My Review: SixTurnsNine - Borders

 SixTurnsNine - Borders

We take a plane and fly to Düsseldorf, West Germany, to breathe in all the artistic perfume that city has always emanated.

Very active, capable, important, it also has in its arms a marked propensity to continually come up with bands that are able to fascinate, attract, giving its harbor a chance to put on the market really interesting music.

The scribe's ear listens to the debut album of the German combo that he feels is the most structured in generating hype, intensity, richness because of its willingness not to remain tied only to the history of its place of belonging, but rather to have in its possession the capacity for an international scope that plays totally in its favor.

After five years spent getting to know each other, experimenting and creating their own songs, the three knights of pure fascination decided to take the plunge by releasing Borders, which, without wasting any time, is a jewel that sticks to the tissues of the mind, reaches the pericardium and invades the veins, all of them, to cuddle them through melodies and solutions with a skillful use of electronic music.

The whole thing could be trivialized by "It's Trip hop": nothing could be more incomplete, partial and far from the truth.

The attitude and the dress are undeniable, but immersing oneself in a careful listening one catches not only nuances, but also constructions not necessarily related to that genre.

Instead, we manage to notice glimpses of Post-Punk flames, within streams of debris from Industrial music held expertly as a contour, to give space to clouds of Proto-Goth, creating an evocative and original whole.

Lutz Bauer is the genius, the driver of sounds, the man who sculpts the compositions providing spectacular, fresh, modern suggestions, without forgetting decades that seem distant.

The bassist is called Philip Akoto, the poet of richness, with an overpowering talent and the ability to wrap Lutz's architectures perfectly.

Then she, Anja Valpiani, the extraordinary voice with velvety, romantic, sensual vocals, a dew with crystals in her uvula. She has the merit of not seeing her native language as a hindrance: she sings perfectly in English and her technique is not at all penalized, as are the lyrics that seem to be written by a native speaker.

Lights, dimness and darkness are emotional territories that are vivisected and brought inside a contemplation that leaves nothing to chance. 

Music as words that enchant, words as music that nourish our listening and throw it toward lightness, despite the dark light of night, for the three bring us rays of sunshine anyway.

One needs method in listening, to be able to identify the myriad elements (not just influences) that make this debut compact and intense, one needs to search, only in this way we can be gently swept away by a sensory cascade that will create limitless benefit. Listening then becomes a funnel that will lead us into the intuitive, programmed channel developed by the three German trees, yes, that's right, because they are individually capable of giving strength and a beautiful vision. But their union makes their personal qualities skyrocket: Borders is a palette of smells which have been given a physical form, a miracle capable of producing spurts of intimacy made to reach ecstasy and catharsis.

There is a blues tension that permeates the entire work, especially because of some vocal passages by Anja, who manages to vary her incredible interpretations by following the flow of the music, as if hypnotized and seduced by incentives coming from the set of notes, in order to fly freely with her inner tension. 

It is articulated fluorescence that arrives inadvertently, as further confirmation of a power that from all sides flows into the centre of our perceptive senses.

One is surrounded by the gentleness, the sensitivity, the lightness that descends from the clouds into our central nervous system, which is eager for a delicate upheaval.

It is also necessary to give credit to lyrics that range widely, from love that is felt, that seeks protection, that wants sharing, to a romantic and positive attitude even in writing about the pain, the toil of existence, all with strokes of imagination perfectly stitched to reality.

With attached description of wills that put perfectly branched hemispheres in our listening and subsequent interpretations.

The impact of the connections between the outside and the inside are specified through powerful and compelling lyrics.

It is comforting and caressing to see how the atmospheres and modes chosen to express magnetic streams of intense magic also have in its DNA a way of doing that consumes the Trip hop experience to extract the juice from a fruit that seemed to have been squeezed entirely. Instead, these peerless Germans re-present it, but with a willingness to show its value with the purity of mixtures that enhance its prestige.

