La mia Recensione: Youth & Gaudi - Stratosphere

 La mia Recensione:

Youth & Gaudi - Stratosphere

La vita come strati, un insieme di pellicole confinanti che continuano il loro percorso nell’atmosfera terrestre. E da una di quelle arriva musica celestiale a renderci involucri in movimento, coscientemente connessi con l’arte della seduzione e della partecipazione emotiva e fisica grazie al nuovo album di Martin Glover (alias Youth), menestrello senza tempo che attraversa le decadi con maestria e innumerevoli qualità, bassista e fondatore dei Killing Joke e produttore dell’ultimo album dei Pink Floyd, e Gaudi, il talento della gioia umana che sa contagiare e rendere più dolce l’esistenza.

I due, amici che si stimano per davvero, hanno nuovamente aperto l’autostrada della bellezza per un disco che generosamente dimostra e qualifica i loro incroci musicali, per un insieme di momenti di pura estasi, deliri che rotolano in danze che a partire dall’epidermide giungono agli arti per una connessione piacevolmente devastante. 

I territori emozionali mostrano viso e respiri, la stratosfera del titolo viene perfettamente resa visibile, un insieme in volo che porta il pianeta Terra in una discoteca colma di fascinazioni, sperimentazioni sensoriali e fuochi fatui in corpi sudati, esplosivi, sicuramente sorridenti e pure pensanti: un tale lavoro veicola energie e stati dell’umore connessi a una partecipazione totale. Come un viaggio silente, dove le voci possono assentarsi, ecco che i due partono dagli anni 90 per sondare e scandagliare quella parte dell’elettronica che si era trovata nella necessità di legittimare se stessa, di fronte al mondo delle chitarre che mostrava un pericoloso invecchiamento.

Ecco allora che i Transglobal Underground, Orb (entrambi sono stati stretti collaboratori di quel magico progetto), Orbital, The Klf, The Future Sound Of London e molti altri diedero alla musica dance la possibilità di mostrare tutta la sua intelligenza, inserendosi in generi come l’acid house, drum and bass, dub, la techno, breakbeat e via dicendo, includendo anche influenze gotiche.

Di quella storia Youth & Gaudi prendono le cellule migliori, sviluppandole, per creare legami che esplorano possibilità che hanno saputo rendere infinite e toccanti. Note come luci stroboscopiche, connessioni e dinamiche verso dilatazioni e approfondimenti: il risultato mostrato offre la gioia di constatarne un ottimo stato di salute.

Nove stelle imbevute di grazia assoluta sfrecciano per l’universo impiegando poco più di cinquantadue minuti, sufficienti per mostrarci l’intensità del silenzio che sanno dipingere con musiche che non lo offendono, anzi, sono in grado di descriverlo perfettamente proprio in un modo che parrebbe una contraddizione e una negazione.

Geni.

Maestri assoluti.

Incantatori del mistero e arbitri del tempo, in un saliscendi vorticoso dove il respiro si addentra e addensa per poter tenere il passo di questa danza che ci rende sognatori e menti riflessive, in un binomio dai frutti delicati e sontuosi.

Ascoltando questo viaggio si cammina nella certezza che la musica è un veicolo saccente, abile nel creare fruscii mentali e sospensioni che flirtano per poter fare della nostra vita ancora un qualcosa di sensato e solido.

Il duo lavora sapientemente sulle frequenze sonore con strutture complesse che arrivano alla semplicità in modo incredibile, perché ci fanno nuotare nella loro alchimia, per vivere e vedere le loro note, non solo per sentirle. E qui sta la differenza sostanziale rispetto a lavori di altri artisti.

Una missione contagiosa, effervescente, che si precisa in un approfondimento di tutte le potenzialità di generi musicali che si concentrano per spogliarsi della loro forma egoistica al fine di divenire altruisti, in generosa abbondanza.

Sanno fare il giro del mondo, con numerosi viaggi tra la Giamaica e Londra, Manchester, passando per Berlino, gli USA più tenebrosi, proiettando verso le galassie la volontà di dare ai singoli beats la capacità di tenerli legati come una colla potente ma gentile, nulla deve cedere. Il ritmo è il signore dell’album, capace di dare alle intuizioni melodiche l’abito perfetto di un matrimonio sicuramente efficace.

È un’esperienza, questo ascolto, che fa capire la volontà dei due di spiazzare il monolitismo di quella parte musicale che subisce spesso maltrattamenti per via di alcuni presunti limiti: Stratosphere spazza via i dubbi con la sua forma espressiva che esce dall’ordinarietà e ci trasporta tutti in mondi nuovi che non rinnegano il passato, ma che necessitano di poter proiettare anche semi nuovi nel cyber spazio.

L’attitudine è narcotica e al contempo piena di spruzzi di vivacità che rendono il risultato estremamente positivo e colmo di energie: non musica per curare, ma per fare dell’esperienza della vita qualcosa di esattamente costruttivo. In piena salute.

È un linguaggio nuovo, che ammalia e stupisce, che ci porta a nuovi orizzonti, in ascese veloci che poi rallentano, per aspettarci. Composizioni che fanno da impalcatura per un futuro che odora già di presente, per liberare voli infiniti e che sublimano l’esistenza.

