My Review: Shesgot - A House Into a Body

 

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

19 February 2026

Shesgot - A House Into a Body

Vocabulary is becoming depleted, consequently we reflect less, speak worse, ridiculing languages, stealing the heritage of all peoples. However, there are moments of exaltation when, listening to an album like this, the richness of different forms of communication finds a way to emerge, using words, sounds, inclinations, perspectives and wonderful research, in this ensemble that recalls the long journey of the formation of concepts and their methods of expression.

A House Into a Body adopts, compresses and expands every instinct to build, with an effective work of layered, epochal synergies, a solid body endowed with remarkable autonomy. To do so, it circumnavigates different expressive genres, starting with Federico Palmieri's songwriting methodology (with a crooning that is at once nervous, disenchanted, sublimely toxic and evocative, leading to enchanting melodic performances), and then emphasising, through the wide range of music, the sound, scratches, and explosions of dense clusters of ribs that define the various and significant expressions of a combo in which the guitar becomes the sorcerer and the bass and drumming the nerves that define cognitive spaces of great value.

The temptation of the black slime of The Seeker, the 2021 debut album, in which shoegaze flashes and post-punk whirlwinds were absolute helmsmen, disappears almost entirely. Here, instead, we experience the drama that requires greater expansion and modalities to build a multicoloured and multiform foundation. Rock vibrates with riffs and arpeggios, in fascinating nocturnal deserts where erotic flashes and cabaret live in a theatre with a mobile stage, constantly advancing, with a plot that recounts the neurosis and blindness of a changing and guilty reality. Tics and suffocation come together to form polygons, the immense tracks dense with shadows and multiple complexities that mark the present with an honest desire to make no concessions. Between the volcanic expressiveness of The Boys Next Door, the horror films of the early Virgin Prunes, and the kaleidoscopic dialectic of The Dresden Dolls, the trio from Macerata forms a nucleus of compositions designed to tear apart the song form in order to secure intellectual space, manoeuvring them in the context of a serious freedom that aims to limit digressions and ambitions in order to become, without doubt, a concrete universe of twists and experiments. David Lynch's ghosts create images that warm hearts and minds, a diary that expands and compacts decades of research, in immersions that translate the historical hieroglyphics of a culture that is now segregated and extinct. Shesgot don't care about pleasing, about creating silly connections of misleading contacts, and they focus on the essentials: they use piercing crossbows, contortions and intimate neuroses as probes and frames, to incorporate cognitive senses with a short, leather-bound whip, to direct these songs that are thoroughbreds of unspeakable strength and magnetic sensuality.

Continuous lunges of robust twists, with striking eclecticism, a nocturnal wandering that arises from the oppressive, circular tedium that dulls the senses to remove illusions, declaiming, rather, the marble encroachment towards paranoia and the sadness of modernity, using, in fact, ancient languages and methods, with whispers and cries worthy of Bergman, to encircle reality and diversify it. Michele Caserta's devastating distortions are welcome, with his red-hot bass in two episodes and fingers soaked in blood, and his technique and heart as precise as his breath when playing the drums, managing to take the history of the instrument and fix it in operational and eclectic extensions, making drumming a veil to protect Matteo Palmieri's magnetic explorations (on bass in seven tracks), who creates disorder, crusades, bewitched arpeggios and suspended rhythms with his guitar that make those who do not understand his infinite eclecticism waver. Together, the three wave the purple flag, turn the sky into a factory in the grip of the wind and launch slow, heavier mines in the perfect marriage between life and death, arriving at a truly liturgical aesthetic cannibalism. 

The Old Scribe  remains embedded in these powerful dialectical forms, set in continuous effervescence and stagnation, in a Dante-esque circle, with truly impressive rhythmic bursts and harmonic explorations....

It is time to try to look at this ensemble with awe and respect, because only art with a capital A can produce this effect... 

Song by Song

1 - The Hall

We enter the hall of a house set ablaze by this ghostly atmosphere, a crooning perfectly supported by misty drumming, the guitar first arpeggiated and then laminated, with dream pop but gloomy oscillations, until a vocal roar is held almost secret. A ritual to begin this new work, with an introduction that vehemently annihilates any pop pretensions. Here we walk on the acid and mellifluous side of gothic tremors...

2 - The Return

Bauhaus meets La Fura dels Baus, creating a melodic swing that seeks to unseat all fatigue. It is a sacred shell, until the change of rhythm and a guitar mantra that allows the bass and drums to elaborate a massive protection...

