My Review: Black Swan Lane - Dead Souls Collide

 Black Swan Lane - Dead Souls Collide

ALBUM OF THE YEAR 2023

The sky fills with water, a reverse deluge has been spotted by the ever-awake eyes of a man perpetually clinging to his duality, non-confrontational, aimed at living the opposite aspects of life, where good and evil rage relentlessly. An artist who writes about the contemporary like few others, retaining the support of a past that has taught, shown fists and caresses. From Atlanta, USA, we witness an event that, starting from the vault of heaven, descends into our thoughts disarming defenses, gaining applause that smells of adoration with no possibility of changing intention.

Dead Souls Collide is the eleventh album under the Black Swan Lane name, because of Jack Richard Sobel's choice not to give up with what he had created, even though he actually remained the only real musician. All this gives the American author rivers of freedom and chains in continuous diffusion, so that he can celebrate his rays of action with authenticity. We witness an evident compositional maturity, the use of experience and creativity in support of a sonic beam that is still robust and sensual, but adding a mysterious zone born of a skillful interweaving of music and words. He amazes us, confirming that his visionary world is indeed above expectation, painting the sound yes with the usual wall of guitars but managing to blend the messages, the moody and moral propensities toward the intense and gray expressions of a pentagram pregnant with pain and at the same time with confidence, a seductive embrace that knows how to stun and nourish the dimly lit alleys of our thoughts.The Rock formula remains the preferred one, always accompanied by a Post-Punk pulse, gravitating elegantly in waves in which the shimmer and passion for Shoegaze, Alternative and Sad Pop remain well in view, in the design complexity that has always testified to the qualities of this funambulist artist. Songs that shock, slip under the beat, behind the channels of the mental labyrinth to take up residence. Eleven breaths illuminated by the obesity of the world, by a critical will that is increased, specifying itself in the behavioral complexity that, starting from personal, couple relationships, knows how to reach the collective, for a respectful attack against mediocrity.

There is no shortage of surprises, both in style, mental approach, and new rituals that make one think, as is often the case with Jack, of a concept album, to give continuity and depth to this swimming in the time of degradation. What remains intact is his ability to strip away the masks, to deposit the inevitable inside guitars that are full of salt, dissolving our listening in a bath of solitude immersed in water filled with trails. Loneliness is described as both an opportunity and a condemnation that cannot be denied, delegating surely better but not credible opportunities to dreams. Sobel opens the journal of life pregnant with words that know how to break the crystals of security and deception. To do this, his voice is mutated, veering into the most searing and ghostly drama, laying his tonsils on the most bent and mystical sentiments, disintegrating and comforting, taking our breath away, filling our ears with truly commanding intimate connections. 

If the previous Hide in View (2021) and Blind (2022) had shown a more rocky, noisy flair, with rhythm at the centre of every intention, with Dead Souls Collide we come to terms with a truly imposing weighting, with the songs placed one after the other with intelligence, to give the listener the continuity, elegance and sense of a path that, through steps that are never confused, knows how to build an ocean within our tears.Black Swan Lane attack, make visible a wall of notes that scratch the black to leave in the sky the possibility of a white that can at least smile once in a while.

Some waste time looking for the band's roots, the similarities, making comparisons: bad journalism never dies. Rather: let's give this still-unknown molecule a chance to be evaluated in itself, to glimpse originality that is not lacking, to catch a glimpse of something unique that is not hard to discern. Listening reveals a soul that plants its flag in the place of intimacy, a concession that does not serve to become the artist's friend but rather the mode through which one can take a melancholy but lively tour near one's now weary footsteps. The work is dynamic, in this sense, in that it opens the arms of rainbows, and it matters little if the feeling of pessimism seems to win out, for it does not.The beauty of this work consists of an innumerable series of novelties, to make it all sound like a sprint, giving away the pangs and sighs, the upsets and dreams within melodies that seem to have been found under the skin of a highway: whether the rhythm is slow or fast matters little since everything leaks out with precision, matching the roar of the guitars with a wise electronic dose, making the best use of the software and modes granted by modernity. 

The drumming is, as always, dry, expressive, powerful and imaginative, in the cacophonous embrace with the bass, again a protagonist, but in this musical work more at the service of the numerous guitars that, bleeding, deadly, dynamic, corrosive, sensual, manage to be the protagonists of frothing-at-the-mouth songs. The keyboards, piano, and samples are Jack's further form of residency, a fact in itself begun already for at least two albums, to give this outfit a spectacular and unimpeachable poise.The highlighted chaos is a cuddle in the cradle of the quiver, with songs that make people dance, reflect, shake their spirits, for a clear murder of the superfluous. Hard work, meticulous, focused, and needing to shove aggressive but respectful poise in the face. Thrown arrows, chandeliers broken in the face, screams, sand-filled wings, and the swelling breath, hallucinated but aware: further evidence of a completeness that grants no replication. Jack has written his most intense moment: all that remains is to shower in such beauty and decide whether or not to follow him....

Arm yourselves with curiosity: eleven splinters are about to reveal themselves....

