My Review: Be Opened By The Wonderful

James - Be Opened By The Wonderful

The sky of a thought is often made of metastases, of arthritis, of fatigues that cling to the rays to glide to earth.

When it happens above the one in Manchester, the chest swells with shivers: the city of the Smiths welcomed those who had been born before them, those James who opened the dances at the Haçienda on a rainy day in 1982. The following year they debuted with Simone, the first medieval smile of the musical capital of the north, to happily conquer anonymity, surrendered as supporters of Morrissey's band, only to return to the bench where the lights embrace, mute, with their feathers closed.

The nine members decide to write a new episode in their career: there is no room for nostalgia or commercial actions such as a Greatest Hits to fall into this sterile game. Then it happens that the memory of an unrecorded evening conquers space, generating the idea of entrusting their careers to the hands of that conductor who in 2011 had impressed, fascinated, trained the hearts by making James feel in a long dress, as if the theatre were allowing them to attend a play in which they themselves ended up on stage, doing nothing.... James have always been synonymous with magic, with small tremors in the neuralgic areas of the chest, where night and darkness are not relatives or housemates, but souls on a journey.

The album is actually the precise gesture of a fan who has built his reputation over the years as one of the most skilful conductors. A truly Mancunian, he involved the large group in integrating desires, planning and playing without a flag inside a recording studio for four intense days. Joe Duddell chose the songs, he watered without taking away the roots of those sound squirrels that have won the respect of the listener, right from the start. This is where the first miraculous phase manifests itself, the first chalice to be raised: do not spoil, do not sully, do not take away the sacredness. Good: not only the orchestra but also a choir, made up of shivers without chains, free to enter into the enlightened and illuminating words of Tim in order to walk above the clouds. The band consists of eight musicians, plus Booth on vocals. Many of them multi-instrumentalists, with a deep knowledge of classical and baroque music, especially Saul Davies, who, having arrived in 1989 as a guitarist, quickly revealed himself to be an excellent violinist. And of violins these songs have not only the sound, but more than anything else the elegance that makes harmony and melody two enchantments within kissing distance. The xylophone, the cello, the trumpet, the timpani, the accordion, a multicoloured bandwagon, ready to move to the crossroads to park their quality and wait for the right reflexes to rise again. Be Opened By The Wonderful is a bundle of twenty benches tilted towards sweetness, emotion, the orgasm of dopamine-distributing cries, conceived and developed to keep what happens at their concerts going: whipping, stroking, changing the songs all the time. That's it: a large enclosed space in a studio so that only the emotions, the artistic needs can fly out, in the carillon of pleasure seeking the right sound. James range through the sampler of talent, enthusiastically renting out their catalogue to the master and letting performance anxieties take a back seat. Once the set list was decided upon, everything calcified, with the imprints of mastery letting us know that the band known for being folk, folk-rock, indie, alternative, electronic, could solidify it all by diving into the aristocratic movements typical of classical music.

Some compositions retained their framework, others saw, through precise and showy arrangements (some joyful, others with the salt of tears in free fall), proudly take the road of loving effusion: all Mancunians' songs are angels with a single feeling...

War, mass discontent, death, constant striving, monarchy, remained intact, but with the enormous capacity to be better understood. It may be the dilation, the decrease in rhythm), the little presence of drumming (but when present, David Baynton Power is, as usual, outstanding ), the willingness to mix with world music as well. The fact is that, while listening to these spiritual guides, nostalgia ceases to make any claim whatsoever. Like a strange, peculiar birth, in which one knows the face and has already decided on the name of the unborn child, but with the story still to be written, it does not even seem to have incorporated them into our feeling and our need. One suffers a great deal in certain episodes and smiles even more in others, when every voice, every instrument, every word, every sound launches itself towards positivity, the only missing sky in this existence of ours. It is not a pop record, it is not an outing where commitment is absent: BOBTW is the sponge that swells the chest to release mineral water, full of proteins, vitamins and substances that dissolve in the ceiling of our understanding. In the saturation of inconclusive music, of great aligned flaws, of extravagances without content, listening to this complex work does not make it any easier for those seeking abstention. Exactly the opposite. The Bluesprint Studios in Manchester allowed the tracks to head inside themselves, among complacent vipers invited to leave those places immediately: with the usual refined elegance, the notes found their dimension, spread out, excited, realised, dragging the oxygen towards an unusual happy hour. The piano, an ironic and fundamental instrument, played by Mark, was flanked by that of the orchestra, for a repetition of butterfly flights, where the sweetest expressions matched the most ungainly ones of a guitar or bass. One track, recorded to be part of the next album, found its place as its electronic nature had no distance from the others, in a furious dance of joy with the stars in celebration. Tim has mellowed his human reception even more, giving his singing a way of presenting itself as a schoolboy in an apron, dirty with life, with games in his uvula, riots by assumptions that have managed to twist the listener's stomach. England is safe now, its path breathes a sigh of relief, for no band has the sense of modernity chained to methodologies stretching back to the 1920s like James. History does not trust the present, we know that, but in this record everything seems to separate itself from conventional and conservative practices. It is badly and too often thought that experimentation is an affair of modernity, of the present day. The quotas, the specifications, the ramifications that one touches with one's hand as one listens confirm Brian Eno's words: no one anticipates reality like the band born in 1982. Better even than itself, because it continues to surprise itself first. A waltz, a tango, a sensual dance seems to register residence by declaring allegiance. It is enough.

The slow strings lighten the anxieties and condense them towards exercises that the birds are aware of. Everything shifts, allowing the repetitiveness of the guitars to tighten up, to remove masks. Watery flights that make infant dreams already capable of a language and the consequential message: not only does Tim step on the toes of human history, so do the orchestra and the band, as each song has a direction, a task that arouses curiosity and creates confidence, resulting in a fearless overture of thoughts. Each sound fragment goes beyond the task of creating a showcase to display one's work, as there is a destiny to be assigned, a meaning. The oddities, the difficult moments, the misunderstandings (of which human affairs abound on a daily basis), also come forward here, generating a cloud of yellowish dust, which cheers and fortifies. The old songwriting has been put under pressure, besieged, but always with the cuteness that distinguishes them, for new impulses capable of generating amazement under the sky. The orchestra confirms the belly pop genius of many sound butterflies, sedates them, stuns them, pinches them and then lunches them together. If we take the band's two best-known songs as examples (we will see which ones later), we realise the courage, the absolute discipline of carrying within them a multifaceted identity, in which nothing is hasty or inconclusive. The obscurity of songs that inexplicably did not find a place on this album uncorks a bottle of champagne: cleaned up, connected to the magic of classical music's attitude, they do not even seem related. The work of the choir (above all the celestial Why So Close), filled Tim's voice with new rainbows, enriching the analytical geometries of the lyrics with additional support. Touching what one has memorised, loved, believed in, grown up with resembles a crime, a wrongdoing. Instead, the miracle is exaltation, measured, whispered, without shrieking, with that lightness from which they absolutely cannot separate themselves.

Now it is time to cross these clouds, the feathers, and feel the heart as a muscle capable of migrating to the joy of nameless places, but with the knowledge that the story of these compositions has been able to transcend, to cross over, to separate, to make its core a melodic laughter…

Song by Song

1 Sometimes

From the album Laid

The most frequently sung song in the pubs of northern England immediately demonstrates a willingness to strip away flesh and pulp and keep the skeleton: it is up to the voice and strings to determine the depth of a song that is an invocation to pay attention to the events in the sky and at the same time to the truth that establishes its perimeter in the eyes, where the soul perceives the value of people. When the piano in the second part enters, everything seems to settle into a secret kiss, until the moment when the explosion of the chorus raises the chills, making one lose strength, in the swamp of restless tears...

2 Love Make A Fool

New Single

The new track, excluded from the forthcoming work, is a slowed down, civilised techno machine gunshot, released on a Monday night for dancing alone. The carpet, the obsessive handclapping, Tim's vocals like the refined groan of a dulled orgasm, allow us to appreciate the vitality of the band, which retains the style, but gives itself permission to experiment again.

3 We're Gonna Miss You

From the album Millionaire 

Taken from from the penultimate album with Brian Eno's production, WGMY reveals its Eighties nature (guitar in the odour of The Police), but with that lightness that gives the sound system the chance to benefit from the cadenced violins, the tuba, the simplicity of a four-quarter drum that seems to be a stick swimming smoothly in the sea of this delicate extension of the lack of affection. The final chorus, repeated, without instruments, enters as hard as a halfback tackle: the song must be freed of all misunderstandings, and it is essential to end it in full melodic explosion. A diamond it already was, now it has taken on even more light...

4 Tomorrow 

From the album Wah Wah 

For the old scribe, masterpieces are few, often useless, in the welter of ever less recognisable beauty. But Tomorrow.