La duttilità creativa dei due ci spinge al miglioramento, per fare dell’ascolto motivo di espressione personale, nostra, perché queste cellule sonore sono insegnanti, pennellate sulla nebbia quotidiana per renderla colorata ed efficiente.

Vi sono momenti nei quali il sogno viene benedetto da synth clamorosi, con effetti che ci inghiottono, catapultati dentro i fumi della coda delle meteore. 

Tutto è fluido e organico, ciò che è insolito riesce ad attecchire e coinvolgere e il nuovo che avanza diventa la cerniera per un passato che sa riconoscere che la potenzialità è divenuta un dato di fatto di un presente che Youth e Gaudi disegnano per consegnarlo all’eternità.

Una delle magie che viene mostrata è la capacità di far sentire una stanza come luogo di rilassamento all’interno di danze e frenesie, dove l’assenza del pensiero non viene contemplata bensì stimolato l’esatto opposto: i due hanno creato la chiave per un luogo immaginario dove è possibile passare velocemente attraverso percezioni, riflessioni e specifiche propensioni a fare del corpo un oggetto volante. Ed è pura psichedelia sotto micro e macro chip elettronici che collegano la mente al corpo, come un web interiore, personale. 

Saper spaziare nei generi e farlo con questa classe è un regalo proprio della stratosfera che ha lasciato scendere sul nostro malato pianeta due angeli elettronici in grado di ridarci una umanità possibile fatta di bellezza e ricchezza ed è proprio questa la magia più grande di questo enorme album: che la danza sia in noi.

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

11 Settembre 2022

YOUTH

https://en.wikipedia.org/wiki/Youth_(musician)

GAUDI https://en.wikipedia.org/wiki/Gaudi_(musician).

album smartlink: https://youthgaudi.lnk.to/stratosphere .

My review: Youth & Gaudi - Stratosphere

 My Review:

Youth & Gaudi - Stratosphere

Life as layers, a set of adjacent films that continue their journey through the earth's atmosphere. And, from one of those, celestial music comes to make us moving shells, consciously connected to the art of seduction and emotional and physical participation thanks to the new album by Martin Glover (aka Youth), a timeless minstrel who runs through the decades with mastery and innumerable qualities, bassist and founder of Killing Joke and producer of the last Pink Floyd album, and Gaudi, the talent of human joy who knows how to be contagious and to sweeten existence.

The two, friends who really respect each other, have once again opened up the highway of beauty for a record that generously demonstrates and qualifies their musical intersections, for a set of moments of pure ecstasy, frenzies which roll into dances that from the epidermis reach our limbs for a pleasantly devastating connection.

Emotional territories show faces and breaths, the stratosphere of the title is perfectly rendered visible, a flying whole that takes planet Earth into a disco full of fascinations, sensorial experiments and fatuous fires in sweaty, explosive, surely smiling and purely thinking bodies: such work conveys energies and moods connected to total participation. Like a silent journey, where voices can be absent, here the two start from the 90s to explore and probe that part of electronic music that had found itself in need of legitimising itself, in the face of the world of guitars that was showing a dangerous ageing.

So it was that Transglobal Underground, Orb (both were close collaborators in that magical project), Orbital, The Klf, The Future Sound Of London and many others gave dance music the chance to show all its intelligence, inserting themselves in genres such as acid house, drum and bass, dub, techno, breakbeat and so on, including gothic influences too.

From that history Youth & Gaudi took the best cells, developing them, to create links that explore possibilities they were capable of making infinite and touching. Notes like stroboscopic lights, connections and dynamics towards dilations and insights: the result offers the joy of noting an excellent state of health.

Nine stars imbued with absolute grace hurtle through the universe taking little more than fifty-two minutes, enough to show us the intensity of the silence they know how to paint with music that does not offend it, on the contrary it is able to describe it perfectly in a way that would seem a contradiction and a negation.

Geniuses.

Absolute masters.

Enchanters of mystery and arbiters of time, in a whirling up and down where the breath deepens and thickens to keep up with this dance that makes us dreamers and reflective minds, in a combination of delicate and sumptuous fruits.

Listening to this journey, one walks in the certainty that music is a conceit vehicle, adept at creating mental rustles and suspensions which flirt to make our lives still something meaningful and solid.

The duo skilfully works on sound frequencies with complex structures that arrive at simplicity in an incredible way, because they make us swim through their alchemy, to live and see their notes, not just to listen to them. And therein lies the substantial difference from the work of other artists.

It is an infectious, effervescent mission, which is specified in a deepening of the full potential of musical genres which focus on getting rid of their selfish form in order to become selfless, in generous abundance.

They know how to travel around the world, with numerous trips between Jamaica and London, Manchester, passing through Berlin, the darkest USA, projecting towards the galaxies the will to give individual beats the ability to hold them together like a powerful but gentle glue, nothing must deteriorate. Rhythm is the lord of the album, capable of giving melodic intuitions the perfect dress of a marriage that is certainly effective.

This listening is an experience which makes one understand the desire of the two to displace the monolithic nature of that musical part that often suffers mistreatment due to certain presumed limitations: Stratosphere sweeps away doubts with its expressive form that emerges from ordinariness and transports us all to new worlds that do not deny the past, but which also need to be able to project new seeds into cyber space.

The attitude is narcotic and at the same time full of splashes of vivacity that make the result extremely positive and filled with energy: not music to cure, but to turn the experience of life into something constructive. In full health.

