My Review: White Rose Transmission - 700 Miles of Desert

White Rose Transmission - 700 Miles of Desert

Leaves, brushwood, sightings, skirmishes.

The clearing is thick, a shadowy beam illuminates the hemisphere of thought.

Music makes it possible to undo death, to leave people alive with what they have done. 

The second album by the duo Adrian Borland and Carlo van Putten expands boundaries, welcomes musicians who can increase the artistic possibilities of these enlightened thinkers and creators of new stars to listen to and admire. A work that hurts in retrospect, if we evaluate what happened to the director of the Sound, but, if we adopt what has been read in the previous lines, also a well-being, a sense of quiet and peace envelops us, through the sweetness of a creative apparatus capable of sowing novelties, modes and great light-filled beats.

Fourteen moments filled with charm, in a sad pop sphere that does not depress but rather gives a journey inside a will written with a smile and a pat on the back by Adrian: Carlo picks up (unaware, at the time) that confidence that stated that in the third disc the lyrics would be written by the former Convent leader.

In the dense design of what we listen to, we realize that we are listening to music and not songs: nothing is left with the intention of garnering acclaim, in a plan of extreme pandering, but rather we encounter a broadening of love, necessity and planning to test the pulse of one's nerves, in the forest of mysteries shrouded and protected by style, curiosity and the will to make infinite pleasure of seeing everything coloured with a glossy hue. The fact that becomes most apparent is that of being stunned, confused, never sure what Borland's burden of suffering was: one fears that it was a bequest like a will, and in this case the tears flow without stopping. If, on the other hand, one imagines this second discographic appointment in the name of White Rose Transmission as the way to find solace, lightness, venting, distraction or whatever, then there might escape a smile and a hug of thanks.

Certainly, for the entire sixty-four minutes it remains fixed in the mind that the direction of genres is broader but with a willingness to make the whole thing remain as a deep, almost silent breath. 

Rolf Kirschbaum's contribution, Mark Burgess's, as well as David Maria Grams's and Claudia Uman's vocals give the joy of hearing a band of friends in a rehearsal room as everything slides into the stave. Compact, dilated, open-ended, leaving the entrance open to some apprehension, 700 Miles of Desert is a gem that uses no strong manners to show itself, as it seems to almost sneak into the stereo system with the intention of staying there for a long time. 

Masked psychedelic jets, splinters of trained Post-Punk, the thrill given by an intense acoustic palace concealed by orchestrations, converge in the glory and magnificence of gagless notes, on a day in which rain kisses fog.

Adrian's lyrics (twelve out of fourteen), are apparently the most melancholy ever, as if those words had left the oxygen tank, in a long farewell. There are no leave-behinds, no angry outbursts, no explosive forms that can paralyse, but a bittersweet breath to make us all more aware and able, with listening, not to let them miss our love. Deep, intense, the album ranges within continuous surprises, and David Maria Grams' violin is a distributor of sobs, in the absolute ability to place side by side the approach of classical and pop music.

In Wild Rain the duet with Claudia Uman is a slow-motion slap in the face, a farewell of nature to man. Everything splashes in the direction of the sky where sounds lose weight.

It seems to see life enter the expressive textures to tattoo itself in the indifference of those who have failed to recognize the value of an artistic journey that began in the second half of the 1970s: not sowing grudges, much less accusations. A pen both limpid and mysterious, with the usual incredible voice to arouse immense suggestions.

Carlo, throughout the album, seems like the best friend who knows how to listen, how to advise, but doing it in a whisper, without any craving for the limelight. Songs like velvet gauzes that nail themselves to the tissues of our reflection, to mend the pain from other desperate acts of obscenity: all of Adrian's and Carlo's discography has suffered indifference from the masses, record, critics and the public. 

And then her: InBetween Dreams, which alone manages to go beyond its seven minutes because its mantra is a sinusitis, a coughing fit that keeps us constantly clinging to its brutal beauty. It really seems that the preceding and following pieces are the anticipation and postponement of a resounding miracle, human even before it is artistic....