Invigorated without increasing its watts, found the crevice where to insert an approach that verges on perfection, this version is a tear in the eye as it awaits its execution, its last breath. James kisses it, gives it a warm peck on the cheek and launches it straight into pop verticality, with the care to keep its sacredness preserved... Chloe's backing on vocals is a feather that intoxicates the lungs of Tim's trembling timbre. If there is a song to say to life 'I won't leave you', this is it...

5 The Lake

B-side of the single Laid 

The b-side of the single Laid is by far the most brilliant, touching, thrifty, sweet moment of this album. Everything turns to ice with arteries full of dreams as the orchestra's storm of thunder-driven strings seem to measure the moon's patience. As if the 1950s were compressed into a song, everything goes further back, further away, with the ability of the arrangements to make us feel the waters of the Mississippi. Thunderous, slow, tepid, a gluey thrill will enter your curtains...

6 She's A Star

From the album Whiplash 

Joe Duddell sensed back in 2011 that it was possible to combine the song's sweetness with the drama of a misunderstanding: the lyrics are a trap, and the conductor understood that. A different pathos has to be given, to remove the somewhat rough patina of the original version and colour its walls with chills and fears. The cello hides, bends its back, leaves room for the violins, but then, slyly, arrives and decrees the apotheosis, leading the story's couple to flee into a music that seems to create the same effect (though it is not) as Fado, with the sadness that does not pull its nails away from happiness…

7 Lookaway

From the mini album The Morning After

A few electronic diamonds open the dance of awareness: slowly the song arrives at the stoplight, gaining courage, first with small electric guitar cues, then managing to pierce any resistance with vehemence. And the pop soul caresses 1970s folk, with a guitar arpeggio that is swallowed up by ravenous yet sensual strings

8 Sit Down

Single from 1989

The manifesto of empathy, of communion, of sharing, of faith hanging on insecurity, knows a different spirituality, changing the approach, refusing the repetition of one miracle to create another, all new, all so ancient... Sit Down here is a rubber band on Tim's warm syllables, a curbed waltz, a legal theft towards the melodies of the smoky Manchester clubs of the 1950s, where every song was a poem full of blood. With the rhythm section removed, it all sounds like a 1400s fresco with the absolute cunning of being able to overtake time…

9 Alaskan Pipeline

From the album Please To Meet You

What weapons does the beauty of timeless enchantment use? Those at the disposal of the awe-inspiring vapours coming out of a revisited ballad, brought to the ER, where the Doctor of melody operated in the channels of one of the most touching performances ever. James overdo it here: they pilot the mud-filled sludge eager for a bath inside this miracle, laying it down with xylophone drops, a trumpet embrace and Chloe's vocal, as the last razor's edge to make poignancy the sweetest of defeats...

10 Someone's Got It For Me

From the album Millionaire 

The victims who sing of suffering are all pressed together in this modern funeral march, in which there is no lack of brushstrokes of thunderous colours ('To be born again', in the refrain), but the epidermis plunges in a plunge into the pain that here is accentuated first by the toxin-filled violins, then by the impact (again in the refrain) of the distorted guitar and the drums that seem to make everything die even more, until Tim in the finale raises his singing beyond the miracle, which not even the song can accomplish, however, surely, his is the movement of a soul that has been able to incline its uvula towards the earthly zone of perfection... Like a ball that deflates with dignity, so does the song in its fade-out...

11 - Hey Ma

From the album Hey Ma

Mistakenly referred to as the interpretation of 9/11 (also, but not only), Hey Ma, besides being the title of an unfortunate album because it did not get the reception it deserved, is also the title of an impressive intellectual vector, with its polite rock nature, and in this case the orchestra had less need to alter the original version. Slow, without a drop of sweat, it manages to make you dance towards the end, like a bubble playing with the grim reality, that stage of unconscionable violence, which Tim tries to educate to dissolution...

12 Hello

From the album Millionaire 

At last many can appreciate the magic of that fairy called Chloe. The perfume comes out of her mouth, with the gills of the orchestra working almost in the background, in a whisper, as the end of human existence is greeted with extreme grace and respect, in the din of a waning dream first, dying later. So does the music, in its jerks, but not bothering the text, remaining in the background to bear witness to another jewel...

13 Beautiful Beaches

From the album All The Colours Of You

Having eliminated the electronics (the only song on their wonderful album two years ago), the song picks up the flames that threatened to burn down the singer's house, only to extinguish them with a propensity for slowness that benefits everything, in a spiral that certainly knows the mode of the Parisian streets of the 19th century. Princely, warm, it exerts a precise will to give the text the sceptre, without disdaining a melodic approach that eventually bewitches...

14 Why So Close

From the album Stutter

Perhaps for many less convincing than the original (from their 1988 second work), it certainly has the ability to filter the nature of the folk music to deliver harmonious tracks in an a cappella mode, like a challenge between Tim and the choir. A pacifist song, anomalous in both lyric and musical mode, it finds its way by making the old medieval nature its own and brings it to the feet of heaven in the resounding finale…

15 Medieval

From the album Strip-Mine

The only survivors from that period are Tim and Jim, the bass player. The musical zones of the time were firmly in the folk lane, old-fashioned, with martial metrics, allowing the drumming to manifest strength and hold a firm pulse. Through it all, the singing sounds like the heralding of the victory of peace...

16 Hymn From A Village

From the James II single

The first James song to be written. 

Manchester is a cursed treasure chest: how many enchanting secrets lie in the chambers of selfish listening... This is no exception: a carnival, a harlequin descending into the notes to bring the life of a village in the 1500s into view. A dance, a revelry, a celebration, and the tribute to the preservation of positivity...

17 Say Something

From the album Wah Wah

Dialogue as a vital beat, the proportion of values leaving home. James decide to take away the impetus, to rely on the subtle sting of the orchestra and thus see the magnetic trend of a track that finds itself within the hourglass, whose component is not salt but love.... And the final guitar is the sweetest of handshakes...

18 Top Of The World

From the album Gold Mother

Remember. One of their albums ended with this muted firework, the shampoo to melt the grease of a vertigo, to reach the top of the world with obstinacy and conviction.

Well: almost everything preserved, small shifts, small torches to illuminate, like a polite breath, the brilliance of a timeless text. The flavour finds its blanket, the strings knead the rhythm and it swings ...

19 Movin On

From the album La Petite Mort

"Leave a little light on," sings Tim, at the moment when, in the lyrics, a breath knows a first pause, then a second, then the elegant exit, where the silence blends with the silent tears of the singer who decides to write the sweetest song about the handover, between the breath and its absence... He and Chloe stroll between the words, while the psychedelic guitar sounds like a choked cry, and the violins, for their part, seem to want to hasten the moment of the passing. Then Andy, the human being whose mouth inflates the air with magic, blows into his feather-filled trumpet THANK YOU MY MOTHER, and plunges us into the least corrupt cry ever. If perfection has a light that fades softly it is among these notes...

20 Laid

From the album Laid

'A disease without a cure': if that were the case we would all be out of breath by now. Instead, James surprise again by finding it: a gem that polishes the fear and makes one return home, to continue every disaster with the relief of a faith that dwells in the soggy soul of a lyric that, dropped in the warm notes of the acoustic guitar and a resounding cello, finds the place to suggest a story where the psyche seems like a scare in the mad lane of the wind. Insecurity ("Ah, you think you're so pretty") does not invalidate, does not harm the hidden enthusiasm of a man who still wants to caress the skin of his beloved. The band, the orchestra, tune in to the stave of chance at any cost and everything is filled with emotion, and, as the falsetto comes in to stun us, it becomes the perfect way to end the listening to a miracle that can be repeated whenever the love of beauty finds itself in reserve.

There is a delivery coming: leave the door of your heart open, because this album will take care of it...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

11th June 2023

James:

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La mia Recensione: James - Be Opened By The Wonderful

 James - Be Opened By The Wonderful

Il cielo di un pensiero è fatto spesso di metastasi, di artriti, di fatiche che si aggrappano ai raggi per planare sulla terra.

Quando accade sopra a quello di Manchester il petto si gonfia di tremori con la brillantina: la città degli Smiths accoglieva chi era nato prima di loro, quei James che aprirono le danze all’Haçienda in un giorno di pioggia del 1982. L’anno successivo esordirono con Simone, il primo sorriso medievale della capitale musicale del nord, per conquistare felicemente l’anonimato, ceduto come supporter della band di Morrissey, per poi tornare nella panchina dove le luci si abbracciano, mute, con le piume chiuse.

I nove membri decidono di scrivere un episodio nuovo della loro carriera: non c'è spazio per la nostalgia o azioni commerciali come un Greatest Hits per cadere in questo gioco sterile. Poi accade che la memoria di una serata non registrata conquisti spazio, generando l’idea di affidare la propria carriera alle mani di quel direttore d’orchestra che nel 2011 aveva colpito, affascinato, ammaestrato i cuori facendo sentire i James con un abito lungo, come se il teatro concedesse loro di assistere a una recita nella quale sul palco finivano loro stessi, senza fare nulla…. Da sempre i James sono sinonimo di magia, di piccole scosse nelle zone nevralgiche del petto, in cui la notte e il buio non sono parenti o coinquilini, bensì anime in viaggio.