It is a new language that enchants and amazes, that takes us to new horizons, in fast ascents that then slow down, to wait for us. Compositions acting as a scaffold for a future that already smells of the present, to release infinite flights which sublimate existence.

The creative ductility of the two guys pushes us towards improvement, to make our listening a motive for our personal expression because these sound cells are teachers, brushstrokes on the daily fog to make it colourful and efficient.

There are moments when the dream is blessed by resounding synths, with effects that engulf us, catapulted into the fumes of the meteor tail. 

Everything is fluid and organic, what is unusual manages to take root and involve, and the new that advances becomes the hinge for a past which knows how to recognise that potentiality has become a fact of a present that Youth and Gaudi design to consign it to eternity.

One of the magics shown is the ability to make us perceive a room like a place of relaxation within dances and frenzies, where the absence of thought is not contemplated but rather the exact opposite is stimulated: the two have created the key to an imaginary place where it is possible to pass quickly through perceptions, reflections and specific propensities to make the body a flying object. And it is pure psychedelia under micro and macro electronic chips that connect the mind to the body, like an inner, personal web. 

how to range through genres and doing it with this class is a gift from the stratosphere itself, which has let down on our sick planet two electronic angels capable of giving us back a possible humanity made of beauty and richness and this is the greatest magic of this huge album: may the dance be within us.

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

11th September 2022

YOUTH

https://en.wikipedia.org/wiki/Youth_(musician)

GAUDI https://en.wikipedia.org/wiki/Gaudi_(musician).

album smartlink: https://youthgaudi.lnk.to/stratosphere .

La mia Recensione: Portishead - Dummy

 La mia recensione 

Portishead - Dummy

La maternità: un mistero assoluto, malgrado di tempo se ne abbia avuto moltissimo per studiarla.

Un processo che forse ben presto ha smesso di avere forza perché davanti all’immensità si è sconfitti in partenza.

Così accade anche per certi fenomeni che hanno a che fare con l’arte della musica.

E nello specifico con alcuni album, che rimangono assolutamente capaci di non svelare tutta la propria identità.

Si è parlato di scena di Bristol e del Trip-Hop, si sono fatti collegamenti, ipotesi, comparazioni.

Ma non vi è dubbio che l’album dei Portishead sia proprio una madre, la scintilla di un molto, l’apoteosi di miscele musicali che comprendono il fare compulsivo della Techno, la seduzione del Jazz, le nebbie di un Postpunk quasi timido, la leggerezza del Lounge, la veemenza dell’hip-hop, la dolcezza del Soul migliore, il Blues con la maschera e molto ancora che, appunto, non si può spiegare.

Ma rimane la certezza che con il suo ascolto viviamo l’unicità, diventiamo partecipi di un evento che, quasi a fine millennio, ha visto per la registrazione del loro esordio discografico l’utilizzo delle migliori tecnologie, conferendogli ancora di più lo status di un album seminale.

Quello che poi, più o meno in modo corretto, è stato definito trip-hop, è stato il genere musicale che ha saputo sostituire nell’attenzione di molti il fenomeno grunge che aveva, rispetto a quello di Bristol e dintorni, i giorni contati, per una minor capacità di evolversi.

Parlando di questo album rimane inalterata la convinzione che la sua peculiarità più grande sia il suono, sempre moderno ed efficace, capace  di insidiare i graffi del tempo.

E poi le atmosfere: tutte le band che ne sono rimaste folgorate hanno vanamente cercato di riprodurle.

Una magia che contamina e fa arrendere.

Riesce a diventare facilmente “adoperabile” per molti usi, dall’ascolto approfondito, a colonna sonora di un viaggio, all’intimità di un momento d’amore, come mezzo per una ricerca spirituale, per divenire facilmente una colonna visiva di immagini infinite.

Loro hanno deciso di prendere la bellezza del suono analogico utilizzando il sistema dello scratch dei vinili, buttando spruzzi di Hammond per scaldarci il cuore, il theremin che incanta, facendo girare accordi di chitarre che evocano le colonne sonore di Morricone, sapendo anche inserire sezioni di archi capaci di far stendere sul letto i sogni, conferendo al tutto un tappeto di romanticismo avvincente, convincente, dove non c’è spazio per la freddezza e la rigidità.

Un lavoro che scalda la mente ancora prima che il cuore.

Al suono è conferito il ruolo di essere un sibilo addomesticabile, di condurre all’estasi e al senso di una concezione nuova della potenza.

I ritmi, spesso sincopati e ribelli, conoscono la perfezione di uno stop and go che con l’elettronica è capace di affascinare per le nuove possibilità che offre.

C’è un senso di un lunghissimo abbraccio temporale che tiene saldo il sodalizio tra il passato ed il presente, quel presente del 1994 che sarà eterno, destinato a non conoscere invecchiamento.

Ascoltarlo è ipnosi beata e benvoluta, come entrare senza paura nella macchina del tempo inventando il futuro.

Di Bristol erano anche i The Pop Group che seppero già negli anni 70 coniugare le differenze stilistiche dell’Europa e degli Stati Uniti con giochi di prestigio per dare alla musica nuove possibilità, nuovi slanci, nuove trame.

