La mia Recensione: Adrian Borland - Beautiful Ammunition

 

Adrian Borland - Beautiful Ammunition

“Lo stress, l’ansia, la depressione nascono quando ignoriamo chi siamo e iniziamo a vivere per piacere agli altri “ - Paolo Coelho

Ci sono anni che assomigliano a delle tempeste, precipitose, vogliose di resettare il sistema Terra, in tutte le sue funzioni.

Nel 1994 uscirono Superunknown dei Soundgarden, No Need to Argue dei Cranberries, Grace di Jeff Buckley e venne registrato l’Unplugged dei Nirvana.

E poi Adrian Borland.

I cantanti di tutte queste formazioni sono anime che ora si esibiscono nel cielo, tra disagi, agi e perlustrazioni per noi inaccessibili.

Se il Vecchio Scriba deve scegliere quali, tra questi  album, hanno saputo miscelare meglio il sogno, la positività, l’ombra, il gelo e il disgelo, il flusso di impeti in cerca di luce, è indubbio che quello dell’ex leader dei Sound sia quello a cui guardare con più profondità, dato l’enorme flusso di elementi che ha reso il suo terzo ma primo vero disco solista quello più vicino al miracolo umano. 

Vi sono segnali di arcobaleno, schizzi di una mente che cerca di riparare i danni di un circuito leso e indebolito da abusi precisi, come sono anche presenti paracaduti, fionde, il sudore di una slavina che nella scrittura della musica cerca uno specchio sincero. Adrian crea un insieme di canzoni con l’intenzione di ripararsi ancora di più dalla disillusione, lui che aveva investito sogni e realtà per portare il suo talento sul palco del mondo. Non aveva fallito, così come i suoi compagni di viaggio che avevano fatto dei Sound dei cavalieri dalla bella divisa ma perdenti. Qui sembra di vedere (finalmente, aggiungerei) uno scrittore in grado di adoperare ponti e riflessi per attingere a generi musicali poco praticati o difficilmente associabili al suo percorso. Coraggioso, epidermico, intransigente, dolce, romantico, non manca di dare pennellate della sua psiche frustata e frustrata, ma con l’intenzione di mettere una candela nei versi e soprattutto nell’impianto sonoro, dove le chitarre semiacustiche prendono il sopravvento e prova a giocare con i cambi di atmosfera, di ritmo, per condurre la sua potente sensibilità nei bordi di una costruzione più pop e cantautorale, sfiorando i sentieri di Leonard Cohen, Tim Buckley e Neil Young. Niente paragoni, ma solo l’intenzione di mettere in evidenza la vera indole di un’anima che cerca di alleggerire le lame taglienti della sua chitarra elettrica e della sua voce, che, in questo lavoro, si attesta su un registro medio-basso e quando cerca il cielo lo fa senza gridare, piangere o intenta a far sentire la mancanza di ossigeno.

Il pronome personale Io viene utilizzato all’interno di una quasi totale assenza di interlocutori, e sembra di trovarsi nel vascello di uno Storytelling pieno di acqua da cullare, curare e spargere lontano da quelle dita che in questo disco preferiscono deviare la corrente elettrica per favorire luoghi in grado di offrire un minimo di serenità. Se si scava all’interno dei testi l’amarezza, la delusione, la rabbia vengono sostituite dall’impotenza, la rassegnazione e una incredibile positività che sbuffa, spinge, vuole emergere e nuotare in quei giorni che paiono costruiti per dare ai suoi piedi una strada più sicura su cui camminare.

Assistiamo a un processo concepito ed eseguito quasi totalmente da Borland, mostrando eclettismo, determinazione e la volontà di quella intimità che in qualche modo si era sempre negato. Rispetto ai primi due lavori senza i Sound questo pare essere un colloquio riservato con una mente che si sgancia dai propri cliché per strutturare nuove ipotesi. Certo, la produzione è vicina alla perfezione, le canzoni, pur non mostrando l’idea di essere inclini alla zona della conquista della massa di ascolti (non ha mai corso il rischio, per dire la verità, e sicuramente è stato meglio così), sembrano affermare una indipendenza, come se il momento dovesse essere storico soprattutto per loro. Ma si ha una strana sensazione: si avverte come le sedici edere siano piene di un veleno dalla faccia ingannevole, come una truffa che il rock non può più permettersi. Adrian cerca di scrivere ballate atipiche, spesso forza il colore del suono, alcune volte impasta la zona acustica e quella elettrica come un clown che gioca, maldestramente (ma solo apparentemente) con il dolore, per poi pentirsene e tirare giù la saracinesca e farle immergere nel solito buio…