L’album è in realtà il gesto preciso di un fan che negli anni si è costruito la reputazione come uno dei più abili direttori di orchestra. Mancuniano D.O.C., ha coinvolto il folto gruppo a integrare desideri, progettazione e giochi senza bandiera dentro uno studio di registrazione per quattro, intensi giorni. 

Joe Duddell ha scelto le canzoni, ha innaffiato senza togliere le radici a quegli scoiattoli sonori che hanno conquistato il rispetto di chi li ascolta, sin dall'inizio. Qui si manifesta la prima fase miracolosa, il primo calice da alzare: non rovinare, non imbruttire, non togliere la sacralità. Bene: non solo l’orchestra ma anche un coro, composto da brividi senza catene, liberi di entrare nelle parole illuminate e illuminanti del buon Tim per poter passeggiare sopra le nuvole. La band è composta da otto musicisti, più Booth al canto. Molti di loro polistrumentisti, con una conoscenza profonda della musica classica e barocca, soprattutto Saul Davies, che, giunto nel 1989 come chitarrista, ha rivelato in fretta di essere un violinista eccelso. E di violini queste canzoni hanno non solo il suono, ma più di tutto l’eleganza che rende l’armonia e la melodia due incanti a portata di bacio. Lo xilofono, il violoncello, la tromba, i timpani, la fisarmonica, un carrozzone multicolore, pronto a spostarsi negli incroci per parcheggiare la loro qualità e aspettare i riflessi giusti per alzarsi nuovamente. Be Opened By The Wonderful è un fascio di venti panchine inclinate verso la dolcezza, la commozione, l’orgasmo di pianti che distribuiscono dopamina, ideato e sviluppato per far continuare quello che accade nei loro concerti: frustare, accarezzare, modificare le canzoni sempre. Ecco: un grande spazio chiuso in uno studio per poter far volare fuori solo le emozioni, i bisogni artistici, nel carillon del piacere che cerca il suono corretto. I James spaziano nel campionario del talento, affittano con entusiasmo il proprio catalogo al maestro e fanno mettere a sedere le ansie da prestazione. Una volta decisa la scaletta, tutto si calcifica, con le impronte della maestria a farci intendere che la band nota per essere stata folk, folk-rock, indie, alternative, elettronica, poteva solidificare il tutto tuffandosi nelle aristocratiche movenze tipiche della musica classica.

Alcune composizioni hanno mantenuto la loro ossatura, altre hanno visto, tramite precisi e vistosi arrangiamenti (alcuni gioiosi, altri con il sale delle lacrime in caduta libera), prendere con fierezza la strada dell’effusione amorosa: tutti i brani dei Mancuniani sono angeli con un unico sentimento…

La guerra, lo scontento di massa, la morte, lo stentare continuo, la monarchia, sono rimasti intatti, trovandosi, però, con la capacità enorme di essere intese meglio. Sarà la dilatazione, la diminuzione del ritmo, la poca presenza del drumming (ma quando presente, David Baynton Power è come al solito strepitoso!), la volontà di miscelarsi anche con la world music. Fatto sta che, mentre si ascoltano queste guide spirituali, la nostalgia cessa proprio di avanzare qualsiasi pretesa. Come un parto strano, particolare, in cui si conosce il volto e si è già deciso il nome del nascituro, ma con la storia tutta da scrivere, ecco che non pare nemmeno di averle già inglobate nel nostro sentire e nel nostro bisogno. Si soffre moltissimo in certi episodi e si sorride ancora di più in altri, quando ogni voce, ogni strumento, ogni parola, ogni suono si lancia verso la positività, l’unico cielo mancante di questa nostra esistenza. Non è un disco pop, non è una gita in cui far assentare l'impegno: BOBTW è la spugna che gonfia il petto per rilasciare acqua minerale, piena di proteine, vitamine e sostanze che si sciolgono nel soffitto della nostra comprensione. Nella saturazione di musiche inconcludenti, di grandi pecche allineate, di stravaganze senza contenuto, l’ascolto di questo complesso lavoro non facilita per nulla chi è alla ricerca di un’astensione. Esattamente l’opposto. I Bluesprint Studios di Manchester hanno consentito ai brani di dirigersi dentro se stessi, tra vipere compiacenti invitate a lasciare immediatamente quei luoghi: con la consueta raffinata eleganza, le note hanno trovato la loro dimensione, si sono  sparse, eccitate, realizzate, trascinando l’ossigeno verso un happy hour inconsueto. Il pianoforte, ironico e fondamentale strumento, suonato da Mark, è stato affiancato da quello dell’orchestra, per un rimpallo di voli di farfalle, dove le espressioni più dolci si sono accordate con quelle più sgraziate di una chitarra o di un basso. Un brano, registrato per far parte del prossimo album, ha trovato collocazione in quanto la sua natura elettronica non presentava distanze con gli altri, in un furibondo ballo di gioia con le stelle in festa. 

Tim ha ingentilito ancora di più la sua umana accoglienza, dando al suo cantato il modo di presentarsi come uno scolaro con il grembiule, sporco di vita, con i giochi nell’ugola, tumulti per presupposti che hanno saputo far attorcigliare lo stomaco di chi lo ascolta. L’inghilterra è salva ora, il suo percorso tira un sospiro di sollievo, perché nessuna band ha il senso di modernità incatenato alle metodiche che arrivano sino agli anni Venti come i James. La storia non si fida del presente, lo sappiamo bene, ma in questo disco tutto sembra separarsi dalle prassi convenzionali e conservatorie. Si pensa malamente e troppo spesso che la sperimentazione sia un affare della modernità, dell’attualità, insomma dei giorni nostri. Le quote, le specificazioni, le diramazioni che si toccano con mano all’ascolto confermano le parole di Brian Eno: nessuno anticipa la realtà come la band nata nel 1982. Meglio anche di se stessa, poiché continua a stupirsi per prima. Un valzer, un tango, una danza sensuale sembra registrare la residenza dichiarando fedeltà. Ci basta.

Gli archi lenti alleggeriscono le ansie e le condensano verso esercizi di cui gli uccelli hanno consapevolezza. Tutto si sposta consentendo alla ripetitività delle chitarre di stringere sodalizio, di togliere le maschere. Voli acquatici che rendono i sogni infanti già in grado di un linguaggio e del consequenziale messaggio: non solo Tim pesta i piedi della storia umana, lo fa anche l’orchestra e la band, dal momento che ogni canzone ha una direzione, un compito che sollecita curiosità e crea fiducia, per il risultato di una overture dei pensieri senza paura.

Ogni frammento sonoro va oltre il compito di creare una vetrina per esporre il proprio lavoro, in quanto c’è da assegnare un destino, un senso. Le stranezze, i momenti difficili, le incomprensioni (di cui le vicende umane abbondano quotidianamente), si fanno avanti anche qui, generando una nube di polvere giallastra, che rallegra e fortifica. L’antico songwriting è stato messo sotto torchio, assediato, ma sempre con la carineria che li contraddistingue, per pulsioni nuove capaci di generare stupori sotto il cielo. L’orchestra conferma la genialità pop del ventre di molte farfalle sonore, le seda, le stordisce, dà loro un pizzicotto per poi pranzare insieme. Se prendiamo come esempio le due canzoni più note della band (vedremo dopo quali), ci accorgiamo del coraggio, dell’assoluta disciplina di portare dentro di loro un’identità multiforme, nella quale nulla è sbrigativo e inconcludente. L’oscurità di brani che inspiegabilmente non hanno trovato ascolto in questo album stappano una bottiglia di champagne: ripuliti, connessi alla magia dell’attitudine della musica classica, non paiono nemmeno parenti. Il lavoro del coro (su tutte la celestiale Why So Close), ha riempito la voce di Tim di nuovi arcobaleni, arricchendo le geometrie analitiche dei testi di ulteriori supporti. Toccare ciò che si è memorizzato, amato, in cui si è creduto, con il quale si è cresciuti assomiglia a un delitto, a un'azione scorretta.

Invece il miracolo è l’esaltazione, misurata, sussurrata, senza strilli, con quella leggerezza da cui loro non possono assolutamente separarsi.

Ora è tempo di attraversare queste nuvole, le piume, e sentire il cuore come un muscolo in grado di emigrare verso la gioia di luoghi senza nome, ma con la consapevolezza che la storia di queste composizioni ha avuto modo di trascendere, di valicare, di separarsi, di fare del proprio nucleo una risata melodica…

Song by Song

1 Sometimes

Dall’album Laid

La canzone più cantata nei pub del nord dell’Inghilterra dimostra subito la volontà di togliere carne e polpa e mantenere lo scheletro: tocca alla voce e agli archi determinare lo spessore di un brano che è una invocazione a prestare attenzione agli avvenimenti del cielo e al contempo alla verità che stabilisce il suo perimetro negli occhi, dove l’anima intuisce il valore delle persone. Quando il piano nella seconda parte entra, tutto sembra stabilirsi in un bacio segreto, sino al momento in cui l’esplosione del coro alza i brividi, facendo smarrire la forza, nella palude di lacrime inquiete…

2 Love Make A Fool

Nuovo Singolo

Il pezzo nuovo, escluso dal prossimo lavoro, è una mitragliata techno rallentata, civilizzata, uscita il lunedì sera per ballare da sola. Il tappeto, l’handclapping ossessivo, i vocalizzi di Tim come il gemere raffinato di un orgasmo spento, consentono di apprezzare la vitalità della band che conserva lo stile, ma si autorizza a compiere nuove sperimentazioni.