È da quel Dna cittadino che i Portishead hanno attinto per rifare quel gioco, per manifestare ancora la medesima necessità con nuove carte, approdando a determinare la possibilità di considerare che la musica poteva nuovamente trarre giovamento da tutto questo.

Dummy è la Bibbia, la coscienza del nuovo che sa esercitare fascino, il passo di danza che con nuovi ballerini prima confonde gli occhi e poi li rende estasiati.

Ed è un pozzo infinito di richiami e di innovazioni, un respiro di 49 minuti che ora andrò a visitare, sapendo in anticipo che per l’ennesima volta non saprò capire la sua profondità, ma che in regalo (perché è un album molto molto generoso) mi donerà il suo ossigeno rendendo felici i polmoni dei miei battiti…

Ma non è finita qui: per ultima cosa dobbiamo saperci inchinare a Beth Gibbons, che come un angelo timido, da questo lavoro ha compiuto regolarmente scorribande dentro il nostro stupore, con un range espressivo che attraversa generi diversi, esaltandoli e migliorandoli, con una classe che diventa la luce su cui hanno trovato suggestione  non solo centinaia di interpreti femminili, ma anche decine e decine di cantanti maschili.

La sua modalità espressiva è una calamita: capace di attirare antiche muse, lei le ha rielaborate rivelando che la sensualità nel canto non aveva forse mai raggiunto queste vette.

Tutti i sentimenti che conosciamo gravitano nella sua gola, nel suo diaframma che esplode lentamente dentro di noi.

Assolutamente una regina senza epoca che ha inchiodato il tempo per renderlo migliore.

Ora mi butto dentro gli undici brani con i brividi che già saltano dalla gioia…

Canzone per canzone

Mysterons 

Il viaggio inizia con la tensione malinconica che si appiccica subito con il rullante della batteria e da un basso tenebroso aI quale la chitarra si aggiunge come accenno laterale per consentire al cantato di esaltare la sua voce malinconica.

Ed è subito catarsi per chi ascolta: nei secondi di questo brano si accende la fede nella bellezza e nella paura che echeggiano come dune che trasportano la sabbia di notte. La musica si sente, e non si vede, ma ci trascina dentro immagini che sono nel chiuso delle nostre pupille.

Maestosa.

Sour Times

Il ritmo si alza, il cantato accelera ma sembra aspirare dentro di sé la miscela vorticosa di strumenti in tensione.

I volumi perfettamente centrati consentono a tutti di trovare il loro momento di gloria. È tutto si fa luce, come il misterioso quadro L’Isola dei Morti di Arnold Böcklin: un’onda blu che si associa al verde e al giallo per rendere le pupille un’antenna ricevente senza sosta. Tutto nel brano è un perfetto mix di sensualità dove il tempo vivacemente mostra la sua stanchezza.

Strangers

Canzone come monitor: ci mette a conoscenza dei nostri battiti in una Harlem degli anni trenta imbevuta di jazz e swing. Che afferra il tempo e compie un balzo notevole sino a considerare gli anni 90 salutando i Massive Attack di Lines del 1991.

Nei tre minuti e cinquantotto secondi si è come centrifugati da un mantra che sa essere messo a tacere dalla voce di Beth. Poi tutto riprende fiato e ritmo, dando alla canzone il ruolo di elettrificare il fianco sensuale dell’ugola: Beth sa calibrare i nervi trovando una linea musicale che ci riporta negli USA di Sarah Vaughan, e tutto diventa poesia, moderna e credibile.

It could be sweet

Una fiaba, una musica che sembra costruita per essere tale sino a quando pare scomparire davanti alla voce. Beth interpreta modificando l’interpretazione, le tonalità sembrano ventagli che spazzano via il calore delle emozioni per spostarle, tutte dentro il cuore.

Velocemente si entra dentro le creature notturne fumose degli anni 60 del Northern Soul, non dimenticando la fase sperimentale del jazz, ma poi tutto viene assemblato da quel cantato che sembra sorpassare ogni tentativo di concentrarsi nell’ascolto della musica.

Che però è clamorosa: riesce nella sua complessità a permettere al cantato di essere un soprano dolcissimo, mentre la malinconia si presenta truccata, per accoglierci tutti.

Wandering Star

Si danza, ognuno con la sensualità che gli compete, ognuno trascinato dal basso che scava imperterrito, Beth che con questo brano influenzerà anche la Björk più adulta.

Un battito del cuore con la spina elettrica per accendere le tenebre e permettere un incontro fatto di sensi che si annusano.

Lentamente, avviene la crescita che si rende evidente da piccolissimi frammenti che si aggiungono donando un arrangiamento di pura classe.

Gli strumenti sono elettrodi scordati in incroci e sovrapposizioni che conferiscono al brano una continua serie di sorprese.

It’s a fire

Cosa sono i Portishead se non un guardaroba perfetto che a seconda dell’occasione ci offrono i giusti abiti musicali? Su un organo che rende morbida l’aria, il ritmo sincopato si accosta alla sensazione di sacralità sino a giungere agli archi che come una veloce  comparsa semina bellezza anche se solo per pochi secondi.

Beth mette i guanti nella sua ugola per approcciarsi al fuoco e sedurlo sino a farlo spegnere. 

Incendiando però le nostre lacrime intense e veraci. 