Song by Song

1 Covenant

The song that opens the album has hypnotic and mysterious lyrics, with a sly lead guitar that fits perfectly into the scratchy ones, with a keyboard that glues, almost secretly, this envelope to our attention. In the style of the last two works, it shows interesting signs of being able to transport a rock nature to the shoegaze cloud, without overdoing it. Valuable.

2 The Sacrifice

First jolt, within a lyric that knows how to combine criticism and bitterness, in a relational plan that also deals with the religious aspect, with a sound system that alternates a Post-Punk bass with electric and semi-acoustic guitars to reach a Sad Pop refrain that sticks in the mind. The melody is minuscule but capable of hypnotizing, like a cloak of sand on a rainy day. Acidic and powerful.

3 Crushed

In the powerful final solution of a considerable amount of pills as a necessary anesthesia towards relational fatigue, the piece is a powerful animal beat, with the drumming beating, within the interplay of rhythmic electric guitars and arpeggios with semi-acoustic ones. The vocals are a perfectly synchronized mantra with significant structure, as they show (especially with the bass) a deep connection to the songs of their early albums. Pregnant with acid, like a gentle slap in the face, this track underscores BSL's ability to aim well and hit the target. Mighty.

4 Push Me Under

The demons of the mind expose in the lyrics their attitudinal trades, an imbalance, a loneliness, a fall supported by a full-bodied and sweet melody, over a good beat, for a song that confirms the willingness to hold hands with the need to dance syncopatedly with a dreamy structure. A gem to cuddle.

5 Thorns

How perfectly to combine pessimism and positive momentum: brilliant lyrics for a colossal track, with a horror imprint perfectly confirmed by the voice (with its singing) and the instruments, capable of creating tremors. Gloomy and skillful in making the approach of mental death palpable, it finds a way in the chorus and subsequent sound cascades of guitars to stick in the mind. Extraordinary.

6 Forever Lost

Featuring Robyn Elizabeth Abrams on vocals for a very few but significant seconds (emotional, thrilling, an excellent insertion), this sonic gem possesses enormous merit: it leads the memory back to Post-Punk glimmers in a melodic core that comforts, since the lyrics do not allow as much room for smiles. The guitar revolves around the need to combine rhythm and arpeggio managing to stun perfectly: intense.

7 Alone As Me

The most spectacular moment of this eleventh work, the track with the most minutes, like a long drama exposed in a dual mode: a decadent and slow first part, a vibrant second part, then repeating, for a whole that leads directly to weeping. All the discomfort of living seems to collapse within this stage that also allows moments of tenderness. Sepulchral and stunning.

8 Under My Wings.

Without a shadow of a doubt the album's masterpiece: everything works perfectly, showing, among many other things, how Jack knows how to tame his voice and bring it, within a higher and more powerful register, into a hallucinated visual space full of power, giving the words a very convincing acting act. Powerful and surgical in both music and lyrics, he knows how to displace, to lead the listener into a fascine wet with enchanting and desperate tears. Perfect and surgical.

9 A Place Where The Light Dies

Here we are confronted with the tenderness of a musical structure seemingly devoted to sweetness that is quickly shattered by a marvellous chaos, to a singing full of darkness and pain, with guitars at once bleeding and reflective. A perfect summation of Jack left as the sole creator of the whole, free to traverse the possibility of compacting extreme sides and making them coexist with ease and ease. Powerful, dreamy, full of ardor and weed within a dreamy planet. Another prodigy.

10 Ghosts (instrumental)

Perfect coda to the previous song and anticipator of the next one, we find ourselves in the magnetic field of a day when autumn is a light blanket reaching for the sky, tempting tears to tear away their silence. Sweet, bitter, perfect.

11 Inhibitions 

Jack knows the way to give intimacy the perfect sound, surrounding it with mystery, slowing down the frenzy and placing it all, perfectly, as the last track, with a guitar that flexes sadness toward the desire for light. With words that sound like a declaration of love without denying the difficulty of living, he represents Elizabeth for a perfect mantra that slows down every rush for a finale that like perfect glue brings intention and actual possibilities together for a magnetic and meaningful result. Dreamy and necessary.

Jack's best work as a soloist. The intensity expressed gives everyone the possibility of a deep dive into the murky water of our breaths. With subsequent challenging need to structure thought toward new shores.

Old Scribe's Album of the Year: give space to the need to find in music a breath of wind that leads us away from all fragility...