Moments, Fatigue, Ginger: songs in which we all experience an elegant electric shock inside dark but grace-filled atmospheres.

Flames is the perfect blend of a feeling that The Cure could move towards this musical planet and Trip hop.

Love Map offers vocals that roll up inside the beats, and it's steam that melts into crooning and brushstrokes of enchantment.

But all the compositions have an immensity to be touched with the magic of tricks that will leave you speechless....

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

26th September 2022

Date release: 30th September 2022

La mia Recensione: Edda - Illusion

 La mia Recensione:

Edda - Illusion

Una pellicola intensa, che circonda e compatta la nostra esistenza, si appiccica alla pelle, alla mente, condizionando i comportamenti, partendo dai sogni per arrivare alla pazzia più pulita, con inevitabile propensione a toccare anche quella sporca. 

Si chiama Illusione.

Diabolica strega dall’abito elegante, pesante come gocce di piombo, precipita su tutti noi e si trasforma in undici canzoni per il sesto album di Edda (Stefano Rampoldi), capaci di definire meglio la sua esistenza, in una tavolozza magica effervescente e cupa, come doveva essere. 

Questo insieme di voci, suoni, racconti strambi e sensuali, regala anche malinconici dettagli, una intossicazione che conduce l’ascolto a ripetersi, senza correre il rischio di assuefazione.

Estremo come sempre, Stefano educa se stesso in una collaborazione verso strategie che permettano alle canzoni di rivelare ancora meglio il suo talento e per fare questo arriva Gianni Maroccolo con una produzione che esalta la purezza delle composizioni, mettendo lui stesso un’altra pellicola intorno a questo circo senza catene che è Illusion. Le uniche che troviamo sono quelle di una disciplina che arriva a strutturare perfettamente le canzoni e in questo il toscano dal sigaro perennemente sulle labbra riesce in modo perfetto.

I brani circondano la struttura italiana con un tocco internazionale e corrodono le resistenze: inevitabile è l’innamoramento viscerale nei confronti di queste perle che sanno spaziare, atterrare nei sensi, creando voluminose piacevoli illusioni.

Si cavalca la melodia, la delicatezza, si cade senza attrito nei testi che più che mai rendono lucido il campionario infinito di una sensibilità estrema coniugata alla deflagrazione che fa di Stefano un esempio unico nel saper navigare tra la profondità e l’inafferrabile, perché anche la sua scrittura è libera e distante da quella di tutti gli altri.

I territori sonori sono dune agitate, propense ad allucinate miscelanze di ballate con attitudini folk rese perfette da strati psichedelici. Il tutto rivestito da una chiara tensione con la cravatta per stringerci verso l’attenzione obbligatoria perché nulla è da disperdere. Il pathos che ne consegue ci butta dentro riflessioni continue ed emozioni dagli occhi lucidi perché Stefano ci mostra il campionario di visioni con la bava, trasportandoci in quell’altro emisfero che da soli non sapremmo raggiungere. 

Il lavoro di Gianni Maroccolo è lo spettacolo dentro lo spettacolo, arrivando a creare simbiosi e tuffi nella precisione con dettagli che sottolineano la vastità di impianti allucinati dei brani di Stefano, che lui struttura per liberare il maremoto di vibrazioni che sono queste coperte che ci riparano dal freddo, dal vuoto. Tutto è un tintinnio, un richiamo algebrico e viscerale, una raccolta di spasmi e orgasmi che si baciano.

Il campionario tematico è il solito: l’insieme di grattugianti sguardi verso il reale e la fantasia, che Stefano nella sua carriera solista ha saputo riempire sempre con capacità vivida e focalizzata, per dare sempre l’impressione di riuscire a conferire ai sogni la capacità di saltare a piedi dispari nella realtà.