Ogni armonia raggiunge l’Everest e la canzone diventa una bandiera di raso che si appoggia sul nostro cuore sognante.

Numb

Brano che è una pellicola, un film che da muto diventa sonoro, con una storia che ha la capacità di sedurre, di incantare attraverso il bisturi vivace, delizioso, quasi tremante della voce di Beth che qui porta la sua abilità interpretativa oltre le stelle.

Piccole sciabolate di suono, sul drumming polveroso: tutto sembra lontano, inavvicinabile, con Beth che prende appunti da Sinéad O’Connor per poi ammaliare con il suo respiro, i suoi denti che mordono le parole senza ferirle.

Tutto assomiglia ad una frustata addomesticata dove gli strumenti, pochi ma intensi sino allo sfinimento, confondono decenni di sperimentazione sino a creare un nuovo approccio minimalista.

Roads

Forse qui potremmo decidere di desiderare l’infarto, di congedarci e di chiudere le persiane.

Perché costa tanta fatica trovarsi di fronte ad un capolavoro, indiscutibile, così evidente che ci consegna un sentimento pregno di vergogna: non siamo degni di così tanta bellezza. La perfezione che si mostra e avanza per avvolgerci in un ascolto sconvolgente.

Tutto è un silenzio sacro che adopera gli archi per sedarci; un basso tondo che sembra il mondo, la batteria che per una volta opta per una semplicità non preventivata dati i precedenti brani.

Nell’essenzialità sonora, che è una sala di mille candele spente, Beth diventa la Regina, senza dubbi, senza ma: il suo regno incomincia con l’ingresso al cinquantaduesimo secondo e già siamo suoi sudditi felicemente ubbidienti.

La sua voce è il dramma della solitudine di Marylin, la forza di Diamanda Galas nel nascondere l’inspirazione, mentre il suo canto diviene una lacrima di ghiaccio all’equatore.

E noi con lei.

La chitarra non si agita, si concede un leggero riverbero ed eco, una nota e basta, chè non vi è nulla da aggiungere alla perfezione.

Pedestal

Il talento di Geoff Barrow è innegabilmente riconoscibile per tutto l’album, ed in questo brano probabilmente si fa più evidente: la canzone offre tutta la sua debordante classe attraverso un fare misterioso con le sue programmazioni che mette in risalto l’amore per gli anni 30 come se fosse la colonna sonora di un film giallo, offrendo ad Andy Hague la possibilità di stravolgerci con la tromba epilettica e raffinata, per lasciare una patina sulla nostra pelle che profuma di un temporale ammaestrato.

Su Beth meglio tacere: si è increduli e probabilmente oltre ad arrendersi non si può fare nulla…

Biscuit

Ci vuole un amore smisurato ed una capacità enorme per poter unire una propria composizione con il perfetto timing per inserire campionamenti di Burt Bacharach e Hal David e la loro I'll Never Fall in Love Again.

Alla fine però il brano non suggerisce nulla che si avvicini al musical di “Promises, Promises” bensì un territorio desertico su cui si è montato un palco con il piano di Geoff Barrow libero di incantare la sabbia con i suoi movimenti brevi ma efficaci e sui quali il cantato di Beth sembra una preghiera notturna.

Glory Box

Un album meraviglioso può arrivare alla perfezione? Certo!

Prendiamo la canzone che conclude l’esordio dei Portishead e potremmo affermarlo senza timori.

Adrian Utley conferma tutte le sue capacità dando alla sua chitarra l’abilità di farla divenire un diamante bagnato nell’acido, una bolla nervosa con un arpeggio che circonda il respiro ed un Hammond che spiazza e ci porta nella Francia semi sconosciuta.

E Beth diventa un’attrice da premio Oscar: la sua interpretazione non è umana, siamo inginocchiati davanti a questa Dea che con il suo cantato trasforma i sentimenti in una processione di talento che lasciano il suolo terrestre, voce come l’argomento preferito degli angeli, il suo tremore aspirato, con un cantato che sa divenire nasale, quasi robotico ma al contempo contenitore di una dolcezza spaventosa e disarmante.

Quando un brano isola il mondo dal caos per crearne uno suo per ipnotizzarci notte giorno ecco allora che diventa una guida per ogni luogo della nostra sentire.

Di spaventosa bellezza.

Conclusione: la droga migliore è quella che sgombra la violenza per dar spazio alla bellezza e Dummy lo è, non importa come la si consumi, perché alla fine entra totalmente in noi…

Alex Dematteis

Musicshockworld- We love music

10 Febbraio 2022

https://music.apple.com/gb/album/dummy/1440653096

https://open.spotify.com/album/3539EbNgIdEDGBKkUf4wno?si=vwhnh1KuSByKXCd9x90THw

My Review: Pale Blue Eyes - Souvenirs

 My Review:

Pale Blue Eyes - Souvenirs

The will to live, compromised, bruised, poisoned, dampened and hopelessly destined to lose vitality can draw support from art, and often music conveys precious energy.

In the case of the English band's debut album, we cannot but take advantage of the propensity for positivity, with the creation of songs that tend to make us open our mouths in generous smiles and to dance tirelessly.

We have the certainty (God knows, if he exists, how much we need it) of finding in the quality of the compositions of this effervescent trio a range of sounds, effective arrangements and strobe light effects in the waves of notes full of joy.