Out on December 12 2023

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

5 November 2023

My Review: Slowdive Live in Manchester - 02 Ritz - 31 October 2023

  Slowdive - Live in Manchester

31/10/2023

Put on an evening in which you are walking on a five-pointed star, without any religious reference, while with rarefied songs you cross the ocean of emotions, raking memories and widening the pelvic radius of ecstatic, calamitous dreams, exuberant with class and restraint. To experience this you must show up to the date in a place predisposed to miracles, whether they are believable or not matters little, and widen your senses in an embrace under the sky illuminated by a band in a state of disarming grace. Having seen all of their tours, the Old Scribe does not need comparisons to establish that on Tuesday, October thirty-one, he witnessed a performance of heterogeneous and soft magnets, where rhythms, sounds, melodies, gentle chaos and noises educated in beauty transported listeners' minds to an imaginative system only partly known, as the presence of new elements was noted. The first surely represented by the perfect amalgamation of a set list that ranged yes between albums but preferred a structure that gave the idea of a journey through time without loading thoughts with nostalgia. An immersion in the most dilated sounds, in the back-and-forth games of guitars pregnant with magic, in the bass to colour the rush and the drums to direct the hips to the sheet of dreams. Spirituality came out of the amplifiers as a new language, full of impressive signs, where everything is contained in an intimacy shown just enough to colour the eyes with new sensations. All the tracks showed the unknown side, with prodigious settlings, as if drained of knowledge to deliver us a new identity. And then the fabulous Sleep to generate a quiver without parachute, a liberating cry along the lanes of a mistral and melancholic reverberation. Fifteen jolts of electricity warmed the air of Manchester's 02 Ritz, paralysing darkness and time, establishing the blood pact with engines brimming with unrestrained melodic fuels. 

Three songs from their recent sublime album: small differences for a great sensory evolution, the undeniable merit of a work that allows you to hear them as if they were newborns looking for love, getting it... Delirium inevitably showed itself, floating thoughts within the invisible notes that flowed into the abdomen.

With Crazy for You (from not so much loved Pygmalion), the psychedelia of shoegaze deals a blow to critics filled with ignorance, making explicit how experimentation, in Slowdive's case, leads to the door of musical paradise, through waves that synthesize the talent of those unwilling to abuse the clichés of success. Elegant, smiling, committed, excellently trained, the five seagulls from Reading give vitamins and cups of tea, make us lie down on a sleeper sofa and listen to the sound of their flights. Certainly the lighting system, their games, helped, for many audience members, to make the connection between the dreamy side and the imagination feel more. But the Old Scribe preferred to close his eyes or watch the stage without distraction: the art of Slowdive is a life lesson to which what comes out of amplifiers educated in composure, grace, minimalist development of textures that shock with intensity and beauty is enough. Rachel, Nick, Christian, Simon and Neil emphasized through this tour how these songs paint their expressive needs at the expense of the selfishness of those who would like to hear other moments of this unimpeachable life and musical journey. Here then is the imprint of the character of these compositions that reveal small and big secrets, perfectly aligned on the pages of this book that can educate the listener toward the endless interactions that were waiting for this uniqueness to define the tip of this star. The album that knew the most space was Souvlaki: not a compromise with the past, but merely a representing the decisive moment in their discography, as if it were a Thank You for the courage of a search that separated the band from their debut work, allowing them to land on new shores. 

Remarkable is the willingness to search for each other again with looks, as an immersion in each of the band's five inner worlds for a result that highlighted the amalgam and willingness to be together that still manages to be fruitful despite the decades having passed, with the danger of seeing skills and potential waning. But no: a play filled with ardor, with refined vehemence, with elegant seeds scattered by instruments full of imagination. A continuous, shocking emotion to give music the power to be an authentic need. 

The concert established the contact between serene souls and the ability not to fear the contrarieties of existence, piloting the wall of noise and reverberations toward stillness...

As always, the dress of songs lends itself to contact with musical suites that shift the centre of gravity of genres toward optimizing resources that are not afraid to knock on the door of mystery. Slowdive are pure philosophy, a need to dig through the dust of the planets encountered.

Small note, perhaps unprofessional, but necessary: the Old Scribe dedicates this review to his wonderful friend Krissy Vandewoude (Whimsical, The Churchhill Garden), thanking her for her (shared) love for the Reading Gulls...

Set-list

Shanty

Star Roving

Catch The Breeze

Sleep

Souvlaki Space Station

Crazy For You

Kisses

Sugar For The Pill

Slomo

Alison

When The Sun Hits

Golden Hair

Dagger

The Slab

40 Days

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

1st November 2023

Pic by Geoff  Shaw (Music, Photography, Running)