It lives for the duration of listening the beat of a guitar that seems to die with the last track, but it does not.

There is no denying that the initial concept of these compositions was that of a painting on the surfaces of contrasts, of sorrows, but with an attempt, the last one, not to deny miles of joy that are present, and how very present they are...

The production is another attestation of class, as it wraps musical styles and genres within a perfectly assembled sound, chords, propulsions, like a chorus of souls that with a single voice nail us to listening and devotion.

The skeletons of the soul, perfectly placed before our hearing, during Desert Bones, seem to come out of a Doors psychedelic trip with Ennio Morricone backing, for a song that kicks away all joy.

With The Swimmer, lyrics by Carlo and music by Florian Bratmann, we are in the vicinity of an electronic dance that dips into classical music, with echoes of Church and the Psychedelic Furs: yet another gem that prints itself inside our awe.

The Old Scribe's favorite song, whose greatness has already been described, is presented here not in an acoustic version but in an electric one: Walking In The Opposite Direction is simply the summa of all the Hampstead artist's emotional and intellectual pulse, a carnal tear between the wings of angels protecting his vital aura. A masterpiece that wets all the feathers of the world with its tearful breath...

Being careful one realises that there is a lot that is apparent, a little that is hidden, a perfect mix of balances and imbalances that in this group's summer road manages to walk in the right direction: to allow what is contrary to life to be inside, to participate in what is now the celebration of Adrian's last living work.

Leave every mode to be able to listen to music on this album and give infinity the chance and the duty to stay on these fourteen wings: perfect flight needs the perfect soundtrack and it is right here...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

15th October 2023

https://spotify.link/YVWa19Q3UDb

La mia Recensione: eNiB - Cut

 eNiB - Cut

“Oggigiorno, vediamo la nebbia non perché essa esista, ma perché pittori e poeti ci hanno insegnato quale sia la misteriosa grazia del suo effetto.”

Oscar Wilde

Esistono palazzi mentali in ascesa, altri in discesa, mentre circondano la ricerca e la strutturano, determinando flussi solidi e liquidi, sino al congelamento della verità, l’unica regina in grado di dare autorevolezza a questa vera e propria missione. Ecco un’anima che, partendo da Roma, coi suoi fitti vicoli pericolosi, si è trasferito a Frascati, e ha sconfitto la noia, la banalità, l’assenza di celebrazione dell’inutile per costruire un percorso artistico, iniziato dagli Echoes of Silence, per proseguire su autostrade emotive ed espressive molto diverse, disegnando traiettorie di studi che meglio delineassero la sua sensibilità e la grande necessità di esplorare il vuoto, di sminuire la grassezza umana che impedisce di essere snelli e capaci.