The musical genres are under the banner of the revival of certain 80s intuitions and the 90s attitude of rediscovering the will to dream: from a skillful use of electronic music (we have many references to Kraut-Rock in an excellent way), to the most velvety Post-Punk, to Shoegaze relieved of a certain tension and heaviness, to a Pop-Dance with imprints of wisdom, everything is governed by a careful production that conveys freshness.

One can hear the specific and well-articulated work, the will of a celestial circuit made of stars, planets and a sun that gives tons of strength to cope with a complex existence.

It is time to go and specify this colourful and majestic circus.

Song by Song 

Globe

A stinging synth, Matt Board's dreamy vocals, Lucy's effective drumming and Aubrey Simpson's leaking bass make the opener track a gem that makes us lift our lower limbs in a confetti-filled dance.

Tv Flicker

The flamboyantly dressed 90s show themselves with enthusiasm in a corollary of clear solutions to lead us to the dream vibrating in the air: energy and the chorus of notes perfectly sealed together.

Little Gem

The initial drumming takes us back to Da Da Da of the never forgotten Trio, but then comes the perfect combination of Synthpop and Dreampop and paradise is granted to us with subtle vocals.

Dr Pong

It's magical, filled with reminders of The Legendary Pink Dots (relieved of their dramatic nature), and then ensnares us with enchanting electronic sprinkles, leading to the magnetic and sensual refrain.

Honeybear 

The guitar becomes heavier, more incisive (Shoegaze seems here to be one of the trio's endless possibilities to make it catchy and light), and the dreamy vocals are the perfect counterpoint.

Star Vehicle

Robert Smith's band appears at the beginning of the track to take us on a conscious, harmonious ride, and in this song we really get the impression that youth does not mean immaturity: sounds and propensities full of quality, which make our hearts vibrate.

Champagne 

We toast with effervescent drops of notes that rise into the galaxy, in the perfect interplay between bass, guitar and synth, capable of keeping us at the edges of our seats and throwing us into the never excessive lightness.

Sing It Like We Used To

Perhaps the moment of greatest intensity, shivers and immense joy that surround us copiously, for a song that seems a sudden gift: a chorus of voices, a guitar with an alternative movement and the bass which captures  us pushing its notes into our stomachs.

Undern Northern Sky

The 80s, the ones that were swollen with hazy rays, come in, revisited and corrected, like vibrating waves that, through Synthwave, psychedelia and softness, provide nostalgia and joy at the same time, in a sublime contradiction.

Chelsea

The surprise of slowing down the rhythm and a delicate atmosphere comes with the last track, a Shoegaze dive that brings Slowdive back within dreaming distance. But then the guitar makes us realise that the three are mainly interested in finding their own style and they do it perfectly.

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

6th September 2022

https://paleblueeyesmusic.bandcamp.com/album/souvenirs

https://open.spotify.com/album/3ygeCJvvmY78sdfbvpFdYN?si=it-hk5e8QxajTuxSrQ20lg

La mia Recensione: Pale Blue Eyes - Souvenirs

 La mia Recensione:

Pale Blue Eyes - Souvenirs

La voglia di vivere, compromessa, acciaccata, avvelenata, smorzata e irrimediabilmente destinata a perdere vitalità può trarre supporto dall’arte, e spesse volte la musica veicola energie preziose.

Nel caso dell’album di esordio della band inglese non possiamo che approfittare della propensione alla positività, con la scrittura di canzoni che tendono a farci aprire la bocca in generosi sorrisi e a farci danzare senza sosta.

Abbiamo la certezza (solo Dio sa, se esiste, quanto ne abbiamo bisogno) di trovare nella qualità delle composizioni di questo effervescente terzetto una gamma di suoni, di arrangiamenti efficaci e di giochi di luci stroboscopiche nelle onde di note pregne di allegria.

I generi musicali sono all’insegna della ripresa di certe intuizioni degli anni ’80 e l’attitudine degli anni ’90 a ritrovare la volontà di sognare: da un uso sapiente dell’elettronica (quanti richiami al Kraut-Rock in modo eccellente), al Post-Punk più vellutato, allo Shoegaze sollevato da una certa tensione e pesantezza, a un Pop-Dance con impronte di saggezza, tutto è governato da una attenta produzione che regala freschezza.

Si sente il lavoro specifico e ben articolato, la volontà di un circuito celeste fatto di stelle, pianeti e di un sole che regala tonnellate di forze che servono per affrontare un’esistenza complessa.

È tempo di andare a specificare questo circo colorato e maestoso.

Song by Song 

Globe

Synth pungente, il cantato di Matt Board che si fa onirico, l’efficace drumming di Lucy e il basso colante di Aubrey Simpson fanno della opener track un gioiello che ci fa sollevare gli arti inferiori in una danza piena di coriandoli.

Tv Flicker

Gli anni ’90 dall’abito sgargiante si mostrano con impeto in un corollario di soluzioni limpide per condurci al sogno vibrando nell’aria: energia e la coralità di note perfettamente sigillate tra loro.

Little Gem

L’iniziale drumming ci riporta a Da Da Da dei mai dimenticati Trio, ma poi arriva la perfetta combinazione tra il Synthpop e il Dreampop e il paradiso ci viene concesso con un cantato sottile.