La mia Recensione: Slowdive Live in Manchester - 02 Ritz - 31 Ottobre 2023

 Slowdive - Live in Manchester

31/10/2023

Metti una sera nella quale stai camminando su una stella a cinque punte, senza alcun riferimento religioso, mentre con delle canzoni rarefatte attraversi l’oceano delle emozioni, rastrellando memorie e allargando il raggio pelvico di sogni estasianti, calamitosi, esuberanti con classe e moderazione. Per vivere tutto questo ti devi presentare all’appuntamento in un luogo predisposto ai miracoli, che siano credibili o meno poco importa, e allargare i sensi in un abbraccio sotto il cielo illuminato da una band in stato di grazia disarmante. Avendo visto tutte le loro tournée, il Vecchio Scriba non abbisogna di paragoni per stabilire che martedì trentuno ottobre ha assistito a un'esibizione di magneti eterogenei e morbidi, dove ritmi, suoni, melodie, chaos gentile e rumori educati alla bellezza hanno trasportato le menti degli ascoltatori in un sistema immaginifico solo in parte conosciuto, in quanto è stata notata la presenza di elementi nuovi. Il primo sicuramente è rappresentato dal perfetto amalgama di una scaletta che ha spaziato sì tra gli album ma preferendo una struttura che desse l’idea di un percorso nel tempo senza caricare i pensieri di nostalgia. Una immersione nei suoni più dilatati, nei giochi a rimpallo delle chitarre pregne di magia, nel basso a colorare l’impeto e la batteria a dirigere i fianchi verso il lenzuolo dei sogni. La spiritualità usciva dagli amplificatori come un nuovo linguaggio, pieno di segni imponenti, dove tutto è contenuto in una intimità mostrata quel tanto che basta per colorare gli occhi di nuove sensazioni. Tutti i brani hanno mostrato il lato sconosciuto, con assestamenti prodigiosi, come prosciugati dalla conoscenza per consegnarci una nuova identità. E poi la favolosa Sleep a generare un fremito senza paracadute, un pianto liberatorio lungo le corsie di un riverbero maestrale e malinconico. Quindici scariche di corrente hanno scaldato l’aria dello 02 Ritz di Manchester, paralizzato il buio e il tempo, stabilendo il patto di sangue con motori colmi di combustibili melodici senza freni. 

Tre canzoni dal loro recente sublime album: piccole differenze per una grande evoluzione sensoriale, il merito, innegabile, di un lavoro che permette di sentirle come fossero neonate in cerca di amore, ottenendolo…

Il delirio si è mostrato inevitabilmente, facendo fluttuare i pensieri dentro le note invisibili che sono confluite nell’addome.

Con Crazy for You (dal bistrattato Pygmalion) la psichedelia dello shoegaze assesta un duro colpo ai critici colmi di ignoranza, esplicitando come la sperimentazione, nel caso degli Slowdive, conduca alla porta del paradiso musicale, attraverso onde che sintetizzano il talento di chi non vuole abusare dei cliché del successo. Eleganti, sorridenti, impegnati, ottimamente allenati, i cinque gabbiani di Reading regalano vitamine e tazze di tè, ci fanno coricare su un divano letto e ci fanno sentire il rumore dei loro voli. Sicuramente l’impianto luci, i loro giochi, hanno contribuito, per molti spettatori, a far sentire maggiormente la connessione tra il lato onirico e l’immaginazione. Ma il Vecchio Scriba ha preferito chiudere gli occhi o guardare il palco senza distrazione: l’arte degli Slowdive è una lezione di vita alla quale basta e avanza ciò che fuoriesce da amplificatori educati alla compostezza, alla grazia, allo sviluppo minimalista di trame che scioccano per intensità e bellezza.

Rachel, Nick, Christian, Simon e Neil hanno sottolineato, attraverso questo tour, come queste canzoni dipingano le loro esigenze espressive a discapito dell’egoismo di chi vorrebbe sentire altri momenti di questo ineccepibile percorso di vita e musicale. Ecco allora l’impronta del carattere di queste composizioni che svelano piccoli e grandi segreti, perfettamente allineate sulle pagine di questo libro in grado di educare l’ascolto verso le infinite interazioni che aspettavano questa unicità per definire la punta di questa stella. L’album che ha conosciuto più spazio è stato Souvlaki: non un compromesso con il passato, ma solamente un rappresentare il momento decisivo della loro discografia, come se fosse un Grazie per il coraggio di una ricerca che ha separato la band dal lavoro di esordio, consentendo l’approdo a nuovi lidi. 

Notevole la volontà di cercarsi ancora con gli sguardi, come una immersione in ognuno dei cinque mondi interiori della band per un risultato che ha evidenziato l’amalgama e la volontà di stare insieme che riesce ancora a essere proficuo malgrado le decadi siano passate, con il pericolo di vedere scemate capacità e potenzialità.

E invece no: una recita colma di ardore, di veemenza raffinata, di semi eleganti sparpagliati da strumenti pieni di fantasia. Una emozione continua, scioccante, per conferire alla musica il potere di essere un bisogno autentico. 

Il concerto ha stabilito il contatto tra anime serene e la capacità di non temere le contrarietà dell’esistenza, pilotando il muro di noise e reverberi verso la quiete…

Come sempre, l’abito dei brani si presta al contatto con delle suite musicali che spostano il baricentro dei generi verso l’ottimizzazione di risorse che non hanno paura di bussare alla porta del mistero. Gli Slowdive sono pura filosofia, una necessità di scavare tra la polvere dei pianeti incontrati.