Si piange, con una levatura spirituale indenne dallo scorrere del tempo, per sorridere e abbracciare il futuro e poi quella canzone nella quale sembra dipingere un raggio di sole mai visto prima: la porta è aperta…

Ma Beautiful Ammunition è un coriandolo che conosce il modo di perdere i colori, di cadere velocemente, di finire incastrato sotto il tappeto, di appiccicarsi alla pelle, come un piacevole fastidio da cui è impossibile separarsi. Il suo cantato fa flettere i famosi nervi, calcola spazi nuovi, perlustra traiettorie visive inimmaginabili e pare correre lentamente, in un ossimoro doveroso e alla fine straziante.

Niente da fare: la sofferenza non l’ha abbandonato ma gli ha permesso, perlomeno, di alzare lo sguardo e di fargli credere che il presente e il futuro non sono più nemici che si guardano in cagnesco.

Quando i toni si fanno drammatici, la paura ci stringe il cuore, si diventa complici della sua fragilità e le lacrime si mischiano.

Il lavoro più delicato nei testi è accompagnato da graffiti sonori che sembrano lontani dalla drammaticità, ma spesso si nota come nessuno possa rinunciare all’altro: la guerra delle parole, le quasi farneticazioni, i punti più bassi, vengono come redarguiti dal pentagramma che vorrebbe una scrittura svincolata dalla tristezza. Missione impossibile, ma tutto ha rischiato di raggiungere i colori della maschera di Arlecchino. Quanta bellezza, inconfutabile, offre questo esercizio, questa lotta con il tatuaggio di un armistizio, che si palesa nella totalità di un album che non fotografa ma scrive il destino, come una identità postdatata che troverà la sua precisazione e la sua eterna forma dolorosa il 26 Aprile del 1999…

Ora non ci rimane che uscire da quella porta aperta, prendere Adrian per mano e andare a fare una bella passeggiata con questo fiume dalla faccia pulita che, se però ti soffermi a guardarlo bene, nella sua oscena profondità, saprà farti tremare le gambe…

    Song by Song

1 - Re-united States of Love

“Redraw the map, push the frontier back”

Un inizio che sembra un congedo: non c’è nulla di chiaro se non nelle note di una chitarra e di una batteria che cercano di stoppare le parole, ma niente impedisce alla voce, al coro con Vikki Stilwell (presente in diversi episodi nell’album), di tracciare un sorriso…

2 - Open Door

“I’ve felt the darkness of the world, but now I need some light”

Lou Reed si affaccia, come paiono fare i Church e gli Alarm, in una adunata che odora di anni Ottanta, con il canto che cerca appigli nel proprio passato. Incandescente in una giornata di pioggia.

3 - Rocket

“We could blast right of here if you put some thrust in me”

Gli applausi del cielo cercano i polpastrelli di Adrian e la sua ugola: come un racconto di Joyce, tutto pare anelare alla primavera. La chitarra elettrica sembra in odore di e-bow, ma poi scivola in un semi approccio blues…

4 - Stranger in the Soul

“But I don’t feel the pain that loneliness brings”

Uno degli episodi più toccanti di questa anima pungente: scava, annaspa, con una chitarra circolare che cerca di estraniare la solitudine dai suoi fianchi, in un groviglio di emozioni nel quale nulla cambia ma si vuole fingere il contrario. Lo stop and go ci mostra la delicatezza, note quasi spagnoleggianti, e un sole incline a cadere…

5 - Break My Fall

“You’ll break my fall and my heart will never know”

Echi iniziali dei Cocteau Twins vengono immediatamente stoppati dalla voce di Adrian che in modo cadenzato avanza nella trappola della realtà, sgomitando con leggiadria nel cunicolo della depressione…

6 - Station of the Cross

“I can’t relive each moment when I got too close to truth”

Il programming trova l’apoteosi, nuove soluzioni cavalcano la scena, in una veste musicale eccellente e piena di novità. Gli accordi del piano sono baratri, mentre la voce angelica vola nel labirinto sentimentale colorando la fiducia e fermando il dolore…

7 - Simple Little Love

“They took apart your simple heart with their calculating minds”

Il ritmo torna a farsi vicino al Country, con la spinta americana del sogno più famoso del mondo che entra nei versi, per poi catapultare l’attitudine australiana dei già citati Church in una girandola ritmica altalenante…

