My Review: Estetica Noir - This Dream in Monochrome

 My Review 

Estetica Noir - This Dream In Monochrome

It's easy to be eristic nowadays in a world increasingly distant from itself.

Some souls seek contact, others close themselves up in their own emptiness trying to sink other people’s dreams. 

And there are looks that notice this and note the whole mechanism of unrestrained vertical falls.

Then the time comes for agitation, for a magnetic rampant aberration, for dusty, solitary and decadent atoms of happiness.

It is there that being solipsistic becomes the practice of human beings destined for oblivion, coldly connected to breathlessness.

From Turin, the Gothic and post-punk cradle of not ancient memory, comes a band to show us all this with a surgical and liturgical album, where the consolation comes from the precision of facts and sounds extraordinarily compacted for a final effect extremely (I would say also unfortunately) precise of what is happening.

And this second work shows us a band more intent on combining electronic music and its ever-present need to circumscribe its identity in an increasingly contaminated Darkwave.

Perhaps a less obscure band than in the past, musically speaking, but with clear signs of concern that lead the songwriting inside a grey glass bell.

The guitars suffer the charm of a black-nailed rock, the voice is a seductive tombstone that is also able to caress.

The feeling remains that their constant search for truth occasionally leads them into industrial territories, more in mood than in music.

A pleasant sense of restlessness permeates the whole to give this work a remarkable approach to a more than ever necessary farewell to dreams.

The melody presents itself and it is the light of the universe that knows no day, where the rays belong to history, as if the millennia were companions of shadows and fears.

No connection with other Italian bands that copy and paste this kind of music: there is an identity that differs from all this, giving us the joy of being able to define them as combative, resistant, brave.

A rich album that leads to a serenity that doesn't make you smile but rather reflect: songs like glass paper that remove the superfluous and streamline the mind. It’s like receiving as a gift a sprinkling of conscious and active darkness: a faithful friend who knows how to remove all the damage that illusions create.

A hard but elegant work, which can be used if you want to exclude tendencies to wastefulness: the guys from Turin advance inside the central nervous system, offering accurate sounds that, as precise as a devilish smile, make us slim and pragmatic.

The Savoy city once again presents the world with a band that can leave this land to conquer others far away: may glory be with them.

Blow out the candles now, because we will travel towards their ten sound footprints and make an intense path within which we will walk with the right fear.

The fact that the 80s are the well from which to draw strength is immediately clear with the opening ROOMS OF MASKS, the track closest to the Synthwave and Darkwave oscillations of two fundamental bands: Legendary Pink Dots and Clan of Xymox. Silvio Oreste's guitar solo is a wonderful cry reminiscent of Killing Joke and the feeling that everything is the cry of a wounded dolphin.

With SWEEPER the rhythm dictated by Rik Guido on bass and Paolo Accossato on drums emanates purple energy with the electronic music guided by Marco Caliandro on synth. which reminds us how with a few chords you can generate addiction.

The rhythm remains high but with the seduction of suggestive slow parts in the following STRIATE BODY, where the rhythm changes, the sensual crooning and the synth and guitar games on the side of the hardest Post-punk of the swans from   Birmingham Au Pairs gives us the magic of the old times.

We catch our breath with AUTUMN, a bridge full of Minimal Wave ice cubes to savour northern French nostalgia. Subtle and heavy, the song is a colourful interlude of autumnal value from a Godard movie.

We move on to Germany with the next N.U. which is able to show the temporal embrace between the poignant melody of vocals and a slow electropop with its sides covered with Kraftwerk and Frozen Plasma's Synthpop/Futurepop.

DAWN OF PLUTO is one of two examples of their maturity: from the thoroughbred guitar that hisses and scratches, to the bass that masks its devotion to Red Lorry Yellow Lorry, to vocals that bring us back to Killing Joke's Euphoria in the chorus.

The main track arrives: the erotic chaos of NYCTOPHILIA, the howling of ravening souls and nomads in search of melodic consolation. 

X brings us back to the sensual timbre of Namnambulu with small E.B.M. traces in the singing mode, while the guitar shows us a talent that takes the night on poignant fingertips.

The band from Turin plays one more ace with THE FALL: here everything makes you think that even the more resistant strength can give in to the wretched sirens that twist your eardrums to make them surrender.

CLIMBING UP THE LONELINESS is the shutter that closes the light with the sidereal tone of Silvio, captain of a spaceship aiming for the heart of the universe, able to find in the guitar solo the way to make the stars surrender.

Splendid, sad and magnetic, the song encapsulates all the depth of a work that deserves an extended  applause.