3 We’re Gonna Miss You

Dall’album Millionaire 

Tratta dal penultimo album con la produzione di Brian Eno, WGMY rivela la sua natura anni Ottanta (chitarra in odore di Police), ma con quella leggerezza che dà all’impianto sonoro la possibilità di giovarsi dei violini cadenzati, della tuba, della semplicità di un quattro quarti della batteria che pare essere un bastoncino che nuota senza scossoni nel mare di questa delicata estensione della mancanza di un affetto. Il coro finale, ripetuto, senza strumenti, entra duro come il tackle di un mediano: c’è da liberare la canzone da ogni equivoco, ed è fondamentale concluderla in piena esplosione melodica. Un diamante lo era già, ora ha preso ancora più luce…

4 Tomorrow 

Dall’album Wah Wah 

Per il vecchio scriba i capolavori sono pochi, spesso inutili, nel marasma della bellezza sempre meno riconoscibile. Ma Tomorrow…

Rinvigorita senza aumentare i propri watt, trovato il pertugio dove inserire un approccio che sfiori la sua perfezione, questa versione è una lacrima in un giorno di festa mentre attende la sua esecuzione, il suo ultimo respiro. I James la baciano, le danno un caloroso buffetto sulla guancia e la lanciano direttamente nella verticalità pop, con l’accortezza di mantenere conservata la sua sacralità… Il supporto di Chloe alla voce è una piuma che intossica il polmone del timbro tremante di Tim. Se esiste un brano per dire alla vita “non ti lascio” è proprio questo…

5 The Lake

B-side del Singolo Laid 

La b-side del singolo Laid è in assoluto il momento più geniale, toccante, parsimonioso, dolce di questo album. Tutto diventa ghiaccio con le arterie piene di sogni mentre la tempesta dell'orchestra, con i suoi archi pilotati dal tuono, sembrano misurare la pazienza della luna. Come se gli anni Cinquanta fossero compressi in una canzone, tutto di dirige ancora più indietro, più lontano, con l'abilità degli arrangiamenti di farci sentire le acque del Mississippi. Fragorosa, lenta, tiepida, un brivido con la colla entrerà nei vostri sipari…

6 She’s A Star

Dall’album Whiplash 

Joe Duddell già nel 2011 aveva intuito che era possibile unire alla dolcezza del brano la drammaticità di una incomprensione: il testo è una trappola, e il direttore lo aveva capito. Si deve dare un pathos diverso, togliere la patina un po’ approssimativa della versione originale e colorare di brividi e paure le sue pareti. Il violoncello si nasconde, piega la schiena, lascia spazio ai violini ma poi, sornione, arriva e decreta l’apoteosi, portando la coppia della storia a fuggire dentro una musica che pare creare lo stesso effetto (pur non essendolo) del Fado, con la tristezza che non allontana le sue unghie dalla felicità… 

7 Lookaway

Dal mini album The Morning After

Pochi diamanti elettronici aprono la danza della consapevolezza: lentamente la canzone arriva al semaforo, per prendere coraggio, prima con piccoli segnali di chitarra elettrica, poi riuscendo a bucare ogni resistenza con la veemenza. E l’anima pop accarezza il folk degli anni Settanta, con un arpeggio di chitarra che viene inghiottito da archi famelici ma sensuali…

8 Sit Down

Singolo del 1989

Il manifesto dell’empatia, della comunanza, della condivisione, della fede appesa all’insicurezza, conosce una spiritualità diversa, cambiando l’approccio, rifiutando la ripetizione di un miracolo per crearne un altro, tutto nuovo, così antico… Sit Down qui è un elastico sulle sillabe calorose di Tim, un valzer frenato, un furto legale verso le melodie dei fumosi locali di Manchester degli anni Cinquanta, dove ogni canzone era una poesia piena di sangue. Eliminata la sezione ritmica, tutto appare un affresco del 1400 con l'assoluta scaltrezza di saper sorpassare il tempo.

9 Alaskan Pipeline

Dall’album Please To Meet You

Quali armi usa la bellezza dell’incanto senza tempo? Quelle a disposizione dei vapori pieni di stupore che escono da una ballad rivisitata, portata al Pronto Soccorso, dove il Dottore della melodia ha operato nei canali di una delle performance più toccanti di sempre. I James qui esagerano: pilotano il fango pieno di acqua desiderosa di un bagno all’interno di questo miracolo, lo stendono con gocce di xilofono, un abbraccio di tromba e il vocalizzo di Chloe, come ultima rasoiata per fare della struggevolezza la più dolce delle sconfitte…

10 Someone’s Got It For Me

Dall’album Millionaire 

Le vittime che cantano la sofferenza si trovano pigiate tutte insieme in questa moderna marcia funebre, in cui non mancano pennellate di colori fragorosi (“To be born again”, nel ritornello), ma l'epidermide precipita in un tuffo dentro il dolore che qui viene accentuato prima dai violini pieni di tossine, poi dall’impatto (sempre nel ritornello) della chitarra distorta e dalla batteria che sembra far morire tutto ancora di più, sino a quando Tim nel finale innalza il suo canto oltre il miracolo, che nemmeno la canzone può compiere, però, sicuramente, la sua è la movenza di un’anima che ha saputo inclinare l’ugola verso la zona terrestre della perfezione… Come una palla che si sgonfia con dignità, così fa il brano nella sua dissolvenza…

11 - Hey Ma

Dall’album Hey Ma

Erroneamente definita l’interpretazione dell’11 settembre (anche, ma non solo), Hey Ma, oltre a essere il titolo di un album sfortunato perché non ha avuto l’accoglienza che meritava, è anche il titolo di un vettore intellettivo impressionante, con la sua natura rock educata, e in questo caso l’orchestra ha avuto meno necessità di modificare la versione originale. Lenta, senza una goccia di sudore, riesce a farti danzare verso la fine, come una bolla che gioca con la triste realtà, quel palcoscenico di violenze inconcepibili, che Tim cerca di educare allo scioglimento…

12 Hello

Dall’album Millionaire 

Finalmente in tanti potranno apprezzare la magia di quella fata che si chiama Chloe. Il profumo esce dalla sua bocca, con le branchie dell’orchestra che lavorano quasi in sottofondo, sottovoce, mentre la fine dell'esistenza umana viene salutata con estremo garbo e rispetto, nel fragore di un sogno calante prima, morente poi. Così fa la musica, nei suoi sobbalzi, non importunando però il testo, rimanendo in disparte a testimoniare un altro gioiello…

13 Beautiful Beaches

Dall’album All The Colours Of You

Eliminata l’elettronica (unica canzone del loro meraviglioso album di due anni fa), il brano raccoglie le fiamme che rischiavano di bruciare la casa del cantante, per poterle spegnere con una propensione alla lentezza di cui tutto beneficia, in una spirale che sicuramente conosce la modalità delle vie parigine dell’Ottocento. Principesca, calda, esercita la volontà precisa di dare al testo lo scettro, senza sdegnare un fare melodico che alla fine strega…

14 Why So Close

Dall’album Stutter

Forse per molti meno convincente dell’originale (dal loro secondo lavoro del 1988), ha in sé, sicuramente, la capacità di filtrare la natura folk per distribuire tracce armoniose in una modalità a cappella, come una sfida tra Tim e il coro. Una canzone pacifista, anomala sia nel testo che nella modalità musicale, trova strada facendo sua l’antica natura medievale e la porta ai piedi del cielo nel finale clamoroso…

15 Medieval

Dall’album Strip-Mine

Gli unici superstiti di quel periodo sono Tim e Jim, il bassista. Le zone musicali del tempo erano decisamente sulla corsia folk, di antica fattura, con metriche marziali, che consentivano al drumming di manifestare la forza e di tenere il polso saldo. In tutto questo il cantato sembra l’annunciazione della vittoria della pace…

16 Hymn From A Village

Dal Singolo James II

La prima canzone dei James a essere stata scritta. 