Ha voluto dare un taglio a tutto e, si sa, quando ciò accade si separa il passato dal futuro, si comprime l’insoddisfazione e ciò che è indigesto e ci si proietta in quello che è sconosciuto, utilizzando i mezzi a disposizione offerti dal presente. Eccola allora la divina scelta dell’elettronica, ingiustamente etichettata come ciò che fa assentare l’emozione e il calore, presentarci il suo viale espressivo con nove proiezioni, introspezioni, sondaggi e quant’altro, che cercheremo di scoprire e accatastare, insieme al talento di chi ha imparato a entrare nel mondo della nebbia per costruire un tracciato umano diverso. Synth-etico, Synth-omatico, in un mare di frenesie che provengono dal torpore Yugoslavo dei primi anni Ottanta, il metodo utilizzato è quello di far vibrare la tastiera, di pilotare i voli del suo pensare in una struttura musicale che abbia una zona d’ombra elettrica. Non sono le chitarre a farci piangere, sono i tasti bianchi e quelli neri, con i suoi circuiti pieni di cavi e sudore, di nervi controllati, educati, fatti esplodere senza stupide distorsioni, per pilotare un’apparente forma di distacco, ma Filippo Biagioni Gazzoli ha inventato un arcobaleno grigio, con sfumature e piume che volano senza cadere. I Transistor si lamentano, i messaggi, codificati come l’antica Coldwave era abituata a fare, sono uno scafandro pesante da indossare. Ogni brano di Cut ci mostra il dolore di attraversare il pianeta dei comportamenti senza, purtroppo, saper rinunciare al chaos. È l’impetuosa Electro Dark che spinge l’artista romano a visitare le impronte dei suoi pensieri e di quelli di chi lo circonda: in quei frangenti la sua musica è una operazione cerebrale, senza risparmio. L’ebm, un amore violento per Filippo seppure  piacevole, in questo lavoro è un supporto ideologico più che strutturale: è come avere sempre un amico pronto ad ascoltarti. Perché è ovvio che sia un insieme di pezzi nati per sviluppare l’amicizia con il suo silenzio, con la necessità di non spartire con nessuno il suo percorso. Lo si evince dalla compattezza, dalla fluidità, dallo stile che permea ogni composizione come se fosse un lungo pellegrinaggio senza necessariamente dover cambiare l’abito. Unica eccezione è Come to Me, più robusta, aggressiva, la miglior pecora nera della famiglia che cerca di distinguersi, mostrando anch’essa grandi qualità. Ed è proprio con quel brano che si intende la sottile linea ironica che doveva presentare il conto a tutti noi.

Cut dimostra come, per saper meritare una seriosa critica musicale adoperando alcuni generi musicali, più che dei riferimenti che giungono da altre nazioni, occorre sottrarre la pericolosa intenzione del copia e incolla e studiare i perimetri entro i quali i tecnicismi potrebbero banalizzare ogni approccio. Filippo ci riesce: un’opera d’amore, di ringraziamento, di spunto, una nascita continua dove non nascondere la morte, la paura, la tensione. Come i fulmini, che hanno la consapevolezza del timore che regalano, l’artista in questione scaglia bordate di colori, all’interno del suo arcobaleno grigio, per attraversare l’umore e la solitudine. Stupisce, meraviglia, stordisce la produzione, il lavoro della bottega del suono che regna sovrano all’interno delle nove tracce. Maestosa la scelta di non dare alla voce il compito di pilotare l’ascolto: la musica precede, tiene lo scettro, e le corde vocali sono premurose nel non disturbare, nel cercare lo spazio per inserirsi e mostrare una razionalità mai pedante, ossessiva o noiosa. Straordinario è il ritardo nella pubblicazione di questo fascio sonoro complesso e audace: fosse uscito nel 1983 avrebbe conquistato il mondo. Ma è chiaro, e va detto, il fatto che la strumentazione adoperata per costruire il palco sonoro non sarebbe stata possibile prima. È innegabile tuttavia che si attraversano foreste, grandi corsi, si sale sulla scogliera, si precipita dalla montagna della sofferenza con grande coraggio. Si danza per scoprire il malfunzionamento osseo e muscolare, si rallentano i ritmi e si guarda dentro di sé, come un magnete doveroso che cerca di planare con efficacia. Londra, Berlino, Cracovia, Bruges, Amsterdam, Mosca: ideali piazze in attesa di celebrare chi sa fasciare i confini e far sentire tutti questi luoghi come una grande sala da abitare, per sconvolgersi, appartenersi e dilaniarsi sorridendo alla nebbia…

Ora andiamo a visitare queste vibrazioni elettroniche, una a una, per mitragliare la mente con la poesia visionaria di Filippo Biagioni Gazzoli…

Song by Song

1 - No Way Out

Front 242 dove siete? Clock Dva che fate? Venite qui ad ascoltare il vostro nipotino romano: l’opera parte da una scheggia piena di sale, nebulosa e tremante, piena di trucchi sonori, per trascinare la mente in una fuga doverosa, senza sapere se esiste la via di uscita che accolga la paura…