La sua aura comprende i deliri e le necessità umane di scombinare le teorie con schizzi di natura alcolica per intontire le convinzioni, come film che passano dal sentiero di un nervosismo controllato, fatto di immagini liquide, a visitare il palco di un teatro dove l’esistenza è messa in dubbio.

L’arte Eddiana è sempre un concentrato di poesia che si scrolla di dosso ogni vincolo con la sua prevedibilità, come per certi schemi, divenendo un incantevole maleducato che alla fine seduce per le sue corse dentro le narrazioni strazianti, con ritmi e generi musicali che vengono saldati ad alto voltaggio alchemico con ciò che vorremmo sentirgli dire.

Illusion è senza dubbio sia il canto del cigno verso un passato che solo in parte gli ha reso giustizia, sia la bandiera della sua identità finalmente capace di circondare ogni atomo con la sua ironia dirompente. Album che è un cittadino del mondo in grado di vestirsi di colori sgargianti, che utilizza i suoni, le strutture come il basamento di un futuro dalla faccia sporca, senza vergogna da temere.

Il suo cantato (libellula arancione con un limone in mano pronta a schizzarci addosso i suoi liquidi aspri) è più che mai efficiente e in grado di rendere le sue parole come diavolo in perfetta forma, sempre petardi senza sosta, che rendono i nostri stomaci farfalle bagnate e sirene, questa volta tramortite.

Il suo falsetto è una ninnananna psicotropa, in volo sulle nostre attese, come poesie nel profondo di un’ugola che pettina le nostre stanze. 

La chitarra, la sua donna dalle gambe aperte, ci avviluppa mentre a sua volta si fa avviluppare da strumenti ed espedienti che la colorano di una tonalità non ancora esistente: in questo, tutto sembra prodotto da una band di profughi dall’umore giusto, con buona propensione a dare alla sei corde di Stefano nuova linfa.

I suoi soliti scherzetti vocali sono questa volta non solo divertenti ma spesso inquietanti: come una veggente che sfida la fortuna, Edda con le sue interpretazioni, dalle diamantate inclinazioni, sovente ci spaventa e ci irrigidisce, ci fa vedere il sole come una luna senza luce, rendendo fredda la pelle dalla paura.

La sua sincerità è il presupposto su cui gli ascolti trovano disagi e stimoli, un fare le valigie tremando, con le cartine di viaggi immaginari che vengono fumate nella stanza, dove gli ascolti delle sue canzoni diventano lo stretto necessario. Sa essere ruvido, una colata di fango che spettina e ci inumidisce con emozioni che intimoriscono per profondità e durata, dentro la cura di suoni che sono la sua spada, il vento necessario per portarlo, velocemente, dentro i labirinti dei suoi pensieri, sempre devastanti e ipnotici. Sembra che viva una perenne esigenza di metamorfosi, di distanziarsi da se stesso mentre forse, e deve essere così, è solamente il fatto che è infinito il suo serbatoio, dove più che pescare lui  si tuffa, inebriandosi della sua stessa benzina.

Questo album non concede dubbi: non vi è strategia che infastidisce per copiosa capacità ma un panorama che, ascoltando le sue disarmonie, può essere visto nella sua interezza, avendo la percezione netta che ogni sua creatura musicale sia il progetto di un accordo tra il diavolo e il suo genio, in un duello che regala minuti che ci portano nel loro transito non terrestre.

In aggiunta: la sua dolcezza disarma, intenerisce e conquista, e per davvero vorremmo tutti circondarlo di affetto mentre ci suona tutte le canzoni di questo album, il più maturo, riuscito, che non solo lo svela e rivela ma al quale ci si abbandona per dichiarare tutto il bisogno in un ascolto che è la nostra penna che scrive il nostro ringraziamento…

Altamente consigliato a tutte le anime che vogliono intossicarsi di bellezza generosa in quantità, che alberga in ogni nota…

Song by Song 

Mio Capitano

È subito gloria pura: un Capitano descritto in modo scanzonato, con ilarità, su una chitarra che balbetta mentre le parole volano su note leggere per accogliere un falsetto quasi urlato, tutta la schizofrenia dentro parole di sale che si sciolgono all’interno di “un episodio inevitabile”. 