Piccola nota, magari non professionale, ma necessaria: il Vecchio Scriba dedica alla sua meravigliosa amica Krissy Vandewoude (Whimsical, The Churchhill Garden) questa recensione, ringraziandola per l’amore (condiviso) nei confronti dei gabbiani di Reading…

Set-list

Shanty

Star Roving

Catch The Breeze

Sleep

Souvlaki Space Station

Crazy For You

Kisses

Sugar For The Pill

Slomo

Alison

When The Sun Hits

Golden Hair

Dagger

The Slab

40 Days

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

1 Novembre 2023

La mia Recensione: Lorenzo Del Pero - Nato il giorno dei morti

 

Lorenzo del Pero - Nato nel giorno dei morti

“La morte e la vita non cambiano mai”

Francesco Guccini

La permanenza degli uomini sul pianeta Terra è una successione di disastri ripetuti, di coscienze private della libertà perché altre, esseri incoscienti,  cancellano l’equilibrio e la giustizia. Ci sono voci che sono corpi pieni di proiettili, fermi, non uccidono, ma mostrano la fatica, la rabbia, l’indignazione, lo studio della fallibilità umana e difendono il corpo di una vita sconfitta con la poesia magica di un lamento dentro note musicali e trame argute, come un termometro lanciato sulle proprie ferite. Il talentuoso Lorenzo del Pero è una di queste sillabe, un uomo in ostaggio dell’infelicità che viene regalata dai potenti, dagli ingiusti, e che ha formato una modalità nuova per non rimanere muto. Un insieme di canzoni straordinarie, non adatte alle persone superficiali, ai ciechi per convenienza, ai sordi distratti da suoni ipnotici che tolgono la capacità di comprendere ciò che accade. Un album che mostra la misura della morte che, spavalda, offre il suo ghigno a chi ama distruggere un dono così prezioso come la vita. Non è un rosario di lamentele bensì una lettura, poetica e potente, che ingloba la scrittura di una ribellione che nasce solo da antenne pulite che possono ricevere e mandare messaggi di riscatto, per nutrire una pianta senza corteccia che aspetta il declino.

Lorenzo ha dato spazio al rock sapiente, quello che usa il rumore solo quando occorre, concedendo spazio ai silenzi e ad atmosfere rarefatte con vocaboli, storie, ragionamenti colmi di vibrazioni nucleari. L’artista pistoiese urla ancora, si dimena e percuote ma, rispetto al passato, trova un equilibrio fenomenale, fatto che gli permette di tenere alta la tensione per tutte e dieci le tracce. Inevitabile pensare che spesso ci vengono alla mente Jimmy Gnecco degli Ours e  Jeff Buckley sotto acido,  mostrando un piglio americano, con chitarre che sono ferite nella carne, per poi adoperare il suo stile cantautorale, come una dovuta anestesia, come il gesto che pone questo insieme sulla bilancia per lasciare tutto integro. Il lavoro con Flavio Ferri e Marco Olivotto ha donato al suo stile e alla sua inclinazione possibilità diverse, direi proprio una crescita notevole, per un perimetro musicale dai confini più ampi, con una fantasia e libertà di esposizione che regalano alla fine dell’ascolto l’impressione di una freschezza e vitalità che meglio si adattano al suo talento, chiaro come la luce di una grotta insanguinata, alla ricerca di un respiro. Si tocca il cielo dove vive la religione, riusciamo a scorgere le carte truccate di una politica schifosa, comprendiamo l’ansia di una soffocante disperazione, constatiamo la lunga fila di sentimenti che vengono schiacciati da comportamenti sempre più indifferenti al rispetto e alla condivisione più pura. Una trascinante processione di personaggi dalle mani pesanti, di storie nelle quali le parole di Lorenzo compiono il gesto sfrontato di una sincerità totale, assumendosi responsabilità e una croce continua, pesante ma necessaria. Principe di approcci nei confronti di chi, come lui, considera il mondo un grande cimitero di rifiuti tossici, si addentra nei vicoli di pensieri che vibrano, con la musica che ispira i suoi percorsi diretti, senza concessione alla falsità. Dato il taglio degli argomenti, ciò che si trova è uno specchio che svela le malefatte, gli sbagli ripetuti, e lui, tramite la sua voce al vetriolo, ci convince della sua autenticità, regalando un imbarazzo che ci fa compiere lo sforzo di crescere. Ruota una molecola di rock intimista, a volte quasi slow core, sicuramente un piccolo ventaglio ad aggiustare la rotta rispetto al suo passato: una modalità espressiva più snella, commovente e ancora straziante, per l’apoteosi che si inoltra nell’alternative prossimo a quello degli anni Novanta. 

I volti, i respiri, le battute d’arresto, i precipizi nervosi sono largamente espressi da una scrittura precisa come un bisturi che, con calore e passione, interviene sulla pelle per renderla ubbidiente al suo senso di giustizia. 