3 - Flames’ Night

Sweetness conceals excitement, then becomes apotheosis and neurosis, in an almost psychedelic ballad with a neo-folk flavour, in which a pagan form presents us with a witch who wanders at night, in these grooves that evoke rituals and tears perfectly lulled by voices and sounds that surround musical genres waiting...

4 - The Train

The drumming is a track and a locomotive, the bass a blackish ghost, the guitar an ancient post-punk cross and the vocals an echo of Rozz Williams and Peter Murphy with doses of Valium, making this track a rhythmic celebration of thought, through multiple references in a prodigious archive...

5 - Home

Shoegaze dawns appear, but it is a fierce illusion: here we are in the presence of a frantic search for dark and meticulous mutant perversions, a rough diamond immersed in oil, a slow, military march, duodenum and intestine being torn apart, to build melodic walls in continuous expansion, keeping the voice silent because everything has already been declared, making the movements of the guitar the only way to move us...

6 - Backseat

Killing Joke enter a deconsecrated church and hear these notes: they celebrate the sumptuous ability to show wounds on the skin, in a musical arrangement linked to a slow beginning, then breaking away and becoming a shrine where the race finds its nerves, slowing down again, while the rhythmic arrangement creates neurosis and launches into sublime corrosive flows...

7 - The Fountain

An earthquake measuring 10 on the Richter scale engulfs and disrupts the theatre in which life is played out, in fascinating and gruesome dismemberments, a detonation that knows harmony and melody while everything drools and captivates the senses through piercing guitar twists and drumming with repeated stop and go in the style of Death in June in the last century...

8 - Mark E. Smith

The exaltation of Salford's greatest genius takes place through apocalyptic perversions, in frenetic exposure, as if Manchester and The Fall had become an odyssey. A phone call between a Scottish girl, Leyre Mann Vadillo (present with her voice), and our friend Marco Sabatini, to talk about their love for the Manchester band, forms the basis of this song. It is a whirlwind of cables and spasms, with the vocals supporting the hard rhythmic work with an enchanting litany that sticks the notes to your gut.... 

9 - January's Note

This incredible work concludes with a rhythmic and harmonic avalanche, with evocative vocals and the drama of sudden lacerations, here translated and made eternal by a sonic ordeal in which the dramatic vocation of pagan liturgy will conquer many souls...

Shesgot:

Federico Palmieri - Vocals

Michele Caserta - Drums and Bass in The Hall and Mark E. Smith

Matteo Palmieri - Bass and guitars

The Macerata live line-up includes Giulia Tanoni on bass

Out 20 February 2026 on Bandcamp and SoundCloud

Available on vinyl limited edition 100 copy

https://shesgot.bandcamp.com/album/a-house-into-a-body-new-album

https://music.apple.com/gb/album/a-house-into-a-body/1877676825

https://open.spotify.com/album/0Ghz6zwkkzgLO14UZzL7D3?si=N6txmee-SXiOSGToB4huxw

Review by Marco Sabatini :The Stranglers - Feline

Marco Sabatini

Musicshockworld 

Offagna

13 February 2026

Imagine for a moment that you are The Stranglers at the end of 1982: music critics have always mistreated you, especially in your homeland, leaving aside 'No More Heroes', each of your other five studio albums has always attracted more criticism than acclaim, but you have a solid following who would follow you even into the flames. What would you do?

They put together an album that surprised everyone, called it 'Feline' and, to underline their iron will to scratch the MusicBiz again, they put a black panther on the cover, black on black. No electric guitars, soothing atmospheres, use of drum machines, super-polished arrangements, and with JJ Burnell and Hugh Cornwell alternating on vocals. 

"FELINE" was released in January 1983, a year that saw REM's "Murmur" and the Violent Femmes as the most intriguing newcomers on the alternative rock scene, while Spandau Ballet with "True" and Duran Duran, who only released "Seven and the Ragged Tiger" at the end of November, confirmed their moment of glory.

We can therefore say that the quartet from Guildford had a good nose for the times, moving stylishly between electronic and country folk. In some tracks, such as 'Let's Tango in Paris', they wink at Cabaret, following in the footsteps of The Kinks ten years later, from 'Lola' onwards: if Ray Davis and co. had introduced a powerful horn section, The Stranglers give space to the keyboards of the late Dave Greenfield, who introduces the album with a surprising organ solo in 'Midnight Summer Dream'.