Dr Pong

È magica, colma di richiami sulla sponda dei Legendary Pink Dots (alleggeriti della loro drammaticità), per poi incatenarci con spruzzate elettroniche ammalianti, per giungere al ritornello magnetico e sensuale.

Honeybear 

La chitarra si fa più pesante, incisiva (lo Shoegaze sembra qui una delle possibilità infinite del trio di renderlo accattivante e leggero), e il cantato sognante fa da perfetto contraltare.

Star Vehicle

La band di Robert Smith si affaccia all’inizio del brano per condurci dentro una corsa, consapevole e armoniosa, e in questa canzone abbiamo proprio l’impressione che giovinezza non significa immaturità: suoni e propensioni colme di qualità, che ci fanno vibrare il cuore.

Champagne 

Si brinda con gocce effervescenti di note che salgono nella galassia, nel perfetto gioco fatto di rimpalli tra basso, chitarra e synth, capaci di tenerci con il fiato sospeso e di buttarci nella mai eccessiva leggerezza.

Sing It Like We Used To

Forse il momento di maggior intensità, brividi e immensa gioia che copiosamente ci circondano, per un brano che sembra un regalo improvviso: coralità delle voci, chitarra dal movimento Alternative e il basso che cattura spingendo le sue note dentro il nostro stomaco.

Undern Northern Sky

Gli anni ’80, quelli che erano gonfi di raggi nebulosi, entrano, rivisitati e corretti, come onde vibranti che, tra Synthwave, psichedelia e morbidezza, procurano nostalgia e al contempo gioia, in una contraddizione sublime.

Chelsea

La sorpresa del rallentamento del ritmo e di una atmosfera delicata arriva con l’ultimo brano, un tuffo Shoegaze che riporta gli Slowdive a portata di sogno. Poi però la chitarra ci fa capire che ai tre interessa soprattutto trovare il proprio stile e lo fanno perfettamente.

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

6 Settembre 2022

https://paleblueeyesmusic.bandcamp.com/album/souvenirs

https://open.spotify.com/album/3ygeCJvvmY78sdfbvpFdYN?si=jtpByeaZSfCWI8t81h0Xzg

My Review: Launder - Happening

 My Review:

Launder - Happening

Prejudice is a free wickedness, because to consider someone crazy is the real madness: one is always in a hurry to do this, poisoning the souls and dirtying the waters.

In music there are those who make their long-distance debut with a double album and pay the price for what I have just mentioned.

I hope this does not happen in the case of those I have decided to talk about.

Consider the passionate John Cudlip, who has just released a sensational album in terms of imagery, intensity, coloured with melodic music full of intense vocals, with a sensual tide of voluminous and captivating sounds.

Filled with diverse influences, it is worth specifying that we are not just inside Dreampop and Shoegaze (although most of it is certainly imbued with them), but rather in a kaleidoscope of references that give the thirteen tracks the feeling of entering multiple dimensions.

We have abundant doses of Alternative, a veiled but present Post-Punk, sprinklings of Brit-Pop and sparks of Indie.

The boy from Los Angeles made use of the collaboration of Nathan Havelu, Bryan DeLeon and Chase Meier who, all together, have managed to beautifully portray the sad and melancholic swirls for a work that has seen the magical production of Sonny DiPerri, known for his work with My Bloody Valentine, Bob Mould and DIIV. 

The song Become features the adorable presence of French singer Soko, who lends an additional touch of class to this debut.

Many of the tracks were written a long time ago, but once this band was in the rehearsal room everything became fluent and clear, giving John the confidence that they all had to be part of the record.

The LA art scene is fraught with effervescent and competent personalities, who were also able to give energy to Cudlip, who has thus managed to find strength and courage for the necessary conviction: Happening sounds like a mature and effective album, with tons of solid sound, it can be visionary and capable of shaking and enveloping the listener.

The scenario, complex and magnetic, nails the listener inside the sonic vicissitudes, in the rivers of guitars blessed for their solidity and aptitude for finding a compromise between rhythm and melody.  

Happening is much more than an account of a period: it is a sonic identity card of the good John's inner mess, showing the world his propensity for research, his seductive curiosity that he skillfully knows how to transfer into songs that sparkle, infect, shake and somehow become a place in which to feel protected.

I believe that it is superfluous to invite you to take a tour in its neighborhood: you have already understood that the scribe guarantees this listening which, I am sure, will conquer you!

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

5th September 2022

https://launder.bandcamp.com/album/happening

https://open.spotify.com/album/1AFBK10RHCuXnHXaTgyonQ?si=o1kcSDvkQQuTMGGzPYCg0w

La mia Recensione: Launder - Happening

 La mia Recensione:

Launder - Happening

Il pregiudizio è una cattiveria gratuita, perché considerare pazzo qualcuno è la vera pazzia: si ha sempre fretta di fare tutto questo avvelenando gli animi e sporcando le acque.

Nella musica c’è chi esordisce sulla lunga distanza con un doppio album e paga il prezzo di ciò di cui ho appena accennato.

Io spero che tutto questo non accada nel caso di chi ho deciso di parlare.

Prendete il passionale John Cudlip, che ha appena pubblicato un album clamoroso per immagini, intensità, colorato con musiche melodiche piene di cantati intensi, con una marea sensuale di suoni voluminosi e accattivanti.

