erano ad appannaggio di una opacità soffocante, in queste dieci tracce visitano territori dove gli arcobaleni non mancano. Ian, la voce miracolata, uscita indenne dai vizi più devastanti, qui compie il suo capolavoro balistico: canta come immerso nella rugiada di piccoli movimenti notturni, spalancando il cuore, affidandosi totalmente al progetto di cui prima. Ballate e raffiche di watt, poesie vorticose, immagini come quadri rapiti da estasi inconcepibili, rendevano possibile un'attrazione nei confronti di luoghi mai visitati in precedenza. Il lato A, più breve, contiene però la canzone con la durata maggiore (la title track). Il lato B è quello in cui le sperimentazioni sono sotto la luce di una mitragliatrice che spara a salve, concedendo, in ogni caso (grazie di cuore ragazzi), tonnellate di sofferenza dentro riff di chitarre e giri di basso umidi, per esplorare un deserto nel quale provare a seminare i fiori di un pop che cominciava a farsi irresistibile. C’era da battere e abbattere i carissimi nemici U2, ormai con War avviati a prendersi spazi che Ian e soci non volevano concedere. No, nessun compromesso stilistico bensì una svolta decisa, a tratti sanguinolenta,  basta ascoltare la seconda parte proprio della canzone Porcupine per rendersi conto che quelle otto mani ormai avevano deciso di colorarsi di marrone, di grigio, di giallo, con l’anima ancora sporgente verso i territori così preziosi ai Sound e ai Cure, le uniche due band che in quell’anno sapevano ancora afferrare i polsi di ogni ascoltatore. Madonna, Prince e altri incantatori di folle stavano tracciando un percorso nel quale il lato chiaro, brillante, luminoso, visibile, poteva essere accarezzato e condiviso con una massa di persone numericamente molto alta. Non erano di certo gli artisti cosiddetti alternativi a fare la musica migliore, ma rappresentavano sicuramente quelli da cui ci si aspettavano prodotti in grado di costruire margini di sicurezza all’interno degli ascolti e delle preferenze.
Ciò che compone questo album è un approccio radiofonico, una malleabilità equilibrata nei confronti di una cassa di accoglienza più disparata rispetto ai precedenti lavori. Si spiega, in questo modo, la chitarra definitivamente più concentrata verso ritmiche funky, l’ingresso, per la prima volta, della chitarra acustica e, contemporaneamente, il violino, che determinerà una elasticità e l’intenzione di mutare il ruolo di residenza delle canzoni: il baricentro viene spostato ad Est e il rock che si sente è quello delle vie isolate ma non più desolate. L’amaro in bocca dell’esistenza qui non cerca un lamento (Robert Smith e Peter Murphy ancora insistevano su questo aspetto), bensì un quadro da lasciare appeso in bacheca, possibilmente da nascondere in fretta. Ascolti canzoni che sono la muta di anime in viaggio verso lo spogliarello mentale, per incidere nella pietra della storia una bandiera: quella della difficoltà dell’essere cittadini di un momento storico che secca le ali e bacia solo chi indossa maschere. I ritmi si fanno più complessi, le strofe si riempiono di simboli, attraverso arrangiamenti nei quali il basso di Les Pattinson illumina tutti, senza esitare mai. Briciole di ciò che i Banshees fecero nel 1982 appaiono nel secondo lato, ma siamo a livelli decisamenti più alti in questo contesto: si sale nel volo osceno di una psichedelia che paralizza il classicismo post-punk ormai saturo e debole. Le turbolenze dei quattro vengono immobilizzate, gettate dentro un materiale sonoro dal respiro fatato di angeli retrocessi nel pianeta terrestre. Doppie voci, chitarre sovraincise, ritornelli epici (gli stadi per alcuni di essi sarebbero stati il salotto di casa perfetto), melodie più vicine alle sponde della California, senza esitazione alcuna. 