2 - Getting Nervous

Un mantra, un loop assassino, le atmosfere che si incupiscono, il cantato con la faccia Darkwave muove i muscoli dei confini mentre le note musicali sono armi che sorvolano i nervi, spargendo microbi omicidi. Gli anni Ottanta si presentano nella scelta melodica che imprime il buon Filippo e nelle scorciatoie ritmiche: sincopatici ritmi per far rifiatare le gambe e per dare alla mente nuovo ossigeno. Tetra ma bilanciata, misurata verso il rifugio che attende un ipotetico ospedale psichiatrico…

3 - Limbo

Uno dei vertici assoluti, un abbaglio improvviso che ci mostra gli studi dell’artista: la melodia non conosce l’immediata complicità ritmica riuscendo, quando la drum machine inizia a scuotere l’aria, a donarci qualche energia in più, in quanto questo brano è una frusta sul cuore, la voce conosce un volume più alto rispetto ad altri, e fugge dentro i sibili accennati, per farci addormentare nel grigiore di ogni limbo…

4 - Cut

Schianto, i brandelli di fiducia sintetizzati da sintetizzatori spavaldi e crudi: una sola parola cantata, con diverse tonalità, quella che dà il titolo all’album. Siamo nei territori dei Cat Rapes Dog e dei Philadelphia, due tra le più importanti band che hanno portato l’ebm ad abbracciare la Dark-Electro. Melodia piena di ossa, una singola nota che sequestra, un lavorio nell’individuazione della giusta compagine sonora e poi via: la punta di diamante è ora ben posta dentro il nostro cranio sconquassato….

5 - Lost

Il Vecchio Scriba gioisce nel sapere che eNiB non fa più parte degli Echoes of Silence: se questo quinto episodio fosse nato con la formazione romana avrebbe rubato stilemi, angoli e pettinature nei confronti di molte inclinazioni morali della Coldwave. Filippo invece viaggia da solo, meravigliosamente, in un brano schematico, limpido e cupo al contempo, dove la leggerezza del non perdere nulla ha a che fare con la solitudine. Per essere convincente limita i fraseggi e trova un loop che se fate attenzione vi ricorderà Enola Gay. È da questi piccoli particolari che si fa un artista…

6 - Devourer 

Tenebre dove siete? Avevate paura di essere state messe da parte? Impossibile: la desolazione pretende ed esige la presenza. Eccole, qui, come in un brano degli OMD, capaci di avere piume Pop, di far danzare, mentre le lacrime sprofondano. L’unico brano dell’album che sperimenta più generi musicali, per un risultato finale davvero notevole.

7 - Intruder (Feat. DonTToxique)

Elaborato, con un inizio che sembra richiamare la scena iniziale del film The Day After, la canzone è un esperimento ebm alleggerito della drammaticità espressiva sonora, ma non di quella suggestione che il cantato femminile (che sorpresa, ammettiamolo!) esprime in modo incantevole: su un impianto su cui i Depeche Mode avrebbero costruito un intero album (poverini, eh sì…), l’artista gioca con i flash, avanza nella sperimentazione, schiera più loop e porta la musica a essere un balcone pieno di crisantemi. Occorreva dare alle vibrazioni continenti senza confini temporali e il brano pare essere un raggio nebbioso partito dagli anni Ottanta per schiaffeggiare, morbidamente, tutto il tempo che lo divideva dal presente…

8 - Come to Me

Mi scusi: per Berlino 1994? Vado bene se continuo su questa pista musicale? La perla, la pecora nera della famiglia Biagioni è una poetessa con i nervi belli tesi, figlia di una città senza muro e senza più dignità. Siamo proprio nell’agglomerato urbano tedesco: Alberto Camerini adorerebbe questo brano… Metrico, robotico, dai confini stretti, toglie il fiato attraverso una danza ossessiva e disordinata. Ancora dubbi su questo album? Suvvia, siate ragionevoli…

9 Savour

Il Vecchio Scriba abituava piccole folle, negli anni Novanta, a ballare canzoni lente con un’intima propensione alla velocità, per defenestrare i capricci e la semplicità. eNiB fa lo stesso: trascinante senza aver il bisogno di un drumming potente e maestoso, concentra l’energia per sviluppare una prigione mentale dentro la quale costruire una forma di dipendenza. Suggestivo, compulsivo, sfiancante, l’ultimo appuntamento sonoro sembra celebrare l’orrore senza rendergli facile la vita: che vada a danzare altrove! Che, in questo contesto, è un fatto clamorosamente positivo!