Another similarity with The Kinks, specifically with the album I reviewed a few days ago, is the change of label: The Stranglers moved to Epic Records after their so-so experience with EMI and Tom Visconti's management, while Ray Davis and co. moved to RCA with the intention of breaking into the charts, so a reverse but ultimately similar process.  

“I knew she was a feline 

 She moved with ease and grace 

 Her green eyes, they held mystery

 No emotion on her face.”

The single that reached number 9  in the UK and Ireland in the first week of 1983 was "European Female", supported by a music video  that was appropriate in the days of the advent of MTV USA.

It stayed there for six weeks, perhaps too refined for the masses, and was a partial failure, failing to match the results of "Golden Brown" and "La Folie". 

"It's a Small World" is definitely a track worth revisiting, with just the right amount of electronica and Hugh's minimal but brilliant vocals. 

The second single, "All Roads Lead to Rome", is more pretentious, a rather ineffective rehash.

The album closes with 'Blue Sister', an interesting look back at the sounds of the early albums, and 'Never Say Goodbye', which celebrates this Flamenco-inspired vein and runs through an album in which The Stranglers still manage to stimulate appetising investigations, before the decline that would lead, after two more albums, to the abandonment of the project by the 'poet laureate of the punk era' Hugh Cornwell.

Recensione di Marco Sabatini: The Stranglers - Feline

 

Marco Sabatini

Musicshockworld 

Offagna

13 Febbraio 2026

Immaginate per un attimo di essere The Stranglers sul finire del 1982: la critica musicale vi ha sempre maltrattato, soprattutto in patria, lasciando da parte "No More Heroes", ognuno degli altri cinque lavori in studio ha sempre attirato più critiche che consensi, avete però un solido stuolo di adepti che vi seguirebbero anche in mezzo alle fiamme, voi che fareste?

Loro mettono insieme un album che sorprende tutti, lo chiamano "Feline" e, a sottolineare la ferrea volontà di graffiare ancora il MusicBiz, in copertina piazzano una panterona, black on black.

Niente chitarre elettriche, atmosfere cocilianti, uso della drum machine, arrangiamenti super curati, e con JJ Burnell e Hugh Cornwell che si alternano alla voce. 

"FELINE" esce a Gennaio del 1983, un anno che vedrà i Rem di "Murmur" e i Violent Femmes come novità più intriganti in campo musicale Alternative Rock, mentre gli Spandau Ballet con "True", e i Duran Duran che solo verso lo scadere di Novembre usciranno con "Seven and the Ragged Tiger", confermano il loro momento di grazia.

Possiamo quindi affermare che il quartetto nato a Guildford annusa bene l'aria muovendosi con stile tra l'elettronica e il country folk.

In alcuni brani come "Let's tango in Paris" strizzano l'occhio al Cabaret come a seguire dieci anni dopo la scia dei Kinks, da "Lola" in avanti: se Ray Davis e soci avevano introdotto una potente sezione fiati, The Stranglers danno spazio alle tastiere del compianto Dave Greenfield che introduce il disco con uno spiazzante assolo di organo in "Midnight Summer Dream".

Altra analogia con The Kinks, precisamente con l'album che ho preso in esame pochi giorni fa, è il cambio di etichetta: i nostri passano alla Epic Records dopo l'esperienza così e così alla Emi e il management di Tom Visconti, mentre Ray Davis e soci erano passati alla Rca con l'intenzione di sfondare nelle charts, quindi un processo inverso ma in fondo simile. 

"I knew she was a feline 

 She moved with ease and grace 

 Her green eyes, they held mistery

 No emotion on her face."

Il singolo che troviamo al numero 9  in Uk e Irlanda subito nella prima settimana del 1983 è "European Female", supportato da un videoclip  appropriato nei giorni dell'avvento di Mtv Usa.

Ci resterà per sei settimane, forse troppo raffinato per la massa, sarà un parziale fallimento non riuscendo ad eguagliare i risultati di "Golden Brown" e "La Folie". 

"It's a small world" è sicuramente un brano da recuperare, elettronico il giusto, minimale ma brillante il cantato di Hugh. 

Più pretenziosa "All roads lead to Rome", secondo singolo estratto, un risciacquo poco incisivo.