Alibaba 

Il milanese Edda gioca a fare i cuneesi Marlene Kuntz con un brano che dà modo alla voce di essere brivido, su chitarre carezzevoli, e una valanga di morale che sconfigge la retorica sulla famiglia, per un’atmosfera che annette anche la sensazione che gran parte della canzone italiana sia qui a rendere merito a Stefano Rampoldi per il fatto di rappresentarla perfettamente. 

La croce viva

Chitarre e basso disegnano il cielo su cui le doppie voci raccontano e ci si siede ammutoliti: l’Edda minimalista è pura vibrazione con la sua leggerezza a svegliarci tutti, con ogni atto di fede che finisce dentro i sogni. Una chicca in punta di piedi che ci paralizza.

L’ignoranza

Sempre serio e spietato, la sua intelligenza ci regala un brano dove si può ridere ma lo si fa sudando, sapendo che nulla è falso per davvero in queste parole. La musica viaggia tra ipotesi di climax francese e un alternative dalle lacrime spugnose, con cambi di suono e approcci stilistici che esaltano le distorsioni della chitarra chirurgica. Il lavoro del basso finale regala l’illusione di un dub dalla faccia nuova.

Signorina Buonasera

Siamo in un involucro sixties, varianti quasi progressive e l’arrivo della valanga ironica che frusta l’incoscienza, il falsetto sembra provenire dai Jackson Five, mentre tutto è pregno della sensazione che la musica leggera sia nel DNA del cantante milanese come scusa: sono martellate sulle ginocchia le allusioni del testo e la musica circostante.

Trema

Il mai dimenticato Claudio Rocchi potrebbe abbracciare Edda, in un girone di affetto sincero: si piange che è una gioia maestosa, tra la chitarra con la gobba che sorride tra accenni di Radiohead e gocce di Flamenco e la voce che richiama la notte per mostrare tutta la sua spiritualità. 

Carlo Magno

Il rock’n’roll di Edda è una fiaba, che entra dentro la Storia, per raggirare tutti smantellando la verità con ritmo, e l’eleganza con cui sbeffeggia fa sì che tutto diventi trascinante, incluso un assolo di chitarra lisergica.

Gurudeva

Rallenta il ritmo ma non la tensione ad alto voltaggio, perché siamo dentro il viaggio di una identità che, scombussolata, mostra il suo volto con grande autoironia. La linea melodica del canto sembra uscito dal Paradiso, le pennate della chitarra fanno di questo brano un’altra lacrima appesa al muro, mentre rimaniamo ad aspettare…

Lia

Il singolo che ha preceduto l’uscita del disco sembra un gemellaggio con Moltheni, dove vince l’atmosfera, che è torbida e romantica al contempo: sarà per la voce che si attacca alla dimensione onirica o per le trovate musicali che sembrano frutto di un arrangiatore in strepitoso stato di forma. Delicata, sognante, è una frusta che lascia lividi sul cuore.

Mirai

Saliamo sull’ascensore per vivere in modo perfetto la claustrofobia di questo assurdo viaggio sensoriale, tra l’azione di un cielo che arriva a turno per farci chiudere gli occhi. Parole come spine, musica che crea un alone misterioso per il suo approccio verso i mai dimenticati anni sessanta, una quasi ballad che in realtà è una strega fatata.

Brown

Perfetta conclusione dell’album, con il brano dal respiro funky, tra la nebbia che sembra nascondere la sua propensione. Ed è un delirio sottile, con il cantato che mostra la potenza e l’unicità della lingua italiana, i giochi melodici nei saliscendi morbidi, come una montagna russa al rallentatore che trova modo di accelerare all’occorrenza. 