Ci si congeda così da un lavoro che, direbbero gli scrittori bravi, ha un profumo internazionale. Sicuro che il successo non bacia i meritevoli, l’augurio è che esistano anime che potranno inciampare in questo disco: anche nella sofferenza esiste un sorriso e uno splendido arcobaleno grigio…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

12 Ottobre 2023

https://enib.bandcamp.com/album/cut

My Review: eNiB - Cut

eNiB - Cut

"Nowadays, we see fog not because it exists, but because painters and poets have taught us what is the mysterious grace of its effect."

Oscar Wilde

There are mental palaces ascending, others descending, as they surround the quest and structure it, determining solid and liquid flows, until the freezing of truth, the only queen capable of giving authority to this true mission. Here is a soul who, starting from Rome, with its dense dangerous alleys, moved to Frascati, and defeated boredom, banality, and the absence of celebration of the useless to build an artistic path, begun by Echoes of Silence, to continue on very different emotional and expressive highways, drawing trajectories of studies that best delineated his sensibility and the great need to explore the void, to diminish the human fatness that prevents one from being lean and capable.

He wanted to cut everything short, and, you know, when that happens you separate the past from the future, compress dissatisfaction and what is indigestible and project yourself into what is unknown, using the available means offered by the present. Here then is the divine electronic choice, unfairly labelled as that which makes emotion and warmth absent, presenting us with its expressive avenue with nine projections, introspections, surveys and whatnot, which we will try to discover and pile up, together with the talent of those who have learned to enter the world of fog to build a different human track. Synth-ethical, Synth-omatic, in a sea of frenzies coming from the Yugoslavian torpor of the early 1980s, the method used is to vibrate the keyboard, to pilot the flights of its thinking into a musical structure that has an electric shadow zone. It is not the guitars that make us weep, it is the black and white keys, with its circuits full of wires and sweat, of controlled, polite nerves, made to explode without stupid distortions, to pilot an apparent form of detachment, but Filippo Biagioni Gazzoli has invented a gray rainbow, with shades and feathers that fly without falling.

Transistor wails, the messages, encoded as the old Coldwave used to do, are a heavy suit to wear. Every track on Cut shows us the pain of traversing the planet of behavior without, unfortunately, knowing how to renounce chaos. It is the impetuous Electro Dark that drives the Roman artist to visit the footprints of his thoughts and those of those around him: at those junctures his music is a cerebral operation, unsparing. The ebm, a violent love for Filippo if pleasant, in this work is an ideological rather than structural support: it is like always having a friend ready to listen to you. Because it is obvious that it is a set of pieces born to develop friendship with his silence, with the need not to share his path with anyone. You can tell by the compactness, the fluidity, the style that permeates each composition as if it were a long pilgrimage without necessarily having to change clothes.

The only exception is Come to Me, more robust, aggressive, the best black sheep in the family trying to stand out, also showing great qualities. And it is precisely with that track that the subtle ironic line is meant to present the bill to us all.

Cut demonstrates how, in order to know how to merit serious musical criticism by employing certain musical genres, rather than references that come from other nations, one must subtract the dangerous intention of copy and paste and study the perimeters within which technicalities might trivialize any approach. Philip succeeds: a work of love, of thanksgiving, of inspiration, a continuous birth where death, fear, tension are not hidden. Like lightning bolts, which have an awareness of the awe they give, the artist in question hurls broadsides of color, within his gray rainbow, to cross mood and loneliness.