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

10th April 2022

ESTETICA NOIR:

Silvio Oreste - Vocals, Guitars, Programming

Rik Guido - Bass

Paolo Accossato - Drums

Marco Caliandro - Synth, Programming, Back Vocals

ht https://open.spotify.com/album/25PhdFJ1HVstmjz0Ok7fLf?si=zlk40lkNTK6SGqXpSiL74Q

La mia Recensione: Estetica Noir - This Dream in Monochrome

 

La mia Recensione 

Estetica Noir - This Dream In Monochrome

Facile essere eristico oggi in un mondo sempre più distante da se stesso.

Alcune anime cercano il contatto, altre si richiudono nel proprio vuoto facendo affondare i sogni degli altri. 

E ci sono sguardi che notano questo e annotano tutto il meccanismo di cadute verticali senza freni.

Arriva allora il momento dell’inquietudine, di una magnetica aberrazione galoppante, di atomi di felicità impolverati, solitari e decadenti.

Ecco che l’essere solipsista diventa la prassi di umani destinati all’oblio, freddamente connessi all’affanno.

Da Torino, la culla gotica e post-punk di non antica memoria, giunge una band a mostrarci tutto questo con un album chirurgico e liturgico, dove la consolazione nasce dalla precisione di fatti e suoni straordinariamente compattati per un effetto finale estremamente (direi anche purtroppo) preciso di ciò che sta accadendo.

E questo secondo lavoro ci mostra una band maggiormente intenta a coniugare l’elettronica e il suo immancabile bisogno di circoscrivere l’identità in una Darkwave sempre più contaminata.

Forse un gruppo meno oscuro rispetto al passato, musicalmente parlando, però sono ben evidenti segnali di preoccupazione che conducono la scrittura dentro una campana di vetro di color grigio.

Le chitarre subiscono il fascino di un rock dalle unghie nere, la voce è una lapide seducente che sa anche accarezzare.

Rimane la sensazione che la loro costante ricerca della verità li conduca saltuariamente nei territori industrial, più nel mood che nella musica.

Un senso piacevole di irrequietezza permea il tutto per conferire a questo lavoro un notevole approccio ad un addio più che mai necessario nei confronti dei sogni.

La melodia si presenta ed è la luce dell’universo che non conosce il giorno, dove i raggi appartengono alla storia, come se i millenni fossero compagni di ombre e paure.

Nessuna connessione con altre band italiane che copiano e incollano questo genere di musica: vi è una identità che si discosta da tutto ciò donandoci la gioia di poterli definire come battaglieri, resistenti, coraggiosi.

Un album opimo che conduce ad una gioia che non fa sorridere bensì riflettere: canzoni come carta vetro che tolgono il superfluo e snelliscono la mente. Come ricevere in regalo una spruzzata di tenebra consapevole e attiva: un’amica fedele che sa togliere ogni danno che le illusioni creano.

Un album crudo ma elegante, che può essere utilizzato se si vogliono escludere tendenze allo spreco: i ragazzi di Torino avanzano dentro il sistema nervoso centrale, offrendo accurate sonorità che precise come un sorriso diabolico ci rendono snelli e pragmatici.

La città Sabauda torna a presentare al mondo una band che può lasciare questa landa per conquistarne altre lontane: che la gloria sia con loro.

Spegnete le candele, perché ora viaggeremo verso le loro dieci impronte sonore e compiremo un percorso intenso dentro il quale camminare con la giusta paura.

Che gli anni 80 siano il pozzo da cui attingere la forza lo si capisce subito con l’iniziale ROOMS OF MASKS, il brano più vicino alle oscillazioni Synthwave e Darkwave di due band fondamentali: Legendary Pink Dots e Clan of Xymox. L’assolo di chitarra di Silvio Oreste è un pianto meraviglioso che ricorda i Killing Joke e la sensazione che tutto sia il verso di un delfino ferito.

Con SWEEPER il ritmo dettato da Rik Guido al basso e di Paolo Accossato alla batteria emana energia porpora con l’elettronica pilotata da Marco Caliandro al synth a ricordarci come con pochi accordi si possa generare dipendenza.

Il ritmo si mantiene elevato ma con la seduzione di parti lente suggestive nella  successiva STRIATE BODY, dove i cambi ritmo, il crooning sensuale e i giochi del synth e della chitarra dalla parte del Postpunk più crudo dei cigni di Birmingham Au Pairs ci regala la magia dei tempi andati.

Prendiamo fiato con AUTUMN, un ponte pieno di cubetti di ghiaccio Minimal Wave per assaporare nordiche nostalgie Francesi. Sottile e pesante, la canzone è un intermezzo colorato di valore autunnale  di un film di Godard.