Produzione: Gianni Maroccolo

Alex Dematteis

Misocshockworld

Salford

22 Settembre 2022

L'album esce il 23 Settembre 2022

https://open.spotify.com/album/15JTXaZFeti9JS6EKK3OXa?si=WDrz5A_RQLqJWKDmuyE2XA

La mia Recensione: GINTSUGI - Debut Ep

GINTSUGI - Debut Ep

Mea Culpa: lo scriba l’anno scorso è stato colpevole di non aver raggiunto la bellezza di questo Ep di esordio che l’efficace etichetta Beautiful Losers è riuscita a rendere disponibile, restituendo giustizia mettendo il mondo di fronte a cotanta ricchezza, fiumi di incanto senza possibilità di resisterle.

Canzoni come una donna con vestiti di classe durante una passeggiata lenta, nel ventre di un’atmosfera ottocentesca che attira sguardi e incendia i cuori.

Era inevitable che la ragazza italo-francese avesse addosso gli occhi di quel meraviglioso produttore che risponde al nome di Victor Van Vugt, cioè colui che ha messo le sue preziose mani su album meravigliosi firmati PJ Harvey e Nick Cave.

Quello che hanno in comune le composizioni di questo Ep e i due citati mega artisti si precisa nella sottile linea di confine tra musiche e cantati quasi sospirati e in grado di generare farfalle nello stomaco, e la propensione di una scrittura strutturata in elementi continui, dove la dispersione non è concessa, come uno Statuto artistico interiore, firmato con la propria coscienza.

Cinque diamanti senza tempo, cinque finestre verso la montagna, dove nasce il nostro desiderio di raggiungere queste composizioni, che passeggiano per davvero su sentieri pieni di intima ricerca di un possibile contatto con il cielo.

Non vi è bisogno di frastuoni per attirare attenzioni, perché qui il cuore si stira, senza una piega, verso una totale accoglienza.

Ogni canzone rende il nostro ascolto un brivido: la voce di Luna Paese è un miracolo dal volto pieno di piume, una densità di moti verso la sacralità di questo strumento che la rende angelica. È in grado di pennellare traiettorie vocali con delicatezza e la potenza viene espressa tramite interpretazioni maestose, come appiccicata a queste musiche paradisiache, che portano la loro unione a fare dei nostri respiri un vortice di ricordi.

È chamber pop rivestito di elettronica elegante, proiezioni delicate di movimenti sensuali, capaci di attirare l’anima e condurla nella pace interiore.

Andiamo a prendere per mano questo angelo e viaggiamo con lei dentro queste soffici nubi…

Song by Song

Your Ghosts

L’inizio è affidato a un carillon vocale straordinario, con la musica che sembra scendere tra ciuffi d’erba e alberi in un inchino solenne. Il violino poi rende perfetto il tutto, come un bacio nascente.

Blind

Inutile comparare Polly Harvey e Luna: malgrado quella che sembra una vistosa similitudine, in realtà vi è una diversa capacità interpretativa, ovviamente entrambe di notevole rilievo.

Qui la parte musicale si avvale di una chitarra ruvida appoggiata a un pattern e al Cello che rendono l’impianto suggestivo e dinamico, con un quasi crooning che stupisce ancora di più. 

Spiraling Down

Di bellezza in bellezza, giungiamo al terzo diamante con un pianoforte che mette in allerta tutti noi: la voce che arriva è una cascata lenta, bagnata di luce e di sogni ben svegli, per essere circondata da un alone di mistero notevole, con il registro che oscilla tra quello alto e quello basso con irrisoria facilità, ed è commozione pura.