It amazes, it marvels, it stuns at the production, the workshop work of sound that reigns supreme within the nine tracks. Majestic is the choice not to give the voice the task of piloting the listening: the music precedes, holds the sceptre, and the vocal chords are thoughtful in not disturbing, in seeking space to fit in and show a rationality that is never pedantic, obsessive or boring. Extraordinary is the delay in the release of this complex and bold sonic bundle: had it been released in 1983 it would have conquered the world. But it is clear, and it must be said, the fact that the instrumentation used to build the soundstage would not have been possible earlier. It is undeniable, however, that one traverses forests, great courses, climbs the cliff, rushes from the mountain of suffering with great courage. One dances to discover bone and muscle malfunction, slows down the rhythms and looks inward, like a dutiful magnet trying to glide effectively.

London, Berlin, Krakow, Bruges, Amsterdam, Moscow: ideal plazas waiting to celebrate those who know how to bandage borders and make all these places feel like a great hall to be inhabited, to unsettle, belong to, and tear each other apart while smiling at the fog...

Now let us visit these electronic vibrations, one by one, to machine-gun the mind with the visionary poetry of Filippo Biagioni Gazzoli...

Song by Song

1 - No Way Out

Front 242 where are you? Clock Dva what are you doing? Come here and listen to your Roman grandson: the work starts from a salt-filled, hazy, trembling splinter full of sonic tricks to drag the mind into a dutiful escape, not knowing if there is a way out that welcomes fear...

2 - Getting Nervous

A mantra, a killer loop, the atmospheres darkening, Darkwave-faced vocals move the muscles of the borders while the musical notes are weapons flying over nerves, scattering murderous microbes. The eighties show up in the melodic choice that imprints good Phillip and in the rhythmic shortcuts: syncopated rhythms to refresh the legs and to give the mind new oxygen. Dreary but balanced, measured toward the refuge that awaits a hypothetical psychiatric hospital...

3 - Limbo

One of the absolute summits, a sudden dazzle that shows us the artist's studies: the melody knows no immediate rhythmic complicity managing, when the drum machine begins to shake the air, to give us some extra energy, as this track is a whip on the heart, the voice knows a higher volume than others, and escapes into the hinted hisses, to make us fall asleep in the grayness of each limbo...

4 - Cut

Crashing, the shreds of confidence synthesized by swaggering, raw synthesizers: a single word sung, in different tones, the one that gives the album its title. We are in the territories of Cat Rapes Dog and Philadelphia, two of the most important bands that brought ebm to embrace Dark-Electro. Bone-filled melody, a single note that sequesters, some work in finding the right sonic texture, and then off we go: the spearhead is now firmly placed inside our disheveled skull....

5 - Lost

The Old Scribe rejoices to know that eNiB is no longer part of Echoes of Silence: if this fifth episode had originated with the Roman lineup, it would have stolen stylings, angles, and haircuts towards many of Coldwave's moral proclivities. Instead, Filippo travels alone, wonderfully, in a schematic track, at once clear and sombre, where the lightness of losing nothing has nothing to do with loneliness. To be convincing he limits phrasing and finds a loop that if you pay attention will remind you of Enola Gay. It is from these small details that you make an artist....

6 - Devourer 

Darkness where are you? Were you afraid you had been cast aside? Impossible: desolation demands and demands presence. Here they are, here, as in an OMD track, able to have Pop feathers, to make people dance, while tears sink in. The only track on the album that experiments with multiple musical genres, for a truly remarkable end result.

7 - Intruder (Feat. DonTToxique)

Elaborate, with a beginning that seems to recall the opening scene of the movie The Day After, the song is an ebm experiment lightened of the expressive sonic drama, but not of the suggestiveness that the female vocalist (what a surprise, let's admit it!) expresses in a charming way: on a system on which Depeche Mode would have built an entire album (poor things, eh yes...), the artist plays with flashes, advances in experimentation, deploys more loops and brings the music to be a balcony full of chrysanthemums. It was necessary to give the vibes continents without temporal boundaries, and the track seems to be a foggy ray that started from the 1980s to slap, softly, all the time that separated it from the present...