Ci si sposta in Germania con la successiva N.U. che è capace di mostrare l’abbraccio temporale tra la melodia struggente del cantato e un electropop lento dai fianchi ricoperti di Kraftwerk e il Synthpop/Futurepop dei Frozen Plasma.

DAWN OF PLUTO è uno dei due esempi della loro maturità raggiunta: dalla chitarra purosangue che sibila e graffia, al basso che maschera devozione ai Red Lorry Yellow Lorry, fino al cantato che ci riporta ai Killing Joke di Euphoria nel ritornello.

Giunge il brano principe: il chaos erotico di NYCTOPHILIA, ululato di anime corsare e nomadi in cerca di una melodica consolazione. 

X ci riporta al timbro sensuale dei Namnambulu con piccole tracce E.B.M. nella modalità del canto, mentre la chitarra ci mostra un talento che si prende la notte sui polpastrelli struggenti.

La band Torinese cala un altro asso con THE FALL: qui tutto fa pensare che anche la forza più resistente possa cedere davanti alle disgraziate sirene che contorcono i timpani per farli arrendere.

CLIMBING UP THE LONELINESS è la saracinesca che chiude la luce con il tono sidereo di Silvio, capitano di una navicella spaziale che mira al cuore dell’universo, capace di trovare nel solo di chitarra il modo di far arrendere le stelle.

Splendida, triste e magnetica, la canzone racchiude tutto lo spessore di un lavoro che merita un applauso in estensione.

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

10 Aprile 2022

ESTETICA NOIR:

Silvio Oreste - Vocals, Guitars, Programming

Rik Guido - Bass

Paolo Accossato - Drums

Marco Caliandro - Synth, Programming, Back Vocals

https://open.spotify.com/album/25PhdFJ1HVstmjz0Ok7fLf?si=zlk40lkNTK6SGqXpSiL74Q

La mia Recensione: Luca Fucci - Unsolved

La mia Recensione 

Luca Fucci - Unsolved

L’estinzione è la regola. È la sopravvivenza a costituire l’eccezione.
(Carl Sagan)

Anni fa vidi un film “Il giorno dopo”.

Poi la serie televisiva “The Walking Dead”.

Entrambi capaci di mostrare la dannazione del mondo dopo atti di cattiveria e alienazione. Efficaci nello scuotere senza però consolarci: alcune verità sono indiscutibili e inattaccabili. E gli scenari che si presentano davanti agli occhi hanno l’amaro destino di rimanere per sempre. Siamo però fortunati ad avere accesso alla dolcezza e alla tenerezza che non sono atti di consolazione bensì supporti efficaci che non dobbiamo assolutamente lasciare soli.

In tutto questo arriva Luca Fucci, un talento di Firenze che entra dentro di noi con musiche capaci di avvolgere la nostra fatica con dipinti sonori che alla fine veicolano sostegno e poesia.

La scelta di fare musica strumentale in Italia non sempre viene accolta bene, ma questa volta ci sbaglieremmo di molto: ciò che accade dentro UNSOLVED è uno spettacolo di luci, di fiumi in generoso movimento, di sensazioni che con il passare dei minuti diventano una forza inimmaginabile.

Sono dodici candelabri, dodici conchiglie, dodici mantelli, dodici battiti di ciglia che contengono sapientemente gli umori invernali dei nostri pensieri, con la loro devastante necessità di accerchiare il dolore definendolo, senza utilizzare una sola parola, tutto ciò è un miracolo assoluto.

E, come un film muto di inizio del secolo scorso, capisci quanto certe immagini siano boati, flussi roboanti in discesa velocissima.

Luca fotografa l’umore dell’esistenza con tratti di assoluta maestria perché riesce a penetrare il tutto lasciandoci sempre delle energie nuove, sebbene l’umore conosca spesso il colore della malinconia.

Un post-rock che si nutre di elettronica, con fiammate di trip-hop, andamenti post-punk a salutare spesso con chitarre che ci rimandano ai The Cure di Faith e Carnage Visors nella splendidamente buia Flowing Gold, una carezza dal vestito settecentesco, un diamante a strutturare la tristezza verso la nebbia.

Nell’iniziale When We Met realizziamo subito che nella lentezza di un pianoforte dal sorriso basso si può sentire beneficio. E in quel gioco serio fatto di riverbero ed echi troviamo la nostra testa bassa. Poi le note finali ce la fanno rialzare perché è in quello stesso giro di note che si può trovare sollievo.