8 - White Room

“Can’t you see how this splits me then you’ll see how I crack”

I Radiohead hanno saputo trarre spunto, come molte altre band, da questo brano irresistibile e straziante: anche il dolore ha una poesia nel suo baricentro e Adrian l’ha trovata, registrata, esibita, con la musica che sembra uno scivolo che, partendo dall’infanzia, conclude il suo girovagare nella morte…

9 - Past Full of Shadow

“Between the lines you misread the signs”

Quando l’autore di Winning decide di toglierci il respiro non abbiamo scampo: la produzione perfetta conferisce al brano la giusta dose di drammaticità, in un circuito soffocante che brama la pelle bianca di un’anima ormai spenta. Segnali di arrangiamenti e di arcobaleni pieni di pioggia conferiscono al pezzo il premio Nobel per il maggior numero di lacrime versate…

10 - Ordinary Angel

“I tasted grace and got drunk on bliss”

Si corre, i suoni adiacenti al pube, si cade e si rotola nel prato alcolico di un sogno mai così apparentemente libero, con la chitarra elettrica che spinge Adrian verso il registro alto della voce per accarezzare le nubi dove gli angeli lo attendono…

11 - Lonel Late-nighter

“A song in the sad key from the heart of man tell me not to be ashamed to cry”

Come collegare le ballads degli anni Ottanta a quelle ancora da rodare degli anni Novanta: Borland cerca il ritornello, il cantato che oscilla, per trovare le lacrime libere di sciogliersi. Uno dei momenti più verosimilmente pop dell’intero album: splendido, innocente e crudele allo stesso tempo…

12 - Someone Will Love You Today

“Could be the man who sells you the paper a cynical sparkle of hope in his smile”

Gli U2 saranno gelosi (quelli di Gloria, per intenderci), in quanto Adrian Borland dimostra un talento che gli irlandesi non hanno mai avuto: come passare dall’ironia, alla goccia pop che invoca l’alternative per poi dilagare, con estrema semplicità, in un ritornello gonfio di aria da baciare, sino alle gocce finali di una chitarra in odore di J.J. Cale.

13 - Forgiveness

“But we are full of pollutants”

Arriva l’inverno della mente, i passi si fanno lenti e le ombre cupe, archi camuffati gettano le loro tensioni nel testo che sgomenta ma precisa il percorso di un’esistenza in cerca di aiuto. Quando i due registri di voce si trovano all’unisono non c'è più possibilità di resistere al dolore…

14 - Rootless

“I’ve been sawing through these chains”

Il brano più atipico di questo album, con le sue soluzioni in cerca di approdo, l’inventiva del cantato, una impalcatura che cerca sostegno nel talento. Tutto fugge e probabilmente fa di questo episodio il meno convincente…

15 - In Passing

“These yellow lights are not enough to illuminate this night”

Un arpeggio, un cielo, un bisogno che non trova identità e permanenza: la sensazione è di un doveroso tentativo di mostrare le crepe di una mente che ricorda i giorni passati e si ritrova con i calici vuoti…

16 - Shoreline

“And you wish you had a life at least somebody you could die for, why don’t you open up and breathe?”

Il momento più alto e toccante è riservato alla fine: chi non piange non ha cuore, non ha passioni…

Si entra nella psiche di un sogno, il contrasto con il rumore assordante della tragedia che imperversa nel calendario e la scommessa di non forzare la mano. Le parole vincono, rubano la scena, e la voce diventa il palcoscenico di un teschio che cade nella sabbia ancora ricoperto di pelle e di battiti del cuore. Quando si plana nel ritornello le lacrime si sono già ossidate…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

18 Aprile 2024

My Review: Adrian Borland - Beautiful Ammunition

Adrian Borland - Beautiful Ammunition

"Stress, anxiety, depression arise when we ignore who we are and start living to please others" - Paolo Coelho

There are years that resemble storms, precipitous, wanting to reset the Earth system, in all its functions.

In 1994, Soundgarden's Superunknown, The Cranberries' No Need to Argue, Jeff Buckley's Grace and Nirvana's Unplugged were released.

And then Adrian Borland.

The singers of all these bands are souls who now perform in the sky, amidst hardships, comforts and scours inaccessible to us.