Manca in questo lavoro la presunzione, la violenta ricerca di allungare nel tempo ciò che funziona e ciò è un vero miracolo perché li avvicina al senso dei singoli, di quei 45 giri che garantivano maggiore accessibilità all’ascolto. Non è un concept album, non è un insieme di belle note musicali. Piuttosto Porcupine è un sacrificio, meraviglioso ed elastico, per portare la formazione verso la regione della consapevolezza. Più vicini a band con un respiro new romantic che non post-punk, i quattro di Liverpool si affidano a un produttore con il quale avevano già collaborato, ma cambiando approccio e metodo di lavoro: per ogni canzone fu presa la decisione di dedicare il tempo necessario a concluderla, per poi poter passare alla successiva. Non è difficile, ascoltandolo bene, sentire la continuità, i suoni diversi per ogni brano, come un ammasso di identità costrette a vivere dentro lo stesso corpo. Fu proprio questo elemento a renderlo unico, non dispersivo, problematico perché colmo di mescolanze nuove e impreviste. In più: quello che stava emergendo nel 1983 era una netta spaccatura; generi musicali e attitudini comportamentali sempre più frammentati, ma consapevolmente desiderosi di spaccare il mondo. Pure gli Echo lo volevano, ma astenendosi dal cadere nel tranello di una semplicità che avrebbe fatto diventare sterile la loro presunzione che, è bene riconoscerlo, li ha resi unici e di notevole impatto. Il linguaggio musicale pare sospeso a bordo di un sogno, dove il tempo è una meteora con il freno a mano tirato. Solo i Southern Death Cult, all’epoca, avevano la stessa quota di strafottenza, lo stesso colore sanguigno, l’impeto di chi scrivendo petali focosi su un pentagramma si alzava dal suolo. Ed è lì che bisogna andare per ascoltare in senso compiuto queste composizioni: nel luogo dove la razionalità diventa colpevole di una verginità inutile. Poiché davvero queste canzoni si macchiano di colpe, avendo il coraggio di una scrittura nei testi, da parte di Ian, che induce proprio ad abbandonare ogni pensiero cosciente. Tre singoli pieni di immediatezza che sembrano stonare con le altre sette tracce: in questo gioco con gli specchi invasi di grigio, brilla il loro coraggio e l’indiscutibile annessione alla spettacolarità di un pop che allarga i polmoni dentro i loro bisogni. L’umore viene congelato, sepolto da immagini in cui l’approccio è quello di scavalcare le onde dell’oceano (The Cutter) e farci divenire tutti complici di raggiri maestosi e fluenti. Questo è un aspetto vitale della psichedelia inglese degli anni Settanta. A partire da questo lavoro si possono sentire grandi “schitarrate”, meno arpeggi, con però la stessa attitudine dei Chameleons a creare muri di suoni, in cui più che il volume vince la massa di cambiamenti e di sovraincisioni. Effetti nuovi appaiono, per illuminare il serpente che i quattri tenevano per mano: il diabolico progetto di arrivare a nuove persone passando dalla porta meno appariscente ma comunque piena di paillettes. Come se il glam fosse presente nelle riflessioni più che nelle sue specifiche caratteristiche musicali. Per la prima volta gli echi e i riverberi sono vistosi in tutte le canzoni: si presti attenzione a questo aspetto, in quanto molto in fretta proprio tale scelta li ucciderà. Ma in questo contesto tutto è funzionale, oliato e capace di far scorrere il liquido del talento verso la perfezione. 