8 - Come to Me

Excuse me: for Berlin 1994? Am I okay if I continue on this musical track? The pearl, the black sheep of the Biagioni family is a poet with beautiful nerves, the child of a city without a wall and without dignity anymore. We are right in the German urban agglomeration-Alberto Camerini would love this track... Metric, robotic, with tight boundaries, it takes your breath away through an obsessive and disordered dance. Still doubts about this album? Come on, be reasonable...

9 Savour

The Old Scribe used small crowds in the 1990s to dance to slow songs with an intimate propensity for speed, to defenestrate whimsy and simplicity. eNiB does the same: dragging without having the need for powerful and majestic drumming, it concentrates energy to develop a mental prison within which to build a form of addiction. Evocative, compulsive, exhausting, the latest sonic appointment seems to celebrate horror without making it easy for it: let it go dance elsewhere! Which, in this context, is a resoundingly good thing!

Thus we bid farewell to a work that, good writers would say, has an international scent. Certain that success does not kiss the deserving, the wish is that there are souls who may stumble upon this record: even in suffering there is a smile and a beautiful gray rainbow...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

12th October 2023

https://enib.bandcamp.com/album/cut

La mia Recensione: Neon - Rituals

 

Neon - Rituals

“ A volte, al solo pensiero di affrontare la giornata, sento come un vetro rotto nella mia anima”

Anonimo

Esiste, vive, pulsa, si nasconde davanti al menefreghismo della massa, non può negarsi, si catapulta nel vuoto per splendere. Che cos’è? 

Ovvio che sia la bellezza, quella non codificata, che non ha dita prensili, quella che scivola velocemente per non rischiare il contagio.

Rituals, Rituals e Rituals ancora, per defenestrare l’ascolto rapido e insipido, quello vorace ma non in grado di afferrare il valore.

1985. Che anno difficile per la musica, tutta. Un anno cuscinetto e, come per tutte le decadi, il quinto è in bilico tra l’andare avanti con ciò che ha vissuto e la possibilità di virare, di andare altrove.

Firenze, la città definita la capitale della New Wave (che bestemmia, Dio mio, e il Vecchio Scriba non può rinunciare a inalberarsi davanti a questa falsa dicitura), aveva gli occhi addosso e gli italiani hanno in quel periodo deciso di parteggiare per i Litfiba e i Diaframma, trascurando invece i Pankow e i Neon, le due formazioni più talentuose, schiette, dirette, efficaci, non alla ricerca di successo ma angeli grigi in cerca di un volo in cui baciare l’aria.

L’unico lavoro della seconda band di cui sopra è apodittico, immerso nella sua stessa bellezza e validità. La sua enfasi ci conduce alla cachessia, abbatte il presente scavalcando la pazienza, consumandoci, in un futuro nel quale la mente si ritrova fratturata.

Situato nei bagliori della Dance Pop più virile, si dirige sapientemente tra i pertugi elettronici, con ambienti Post-Punk a strutturare le melodie e le ritmiche di base, per poi visitare la Darkwave tedesca e il Kraut Rock.

La mitica Kindergarten Records (che ha avuto nella sua scuderia artisti come Scudocrow, Denovo, Garbo, Vena e tanti altri), prese la decisione di far firmare il quartetto fiorentino, dopo aver apprezzato i singoli che avevano preceduto questo lavoro. Sarà poi la Spittle Records a ristamparlo, aggiungendo remix vari. 