Disarray

La passeggiata diventa l’incontro con un sogno vocale che si fa toccare, ed è la penombra di note piene di terra che vengono raggiunte da Luna, con un’architettura dalla connotazione complessa, per i delicati passaggi, un eco di sirene raggiunge la montagna…

Outro

Mediante uno strumentale potente per fascinazioni in bilico tra tensione e dolcezza, l’Ep si conclude con un abbraccio notturno attraverso gli archi che troneggiano dentro una montagna riconoscente per ciò a cui ha potuto assistere…

Produttore: Victor Van Vugt

Etichetta: Beautiful Losers

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford 

22 Settembre 2022

https://gintsugi.bandcamp.com/album/gintsugi

La mia Recensione: Gaetano Nicosia - Sparare a vista

 La mia Recensione:

Gaetano Nicosia - Sparare a vista

C’è qualcosa di devastante per lo scriba nell’essere anarchico: una serie di torsioni mentali ed emotive che si raggruppano nell’incredibile oceano di ingiustizia che l’essere umano crea, porta avanti e addirittura difende.

E la voce diventa sempre più sottile, con la tendenza a sparire. Ma poi in soccorso arriva un album, che crea spazio alla speranza, anche se nel farlo non manca l’occasione per piangere e specificare una rabbia davvero immensa.

L’artefice è un avvocato dal cuore enorme e dalla mente lucida e combattiva che muove la sua arte dentro coscienze ammutolite e purtroppo soprattutto assenti. Scrive un lavoro composto da nove esplosioni per svegliarci dal torpore che fa dimenticare la follia del male che non esita a sparare sulle voci che si oppongono al potere. L’unico modo per silenziare e rendere innocuo il tentativo di spodestarlo.

Sono una madre e suo figlio i protagonisti di questo progetto: la loro storia cucita nella modalità di uno Stato volgare e prepotente, dal grilletto facile. Sono nove “no”, nove “basta”, nove “vi fermiamo noi” che con convinzione e abilità sfoderano la loro forza e credibilità. E la morte di un ragazzo diventa messaggio di resistenza, la stessa praticata da una madre ferita gravemente ma con ancora respiri da vivere, sanguinanti e tremendi.

Gaetano usa dolcezza e irruenza, un senso urgente per non far addormentare la memoria e sveglia il mare di indifferenza e distacco con composizioni impetuose, frastornanti, come dinamite dalle mille sfumature, perché il senso del dovere gli fascia l’anima.

Un concept album dalla faccia piena di rughe nella sua storia per poterne però creare una nuova, dove lo spirito guida sia la consapevolezza.

Se l’incipit giunge dal libro del collettivo N23 “Perché non sono nata coniglio”, dove la storia di Roberto Franceschi diventa la lotta di sua madre per restituire al cielo tonnellate di doverosa giustizia, Gaetano raccoglie la tensione, la sviluppa e le dona parole e musica per trasportarci dentro una nube nera, nella quale immaginare che non sempre le ingiustizie rimangano quelle degli altri. Così facendo scattiamo in piedi non per ballare o cantare ma per reclamare diritti che dormivano nel letto della nostra intorpidita coscienza.

È il rock che torna ad alzare la voce, che ritrova una funzione sociale, con l’obiettivo perfettamente raggiunto. Lo fa individuando il nemico, la storia che lascia ferite e lacrime, trasformando queste canzoni in un’enorme sveglia nella testa.

Le chitarre, il basso, la batteria: una officina che si sposta in un hangar, per divenire cacciabombardieri con le parole urlate e sussurrate dalla gola di Gaetano, che diventa una furia anche tramite l’ottimo lavoro di produzione di Flavio Ferri, trovando il modo di precisare senza sbavature l’infinita corrente elettrica di una storia drammatica e la sua conseguenza.

Musica da tenersi stretta, da temere, da seguire, da sviluppare nei nostri spazi solitari, per poterci davvero connettere al mondo al fine di essere perfetti animali sociali, senza nessun risparmio da esibire. Un disco con il sudore e i brividi, che genera febbre e smottamenti, attraverso il quale il dito viene puntato contro le istituzioni, i comportamenti menefreghisti e svuotati dal rispetto che Gaetano invece mostra come assolutamente necessario.