Chiudono le danze "Blue Sister" con un interessante sguardo indietro alle sonorità dei primi album e "Never Say Goodbye" che celebra questa vena che sa di Flamenco e percorre un album in cui The Stranglers ancora riescono a stimolare indagini appetitose, prima del declino che condurrà, dopo altri due album, all'abbandono del progetto da parte del "poeta laureato dell'era punk" Hugh Cornwell.

La mia Recensione: Celestial Bums - Minutes From Heaven

 

Alex Dematteis 

Musicshockworld

Salford

11 Febbraio 2026

Celestial Bums - Minutes From Heaven

C’è un passaparola vivace nella Catalogna, tra la voglia di divertirsi, di lottare, di alzare le porte del cielo e di essere un mondo appartato. Riguarda la tensione emotiva di chi, cambiando perennemente, cerca una sosta e architetta un fascio sonoro oscillante, mutante, tra respiri e colorate ambizioni oniriche, un quadro che documenta gli incastri di partiture neo psichedeliche e l’intenzione di materializzare l'incanto come il suo opposto, per accattivarsi gittate di dream-pop senza mai cedere alla compiacenza. Al quarto album ci ritroviamo beatificati, irrorati, cullati da chitarre in volo, dalle poesie armoniche che coinvolgono e spargono petali di caleidoscopici capogiri. Il terzetto diventa istintivo, agglomerativo, in un allucinante stato di forma nel quale tutto riesce perfettamente, come se il miracolo più evidente avesse luogo in questo momento così fluido e generoso. Quando il lo-fi si affaccia, si ha la mappatura completa di un percorso che stabilisce l'allungamento delle proprie capacità, ampiamente dimostrate nel corso di una carriera ormai lunga quindici anni. Senza scudi, senza paure, senza la volontà di essere il centro del mondo, la formazione catalana trova allacciamenti nutrienti con la libertà che induce all’ispirazione, al contenuto, alla necessità di maturare una nuotata lenta nel Mar Mediterraneo, assorbendo le luci dorate,  il feeling bohémien, per creare un paravento, una base, una forma culturale che arriva come carezza continua. 

Il cantato di Japhy Ryder raccoglie migliaia di flussi coscienti, spaziando, visitando le corde vocali per poi trovare il proprio stile, l’orgoglio di chi con la penna costruisce monti. Pablo Gorostiago con il basso cavalca il velluto, circonda la melodia e tiene alta la capacità di non invadere, diventando il ponte perfetto tra l’essere un capitano e il gregario. Fatica con gioia e veste il suono con sapienza e talento. Augusto J. Marchetti usa le bacchette con una notevole conoscenza tecnica e la memoria di ascolti che hanno sicuramente strutturato la perfezione del suo lavoro, attento ai toni, ai colori, agli umori di ritmi che sanno scuotere così come circondare il perimetro di queste memorabili composizioni.

Il viaggio, l’identità, i confini, i ricordi, le idee, i rifugi, l’alcol mentale, le scorribande con un perno saggio convergono in queste orchidee, in queste mareggiate con una briglia salda, con una produzione che fa scendere la nebbia su Barcellona non dimenticandosi di un arcobaleno…

Più che un diario, una fotografia, sembra la collezione di metafore, di storie, di brillanti da indossare per una sera, per poi dismettere il tutto ed essere pronti al futuro, come una incisione breve ma profonda. Molti i maestri che si palesano, dai Low, ai Durutti Column, ai Sun Dial, passando dai Bardo Pound, ai fondamentali concittadini Los Planetas, per poi planare nei corridori dei luoghi dell’anima dei Love Spirals Downwards e infine agli spazi cognitivi dei Labradford.  Questo elenco è solo una comoda forma di pigrizia: se viaggiate tra i loro semi assaporerete di sicuro il fermento, la stagionatura, il setaccio e poi, come il colpo di coda di una balena, onde proprie che sanno liberarsi da questo combo di band per provocare la reazione di chi sa di avere una propria identità. Canzoni bandiera, fierezza e genuina difesa di un senso privato che rende l’album un gioiello da inumidire con le nostre lacrime di commozione.