Pieno di diverse influenze, è bene specificare che non siamo solamente dentro il Dreampop e lo Shoegaze (per quanto sicuramente la maggior parte di esso ne sia intriso), bensì in un caleidoscopio di riferimenti che sanno conferire ai tredici brani la sensazione di entrare in multiple dimensioni.

Ecco allora dosi abbondanti di Alternative, un Post-Punk velato ma presente, spruzzate di Brit-Pop e scintille Indie.

Il ragazzo di Los Angeles si è avvalso del contributo di Nathan Havelu, Bryan DeLeon e di Chase Meier che, tutti insieme, sono riusciti a rappresentare splendidamente i vortici tristi e malinconici per un lavoro che ha visto la magica produzione di Sonny DiPerri, noto per aver lavorato con My Bloody Valentine, Bob Mould e DIIV. 

Nella canzone Become ecco la presenza deliziosa della cantante francese Soko che dà un ulteriore tocco di classe a questo esordio.

Molti brani sono stati scritti diverso tempo fa, ma una volta che questa band si è trovata nella sala prove tutto è divenuto fluente e chiaro, dando la certezza a John che tutte dovessero far parte del disco.

La scena artistica di LA è gravida di personalità effervescenti e competenti che hanno saputo dare energie anche a Cudlip, che è così riuscito a trovare forza e coraggio per la necessaria convinzione: Happening suona come un album maturo ed efficace, con tonnellate di suono granitico, sa essere visionario e capace di scuotere e avvolgere l’ascoltatore.

Lo scenario, complesso e magnetico, fa sì che inchiodi l’ascoltatore dentro le peripezie sonore, nei fiumi di chitarre benedette per la loro solidità e attitudine alla ricerca di un compromesso tra il ritmo e la melodia.  

Happening è molto di più che un resoconto di un periodo: è una carta d’identità sonora dei grovigli interiori del buon John, il mostrare al mondo la sua propensione alla ricerca, la sua seducente curiosità che abilmente sa trasferire in canzoni che brillano, contagiano, scuotono e in qualche modo diventano un luogo nel quale sentirsi protetti.

Credo sia superfluo invitarvi a farvi un giro dalle sue parti: avete già inteso che lo scriba si fa garante del vostro ascolto che, ne sono certo, vi conquisterà!

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

5 Settembre 2022

https://launder.bandcamp.com/album/happening

https://open.spotify.com/album/1AFBK10RHCuXnHXaTgyonQ?si=QghpIxlDQcWzwY0plrRJPw

La mia Recensione: Hey Calamity - On The Run

 La mia Recensione:

Hey Calamity - On The Run

La cattiva notizia è che il tempo vola. La buona notizia è che sei il pilota.
(Michael Althsuler)

Millenni di vita con un orologio invisibile che scorre segretamente dentro la nostra storia: con una corsa estrema, da sempre cerchiamo di sconfiggerlo, di farlo almeno arrestare per un po’. In ogni essere umano il sogno è quello e la resa è l’intenzione stessa.

Dalla terra che sembra mantenere questo sogno con più audacia (la generosa Australia) arriva un uomo che, con chitarre e parole elettriche, cerca di tenere la luce accesa del sole nel bel mezzo delle tenebre e per farlo scrive una canzone come un temporale estivo, un fulmine melodico che ci circonda.

Si può precipitare nel tempo come nel cielo, avendo un’onda sonora potente e al contempo gentile che ci guida nello scorrere di quelle lancette, con le vicende vissute, nel tentativo di portare la gioia dentro il cuore, dando alla mente ossigeno e bolle di sogno.

Dave Thomas, con la sua creatura Hey Calamity, torna pochi giorni dopo la pubblicazione di Bleeding Heart, con la capacità di dare allo Shoegaze la sua storica propensione alla forza ma riuscendo, con pennellate sublimi e angeliche, a farci entrare nei confini del Dreampop, con un lavoro del suo basso che sembra uscire dal Post-Punk inglese della metà degli anni ’80.

Sono canzoni come questa che danno il respiro, la forza, per poter correre nei territori delle vicende umane avendo la sensazione che il calore del sole possa essere il nostro maggiore beneficio.

E allora ecco che le chitarre sono esercizi virali, potenti, mastodontici, nei quali la voce vellutata del cantante australiano flirta con passione e fermezza dentro un testo che parrebbe lasciare l’amaro in bocca, ma Dave agisce con onestà nel corso della sua osservazione.

On The Run ci riporta agli anni ’90, con l’approccio psichedelico dei Catherine Wheel e la caparbietà dei Chapterhouse, nella foresta magmatica e sensuale di vapori che cercano una spugna per essere assorbiti: siate generosi nell’ascolto, in modo da cogliere la sua freschezza e vitalità.

In conclusione: il rischio che si corre con On The Run è quello di comprendere meglio la realtà svegliando i sogni, per poterli sedare, perché alla fine Dave ci insegna che la vita va vissuta e con una canzone come questa possiamo trovare motivazione e forza, in un delirio di bellezza che ci consegnerà sorrisi da spendere…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

4 Settembre 2022

https://heycalamity.bandcamp.com/track/on-the-run-2

https://open.spotify.com/track/6dTROXoZpILOIEUAx8SFuG?si=WFHCrPHzTOue45WRQs4Lnw