I ritmi sono carichi di vibrazioni, le canzoni di inclinazioni verso la robustezza dove le distorsioni sono calibrate e non atti di fighetteria stilistica.

Nell’architettare questo concept album l’artista milanese ha setacciato, è divenuto un segugio di informazioni precise per poi convogliare il tutto in riflessioni che ha musicato, dando loro la capacità di inserirsi perfettamente nel desiderio che le canzoni diventino fiumi dove la vita torni a galleggiare e non l’ennesima macchia di petrolio a inquinare.

Ecco che allora la musica diventa utile e spazza via il gusto, la preferenza, la confidenza con la zona di conforto che alla fine è una discarica tossica.

Gaetano Nicosia si è immerso in atmosfere col mitra e l’elmetto, con le ginocchia piegate dal dolore, riuscendo però a farci vedere il cielo e a farci assaggiare il desiderio di cambiare le cose, avendo prima capito il da farsi.

Un album con le maniche arrotolate, un via vai frenetico di solidarietà e sostegno per il dolore di quell’ingiustizia che ha portato via una vita da questo mondo e fatto lacrimare la madre. Ma così come quella donna ha usato il dolore per reclamare desideri legittimi, Gaeatano usa la musica per mettere a posto quello che può permettersi di fare.

Canzoni che spazzano ma anche che seminano, il tutto concepito come un flusso magnetico dove gli opposti debbono smettere di farsi la guerra.

In tre episodi (vedremo poi tutto nel dettaglio) tutto sembra rallentare e conoscere prospettive nelle quali la necessità di respirare la calma conduce a incontrare melodie più marcate, maggiormente predisposte all’incanto (che siano in modalità semiacustica, o attraverso una psichedelia con una fisicità sognante), consentendo tregua e riflessioni senza correre.

Il suono dell’album è arcigno, benigno e maligno, sempre avendo l’impressione che voglia tener conto della storia, ma con l’obiettivo rivolto verso forme di considerazione che hanno lo sguardo al futuro, come se contemplasse una strana e tagliente forma sperimentale, un’avanguardia a piccole dosi ma poetiche e battagliere.

Si fa necessario, quindi, avere il muso duro di Bertoliana memoria, questa volta in un contesto dove l’errore significa scivolare, cadere giù, nelle braccia del nemico. Ci sono fuochi da accendere, da vedere, da subire e Gaetano ce li porta dentro gli occhi, mentre le chitarre sono schegge sparse tra questi trentatré minuti di contropotere che, oltre a viaggiare tra note, strumenti e parole, viaggia soprattutto nelle mani e nelle gambe che riescono, dopo l’ascolto, ad essere un’azione concreta per impedire a quella storia di avere la possibilità di ripresentarsi. Un album che è l’onda sonora di quelle pagine: qui sono chiassose perché amplificate e pregne del ruolo di dover ribadire la triste vicenda usando la favola della musica, in quanto è uno dei pochi veicoli in grado di fornire altre armi verso i soprusi.

Qui non si tratta di un artista impegnato a spiegare ciò che succede: piuttosto è un prendere posizione e volare cantando con la mente capace di non farsi imprigionare e di incutere paura.

Non più Maestro e alunno nella palestra dell’apprendimento, bensì una strategia che attraverso liriche impetuose e strazianti diventa l’unica arma da usare. Un lavoro toccante, disagevole, che non lascia perplessità. Se è il vostro pollice su o verso che conta allora state lontani da questi paraggi perché all’interno di questo involucro non si ha tempo da perdere e l’ascolto è già una preziosa forma per arrestare il nero beffardo che sa che è anche attraverso i gusti che si addomesticano le coscienze.