Shining Tide ci porta nella seconda ondata del post-rock inglese e svizzero dove non è la chitarra ad essere al centro, ma sembrano esserlo tutti gli strumenti utilizzati in un ballo di similitudini denso e fluido. Come se Nyman ed Einaudi avessero deciso di dare a Luca il lasciapassare per questi luoghi magici e al contempo tesi.

Un album che sa essere osceno per bellezza eccessiva: dobbiamo solo chiudere gli occhi ed una navicella del tempo ci porta nei luoghi che Luca fa nascere come se fosse un Harry Potter in prestito nei nostri sogni.

Ed è medioevo, è futuro, è un disco che vince il tempo perché lo circonda di uno spettacolo teatrale come la magnetica Suspended Animation, dal climax estivo e temporalesco.

Tutta la polvere del giorno dopo uno scoppio nucleare arriva con The Lightkeeper: mastodontica gemma di sale nero piena di artigli, con un piano che ci ricorda il Battiato degli anni 90 per una danza mesta senza nessuna festa, con una propensione elettronica che seduce il respiro senza sosta, come un lampo che non basta mai al nostro sguardo. Incanto dal sorriso nero, brano immenso.

Outway è il grasso in eccesso che fatica a camminare e diventa un suono obliquo, una corsa senza ritmo che ci fa danzare come se fossimo oppressi dalla paura.

Con Gateway siamo in un rifugio dei pensieri che subiscono assalti tremendi, il senso di paura ci circonda ed il futuro pare una allucinazione. L’elettronica figlia degli Orb miscelati ai Transglobal Underground diventa un guerriero quasi industriale per un brano davvero apocalittico.

La marcia elettronica militare di Repetition Compulsion ci riporta a quel Brian Eno e a quel Peter Gabriel sperimentali con in aggiunta pizzichi di House rivisitata e tagliata a pezzetti per un volo magnetico, lento e pesante: si può gioire anche con il dolore…

E infatti a ribadire questo concetto arriva la breve Comfortable Pain: sciabolata dalla pelle prog che si posiziona dentro i confini delle nostre paure vestite di graffi.

Luca è generoso e preciso nel dare continuità nella parte finale dell’album con la magnetica Gazing Into The Abyss: partendo dall’attitudine dei Leech e dei Spoiwo riesce a spogliare il post-rock e immergerlo dentro una miscela di acidi e anfetamine dal sapore di menta. Il pezzo è fresco ma allucinato e devastante, un placebo per ingannare la nostra richiesta di aiuto. Assolutamente una manifestazione della classe che non teme di essere distrutta, qui Luca si supera e ci conforta.

Knot è stupore magmatico, veloce, cellula impazzita che prende i Cat Rapes Dog, gli Einstürzende Neubauten e gli Alien Sex Fiend e li porta nella corsa del sogno che tenta il suicidio.

Tutto sembra finire con l’ultima esibizione di classe che è When You Left: un lutto che mostra la sua profondità con note nere e sospese, turbinio dal fare enigmatico che sembra uscire da una seduta spiritica presieduta da Tony Banks mentre cerca di sedurre l’inferno.

Assolutamente indispensabile l’ascolto di questo album per poter avere un elmetto nel cuore e fuori nella nostra mente: Luca Fucci è un artista sublime che dobbiamo coccolare senza dubbi.

Il mio Maestro diceva di un album “Ed è la gioia” ed io all’immenso Alessandro Calovolo dico: “La gioia è tornata ed è sublime nell’essere complicata in queste piume che si chiamano Unsolved”…

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

5 Aprile 2022

L'album uscirà il 22 di Aprile 2022

https://lucafucci.bandcamp.com/album/unsolved?fbclid=IwAR2h4FbyfkshMsT6vY3PCVa8TOYfTJW3s39bK3ztb7EIY7-6hQ_581HERJk

 

La mia Recensione: PGR - D'anime e d'animali

PGR - D’anime e d’animali

“La notte stanca il fiato del giorno” - dalla poesia DUELLO - Alessandro Dematteis

Pessimo modo di iniziare una recensione autocitandosi però…

Nulla è più vicino alla tensione quando sommi talenti si ritrovano in un progetto artistico, tutto conduce alla bellezza e alla ricchezza, ma ha anche un prezzo. E qualcosa si stanca, qualcosa domina, prevale, spinge per poter farsi spazio.

I CSI che diventano tre, pian pianino, e che prendono possesso della notte per mostrare il buio e la sua forza vincente. Perché la notte appare nella sua crudeltà e capacità di dividere in queste undici fiamme punk che arruolano le anime a cui non piace questo mondo. I tre non sono sopravvissuti ad una diaspora, anzi, sono la concentrazione di un succo intenso e purtroppo gustoso.