La sacralità è un brusio fastidioso che l’artista usa, schiaffeggiando l’ipocrisia attraverso un apparato fatto di note con l’anima blues, una invocazione che offre il cadavere di un pessimismo naturale, evidenziato ed espresso senza timore. Con la formula di un sistema rock capace di evidenziare la potenza del suono, di ritmiche quasi sempre lente e deliziosamente pesanti, ci si ritrova con il riflesso di un tempo lontano nel quale produzione e arrangiamenti indirizzano la nascita dell’armonia verso un robusto palco che sostiene le torture morali di queste liriche che non concedono pause e tentennamenti. Nato il giorno dei morti è un kamikaze indomito, sorretto da una tempra resistente, un gioiello che scuote e che non scherza affatto: il dolore vissuto, espresso e rappresentato come un rosario ateo, è un boomerang che partendo da Lorenzo arriva a far tremare troni, cieli, ipocrisie, mettendo le divinità di fronte alle proprie colpe. Un disco dove l’amore non è una apparenza di comodo, bensì l'appuntamento con la responsabilità, un impegno che si mette nei panni di una madre mentre perde un figlio, di atti osceni in un teatro ribelle, nel palcoscenico delle movenze come fiumi di barbarie senza via di fuga. Il dito medio, la pulsione punk non serve al poeta del dolore: il suo vocabolario morale è un oceano di consapevolezze che devono diventare uno tsunami innaturale, senza paure, in grado di intossicare i pensieri. Bandisce i tradimenti e con il suo vibrato, il registro alto ma mai tedioso, riesce anche a divenire una carezza, piena di ansia e di progetti, per dare al cielo una possibilità di vedere il nostro pianeta migliorato. 

Impressionante è la miscela di un fare quasi anacronistico utilizzando le nuove possibilità che la tecnologia moderna offre: si ottiene una credibilità che davvero fa dire al Vecchio Scriba che Lorenzo del Pero è cresciuto in modo esponenziale, senza dover rimpiangere le antiche abitudini, non cercando la comfort zone ma con la decisione di gettarsi con ostinazione in una correttezza che l’attuale musica italiana manca di mostrare. 

Di certo il suo osare supera di gran lunga la propensione di colleghi più famosi e amati: questo aspetto depone a favore di questo coraggioso artista che nel suo specificare non teme paragoni, non perde tempo, oscilla sempre tra la verità e il voler modificare la storia. Non subisce ma patisce l’immobilità di un mondo che gli fa venire le rughe nei pensieri. Lotta e conquista una posizione che gli si deve riconoscere su larga scala: un album così potente non lo ascoltavamo da tanti anni. Tocca a noi non sprecare questo invito alla coscienza…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

30 Ottobre 2023

L'album uscirà il 3 di Novembre per l'etichetta Vrec

La mia Recensione: Indro Fiume - Io non sono qui

 

Indro Fiume - Io non sono qui

Granelli di gocce decidono di fare un party nella splendida Venezia: assumono personale qualificato per trasformarsi in musiche che sappiano espandere il desiderio di introspezione e mostrare luci rare. La fila concede una chance, un artista all’album di esordio, animato da cellule in discesa libera nel mare che sa definire e collocare molto bene. Il suo nome è Giovanni Conigliaro, in arte Indro Fiume, e sin dal titolo di questa opera marca la sua presenza, il suo magazzino delle qualità pronte a fuoriuscire, nel tentativo di seminare e fortificare la propria città interiore. Suoni agili sia nella potenza che nella rarefazione del suono, uniti per scuotere il nucleo di testi particolarmente abili nel creare crepacci, sia nel fuoco che nei ghiacciai di ognuno di noi. Una chiara venatura poetica si adagia nei versi, ma sempre con trame che si avvicinano alla filosofia e alla sociologia, con il risultato che scuotimenti, riflessioni e slanci partono proprio da lì per raggiungere il palco delle attenzioni celesti: gli Dèi sapranno abbracciare il controllo del suo sapere.