Manchester è uno scrigno maledetto: quanti segreti incantevoli giacciono nelle stanze di ascolti egoisti… Questa non fa eccezione: un carnevale, un arlecchino che scende nelle note per portare a conoscenza la vita di un villaggio del 1500. Una danza, una baldanza, una festa, e il tributo alla conservazione della positività…

17 Say Something

Dall’album Wah Wah

Il dialogo come un battito vitale, la proporzione dei valori che escono di casa. I James decidono di togliere l’impeto, di affidarsi alla sottile puntura dell’orchestra e vedere così fiorire il magnetico andamento di un brano che trova se stesso all’interno della clessidra, il cui componente non è sale bensì l’amore…. E la chitarra finale è la più dolce delle strette di mano…

18 Top Of The World

Dall’album Gold Mother

Ricordate? Un loro album terminava con questo fuoco d'artificio ammutolito, lo shampoo per sciogliere il grasso di una vertigine, per poter giungere alla cima del mondo con ostinazione e convinzione.

Ebbene: quasi tutto conservato, piccoli spostamenti, piccole torce per illuminare, come un soffio educato, la brillantezza di un testo senza tempo. Il sapore trova la sua coperta, gli archi impastano il ritmo e si dondola…

19 Movin On

Dall’album La Petite Mort

“Lascia una piccola luce accesa” canta Tim, nel momento in cui, nel testo, un respiro conosce una prima pausa, poi una seconda, poi l’elegante uscita di scena, dove il silenzio si sposa con le lacrime mute del cantante che decide di scrivere la più dolce canzone sul passaggio di consegne, tra il respiro e la sua assenza… Lui e Chloe passeggiano tra le parole, mentre la chitarra psichedelica sembra un pianto strozzato, e i violini, dal canto loro, paiono voler affrettare il momento del trapasso. Poi Andy, l’essere umano che con la sua bocca gonfia l’aria di magia, soffia nella sua tromba piena di piume color GRAZIE MADRE MIA, e ci fa tuffare nel pianto meno corrotto di sempre. Se la perfezione ha una luce che si spegne piano è proprio tra queste note…

20 Laid

Dall’album Laid

“Una malattia senza cura”: se così fosse saremmo tutti già senza respiro. Invece i James sorprendono ancora trovandola: una gemma che lucida la paura e fa compiere il ritorno a casa, per continuare ogni disastro con il sollievo di una fede che alberga nell’anima fradicia di un testo che, sceso nelle note calde della chitarra acustica e di un violoncello strepitoso, trova il posto dove suggerire una storia dove la psiche sembra uno spavento nella folle corsia del vento. L’insicurezza (“Ah, you think you’re so pretty”) non inficia, non lede l’entusiasmo nascosto di un uomo che ancora vuole accarezzare la pelle della sua amata. La band, l’orchestra, si accordano sul pentagramma della chance a ogni costo e tutto si riempie di commozione, e, giunto il falsetto a stordirci, diventa il modo perfetto per terminare l’ascolto di un miracolo che può ripetersi ogni qual volta l’amore per la bellezza si ritroverà in riserva…

C’è una consegna in arrivo: lasciate aperta la porta del vostro cuore, perché questo album saprà prendersene cura…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

11 Giugno 2023

James:

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La Mia Recensione: Echo & the Bunnymen - Porcupine