Sì, purtroppo, perché Gianni Maroccolo Giorgio Canali e Giolindo riescono con la loro cifra stilistica enorme a farci addirittura piacere il fango, l’inferno, le ferite della montagna che frana su di noi.

Un album che è il più punk tra quelli da loro scritti: dove non c’è un ritmo incalzante c’è una rabbia, una attitudine nichilista nascosta dalla scrittura dell’uomo di Cerreto d’Alpi che fa della poesia l’unico modo possibile per farci cadere la montagna definitivamente addosso. Lo fa dando ai suoi versi tutta la potenza possibile vestendola di una luce obliqua ma incantevole. La seduzione è una gran donna, piena di inganni perché mentre ti abbraccia ti stritola.

Questa è la definizione perfetta anche per la musica di queste composizioni: una serie di fascinazioni seducenti che però ti conducono nella loro morsa stritolante. È una scorribanda sonora e poetica, drammatica, ben gestita da Peter Walsh alla produzione, che toglie il fiato perché questo fa la verità, la realtà, la sconnessione totale dalla speranza. Qui non vi è traccia di movimenti positivi verso il futuro. C’è sì una resistenza ma più che altro atta ad essere un lampo di notte: ne indica la posizione nel cielo ma scompare in fretta.

Però le canzoni rimarranno, con tutta la loro ostinata resistenza, non si inginocchiano a nulla, compatte e aggressive, tra i boschi e la foschia notturna.

Giolindo graffia, spiazza, provoca, se ne fotte e ci fotte, si espone, rotola in deliziosi deliri spiazzanti. Gianni è un cannone del cielo che protegge la notte e attacca il giorno con quei giri di basso che sono stalattiti che gravitano in basso da grotte sempre più pericolanti. Lui è un terremoto, cavalca la melodia e sferra pugni, dita che affondano su corde sempre più robuste.

E Giorgino? Questo è l’album in cui è più manifesta la sua libertà, la capacità di miscelare le furie del suo fuoco con tenere melodie spiazzanti. Non lo fermi, lui cavalca la musica con tutta la tensione di cui è composto con annessa la capacità di non essere prevedibile, dove c’è lui c’è tempesta. Che sia antica o moderna.

E Gianni e Giorgio, insieme, sono una orchestra di scoppiettanti scorribande, dove vincono la semplicità e l’immediatezza. 

E un album che profuma di concerto: sembra che debba essere ascoltato una volta sola, occorre stare attenti…che tutto passa, non sono richiesti i documenti, ma è necessario essere svelti ad afferrare la bellezza, che è unica e non è eterna.

Non sono canzoni che timbrano il presente di nostalgia del passato ma del passato ne mostrano la forza e la confusione, dove la lava si è fatta sempre più oppressiva e lancinante. Alcune composizioni ti danno l’impressione di avere un codice per non essere capite, non si possono spiegare, è cosa loro, una appartenenza che però non impedisce di toccarne la bellezza e l’importanza. 

Giolindo, ormai orfano di legami che l’avevano cresciuto, definito, affermato nel suo mondo, diventa un severo osservatore degli orizzonti, dove muore tutto, anche lui, e la sua penna grattugia le cupezze di un presente in cui tutti sono Cesare, andando a morire senza saperlo. 

Tutti i testi sono scariche elettriche, batteria incalzante, chitarra urlante e psichedelica, basso schiaccia tutto. Dove ciò che è mistico e filosofico diventa nutriente per le anime storte che giudicano sempre il primo prurito. E con questo album il Montanaro Giolindo spacca il cielo come il buon fulmine sa fare.

La sua provocazione non viene colta, le sue distanze sono la necessità di un respiro che si possa gonfiare di un ossigeno nuovo e più resistente. 

Le canzoni sono passi ostinati tra gioia e abbandono, tracce di sabbia tra la rabbia e la consapevolezza di anime adulte miscelate alla sfera animale, insita in ognuno di noi…

Non si contesta un album: lo si ascolta e si prende ciò che serve. È un distributore di possibilità e non una piattaforma dove depositare critiche e forme indisciplinate. Questo è un lavoro artigianale, fatto di cura del dettaglio senza sminuire l’irruenza di un contesto che vede i tre non feriti da un album che era praticamente finito e poi, come ogni muro che crolla, ha visto una luce nuova. E direi: gran luce! Anche da una rottura si può trarre beneficio. Lo trovate qui, undici fiamme che illuminano e scaldano. Sta a noi cogliere.