Stupisce positivamente come leggerezza, densità, ampiezza e istinto siano così potenti, ma conservando la loro famosa timidezza: perché anche quando il suono si fa più rovente tutto appare come un velo che protegge sia chi suona che chi ascolta. Nessuna delle otto composizioni cerca il trucco catchy, il ritornello assassino e tutto ciò che possa relegare al facile raggiungimento della comodità, quanto piuttosto una volontà, altamente caldeggiata dal Vecchio Scriba, di laboratori mentali, di palchi dove quello che accade non è la ricerca del plauso bensì l’abbraccio sereno di chi prende le note e se le mette nel cuore. Morbide impalcature danzanti che cercano la casa, il gesto di una comoda connessione, le creature di Minutes From Heaven non hanno il destino amaro della morte presentando invece la forza della invulnerabilità, di amabili e confortanti sigilli che da sonori diventano solidi.

Saper prendere i decenni musicali e renderli elastici, accoglienti, parrebbe una utopia insensata però poi, quando l’ascolto termina, ti rendi conto che esistono enciclopedie sonore che sanno scrivere i segreti del tempo senza aver bisogno di pagine di carta….

La sensazione è quella di sentire delle note che, con il passare dei minuti, diventano un blocco floreale, annullando eventuali ripetizioni ma con l'arguzia di lasciare cadere dei petali in un circuito in espansione, come un’unica canzone in cerca di amici…

Song by Song

1 - Didn’t Know

Tra Dream Pop e la nostalgia di un Lo-fi parsimonioso, l’album comincia con un abbraccio acquatico, con la chitarra a dipingere onde e il tintinnio della batteria a suscitare la sensazione di un autunno che bussa alle porte dell’inverno. Chitarra in ascesa e il cantato che crea una romantica rivelazione…

2 - The Letters

L’inizio ci porta agli anni Ottanta, una lenta cavalcata con maggiori aperture, più coralità e un esercizio raffinato della sei corde a divenire un mantra contagioso, il registro della voce che si alza e sembra attaccarsi alle nuvole…

3 - Cross The Road

Momento estasiante, vorticoso, una ondata di polvere morale, che, rimanendo sospesa tra un cantato malinconico e gli schizzi di chitarra in una scala profumata delicata, fa di questo brano la summa di molte cose scritte nella prima parte della recensione. Allega anche venature dark folk americana noir, con una modalità mascherata ma in grado di suggerire territori diversi…

4 - A Dream (Guide Me From The Stars)

Compare un ritmo più veloce, e lo schema del brano ci riporta ai momenti potenti della Sarah Records, con una lunga introduzione prima che Japhy metta una gardenia nelle sue corde vocali, mentre tutto prosegue come una giornata di brina sul dream pop più raffinato…

5 - Walking On Ice

Il trio esagera, un peccato da noi richiesto e accolto, con la scrittura di questa canzone che è un sussidiario perfetto ed elaborato per capire l’intero lavoro, per una stasi minimalista che ossigena. L’atmosfera onirica prevale, rendendo al contempo metafisico il bisogno di cedere all’ascolto, con il cantato che conduce nella dimensione ultraterrena, in completo abbandono…

6 - Blurred Loves

Una poesia, un cantato come vagito celestiale e come una preghiera, un cercare supporto nella psichedelia degli anni Sessanta americani, un requiem, una melodia soave, una sacralità sublime regalata dal synth, un drumming accorto e meticoloso, il basso come termometro e lo sdoppiamento delle voci che rendono il tutto un gioiello senza tempo…

7 - Landslide

Il disco continua a crescere di emotività e strutture, consegnandoci piccoli richiami dei Doors mentre i Low applaudono commossi. Una prateria sconfinata dove gli strumenti sono corse e rincorse lente, in una fiumana neo psichedelica che si associa allo slowcore meno prevedibile, dando come risultato un’odissea in cui gli stili sono dune di sabbia su cui far cadere queste dolcissime note…

8 - Lifeblood 

Il cuore si ferma: la chiusura è un infarto assicurato, una gemma gotica rinascimentale, una pellicola perfetta per Kurosawa, un diamante in attesa di rivelarsi per poi denudarsi lentamente, come magica follia celeste. Incontriamo così un silenzio che riesce a tradurre se stesso, con tocchi sospesi di chitarra, la bellezza di un’armonia vocale dolente, gli stop and go al rallentatore, il suono quasi mascherato, la presenza dei Television che appare come un party segreto e poi quella pellicola ambient che si appiccica in maniera deliziosa: il risultato estrania ogni caos per essere un azzurro mantello di piume…

https://celestialbums.bandcamp.com/album/minutes-from-heaven