If the Old Scribe has to choose which of these albums best blended dream, positivity, shadow, frost and thaw, the flow of light-seeking impetuses, there is no doubt that the former Sound leader's is the one to look at most deeply, given the enormous flow of elements that made his third but first true solo album the one closest to a human miracle. 

There are rainbow signs, splashes of a mind trying to repair the damage of a circuit injured and weakened by precise abuse, as there are also parachutes, slingshots, the sweat of an avalanche that seeks a sincere mirror in the writing of music. Adrian creates a set of songs with the intention of sheltering himself even more from disillusionment, he who had invested dreams and reality to bring his talent to the world stage. He had failed, as had his fellow travellers who had made the Sound into knights in fine uniforms but losers. Here we seem to see (at last, I might add) a writer capable of using bridges and reflections to tap into musical genres that are little practised or difficult to associate with his path. 

Courageous, epidermic, uncompromising, sweet, romantic, he does not fail to give brushstrokes of his frustrated psyche, but with the intention of putting a candle in the verses and above all in the sound system, where semi-acoustic guitars take over and he tries to play with changes of atmosphere, of rhythm, to bring his powerful sensibility to the edges of a more pop and songwriting construction, skimming the paths of Leonard Cohen, Tim Buckley and Neil Young. 

No comparisons, but only the intention to highlight the true nature of a soul that seeks to lighten the sharp blades of its electric guitar and its voice, which, in this work, is in a medium-low register and when it reaches for the sky, it does so without shouting, crying or intent on making the lack of oxygen heard.

The personal pronoun I is used within an almost total absence of interlocutors, and it seems as if we are in the vessel of a Storytelling full of water to be cradled, cared for and scattered away from those fingers that in this record prefer to divert the electric current to favour places that can offer a minimum of serenity. 

If one digs inside the lyrics, bitterness, disappointment, anger are replaced by helplessness, resignation and an incredible positivity that puffs, pushes, wants to emerge and swim in those days that seem to be built to give his feet a safer path to walk on.

We witness a process conceived and executed almost entirely by Borland, displaying eclecticism, determination and a desire for the intimacy that he had somehow always denied himself. Compared to the first two works without the Sound, this one seems to be a confidential conversation with a mind that breaks free from its clichés to structure new hypotheses. 

Sure, the production is close to perfection, the songs, while not showing the idea of being prone to the zone of conquering the masses of listeners (they never took the risk, to tell the truth, and it was certainly for the best), seem to assert an independence, as if the moment should be historic for them in particular. But you get a strange feeling: you can sense how sixteen ivies are full of a poison with a deceptive face, like a scam that rock can no longer afford. 

Adrian tries to write atypical ballads, often forcing the colour of the sound, sometimes kneading the acoustic and electric zones like a clown playing, clumsily (but only apparently) with pain, only to regret it and pull down the shutter and plunge them into the usual darkness...

One cries, with a spiritual stature unscathed by the passing of time, to smile and embrace the future, and then that song in which he seems to paint a ray of sunshine never seen before: the door is open...

But Beautiful Ammunition is a confetti that knows how to lose its colours, to fall quickly, to get stuck under the carpet, to stick to the skin, like a pleasant nuisance from which it is impossible to separate. His singing makes the famous nerves flex, calculates new spaces, scours unimaginable visual trajectories and seems to run slowly, in a dutiful and ultimately heartbreaking oxymoron.

Nothing to be done: suffering has not abandoned him, but has at least allowed him to look up and make him believe that the present and the future are no longer enemies who look at each other in the eye.

When the tones become dramatic, fear clutches our hearts, we become accomplices in its fragility and tears well up.

The more delicate work in the lyrics is accompanied by sound graffiti that seem far removed from the dramatic, but often one notices how no one can renounce the other: the war of words, the almost rambling, the lowest points, are as if rebuked by the stave that would like a writing free of sadness. Mission impossible, but everything risked reaching the colours of Harlequin's mask. 

How much beauty, irrefutable, is offered by this exercise, this struggle with the tattoo of an armistice, which is manifested in the totality of an album that does not photograph but writes destiny, like a post-dated identity that will find its precision and its eternal painful form on 26 April 1999...

All that remains now is to walk out of that open door, take Adrian by the hand and go for a nice walk with this clean-faced river that, if you stop to look at it, in its obscene depth, will make your legs shake...