Ciò che lo rende il migliore della loro discografia è un solo motivo: il suo essere intimo e personale, come mai era accaduto prima, come mai accadrà dopo. Il folletto di Liverpool apre i suoi cassetti dove, più che sogni, si possono trovare trame magnetiche, approssimazioni, confusioni e l’acuta abilità di una scrittura che ne complichi il processo di intendimento. Ian chiude a chiave i misteri ma li elenca, come un mago impazzito sotto gli effetti di deliri ad alta temperatura, in ebollizione continua, come un contadino musicale che semina senza interessarsi di verificare se lo fa nella giusta modalità. Durante la canzone Clay si sentono le influenze dei Banshees, è innegabile, ma poi la chitarra di quel genio di Will Sergeant porta tutto in estremo oriente, raggelando e lasciando la batteria nei pressi dei Joy Division. L’ispirazione, qui in grado di essere al servizio della progettualità di cui vi ho già parlato, è solo un muratore con mattoni tra le mani cariche polvere, di noia, di gesti da compiere per poter accatastare il tutto dentro la casa Porcupine. Fa male questo album, sbatte l’umore all’interno della bolla dell’incertezza e frusta il gotico procedere dei contemporanei della band: come se esistesse una grande discarica dove depositare le ingolfate strutture di un sistema ormai odorante di morte e approssimazioni. Morivano i Bauhaus, i Cure retrocedevano, gli U2 gettavano alle ortiche il dono che Dio aveva concesso loro, i Sound seppellivano gli entusiasmi ormai legati al palo del sacrificio indiano, e toccava proprio ai quattro cittadini della città dei Beatles cercare un sistema operativo diverso. Prendete Higher Hell: Chameleons e Sound che si baciano in bocca, ma poi, quando il basso entra, la storia conosce improvvisamente una novità che, credetemi, ha creato un impatto notevole per le band che sono venute dopo. I graffi di Will si fanno eleganti, meno vistosi, Ian canta come uno scolaro al quarto anno di liceo e il drumming finalmente è in grado di chiudere le porte ai semplici quattro quarti. Appare uno scalpello, un cacciavite, una cesoia e un innaffiatoio, per disegnare stratocumuli con la coda piena di vento: nulla tornerà, Porcupine fa emigrare le menti degli uomini prima ancora dei musicisti. Un disco testamento, il segno di una notevole capacità che cercava una classe dove insegnare ai sordi. Se si ascolta Gods Will Be Gods, si sentono gli impeti post-punk ma compressi, messi a cuccia, sedotti dalla chitarra che sembra un sitar e poi gli accordi di quella acustica a spegnere gli ardori e a mostrare un nuovo cielo, completamente sgombro…
L’allegria non è bandita, anzi, appare e regna per nulla in solitaria: nessun compromesso bensì un artifizio per portare diversi umori a colloquiare e a giocare con le possibilità. Un caleidoscopio, una giostra dentro un cimitero, un giorno lavorativo dentro un amplesso, la fede dentro la slavina della leggerezza. 
Non ci sono vistose distanze con l’album di esordio: ascoltate le progressioni delle chitarre, il cantato preciso nella metrica, le sfumature dei ritmi e capirete che ciò che manca è solamente un’indole nichilista che è stata, grazie a Dio, anestetizzata. La crescita la si intende bene anche nel dividere il lavoro in sei parti: due nel lato A e quattro nel lato B. In che modo? Accorpando le linee melodiche e i ritmi in settori precisi, dando agli assoli l’abilità e la possibilità di sentire meglio gli arrangiamenti e i giochi delle chitarre, qui più sottili e meno ridondanti. Doveroso citare My White Devil: tenebrosa nel suo iniziale incedere quasi pieno di petardi attutiti da una coperta di lana, essendo abile poi nel divenire una ballad in movimento, per condurci nei sogni di un diavolo in cerca di anime umane. Clamoroso esempio di come si possa cavalcare la fantasia portandosi dietro le giuste strutture sperimentali, attraverso i cambi ritmo e di strumenti, il tutto in una coralità davvero impressionante. Uno xilofono imbottito di magia ci fa quasi sentire il diavolo come un amico: la maestria dei Bunnymen sta anche in questi giochi che stupiscono l’ascoltatore. 
Porcupine è un viaggio senza ruote, nel deserto muto del cielo. Nel momento in cui la storia musicale si fratturava le gambe, loro accesero le ali e ci portarono a toccare l’infinito…
Alex Dematteis
Musicshockworld
Salford
9 Giugno 2023
https://www.youtube.com/watch?v=65d9EqkvHb0