Echo & the Bunnymen - Porcupine

Un anno indimenticabile vede venire alla luce la magnificente sequenza di petali sgargianti, nella scia di una progressione stilistica musicale senza precedenti: dal pop, al rock, al blues, al soul, al post-punk, è tutta un’esposizione di gemme in cerca di un congelamento, poiché quando i miracoli accadono occorre conservarli, nel ciclo maestoso dell'eternità.
Liverpool, città disonesta e sgarbata per eccellenza, continuava a distribuire band come gang in grado di graffiare la buona educazione, morale e musicale. Gli Echo & the Bunnymen erano i più dotati ma, appunto, disordinati: seguendo gli istinti erano stati capaci di generare entusiasmi, ma dal punto di vista della concretezza stentavano in quanto le grandi canzoni (che non mancavano di certo nel loro pallottoliere) non bastavano. Eccoli, conseguentemente, “usare” il 1983 per assestare un colpo inatteso: tre singoli potenti, prepotenti, emissari di un lavoro che sarebbe arrivato a breve e che avrebbe sconvolto e deluso fans e molti addetti ai lavori. Si sbaglia, siamo umani, ma per il Vecchio Scriba in questo caso tutto è inammissibile, perché Porcupine è il diamante di una strategia occulta: occorre molto tempo per assimilare le diverse parti che lo compongono e per poter apprezzare la prima, sensazionale volta nella quale la progettazione fece di loro dei menestrelli con le mani e gli strumenti di architetti che cercavano di costruire impalcature diverse, per lanciare nel vuoto anni di miserie nere e creare un colpo a effetto, tingendo il loro tessuto musicale di psichedelia e di quell’Asia che tanto fu presa sotto mira dai Byrds e dai Beatles negli anni Sessanta. I suoni, che erano ad appannaggio di una opacità soffocante, in queste dieci tracce visitano territori dove gli arcobaleni non mancano. Ian, la voce miracolata, uscita indenne dai vizi più devastanti, qui compie il suo capolavoro balistico: canta come immerso nella rugiada di piccoli movimenti notturni, spalancando il cuore, affidandosi totalmente al progetto di cui prima. Ballate e raffiche di watt, poesie vorticose, immagini come quadri rapiti da estasi inconcepibili, rendevano possibile un'attrazione nei confronti di luoghi mai visitati in precedenza. Il lato A, più breve, contiene però la canzone con la durata maggiore (la title track). Il lato B è quello in cui le sperimentazioni sono sotto la luce di una mitragliatrice che spara a salve, concedendo, in ogni caso (grazie di cuore ragazzi), tonnellate di sofferenza dentro riff di chitarre e giri di basso umidi, per esplorare un deserto nel quale provare a seminare i fiori di un pop che cominciava a farsi irresistibile. C’era da battere e abbattere i carissimi nemici U2, ormai con War avviati a prendersi spazi che Ian e soci non volevano concedere. No, nessun compromesso stilistico bensì una svolta decisa, a tratti sanguinolenta,  basta ascoltare la seconda parte proprio della canzone Porcupine per rendersi conto che quelle otto mani ormai avevano deciso di colorarsi di marrone, di grigio, di giallo, con l’anima ancora sporgente verso i territori così preziosi ai Sound e ai Cure, le uniche due band che in quell’anno sapevano ancora afferrare i polsi di ogni ascoltatore. Madonna, Prince e altri incantatori di folle stavano tracciando un percorso nel quale il lato chiaro, brillante, luminoso, visibile, poteva essere accarezzato e condiviso con una massa di persone numericamente molto alta. Non erano di certo gli artisti cosiddetti alternativi a fare la musica migliore, ma rappresentavano sicuramente quelli da cui ci si aspettavano prodotti in grado di costruire margini di sicurezza all’interno degli ascolti e delle preferenze.
Ciò che compone questo album è un approccio radiofonico, una malleabilità equilibrata nei confronti di una cassa di accoglienza più disparata rispetto ai precedenti lavori. Si spiega, in questo modo, la chitarra definitivamente più concentrata verso ritmiche funky, l’ingresso, per la prima volta, della chitarra acustica e, contemporaneamente, il violino, che determinerà una elasticità e l’intenzione di mutare il ruolo di residenza delle canzoni: il baricentro viene spostato ad Est e il rock che si sente è quello delle vie isolate ma non più desolate. L’amaro in bocca dell’esistenza qui non cerca un lamento (Robert Smith e Peter Murphy ancora insistevano su questo aspetto), bensì un quadro da lasciare appeso in bacheca, possibilmente da nascondere in fretta. Ascolti canzoni che sono la muta di anime in viaggio verso lo spogliarello mentale, per incidere nella pietra della storia una bandiera: quella della difficoltà dell’essere cittadini di un momento storico che secca le ali e bacia solo chi indossa maschere. I ritmi si fanno più complessi, le strofe si riempiono di simboli, attraverso arrangiamenti nei quali il basso di Les Pattinson illumina tutti, senza esitare mai. Briciole di ciò che i Banshees fecero nel 1982 appaiono nel secondo lato, ma siamo a livelli decisamenti più alti in questo contesto: si sale nel volo osceno di una psichedelia che paralizza il classicismo post-punk ormai saturo e debole. Le turbolenze dei quattro vengono immobilizzate, gettate dentro un materiale sonoro dal respiro fatato di angeli retrocessi nel pianeta terrestre. Doppie voci, chitarre sovraincise, ritornelli epici (gli stadi per alcuni di essi sarebbero stati il salotto di casa perfetto), melodie più vicine alle sponde della California, senza esitazione alcuna. 
Manca in questo lavoro la presunzione, la violenta ricerca di allungare nel tempo ciò che funziona e ciò è un vero miracolo perché li avvicina al senso dei singoli, di quei 45 giri che garantivano maggiore accessibilità all’ascolto. Non è un concept album, non è un insieme di belle note musicali. Piuttosto Porcupine è un sacrificio, meraviglioso ed elastico, per portare la formazione verso la regione della consapevolezza. Più vicini a band con un respiro new romantic che non post-punk, i quattro di Liverpool si affidano a un produttore con il quale avevano già collaborato, ma cambiando approccio e metodo di lavoro: per ogni canzone fu presa la decisione di dedicare il tempo necessario a concluderla, per poi poter passare alla successiva. Non è difficile, ascoltandolo bene, sentire la continuità, i suoni diversi per ogni brano, come un ammasso di identità costrette a vivere dentro lo stesso corpo. Fu proprio questo elemento a renderlo unico, non dispersivo, problematico perché colmo di mescolanze nuove e impreviste. In più: quello che stava emergendo nel 1983 era una netta spaccatura; generi musicali e attitudini comportamentali sempre più frammentati, ma consapevolmente desiderosi di spaccare il mondo. Pure gli Echo lo volevano, ma astenendosi dal cadere nel tranello di una semplicità che avrebbe fatto diventare sterile la loro presunzione che, è bene riconoscerlo, li ha resi unici e di notevole impatto. Il linguaggio musicale pare sospeso a bordo di un sogno, dove il tempo è una meteora con il freno a mano tirato. Solo i Southern Death Cult, all’epoca, avevano la stessa quota di strafottenza, lo stesso colore sanguigno, l’impeto di chi scrivendo petali focosi su un pentagramma si alzava dal suolo. Ed è lì che bisogna andare per ascoltare in senso compiuto queste composizioni: nel luogo dove la razionalità diventa colpevole di una verginità inutile. Poiché davvero queste canzoni si macchiano di colpe, avendo il coraggio di una scrittura nei testi, da parte di Ian, che induce proprio ad abbandonare ogni pensiero cosciente. Tre singoli pieni di immediatezza che sembrano stonare con le altre sette tracce: in questo gioco con gli specchi invasi di grigio, brilla il loro coraggio e l’indiscutibile annessione alla spettacolarità di un pop che allarga i polmoni dentro i loro bisogni. L’umore viene congelato, sepolto da immagini in cui l’approccio è quello di scavalcare le onde dell’oceano (The Cutter) e farci divenire tutti complici di raggiri maestosi e fluenti. Questo è un aspetto vitale della psichedelia inglese degli anni Settanta. A partire da questo lavoro si possono sentire grandi “schitarrate”, meno arpeggi, con però la stessa attitudine dei Chameleons a creare muri di suoni, in cui più che il volume vince la massa di cambiamenti e di sovraincisioni. Effetti nuovi appaiono, per illuminare il serpente che i quattri tenevano per mano: il diabolico progetto di arrivare a nuove persone passando dalla porta meno appariscente ma comunque piena di paillettes. Come se il glam fosse presente nelle riflessioni più che nelle sue specifiche caratteristiche musicali. Per la prima volta gli echi e i riverberi sono vistosi in tutte le canzoni: si presti attenzione a questo aspetto, in quanto molto in fretta proprio tale scelta li ucciderà. Ma in questo contesto tutto è funzionale, oliato e capace di far scorrere il liquido del talento verso la perfezione. 
Ciò che lo rende il migliore della loro discografia è un solo motivo: il suo essere intimo e personale, come mai era accaduto prima, come mai accadrà dopo. Il folletto di Liverpool apre i suoi cassetti dove, più che sogni, si possono trovare trame magnetiche, approssimazioni, confusioni e l’acuta abilità di una scrittura che ne complichi il processo di intendimento. Ian chiude a chiave i misteri ma li elenca, come un mago impazzito sotto gli effetti di deliri ad alta temperatura, in ebollizione continua, come un contadino musicale che semina senza interessarsi di verificare se lo fa nella giusta modalità. Durante la canzone Clay si sentono le influenze dei Banshees, è innegabile, ma poi la chitarra di quel genio di Will Sergeant porta tutto in estremo oriente, raggelando e lasciando la batteria nei pressi dei Joy Division. L’ispirazione, qui in grado di essere al servizio della progettualità di cui vi ho già parlato, è solo un muratore con mattoni tra le mani cariche polvere, di noia, di gesti da compiere per poter accatastare il tutto dentro la casa Porcupine. Fa male questo album, sbatte l’umore all’interno della bolla dell’incertezza e frusta il gotico procedere dei contemporanei della band: come se esistesse una grande discarica dove depositare le ingolfate strutture di un sistema ormai odorante di morte e approssimazioni. Morivano i Bauhaus, i Cure retrocedevano, gli U2 gettavano alle ortiche il dono che Dio aveva concesso loro, i Sound seppellivano gli entusiasmi ormai legati al palo del sacrificio indiano, e toccava proprio ai quattro cittadini della città dei Beatles cercare un sistema operativo diverso. Prendete Higher Hell: Chameleons e Sound che si baciano in bocca, ma poi, quando il basso entra, la storia conosce improvvisamente una novità che, credetemi, ha creato un impatto notevole per le band che sono venute dopo. I graffi di Will si fanno eleganti, meno vistosi, Ian canta come uno scolaro al quarto anno di liceo e il drumming finalmente è in grado di chiudere le porte ai semplici quattro quarti. Appare uno scalpello, un cacciavite, una cesoia e un innaffiatoio, per disegnare stratocumuli con la coda piena di vento: nulla tornerà, Porcupine fa emigrare le menti degli uomini prima ancora dei musicisti. Un disco testamento, il segno di una notevole capacità che cercava una classe dove insegnare ai sordi. Se si ascolta Gods Will Be Gods, si sentono gli impeti post-punk ma compressi, messi a cuccia, sedotti dalla chitarra che sembra un sitar e poi gli accordi di quella acustica a spegnere gli ardori e a mostrare un nuovo cielo, completamente sgombro…
L’allegria non è bandita, anzi, appare e regna per nulla in solitaria: nessun compromesso bensì un artifizio per portare diversi umori a colloquiare e a giocare con le possibilità. Un caleidoscopio, una giostra dentro un cimitero, un giorno lavorativo dentro un amplesso, la fede dentro la slavina della leggerezza. 
Non ci sono vistose distanze con l’album di esordio: ascoltate le progressioni delle chitarre, il cantato preciso nella metrica, le sfumature dei ritmi e capirete che ciò che manca è solamente un’indole nichilista che è stata, grazie a Dio, anestetizzata. La crescita la si intende bene anche nel dividere il lavoro in sei parti: due nel lato A e quattro nel lato B. In che modo? Accorpando le linee melodiche e i ritmi in settori precisi, dando agli assoli l’abilità e la possibilità di sentire meglio gli arrangiamenti e i giochi delle chitarre, qui più sottili e meno ridondanti. Doveroso citare My White Devil: tenebrosa nel suo iniziale incedere quasi pieno di petardi attutiti da una coperta di lana, essendo abile poi nel divenire una ballad in movimento, per condurci nei sogni di un diavolo in cerca di anime umane. Clamoroso esempio di come si possa cavalcare la fantasia portandosi dietro le giuste strutture sperimentali, attraverso i cambi ritmo e di strumenti, il tutto in una coralità davvero impressionante. Uno xilofono imbottito di magia ci fa quasi sentire il diavolo come un amico: la maestria dei Bunnymen sta anche in questi giochi che stupiscono l’ascoltatore. 
Porcupine è un viaggio senza ruote, nel deserto muto del cielo. Nel momento in cui la storia musicale si fratturava le gambe, loro accesero le ali e ci portarono a toccare l’infinito…
Alex Dematteis
Musicshockworld
Salford
9 Giugno 2023
https://www.youtube.com/watch?v=65d9EqkvHb0

My Review: Echo & the Bunnymen - Porcupine

Echo & the Bunnymen - Porcupine

An unforgettable year saw the magnificent sequence of flamboyant petals come to light, in the wake of an unprecedented musical stylistic progression: from pop, to rock, to blues, to soul, to post-punk, it's all a display of gems in search of a freeze, for when miracles happen, they must be preserved, in the majestic cycle of eternity.

Liverpool, dishonest and rude city par excellence, kept handing out bands as gangs capable of scratching good manners, both moral and musical. The Echo & the Bunnymen were the most gifted but, indeed, disorderly: following their instincts they had been able to generate enthusiasm, but from the point of view of concreteness they struggled because great songs (which were certainly not lacking in their abacus) were not enough. Here they consequently 'used' 1983 to deliver an unexpected blow: three powerful, overbearing singles, emissaries of a work that would arrive shortly and that would shock and disappoint fans and many insiders. He is wrong, we are human, but for the Old Scribe in this case everything is unacceptable, because Porcupine is the diamond in the covert strategy: it takes a long time to assimilate the different parts of it and to be able to appreciate the first, sensational time when the design made them minstrels with the hands and tools of architects trying to build different scaffolding, to throw years of black misery into the void and create a knockout blow, dyeing their musical fabric with psychedelia and that Asia that was so much in the face of the Byrds and Beatles in the 1960s. The sounds, which were the preserve of a suffocating opacity, in these ten tracks visit territories where rainbows are not lacking. Ian, the miraculous voice that has emerged unscathed from the most devastating vices, here performs his ballistic masterpiece: he sings as if immersed in the dew of small nocturnal movements, opening his heart wide, trusting himself totally to the project. Ballads and bursts of watts, swirling poems, images like pictures enraptured by inconceivable ecstasies, made possible an attraction to places never previously visited. The shorter A-side, however, contains the song with the longest duration (the title track). Side B is the one where the experiments are under the light of a machine gun firing blanks, conceding, however (thank you guys), tons of suffering within guitar riffs and dank bass lines, to explore a desert in which to try and sow the flowers of a pop that was beginning to become irresistible. There was to beat and knock down the dear enemies U2, by now with War set to take spaces that Ian and associates did not want to concede. No, no stylistic compromise, but a decisive turn, at times bloody. Just listen to the second part of the song Porcupine to realise that those eight hands had by then decided to turn brown, grey and yellow, with their souls still leaning towards the territories so precious to the Sound and the Cure, the only two bands that in that year still knew how to grip the wrists of every listener. Madonna, Prince and other crowd charmers were charting a course in which the clear, bright, visible side could be caressed and shared with a numerically very large mass of people. It was certainly not the so-called alternative artists who were making the best music, but they were certainly the ones from whom one would expect products capable of building margins of safety within listening and preferences.