Song by Song

1 - Re-united States of Love

'Redraw the map, push the frontier back'

A beginning that seems like a farewell: there is nothing clear except in the notes of a guitar and drums that try to stop the words, but nothing stops the vocals, on the chorus with Vikki Stilwell (present in several episodes on the album), from tracing a smile

2 - Open Door

'I've felt the darkness of the world, but now I need some light'

Lou Reed faces off, as Church and Alarm seem to do, in a gathering that smells of the eighties, with the song searching for footholds in its past. Glowing on a rainy day.

3 - Rocket

"We could blast right of here if you put some thrust in me"

The applause from heaven seeks Adrian's fingertips and his uvula: like Joyce's tale, everything seems to yearn for spring. The electric guitar seems to smell of e-bow, but then slips into a semi-blues approach...

4 - Stranger in the Soul

"But I don't feel the pain that loneliness brings".

One of the most poignant episodes of this prickly soul: he digs, he fumbles, with a circular guitar that tries to extricate loneliness from his hips, in a tangle of emotions in which nothing changes but one wants to pretend otherwise. The stop and go shows us delicacy, almost Spanish-like notes, and a sun inclined to fall...

5 - Break My Fall

"You'll break my fall and my heart will never know".

Initial echoes of the Cocteau Twins are immediately halted by Adrian's voice, which cadencedly advances into the trap of reality, gracefully scampering through the burrow of depression...

6 - Station of the Cross

"I can't relive each moment when I got too close to truth".

The programming finds its apotheosis, new solutions ride the scene, in an excellent musical guise full of novelty. The piano chords are chasms, while the angelic voice flies through the sentimental labyrinth colouring the trust and stopping the pain...

7 - Simple Little Love

"They took apart your simple heart with their calculating minds".

The rhythm becomes close to country again, with the American thrust of the world's most famous dream entering the verses, then catapulting the Australian attitude of the aforementioned Church into a swinging rhythmic whirlwind...

8 - White Room

'Can't you see how this splits me then you'll see how I crack'

Radiohead were able to take their cue, like many other bands, from this irresistible and heartbreaking track: even grief has poetry at its centre of gravity and Adrian has found it, recorded it, performed it, with the music sounding like a slide that, starting from childhood, concludes its wanderings into death

9 - Past Full of Shadow

"Between the lines you misread the signs".

When the author of Winning decides to take our breath away, we don't stand a chance: the perfect production gives the song the right amount of drama, in a suffocating circuit that yearns for the white skin of a soul now extinguished. Signs of arrangements and rainbows full of rain give the piece the Nobel Prize for the most tears shed...

10 - Ordinary Angel

"I tasted grace and got drunk on bliss"

There's running, pubic-adjacent sounds, tumbling and rolling in the alcoholic meadow of a dream never so seemingly free, with the electric guitar propelling Adrian into the high register of his voice to caress the clouds where angels await...

11 - Lonel Late-nighter

"A song in the sad key from the heart of man tell me not to be ashamed to cry"

How to connect the ballads of the eighties to the yet-to-be-broken-in ballads of the nineties: Borland searches for the refrain, the swinging vocal, to find the tears free to melt away. One of the most verisimilarly pop moments of the whole album: gorgeous, innocent and cruel at the same time...

12 - Someone Will Love You Today

"Could be the man who sells you the paper a cynical sparkle of hope in his smile"

U2 will be jealous (Gloria, that is), as Adrian Borland demonstrates a talent the Irish never had: how to switch from irony, to a pop drop that invokes the alternative and then ramps up, with extreme simplicity, in a refrain swollen with air to kiss, until the final drops of a guitar in the smell of J.J. Cale.

13 - Forgiveness

"But we are full of pollutants"

The winter of the mind arrives, the footsteps become slow and the shadows gloomy, camouflaged strings throw their strains into the lyrics that dismay but specify the path of an existence in search of help. When the two registers of voice are in unison, there is no longer any possibility of resisting the pain...

14 - Rootless

"I've been sawing through these chains".

The most atypical track on this album, with its searching solutions, inventive singing, a scaffolding that seeks support in talent. Everything escapes and probably makes this episode the least convincing...

15 - In Passing

"These yellow lights are not enough to illuminate this night".

An arpeggio, a sky, a need that cannot find identity and permanence: the feeling is of a dutiful attempt to show the cracks in a mind that remembers days gone by and finds itself with empty glasses...

16 - Shoreline

"And you wish you had a life at least somebody you could die for, why don't you open up and breathe?"

The highest and most touching moment is reserved for the end: he who does not cry has no heart, no passions....