Un rock che mette in superficie chili di post-punk addomesticato, reso obbediente per via della volontà di spaziare, senza bavagli o capricci. La voce è una miscela di petrolio che è ancora bruciante pur provenendo dagli anni Ottanta, potente, assassina, ma con lo zucchero sulla coda delle parole, capace di frustare e accarezzare, di frustrare i pensieri, di rendere docili le onde di un evidente decadentismo ammaestrato. Un lavoro perfetto, davvero impressionante. Giovanni raccoglie i cocci di un mondo a brandelli, lo fotografa, poi lo ipnotizza, infine lo compatta con splendide cicatrici che mostrano il suo notevole impegno. Colora la vita con circospezione, quasi timoroso, ma poi deflagra maestosamente, equilibrando la tavolozza dei colori che riescono a emergere, solo superficialmente, dalla preferenza verso il grigio. Le chitarre provengono da una precisa intenzione di essere compagne di viaggio di amici sonori che si affiancano con fluidità e armonia, con vertici preferenziali che spesso si mostrano ai cancelli espressivi dei Cure, dei Killing Joke, dei Joy Division e dei Diaframma (soprattutto nella modalità del canto in alcuni brani). Si palesa anche una spinta cantautorale italiana che favorisce emozioni continue, come vascelli che sanno muoversi in agilità anche nei deserti. Ed ecco che un mood progressive si affaccia spesso, insieme a un'onda alternative per un bilanciere perfettamente saldo. Quando arrivano sprazzi di post-rock si capisce come l’universo musicale dell’autore veneziano sia impressionante, vasto, e come la regia perfetta riesca a saldare in modo encomiabile il tutto, elevando e seminando stupori in modalità continua. Non si tratta di imitazione, bensì di un insieme di lezioni perfettamente apprese per poi andare oltre, verso una identità che si mostra originale e sicura. Io non sono qui è un’insieme di particelle piene di creatività, sapienti nel mostrare i danni e poi una riflessione che prima le accudisce, poi le libera rinvigorite. Undici vibrazioni acquee, scie percettive in cerca di un approdo che sappia divenire sabbia fosforescente e nutriente. La capacità di amalgamare visioni, immagini, suoni fa di questa corporazione sonora un incontro doveroso, decisivo, se le braccia della nostra intelligenza si rivelano davvero tali consegnando a Giovanni affetto, stima e riconoscenza. Riuscire a far sentire la tristezza e la preoccupazione come un beneficio che lui stesso trasforma per primo è davvero strabiliante: un’opera a portata di quelle anime che fanno dell’ascolto il primo valore, la prima pedina per arrivare a giocare con la vita raccogliendo il vento pieno di palpiti mai in dispersione. Una esibizione di talento indiscutibile che va posizionata dentro la massa, come urgenza, perché il beneficio del navigare insieme a queste onde è indiscutibile: fuori dalle palle i cliché, le tendenze, che si fotta il sonno culturale italiano (e non solo) e si dia modo a questo artista di avere un palco affollato di soddisfazioni. Un album meraviglioso che arriva sulla coda di questo 2023. Conservatelo nella memoria e usatelo in quanto le sue piume potrebbero conoscere lo spazio nella vostra eternità: la malinconia veneziana ora è una sirena in viaggio all’interno di un caldo applauso…

L'album è in uscita domani, 27 Ottobre 2023

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

26 Ottobre 2023

https://indrofiume.bandcamp.com/album/io-non-sono-qui

La mia Recensione: Gintsugi - The Elephant in the Room

 Gintsugi - The Elephant in the Room

“Non siamo mai così indifesi verso la sofferenza, come nel momento in cui amiamo.”

Sigmund Freud

Questo battito, pellegrino, stanco, voglioso, bianco, scende dal suo trono e si schianta sui piani scoscesi della mente, la centrale nucleare di ogni dolore. Storie, vicende, contorsionismi vari, ben assortiti e mal assortiti, si stringono nell’esistenza che cerca appigli. In questo contesto arriva una donna dalla lingua tagliente, dal polso di ferro, dalla disciplina che si posiziona in ogni gesto, pensiero, con la ferocia gentile, per permetterle un ampio raggio di azione. Si chiama Gintsugi, la voce che scioglie le crepe di metallo per appiccicarsi alla dolcezza, con un piano vivace volto a stregare le stelle, il creato, il tempo per unirli a un esercizio che abbaglia: portare l’oscenità del dolore a scuola, insegnarle la vita e gettarla in mezzo a note vergini ma già ferite… Le corsie immaginifiche, le espressioni mai troppo didascaliche lanciano la giovane artista italo-francese con continuità in un confine mai squadrato, dalle lunghe sponde incontrollabili. Si finisce per tremare, piangere, riflettere, con impianti di luce a visitare l’imprevisto del vivere, i suoi arti spesso poco graziosi, per entrare in una lavanda gastrica all’altezza del cuore. Ci si ritrova, sbagliando, con la presunzione che l’intera opera abbia propensioni oniriche: è la realtà, le verità e le menzogne del vivere che Gintsugi ci mostra, in un pentagramma accordato all’autenticità. Si incontrano modalità espressive che variano, ma che senza dubbio fanno dell’art rock il principale punto di riferimento. Non si possono negare altre matrici, impronte classiche e pop oliate, come garanzia di un progetto molto largo nelle intenzioni, sino a creare un clamoroso concept album, pur magari non avendone avuta intenzione. 

Già a partire dal titolo (una frase idiomatica inglese davvero esaustiva e potente) per continuare con la toccante immagine di copertina, tutto si posiziona, sin dall’inizio, sul piano dell’impresa totalizzante, paralizzante, per concludere nello stato di necessità di continui ascolti. Non è un insieme sonoro fuori dal tempo attuale, non si confonda l’assenza di frastuono come un appiglio verso espressioni  più antiche. La freschezza di questo incredibile talento sta nella maturità, per trasformare la clessidra in un doveroso esercizio di intese al fine di non sprecare nulla di ciò che sta accadendo. Quando, oltre al suo strumento principale (il pianoforte), si sentono gli archi, arrivano piccole vibrazioni nei parchi del suo sentire, posizionando perfettamente il concetto di fruibilità, continua e incessante. La sua dolcezza è una sonda che affonda, porta la schiuma alla bocca per essere sputata, con classe, sui tasti del suo pellegrinaggio emotivo, in un dinamico visitare gli animi, spostando accenti, sciogliendo torsioni e paure. Quattro singoli, due brani strumentali, una cover pazzesca, basterebbero per rendere inossidabile questo disco: difficile che possa subire graffi.