La melodia è leggera, quando ne necessita presenza. Quando la merda invece ci avvolge le caviglie, allora le melodie si impastano di irruenza e fragori, la caverna rimbomba e Gianni spacca e crea crepe. Non si può resistere a ciò che è compatto, si piange tra versi e oscillazioni sonore. E Giorgino non ha età, non è vecchio, anzi, la sua chitarra diventa una giostra che scaraventa l’inutile nel fiume. Come fanno i bambini: non perde tempo, compatto ci lascia tramortiti e ride di gusto. 

Ascoltare questo album attentamente, cioè essere anima in piedi e non solo orecchio che ascolta suoni e codifica, ci offre la fiumana di elementi che, ordinati e confusi, sono pronti a sparpagliarsi dentro di noi, e ci vuole un filtro pulito per calare le dosi dei loro talenti nella nostra carcassa non sempre accogliente. Il problema non è la musica, non è PGR che non va…

D’anime e D’animali è l’ingresso, solo ipotetico, da parte nostra, dentro ciò che sembra necessario può essere messo in discussione. Parole e musica che sono punti di domanda, non solo dichiarazioni. Una parte del mondo, il loro mondo, trova corpo in un album, gran cosa, poca cosa, quello purtroppo lo decide chi ascolta, che spesso manco sa farlo bene…

Intanto io mi sono arruolato: mi metto in fila, tra i mei casi difficili, e marcio verso ascolti sempre più profondi, dove essere assorbito mi rende libero, senza più lamentele e stenti, perché dove c’è la capacità di stare bene anche quando ciò che ascolti è una ferita allora significa che sei avvolto nella benefica attitudine di ascolti che aprono i recinti mentali.

Ciò che è stato è stato…e qui, tra queste 11 canzoni, c’è stato un oceano montanaro che è stato contestato. E chi lo ha fatto non sempre ha davvero avuto ragione di farlo.

Perché un album come questo è una donna dai fianchi scoperti: li si può toccare per soddisfare un piacere morboso, ma, occhio bimbi, che i tre hanno la pelle ad alto voltaggio, potreste farvi male…

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

4 Agosto 2021

La mia Recensione: Reardon Love - Enfant Terrible

 La mia Recensione 

Reardon Love - Enfant Terrible

Members are:

Matt Fletcher - Vocals/Guitar

Esther Fletcher - Vocals 

Josh Chesman - Guitar/Keys

Dan Wilby - Bass Guitar 

Cauly Blake - Drums

Ogni cammino presuppone ricerca, fatica, frammenti, riflessioni ed uno sguardo capace di sintetizzare il tutto e continuare a conservare lo slancio per viverlo. 

Come è vero tutto ciò per la band di Hull che è giunta al quarto singolo: con tutto questo splendore non possiamo che augurarci che presto arrivi un album a soddisfare il nostro appetito.

Vi è qualcosa di magicamente triste, una sensazione che rimane per tutta la durata del loro ultimo singolo “Enfant Terrible”, la convinzione che nel corpo di questo progetto artistico risiedano attitudini dolci che affrontano la vita scrivendo getti di luce che, partendo dal Nord Est inglese, possono arrivare ad albergare in ogni anima attenta del mondo.

Una luce bassa, rispettosa, che non vuole abbagliare bensì essere un tenero punto di riferimento. Come se si potesse essere una stella cometa che viaggia dentro di noi e non nel cielo. 

La canzone può rimandare alla poesia dei New Model Army con la stessa capacità di farci sprofondare in amare consapevolezze. Vi è qualcosa di altamente cinematografico che cattura e ci dona sentimenti multipli e chiaramente generosi, come un mistero che continua a crescere. 

E riescono a farti ballare mettendo nella mente pensieri pure loro danzanti, come sapevano fare i Citizens!, come anche i The Killers, in un flusso che crea piacevole dipendenza.

Non cercherei una definizione del genere musicale proposto: sarebbe limitante e sicuramente offensivo perché la bellezza è tutto ciò che li definisce perfettamente e anche perché nel loro essere accattivanti abbiamo già tutto ciò che ci serve. 

Un basso iniziale, una tastiera, poi la chitarra ed il basso ci portano nella zona rarefatta della voce di Matt e si incomincia la danza con gli occhi lucidi, la commozione arriva ad avvolgerci ed è un sogno ad occhi aperti che nuota dentro queste chitarre che, come complici perfetti, ci seducono.