What makes up this album is a radio-friendly approach, a balanced malleability towards a more disparate reception box than previous works. This explains the guitar that is definitively more concentrated towards funky rhythms, the entry, for the first time, of the acoustic guitar and, at the same time, the violin, which will determine an elasticity and the intention to change the role of residence of the songs: the centre of gravity is shifted to the East and the rock that can be heard is that of isolated but no longer desolate streets. The bitterness in the mouth of existence here does not seek a lament (Robert Smith and Peter Murphy still insist on this), but rather a picture to be left hanging on the notice board, possibly to be hidden away quickly. You listen to songs that are the moulting of souls travelling towards mental undressing, to carve a flag in the stone of history: that of the difficulty of being citizens of a historical moment that dries up the wings and kisses only those who wear masks. The rhythms become more complex, the verses are filled with symbols, through arrangements in which Les Pattinson's bass illuminates all, without ever hesitating. Crumbs of what the Banshees did in 1982 appear in the second side, but we are at decidedly higher levels here: we soar into the obscene flight of a psychedelia that paralyses the now saturated and weak post-punk classicism. 

The turbulence of the four is immobilised, thrown into a sound material with the fairy breath of angels relegated to the planet Earth. Double vocals, overdubbed guitars, epic refrains (stadiums for some of them would have been the perfect living room), melodies closer to the shores of California, without any hesitation. Lacking in this work is the presumption, the violent quest to stretch out in time what works, and this is a true miracle because it brings them closer to the sense of the singles, of those 45s that guaranteed more accessible listening. It is not a concept album, it is not a collection of beautiful musical notes. Rather Porcupine is a sacrifice, wonderful and elastic, to bring the line-up towards the region of awareness. Closer to bands with a new romantic breath than post-punk, the four from Liverpool rely on a producer with whom they had already collaborated, but changing their approach and working method: for each song, the decision was made to spend the time necessary to conclude it, and then move on to the next. It is not difficult, listening to it well, to hear the continuity, the different sounds for each song, like a cluster of identities forced to live inside the same body. It was precisely this element that made it unique, not dispersive, problematic because it was full of new and unexpected mixtures. In addition: what was emerging in 1983 was a clear split; musical genres and behavioural attitudes increasingly fragmented, but consciously wishing to split the world. Even Echo & The Bunnymen wanted to, but refrained from falling into the trap of a simplicity that would have rendered sterile their presumption, which, it must be acknowledged, has made them unique and impressive. The musical language seems suspended on the edge of a dream, where time is a meteor with the handbrake pulled. Only Southern Death Cult, at the time, had the same amount of overconfidence, the same sanguine colour, the impetus of those who, writing fiery petals on a pentagram, rose from the ground. And that is where you have to go to hear these compositions in their full meaning: to the place where rationality becomes guilty of a useless virginity. For indeed, these songs are guilty of guilt, having the courage to write lyrics, on Ian's part, that precisely induce one to abandon all conscious thought. Three singles full of immediacy that seem to clash with the other seven tracks: in this game with mirrors invaded by grey, their courage and unquestionable annexation to the spectacularity of a pop that expands the lungs within their needs shines through. The mood is frozen, buried by images in which the approach is to bypass the waves of the ocean (The Cutter) and make us all become accomplices in majestic, flowing deceptions. This is a vital aspect of 1970s British psychedelia. From this work onwards, one can hear big wall of sound by the guitars, less arpeggios, but with the same attitude as the Chameleons to create walls of sound, in which the mass of changes and overdubs wins rather than volume. New effects appear, to illuminate the snake the four of them were holding in their hands: the diabolical project of reaching new people through the less flashy but still sequin-filled door. As if glam was present in the reflections more than in its specific musical characteristics. For the first time, echoes and reverberations are conspicuous in all the songs: pay attention to this aspect, as very quickly this very choice will kill them. But in this context everything is functional, oiled and able to make the liquid of talent flow towards perfection. 

What makes it the best of their discography is one thing: its being intimate and personal, as it never was before, as it never will be again. The Liverpool leprechaun opens his drawers where, more than dreams, one can find magnetic plots, approximations, confusions and the acute skill of writing that complicates the process of understanding. Ian locks up the mysteries but lists them, like a magician gone mad under the effects of delusions at high temperature, in constant boiling, like a musical farmer who sows without caring to check if he is doing it in the right way. During the song Clay one can hear the influences of the Banshees, it is undeniable, but then the guitar of that genius Will Sergeant takes everything to the far east, chilling and leaving the drums in the vicinity of Joy Division. Inspiration, here able to be at the service of the projectuality I have already mentioned, is just a bricklayer with bricks in his hands laden with dust, with boredom, with gestures to be made in order to pile it all up inside the Porcupine house. It hurts this album, slamming the mood inside the bubble of uncertainty and whipping the gothic proceeding of the band's contemporaries: as if there was a big dump where to deposit the flooded structures of a system now smelling of death and approximations. Bauhaus died, the Cure went backwards, U2 threw their God-given gift to the nettles, the Sound buried their now-bound enthusiasms at the Indian sacrifice stake, and it was the turn of the four citizens of Beatles City to look for a different operating system. Take Higher Hell: Chameleons and Sound kissing each other on the mouth, but then, when the bass comes in, the story suddenly knows something new that, believe me, has created a remarkable impact for the bands that came after. Will's scratching becomes elegant, less showy, Ian sings like a fourth-year schoolboy, and the drumming is finally able to close the doors on the simple four-quarter. A chisel, a screwdriver, a shear and a watering can appear, to draw stratocumulus with a tail full of wind: nothing will return, Porcupine makes men's minds migrate before musicians do. A testament album, the sign of a remarkable ability that was looking for a classroom to teach the deaf. If one listens to Gods Will Be Gods, one hears the post-punk impulses but compressed, put to bed, seduced by the guitar that sounds like a sitar and then the chords of the acoustic one to extinguish the ardours and show a new sky, completely cleared...

Cheerfulness is not banished, on the contrary, it appears and reigns not at all in solitude: no compromise but an artifice to bring different moods into conversation and play with possibilities. A kaleidoscope, a merry-go-round within a cemetery, a working day within an embrace, faith within the avalanche of lightness.There are no conspicuous distances with the debut album: listen to the guitar progressions, the metrically precise singing, the nuances of the rhythms, and you will realise that what is missing is only a nihilistic nature that has been, thank God, anaesthetised. Growth is also well understood in dividing the work into six parts: two on side A and four on side B. In what way? By amalgamating the melodic lines and rhythms into precise sections, giving the solos the ability and opportunity to better hear the arrangements and guitar playing, here more subtle and less redundant. It is worth mentioning My White Devil: gloomy in its initial procession almost full of firecrackers muffled by a woollen blanket, being skilful then in becoming a moving ballad, leading us into the dreams of a devil in search of human souls. It is a resounding example of how one can ride the imagination while carrying the right experimental structures, through rhythm and instrument changes, all in a truly impressive chorus. A xylophone stuffed with magic almost makes us feel the devil as a friend: the Bunnymen's mastery also lies in these games that amaze the listener. 

Porcupine is a journey without wheels, into the silent desert of heaven. At the moment when musical history was breaking its legs, they turned on their wings and took us to touch infinity...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

9th June 2023

https://www.youtube.com/watch?v=65d9EqkvHb0

My Review: Pure Mourning - Mother Tongue

Pure Mourning - Mother Tongue 

Nostalgia, an irresistible need: the old scribe needs to talk again about deathrock, about darts and the dead walking on living, frightened souls. To do so, he goes back in time and heads to Los Angels, the lair of this musical genre, with its noble and wealthy glories.

Five performances that display power, violence, aggression, desperation, like high-tension cables crashing down on our helpless bodies: it is an immense joy and a pleasure to be wounded by this collection of pearls greased with filth, because after all, we are responsible for it. 