Si prenda Lilac Wine: la splendida cover di Elkie Brooks, del 1978, che parla della perdita di un amante con il conforto del vino ricavato da un albero di Lillà, rivela una portentosa attenzione ai colori della sua ugola e viene cantata come se quel dolore le appartenesse, orchestrando il tutto in una miscela di lacrime e speranze.  È proprio questo magnetico bisogno di affrontare quello che è disagevole e contrario a insegnarci molto sul piano umano. Le musiche sono il suo primo vocabolo, il suo nascente nervo, il crescere confrontandosi con suggestioni senza freni, con il fiato infinito, il suo affiancarsi a riflessioni che trovano voce nelle note, perché non si attribuisca solo alle parole il ruolo di comunicare pensieri…

L’elettronica, i timpani, i tamburi, quello  che sembra laterale alla struttura è invece un magnete quasi invisibile che compatta queste cascate espressive, emotive, razionali, che diventano spesso maree struggenti, incontrollabili. Ci si può schiantare davanti questo insieme, occorre essere preparati e molto forti.

Sono composizioni che rivelano impeti, capogiri, pianificazioni tenuti insieme da un arco equilibrato che sa scagliare frecce nel cielo di ogni imprevedibile bisogno. Gintsugi è una direttrice d’orchestra di un tutto che ci arriva addosso, adoperando momenti più accessibili ad altri nei quali ci si sente gettati violentemente a terra. Le sue peculiarità vengono, facilmente direi, riassunte da una voce e dalla modalità del canto che oscilla, come un’altalena mistica, nel tempo, per spostarsi, avendo grandi punti di riferimento, artisti che hanno fatto la storia dell’interpretazione. Doti naturali, innegabili, però si consideri anche che in questo album non possono sfuggire studi profondi, accurati e intensi: tutto doveva profumare di un odore prossimo alla perfezione. Quando i suoni dell’ugola si assentano (dopo aver procurato intensi traumi), la parte musicale fa altrettanto: non c’è competizione, bensì un acclimatarsi nell’unica direzione voluta che è quella di non essere solo performanti ma soprattutto efficaci. Si riscontrano momenti di grandi fragori (l’iniziale Mon Coeur e Hex), per poi sentire il fruscio delle nuvole accarezzare i nostri capelli, sino a penetrare il cranio e ad arrivare al cervello. In quel luogo, grazie a questi sfavillanti terremoti sonori, tutto si fa argilla, in uno stato febbrile. Si sfiorano attimi in cui la tensione pare prossima all’horror, dove le nuvole degli accadimenti umani sembrano schiantarsi e cadere sino a raggiungere il ventre del pianeta terra. Altri, invece, in cui le canzoni sembrano respiri invisibili, imprendibili, che veicolano colori pieni di vita. La sofferenza, in questo innegabile capolavoro, non è un impedimento: direi invece una occasione per imparare, trasformare il nero in un atto di vincita. Esiste lo spazio per i sogni, possono essere visti, coccolati, vissuti in queste tracce? Assolutamente no, ed è proprio in questo aspetto che si deve esaltare la grandezza di una donna che cammina a testa alta con il vento della contrarietà che l’affronta, uscendone a pezzi: Gintsugi ha una serie di armi dolci e potenti per vivere il presente come una volontà e attitudine. Il Vecchio Scriba scriverà presto una recensione sui testi: altri miracoli che rendono questo ascolto un beneficio doveroso e piacevole, soprattutto istruttivo. In un brano specifico vediamo emergere la sensazione che lei abbia imparato ad attingere da una fonte preziosa: il brano è To Grace, figlio splendido delle assurde capacità visionarie di Tori Amos. Molte sono le frequentazioni del suo potente background, ma nessuna poi così decisiva: il suo più grande merito è quello di possedere uno stile proprio, intrigante, strabordante, capace di una identità personale indiscutibile. Prodotto da lei stessa e dalla Beautiful Losers di Andrea Liuzza (anch’esso presente nell’album), questo vascello di piume risulta compatto, in uno slancio che pare portare dietro di sé scie di lacrime sorridenti in un giorno in cui tutto sembra essere sottoposto al duro giudizio di un cielo pieno di lampi. Nove esplosioni con le redini, dove tutto ciò possa andare all’interno di una pellicola per posizionare il proprio destino: un esordio così potente sarà una delle meraviglie che rimarranno nella sfera temporale per la durata dell’infinito.

Non scriverò la recensione canzone per canzone, perché non puoi entrare dentro il vento e perché per vedere una rosa sbocciare non puoi mettere le dita al suo interno…

Rimane la convinzione che questo sia il primo vero CAPOLAVORO dopo tanti anni, e per farlo rimanere tale bisogna essere discreti: lo si ami, lo si ascolti, lo si porti nel centro del nostro bisogno, ma si tenga sempre una distanza che si chiama rispetto, in quanto Gintsugi lo merita più di tanti altri…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

19 Ottobre 2023

In uscita il 20 Ottobre 2023

https://gintsugi.bandcamp.com/album/the-elephant-in-the-room-2