One enters the psyche of a dream, the contrast with the deafening noise of tragedy raging in the calendar and the gamble of not forcing one's hand. The words win, they steal the show, and the voice becomes the stage for a skull falling into the sand still covered in skin and heartbeats. By the time you glide into the refrain the tears have oxidised...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

18th April 2024

 

La mia Recensione: James - Yummy

 

James - Yummy

Sia la gioia l’unico contagio ammissibile, approcciabile, condivisibile e abbracciabile. La musica rischia di perdere la sua antica peculiarità, che era quella di avvicinare le menti e i corpi.

Ci pensano i James, con il loro diciottesimo album in studio, a dare, come spesso accade con loro, l’esempio, lo stimolo, la possibilità di mantenere inalterate le qualità e di trovarne delle nuove. Il loro approccio è ancora quello di un gruppo di persone intente a rinnovare il proprio passaporto e la propria identità, proponendo nuove forme stilistiche, generando stupore per l’intenzione profonda di non sedersi sul passato: troppo intelligenti, troppo avanti per lucrare sull’amore dei loro numerosi estimatori. Yummy è un boato docile, programmato per insinuarsi senza far troppo rumore, ma con l’indiscutibile qualità di spingere a impegnarsi nell’ascolto. Per molti ci sarà parecchio da fare per poter accettare, in primis, questa volontà di scrivere canzoni ermetiche, poco accessibili alla facile masticazione se non in brevi momenti, specialmente nei ritornelli, e, inoltre, per riuscire a ingerire chiaramente questa intenzione di un corpo scrivente che sembra essere "limitato" a quattro dei membri della band di Manchester. In molti, sia musicisti che ascoltatori, rimangono ancorati a ciò che li ha fatti incontrare, facendo preferire un lato decisamente immaturo e nostalgico che non consente di apprezzare e considerare il bisogno di una identità di crescere. Un continuo cappio al collo che fa spegnere ogni flusso nuovo e innovativo.

Ci sono momenti in cui un insieme sonoro può essere un imbuto: questo ci fa cadere tutti insieme nello spazio della bellezza e non c'è nulla di sensualmente più appetitoso di un arcobaleno che fluttua nel tempo. I James lo prendono e ci mostrano le sue intensità sino a farcene sentire la fragranza. Non sono mai stati legati al territorio di provenienza, mai figli diretti e devoti della loro città, bensì musicisti in grado di sorvolare il mondo e di assorbirne gli odori, le tensioni, i sogni, arricchendo il loro vocabolario attitudinale, navigando sui cambiamenti, mostrandoli, e arricchendo le nostre vite con pulsioni, riflessioni, danze in modo continuo. L’ultimo lavoro dimostra tutto questo, partendo dai suoni, da un incredibile groove generale che seduce e fa scuotere, per proseguire con i testi di Tim, ancora una volta abili nel rinnovare linguaggio, direzioni, dimensioni per confermare l’altissimo livello di scrittura. L’esperienza dal vivo con un'orchestra e un coro gospel ha consentito loro di rinnovare il repertorio, ma è stata sicuramente anche un’occasione per suggerire nuove possibilità con queste dodici sirene ipnotiche. La vita, la morte, il successo, l’ansia, le esagerazioni, il dolore, l’ironia sono solamente alcune delle traiettorie del cantante. Ma la musica sa fare altrettanto: non solo sposa perfetta dei testi, ma genitore desideroso di dare disciplina a talenti sempre svegli, capaci, in grado di portare il tutto in uno stato di grande levatura. Sensazioni ed emozioni multiple si ritrovano iniettate di positività, come un atto che non può cessare di esistere sebbene il mondo sembri optare per il suicidio. Qui troviamo la gioia di vivere attraverso la freschezza della produzione di Leo Abrahams, le sensuali movenze di miscele continue del pop più mirato all’eleganza, l’utilizzo di una elettronica che si inserisce nella radice di generi musicali diversi, come un circolo sensoriale che rifiuta un’unica dimensione. Inoltre, l’ascolto diventa visione, un film che cambia sceneggiatura, proseguendo abilmente nel variare fisicamente i tratti dei personaggi. Così facendo, tutto diventa adunata, presenzialismo, assistenza, amicizia, un comitato di idee che progrediscono senza stancarsi mai. Nel quinto decennio del loro incredibile percorso artistico, i James di questi ultimi anni sembrano più spavaldi, meno interessati alla politica del consenso e, come muli giustamente ostinati, percorrono le scelte con orgoglio e soddisfazione, per poter manifestare che la musica, almeno quella della scrittura, appartiene a loro. Dopo, è tutta un’altra storia.