Il panorama, il metodo, il senso, i mezzi utilizzati per dare a queste tracce un destino, fanno di Rituals un unicum indiscutibile. Malgrado la veste melodica, nessun pezzo stabilisce un colpo di fulmine, perché ciò che serviva loro era l’esplorazione e non l’esibizione di un prodotto a presa rapida. Così facendo i minuti dell’ascolto diventano una lezione in classe, di storia del suo suono, del vento alchemico, di sequenze sparpagliate negli anni anni della trasformazione di diversi generi musicali, per approdare nel sacrario di una splendida depressione danzante, tribale, caotica, pelvica ed estroversa. Alle chitarre viene affidato il ruolo di catalizzatore della forza: Ranieri Cerelli è un chimico, un abile dottore sonoro, uno stravagante stratagemma continuo per portare l’apparato uditivo nei suoi flash seriosi. Le tastiere di Piero Balleggi, insieme al synth di Marcello Michelotti, sono le regine fascinose della nutrizione animalesca dell’anima di ogni brano, il capoluogo di ogni sentimento. Le percussioni e il drumming industriale del buon Roberto Federighi sono il vero fiore all’occhiello di questo vinile (tra l’altro la confezione originale è un’altra opera d’arte): lui disciplina non solo la danza e il ritmo, ma soprattutto convoglia le melodie verso la memoria, perché non siamo davanti a pezzi composti con la scontata forma canzone. A Fabrizio Federighi è stata affidata la produzione che rivela asciuttezza, velocità, rendendo l’ascolto un'autostrada senza coda.

Il cantato e la voce di Marcello sono semplicemente un miracolo notturno: oscillando da magneti seminascosti di derivazione John Foxx, Peter Murphy e Iggy Pop, il leader si sposta nella corsia meno trafficata di cantanti che non hanno avuto la luce sul palco dei loro talenti. Ma si aggiunga una evidente quota personale nell’interpretazione: un recitato melodico, spesso un crooning beffardo, sembra appostato per sequestrargli le parole, per poi dilatare le vocali, affosandole in zone baritonali di grande fattura. Ci si dovrebbe chiedere perché le parti elettroniche (spesso vicine all’Italo Dance) non abbiano comunicato agli ascoltatori la profonda capacità della band fiorentina di essere una spugna nevrotica: facile rispondere, in quanto gli italiani sono sempre stati rapidi nell’errare, nel nutrirsi di pochezza nello studio e nell’impegno.

Non un concept album, sia letteralmente che musicalmente parlando, bensì un agglomerato urbano di umori sparsi e tenuti insieme da una progettazione artistica che si è rivelata sublime. Un terremoto sulla schiena dei nervi, per un disco che ha attirato l’attenzione dei Simple Minds e di John Foxx, che li hanno voluti per aprire i loro concerti. Non solo soddisfazione, ma la dimostrazione che il loro valore era stato riconosciuto da artisti immensi. Ma era più facile amare gli altezzosi Litfiba e l’arrogante ciuffo di Federico Fiumani…

Prendersi cura degli scambi melodici (le tastiere e le chitarre sono spesso in luoghi opposti, complicando da una parte l’ascolto e dall’altra evidenziando dei sottili richiami che rendono il loro lavoro semplicemente stupefacente) è l’evidente contorsionismo che sfugge alla comodità, in una fuga senza paura.

Il Vecchio Scriba non intende parlare delle singole canzoni, o citarne qualcuna: si dia, invece, a questo esordio a lunga distanza, un luogo preferenziale senza le sollecitazioni dello scrivente, in quanto solo in questo modo sarete davanti alla sorpresa dei vapori in cerca di umori sotterranei, in un gioco di sfide quasi oltraggiose. Suonato, tecnicamente parlando, in modo valido (c’è chi in Inghilterra, tramite l’NME, ha dichiarato Rituals superiore a tante pubblicazioni inglesi di quel periodo), la maggiore difficoltà si mostrerà nel preferire i singoli usciti in precedenza: vietato consegnare spazio all’imbecillità, perché sono proprio pezzi meno conosciuti che esaltano il loro estremo, il loro piacere carnale di essere una mietitrebbia senza battito. Solo così l’incanto si poserà sul vostro cervello e vi scoprirete stregati… 

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

10 Ottobre 2023

https://youtu.be/VF14JeyoUjk?si=jzd5cnS8ybbm7woO