Ed è seduzione che attraversa lo stomaco e ci paralizza alla fine dell’ascolto: siamo stati testimoni del fatto che si possa ancora scrivere musica e parole per annetterci ad un mistero che per tre minuti e venti secondi anestetizza la superficialità di questa esistenza.

Uno splendido ritorno che potrebbe far nascere la scintilla in molte persone di un innamoramento inevitabile…

Esce l'8 di Aprile 2022

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

4 Aprile 2022

Puoi anche pre-salvare la traccia sulla tua piattaforma di streaming preferita qui: https://kycker.ffm.to/enfantterrible 

My Review: Reardon Love - Enfant Terrible

 My Review 

Reardon Love - Enfant Terrible

Members are:

Matt Fletcher - Vocals/Guitar

Esther Fletcher - Vocals 

Josh Chesman - Guitar/Keys

Dan Wilby - Bass Guitar 

Cauly Blake - Drums

Every journey requires research, effort, fragments, reflections and a vision capable of synthesising it all and continuing to maintain the enthusiasm to live it. 

How true this is for the band from Hull that has come now to its fourth single: with all this beauty we can only hope that an album will soon arrive to satisfy our appetite.

There is something magically sad about it, a feeling that lingers throughout their latest single 'Enfant Terrible', the belief that within the body of this art project gentle aptitudes reside that face life by writing jets of light which, starting in the North East of England, can find their way into every caring soul in the world.

A low, respectful light, that does not want to dazzle but to be a delicate point of reference. As if it could be a comet that travels inside us and not in the sky. 

The song can refer to the poetry of New Model Army with the same ability to make us sink into bitter awareness. There is something highly cinematographic that captures our attention and gives us multiple and clearly generous feelings, like a mystery that keeps growing. 

And they manage to make you dance by putting thoughts in your mind that are also dancing, like Citizens! and The Killers were able to do, in a pleasantly addictive flow.

I wouldn't look for a definition of the musical genre they propose: it would be limiting and certainly offensive, since beauty is all that defines them perfectly and also because in their being captivating we already have everything we need. 

An initial bass, keyboards, then the guitar and the bass take us to the rarefied zone of Matt's voice and the dance begins with shiny eyes, the emotion comes to envelop us and it's a daydream that swims inside these guitars that, like perfect accomplices, seduce us.

And it is a seduction that goes through our stomach and paralyses us at the end of the listening: we have witnessed that it is still possible to write music and words in order to join a mystery that for three minutes and twenty seconds anaesthetises the superficiality of this existence.

A splendid comeback that could give birth to a spark of inevitable love in many people...

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

4th April 2022

Out on th April 2022

You can also pre-save the track on your streaming platform of choice here: https://kycker.ffm.to/enfantterrible 

My Review: Sofsky - Sofsky

 My Review:

Sofsky - Sofsky

A pile of books, two encyclopaedias, the desire to light the fire of memories left to rest and an infinite need to listen to how the night sings songs to the heart.

These are years of electric torches, of neon, of unnatural illuminations that deceive and therefore hurt: I want the lights of lucubration and emotion coming from the sky.

I take my memory and pretend to be on a trip to Lugano, a town I really loved a long time ago, and I crouch down to listen, something that immediately becomes an experience of the senses flirting with each other without hesitation.

In this valley that seems like an ocean at high altitude, five souls completely satisfy me: their name is Sofsky and they have a degree in Beauty and Perfumes.

Because, when music is really beautiful, it smells of uniqueness, invigorating and strengthening the most intimate desires.

In these ten compositions, shades of blue dwell on the skin of grey, because softness and infinity meet melancholy and loneliness.

One jumps in one's seat since questions and amazement grow, in these diamond seconds full of edges softened with wisdom and skill, to convey the feeling that every moment can escape from our ability to understanding.

We should give the word 'delirium' a beautiful meaning: Sofsky modernise the terms because they govern everything that is stale, dirty, unimportant. 

There are sonorous embraces of decades and genres that like cunning wisemen show only hints: it is up to us to become truffle dogs and get our hands dirty to find the secrets of the art of the Lugano guys in depth.

And so, like a book that lights up the heart, in these electric shocks we find the colours of time, the flights of images that separate beauty from filth, we enter the tunnel of night light which illuminates the increasingly dull conscience.

You find yourself crying profusely, you dance like yellow sheep in front of the moonbeams, you reflect like human beings who are constantly brought to light  with this album and you lose yourself with tons of pleasure and spasms.

You listen to it and it seems that places arise in that moment after an earthquake that has silenced everyone. You continue to be silent but this time with shivers, a sensory act that is activated by these voices that are subtle and soft cramps, by this guitar and keyboards that are the queens of enchantment, by the bass and drums that specify everything like dancers with time firmly in their fists, in very capable hands.