Ci si commuove spesso, i punti di domanda sembrano missili con il vestito da festa, innocui in quanto non uccidono, ma certamente con l’intenzione di non passare indifferenti. Infatti, lo stomaco si ritrova spesso a chiedere ossigeno, si capisce bene che la qualità che ha sempre fatto parte del loro dna (quella di comunicare in modo diverso le cose che si sanno e di dirne altre del tutto sconosciute) è ancora ben presente. Cambia il vestito, non il loro essere studenti, per primi, di se stessi. Fa male, lasciatemelo dire, pensare che una band debba essere l’esecutrice dei sogni di chi li ama. Queste nove anime voltano le spalle, camminano nelle canzoni come nei respiri dell’arcobaleno notturno, come spiriti invisibili, ma alla fine, quando la giornata si sveglia, ti accorgi che avevano ragione, depositando nel cielo brani che lentamente si appiccicano al cuore, lubrificando quelle vene sempre meno capaci di far passare dentro se stesse nuove molecole.

Si, Yummy è un disco sorprendente, moderno, incline a raggruppare suoni e vocaboli in un giorno nel quale la noia e la malinconia cercano un appiglio, un aiuto. Eccolo, presente, costante, propenso a essere un abbraccio eterno che, se apparentemente sembra di difficile assimilazione, in realtà ha fatto un patto con il tempo. Sono pazienti questi giovani vecchietti, perspicaci, cavalieri del gusto con le mani grandi, per poter prendere le nostre incertezze e collocarle nella zona dove tutto riposa. 

Salvifiche, rigeneranti, letterarie, queste dodici canzoni sono il sorpasso nei confronti dell’ignoranza, timbri insospettabili di una nuova modalità di appartenenza ai colori di un lavoro prodigioso, dispettose perché negano a tutti l’accesso alla facilità dell’inganno. Si deve studiare, spostare il baricentro dei vizi e seppellirli, per l'eternità…

Sempre di più emerge la sensibilità della loro arte, non più un megafono che attira le attenzioni, ma un insieme di pagine da leggere in silenzio: questa è la vera magia di questo ultimo album dei James…

Song by Song

1 - Is This Love

Una coperta affettiva, in grado di andare oltre le domande, permea i tessuti sonori e come un intervento chirurgico degno di Houdini, riporta per un attimo la band nei territori stilistici dei primi anni 2000. Si sogna, ci si contorce dolcemente nei pressi di un brano che collega una strategia minimalista degli strumenti a un volo epidermico dato dal cantato di Tim.

2 - Life’s A Fucking Miracle

Il mondo, con i suoi caotici assembramenti sociali, riesce a trovare una stabilità con la consapevolezza che la vita sia, in modo laico, un miracolo indiscutibile. Lenta, diritta, arriva al centro con un ritornello che stabilisce il voluto contatto con la realtà che deve essere aggiornata, cambiata e assemblata. Vistosa e rigorosa, consegna pienamente al mondo la flessibilità del loro concepire la creazione artistica.

3 - Better With You

Tim Booth e Chloe Alper diventano gli attori di un disegno d’amore che rivela come la dolcezza sia una prerogativa dei James da sempre, qui con l’abilità di una progressione che, partendo dalla lentezza, riesce a sviluppare trame angeliche. Liberatosi da catene pesanti, il cantante vola leggero nella corrente dei venti. Come portare gli anni Cinquanta ai giorni nostri…

4 - Stay

Straordinario esempio di come la tensione sia capace di veicolare la mancanza di appigli, sfuggendo a ogni definizione, per essere un camaleonte in cerca di sfide, questo pezzo dimostra l’alchemica struttura dell’improvvisazione, dei flussi coscienti che non richiedono di essere inseriti dentro delle regole. Un arpeggio di chitarra che odora di cielo, la batteria che ci tiene in pugno con la sua semplicità per fare di una pop song la carezza di cui abbiamo bisogno.