Like a war that must be won, so their music advances, unhesitatingly, brushing the breath of self-destruction in a swarm of thoughts that send the brain reeling. Petals of post-punk support, while guitars rummage through the detritus of their bombshells, for an entirely legitimate complacency: an extraordinary band that has written a page of music that should be read often...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

8th June 2023

https://puremourningmusic.bandcamp.com/album/mother-tongue-2

La mia Recensione: Pure Mourning - Mother Tongue

Pure Mourning - Mother Tongue 

Nostalgia, bisogno irresistibile: il vecchio scriba deve parlare di nuovo di Deathrock, di dardi e morti che camminano sulle anime viventi, impaurite. Per farlo torna indietro nel tempo e si dirige a Los Angels, covo di questo genere musicale, dai fasti nobili e facoltosi.

Cinque esibizioni che mostrano potenza, violenza, aggressività, disperazione, come cavi ad alta tensione che precipitano sui nostri corpi impotenti: è una gioia immensa e un piacere essere feriti da questa collezione di perle unte di sporcizia, perché in fondo ne siamo noi i responsabili. 

Come una guerra che va vinta, così la loro musica avanza, senza tentennamenti, pennellando il respiro di autodistruzione, in uno sciame di pensieri che mandano in tilt il cervello. Petali di Post-Punk supportano, mentre le chitarre rovistano tra i detriti delle loro bombe, per un autocompiacimento del tutto legittimo: una band straordinaria che ha scritto una pagina di musica che andrebbe letta spesso…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

8 Giugno 2023

https://puremourningmusic.bandcamp.com/album/mother-tongue-2

My Review: Living Still - Demo

Living Still - Demo

After seven long years, the Chicago band's four songs are still a splendid example of how enthusiasm can be found in the dark areas of notes, in a marriage of magically half-closed-eyed imagery, ready for the passage into eternity. A Darkwave agglomeration that holds close to Synthwave and embraces Deathrock for those brief moments in which it has access to this EP. 

The Spell starts off slow, a swarm outside a church sneering, and then creates a track made of eighties tar, without prevaricating, dragging us into a good-sounding gothic dance, with the voice that, weeping, has the power to pause between our pleasantly shocked senses.

The following My Original Sin seems to have come out of the London Batcave circuit, with the characteristic bass that stays in the high circuits of tonality, with the voice that instead oscillates, free and unhappy, between earth and sky, for a track that bewitches without doubt. Crazy: third song and the quality rises again thanks to D.T.W., the cadaverous, the exponent of pain that breaks down all resistance, with guitar, bass and synth, to rule the black wings of death.

The coup de grace, the highest point (or rather, the point of the abyss that manifests itself totally), is given by the last magpie of suffering: Garden Of Eden is a Darkwave masterpiece, a hypnotic missile that sounds like a horny worm, as it comes out of a banquet of souls now completely anaesthetised. Irresistible, bleak, grim, it fuels the certainty that these musical beams were born to represent the sin of joy, killing it and, miracle of miracles, making us happy to be targeted by such poignant power...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

8th June 2023

https://livingstill.bandcamp.com/album/demo

La mia Recensione : Living Still - Demo

Living Still - Demo

Dopo sette lunghi anni le quattro canzoni della band di Chicago sono ancora uno splendido esempio di come si possa trovare entusiasmo nelle zone oscure delle note, in un matrimonio composto di immagini dagli occhi magicamente socchiusi, pronti al passaggio verso l’eternità. Un agglomerato Darkwave che si tiene vicino la Synthwave e abbraccia il Deathrock per quei brevi attimi nei quali ha accesso a questo EP. 

The Spell parte lenta, uno sciame fuori da una chiesa che sogghigna e poi crea una pista fatta di catrame anni Ottanta, senza tergiversare, trascinandoci in una danza gotica di bell’aspetto, con la voce che, piangente, ha il potere di sostare tra i nostri sensi piacevolmente urtati.

La successiva My Original Sin pare uscita dal circuito della Batcave Londinese, con la caratteristica di un basso che sta nei circuiti alti della tonalità, con la voce che invece oscilla, libera e infelice, tra la terra e il cielo, per un brano che strega senza dubbi.

Pazzesco: terza canzone e la qualità sale ancora grazie a D.T.W., la cadaverica, l’esponente del dolore che abbatte ogni resistenza, con chitarra, basso e il synth, per governare le ali nere della morte.

Il colpo di grazia, il punto più alto (meglio, il punto dell’abisso che si manifesta in modo totale), è dato dall’ultima gazza ladra della sofferenza: Garden Of Eden è un capolavoro Darkwave, un missile ipnotico che pare un verme assatanato, mentre esce da un banchetto di anime ormai del tutto anestetizzate. Irresistibile, tetra, greve, alimenta la certezza che questi fasci musicali siano nati per rappresentare il peccato della gioia, uccidendola e, miracolo dei miracoli, rendendo noi felici di essere bersagliati da cotanta struggente potenza…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

8 Giugno 2023

https://livingstill.bandcamp.com/album/demo

My Review: Rise and Fall of a Decadence - You or Sydney

Rise and Fall of a Decadence - You or Sydney

It's been almost thirty years, but often the old scribe flips through the Parisian book of wonders and it's always a beautiful dip in the heart to come across these bittersweet compositions, pills of a time steeped in overblown sadness for a human condition that grows larger every year. The mood seems to pick up an ancient melodic pattern, a visiting epoch that seems to be reborn because of these techniques that take instruments and make them perform in the courtyard of a king, who plays like a child while everything crumbles. Songs like flowers that oppose joy, illuminating the listening that becomes a young wrinkle. Folk guitars fill the veins of sinuous synths, where the rhythm knows drums and the hands of the gods clapping happily. Two voices swell our chests, with the thoughtful tears of Mistake, the feast of forgiveness, with its counter-songs and rhythm that becomes a flashy dance within our pain. Death in June open the dances of First, in which the words tell of a loneliness that leads an existence to leave: the maturity of this band is seen in the majesty of the song, in these hints that end up in the territorial spheres of an overflowing Neo-Folk.

Listen to Strange Way, the King has a suffering story in his ears, and the Synths pick up the idea of strings that between the conscious reality of an end can only be thunder and wind. Then how can one miss the tip of the sensitivity mountain with Sweet Pills? Winter descends on Paris and the ruler cannot but establish that knowing reality is the only commitment in what is the only true season of existence, and he does so with melodies infused with rain and embraces of a romantic Neo Folk.

But all the songs are an experience for a poignant contact with the poetry that cannot stay alive in this time that wants to destroy everything: in your hands you have an album to take to a desert island...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

8th June 2023

https://open.spotify.com/album/0OiYORRfYTVJrvF7Q39ufH?si=PkIELbW0TJevJ954dLjCdg

La mia Recensione: Rise and Fall of a Decadence - You or Sydney

Rise and Fall of a Decadence - You or Sydney

Sono passati quasi trent'anni, ma spesso il vecchio scriba sfoglia il libro delle meraviglie Parigine ed è sempre un bellissimo tuffo nel cuore imbattersi in queste composizioni agrodolci, pillole di un tempo intriso di tristezza sopraffina per una condizione umana che ingrossa ogni anno di più. Il mood pare raccogliere un andamento melodico antico, un visitare epoche che sembrano rinascere per via di queste tecniche che prendono gli strumenti e li fanno esibire nel cortile di un Re, che gioca come un bambino mentre tutto conosce lo sfacelo. Canzoni come fiori che si oppongono alla gioia illuminando l’ascolto che diventa una giovane ruga. Chitarre Folk si riempiono le vene di synth sinuosi, dove il ritmo conosce tamburi e le mani degli Dei che applaudono felici. Due voci gonfiano i nostri petti, con le lacrime pensanti di Mistake, la festa del perdono, con i suoi controcanti e il ritmo che diventa un ballo vistoso dentro il nostro dolore. I Death in June aprono le danze di First, nella quale le parole raccontano una solitudine che porta un’esistenza al congedo: la maturità di questa band si vede nella maestosità del brano, in questi accenni che finiscono nelle sfere territoriali di un Neo-Folk straripante.

Ascolti Strange Way, il Re si ritrova nelle orecchie una storia sofferente e i Synth raccolgono l’idea di archi che tra la realtà consapevole di una fine non possono che essere tuono e vento.

Poi come mancare all’appuntamento con la punta della montagna della sensibilità con Sweet Pills? Scende l’inverno su Parigi e il regnante non può che stabilire che conoscere la realtà sia l’unico impegno di quella che è l’unica vera stagione dell’esistenza e lo fa con melodie accese di pioggia e abbracci di un Neo Folk romantico.

Ma tutte le canzoni sono un’esperienza per un struggente contatto con la poesia che non può rimanere viva in questo tempo che vuole distruggere tutto: tra le mani avete un album da portare in un'isola deserta…

https://open.spotify.com/album/0OiYORRfYTVJrvF7Q39ufH?si=PkIELbW0TJevJ954dLjCdg

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

8 Giugno 2023