Everything is refined, cultured, free, structured so well that it seems you are drinking a red wine produced by the vineyards of the clouds.

Small hints of electronic music give this work the specification of a spectacular debut, where the guitar reigns but without overdoing it.

In silent Lugano, this celestial identity and propensity to create miracles emerges, to close one’s being with the conviction that the true opening towards oneself is represented by the welcoming of all this.

Everything that seems familiar and well-known lasts very little: it is useless to waste time on quotations and comparisons, because we are fed by the show of a mountain swimming in the universal basin of clear and brilliant emotions.

Now in the silence of listening we can witness what sound and smell a monologue of sensuality and polite impetuosity has.

We visit these creatures as students with a stylus pen and the awareness that music is the only miracle that can be repeated without pause and that does not need invocations and prayers: Sofsky are a sign of peace in the belly of a night that through rich melodies electrifies and suspends anxiety.

Off we go then: because talking about perfect things is the right occasion to feel life again as a plain where the wind carries drops of sea and not only of lake...

Song by song

Sleep Cat

In just a few seconds the guitars and voices become streamers for a flight that with an initial Postrock, which includes a nice change of pace, glides towards the final coda with a resounding Shoegaze vortex.

Slowly Breaking

They are able to be versatile and surprising: this song is a poem that colours the skin, a classy performance for the ups and downs, the flights that bring us intense views full of nostalgia. Flavio Calaon's keyboards with Stefano Chiassai's guitar are a frenzy of light, where the other two members know how to delight us in an equally amazing way.

Clusterphobia 

The richness of their talent leads us to open our wings, like a golden eagle that is capable of being gentle. Giona Mattei's bass is a polite but powerful witch, while Nicola Poretti's vocals remind us that one can do better than in the past: they manage to make shoegaze even more interesting by this method that gives it more pathos.

Paradox

The hat flies high because of the emotion, the astonishment, the sense of lightness that embraces heaviness: in this seductive and powerful track, which includes a change that makes you cry like children who have been deprived of their jam, everything happens when there are two minutes and fourteen to go and you are catapulted with an initial Postpunk approach on a new planet. Then it's shoegaze guitars that show their beauty, in contrast with vocals that are Alternative, almost rock. A gem.

Her Shoes Are Wings to Fly

Mouth still wide open, the surprises continue with this song with a bitter taste, a lead arrow that pierces our fears. Undoubtedly their highest moment for the ability to combine their talent with their artistic planning. You can't resist this flash that takes in different musical genres and turns them into a blue, eternal diamond. 

Keyboards seem to suspend your breath, the guitar is a wound that like an oil painting suspends your fatigue, the rhythm section is simply perfect and vocals an extraordinary dreamlike experience.

Different Keys

Indie rock knows how to change its skin with the guys from Lugano and here it goes for a ride in the 90s and then jumps into the present with extreme ability. It's a track that expands our lungs and once again makes us feel the depth of the lyrics, which to tell the truth is such throughout the album. And falsetto, unexpected and soft, gives everything an elegant dress. Class.

Mon Ologue 

How beautiful is the intense amazement that we experience with the beginning: we are enraptured  by keyboards and vocals. Then, as if trip-hop could become less predictable, here it is associated with a guitar that is a drop of water in the air.

Origami Dog

Jeff Buckley's most secret postpunk appears in the first few seconds and then goes away like a Dreampop dance appearing in the beautiful Swiss mountains.

These guys know, have studied and have found their style, which is remarkable and gives joy and dreams.

Traces of Adorable from the album 'Fake' in vocals offer even more magic. Immense.

Tennis Table

Ask who Roxy Music, Can, Durutti Column were, and then look to Lugano: everything evolves to take a path of great excitement mixed with melancholy, a run that is first slow and then faster, and we find ourselves among the clumps of ecstatic grass. You can't be without this rich display of beauty.

Whirlpool 

For a moment we fly back to England, to the early 90s, when Shoegaze and Dreampop could coexist without problems.

As the last track of this gem, the atmosphere sounds like a "bye, see you soon", giving us a listening addiction that we bless.

Generous and heartfelt vocals cling to a music that, starting with a syncopated rhythm, reaches a lightness that makes us think.

A debut to be applauded continuously, a standing ovation more than deserved: come on, take your bags and have a nice trip in the mountain of dreams and thoughts that these five guys can offer with great generosity.

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

March 30th, 2022

https://sofsky.bandcamp.com/album/sofsky