5 - Shadow Of A Giant

Jon Hopkins presta dita e talento per l’introduzione del brano, in quello che è l’episodio più sognante e di maggior durata dell’album. Si sale sino a incontrare le stelle, con gli archi che diventano il termometro della nostra emozione, per una incredibile capacità di estendere le note in una progressione che avviluppa i sensi. Si viaggia tra la tristezza e l’attesa, con la voce di Chloe che in lontananza bagna il nostro volto sino a quando il violino tzigano di Saul ci fa piangere…

6 - Way Over Your Head

L’uomo Booth ancora una volta volge lo sguardo verso le condizioni in cui la precarietà, la debolezza e la povertà non hanno modo di sorridere. Ci pensa lui però con questo testo e la musica sembra aspettare il coro finale, in grado di far vibrare i palpiti. È un invito a cercare qualcuno che faccia dormire la sofferenza ed è proprio in questa parte della canzone che molti amanti dei James potrebbero essere accontentati: a volte accade l’armistizio tra chi vuole andare avanti e chi resta indietro. Quando la band costruisce un palazzo sonoro come questo ci si rende conto che l’amore per loro non finirà, perché tutto qui sembra un raccolto di frutti lungo le note che lentamente gonfiano il petto…

7 - Mobile God

Un’arma, costante e pericolosa, palesa la sua esistenza: la musica è una vibrazione continua, un sondare le possibilità espressive, per lasciare al testo l’analisi di una realtà soggiogata dall’uso tecnologico della comunicazione, in cui la vera schiavitù attuale mostra nuove catene. Il groove è un impasto di elettronica e chitarre che con un accordo secco circondano il testo sino ad approdare al ritornello che libera i circuiti cadenzati dal coro che vibra nei circuiti di satelliti pieni di informazioni che intasano la nostra vita. Clamorosa!

8 - Our World

Il mondo precipita con il proprio sconvolgimento fisico, irriconoscibile rispetto a poco tempo fa, saturo di alienanti egoismi e sperimentazioni. Il fischio iniziale è un meraviglioso inganno rispetto all’argomento trattato e, come per i migliori momenti degli Smiths, il contrasto tra parole e musica rende l’attenzione una miccia continuamente in stato di allerta. Melodica, pop, in realtà vive di un caos reso gentile…

9 - Rogue

La vita deve essere uno stato cosciente, non un ammasso di eventi. Partendo da questa considerazione, sia le parole che la musica rendono accessibile l’intuizione, il dovere e una nuova coscienza. Nel tentativo, riuscito, di mantenere l’esistenza in uno stato in cui le decisioni siano consapevolmente strutturate per migliorarne le condizioni. Le chitarre semi acustiche tornano ad abbaiare ed è gioia pura, il cantato incalzato e ll basso di Jim che ci catapulta, con morbidezza e vivacità, in una danza effervescente.

10 - Hey

Gioia, allegria e dinamicità fanno di questo episodio quello maggiormente intento a rendere fisico il sorriso e la risata, in un atto puro di positività senza compromessi. Inizia però come un vampata dolorosa, caotica, per poi perdere l’afflato elettronico e divenire una ninnananna moderna che invece di farci dormire ci fa intendere come la musica sia un ponte tra il vero e il bisogno di cambiare le nostre convinzione. Il titolo viene ripetuto più volte per poi dilatare gli incroci micidiali degli strumenti.

11 - Butterfly

Il momento che farà esaltare chi ama i James da sempre. Tutte le loro caratteristiche del passato qui si depositano in un brano perfetto, un bacio alla loro storia, un grazie e un inchino, in cui l’abbraccio al tempo dona entusiasmo e grande gioia: se esiste un luogo dove tutti saranno contenti è proprio nell’angelica dimensione di questo episodio. L’inizio è un filo psichedelico che poi diventa, nel cantato di Jim (per pochi attimi) un abbraccio a “Really Hard”, tratto dal loro album di esordio Stutter, e i momenti più delicati della loro storia a cui siamo affezionati.  Ci si commuove con immensa gioia liberatoria…

12 - Folks

Pare un addio, un sorriso amaro, che con il violoncello e la tromba sembra farci intendere il tempo come una questione davvero molto lunga. Il cantato diventa evocativo come non mai: mostra le rughe dell’energia e la preoccupazione, la sua voce come sabbia di una clessidra che si sta per depositare tra le braccia dell’infinito, quello silente, privo di voce. Toccante, drammatico, il congedo riserva emozioni e colpi di tosse: le sue preoccupazioni sono anche le nostre. Le note del piano, distorte in lontananza, sembrano provenire dal teatro della paura, poi tutto si scioglie, l’armonia e la melodia tracciano la strada su cui le parole di Tim diventano rugiada per fare di questo ultimo episodio un valzer anomalo nel contesto di una pop song che bacia l’infinito…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

12 Aprile 2024