Per concludere: l’instabilità dello iato tra realtà, sogno e velleità è parte integrante di questo progetto, che ha in sé l’energia, l’unica possibile, per non essere un bell’album ma una scheggia negli occhi, da mantenere sino a quando le cellule si svegliano per dare a Roberto Franceschi e a sua madre  Lydia non solo un posto di cronaca nera e il risultato di un potere omicida, ma una culla dove possano guardarsi ancora amorevolmente: tocca a noi dare a quella famiglia la possibilità che diventi una realtà bella e importante e non solo un sogno…

Song by song 

Ma io non sono Stato

L’atmosfera, sin dall’inizio, ci fa intendere come sarà l’album. L’opening track è una trascinante esibizione di chitarre fangose, con cambi ritmo che non smorzano la tensione e un basso assassino, come una legnata sulle gambe, rovista il nostro ventre. I sogni infranti di Roberto Franceschi dimostrano il Potere di uno Stato omicida.

Anime perdute

Chitarre tremanti che ci portano in zona Sonic Youth fine anni ’80, aprono il cielo di ricordi di cui Gaetano deve purtroppo segnalare la disperazione con un testo che è una pentola che straborda con la sua acqua incandescente.

Molto semplice 

Sostenuta dal basso e da un chitarra sibilo che dalla periferia giunge nel centro del cuore, questa favola nera avanza con il suo incedere rock che balbetta suoni magnifici sino alla deflagrazione.

Odessa 

Tenebrosa nel suo primo respiro, la voce di Gaetano diventa capace di volare con il suo lieve eco, mentre il sentimento sonico rarefatto con gocce blues e psichedeliche ci fa entrare nel deserto con questa atmosfera tenebrosa.

Sparare a vista

Manifesto anarchico per eccellenza, ci riempie di consapevolezza con le lacrime aggrappate a un proiettile. Il giro armonico e il ritmo ci portano dentro vertigini nere dove tutto esplode senza sosta.

Uomo nero 

Il concept album continua con un episodio straziante, dove un finto pop di convenienza sviene ipnotizzato da parole di piombo, la morte dell’Occidente che ha donato la propria libertà a una Democrazia che si arroga il dovere di fare ciò che vuole. E intanto “Noi sappiamo molto bene il male dove sta”.

Bocca a bocca

La finta ballata, l’illusione, e poi è un orgasmo plumbeo di chitarre Glam annerite, con propensione alla rivisitazione delle possibilità del rock di essere molteplice nelle sue forme. Compatta, è distorta nella sua anima ancora più che nel suono.

Urla e ricordi

I Fugazi, i Sonic Youth e la scena alternativa americana dei primi anni ’90 si riuniscono dentro questi spari lontani, in un artifizio meraviglioso di richiami punk tenuti per le orecchie, nel quale svetta un basso sepolcrale, e la capacità di dare a un assolo breve tutta la suggestione che le parole hanno inciso nella nostra mente.

Caro Papà 

Il giorno dopo la consapevolezza di cosa significhi questa storia, il suo dramma, il suo urlo, Gaetano decide di concludere l’album con una lettera a voce aperta, su un loop elettronico e la polvere psichica della chitarra che spinge i nostri occhi a chiudersi. Parole come rose in attesa di essere accarezzate, la modalità è quella di avere la stessa capacità di alcuni momenti dei Pink Floyd di anestetizzarci, di placarci. Anche la volgarità della storia umana può conoscere una canzone immensa…

FF Recordings

Produttore: Flavio Ferri

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

21 Settembre 2022

https://open.spotify.com/album/1piUiSNx53CUKvw4jUjEyS?si=-I0Zh0vsTTi0UPT3kWwgyQ

La mia Recensione: Tina & The Hams - Wake the Babies

Tina & The Hams - Wake the Babies

Melbourne al tempo del Covid 19: probabilmente la città più severa con le restrizioni, quando normalmente è una radura accogliente e dinamica, ma, si sa, l’impatto della pandemia ha cambiato giocoforza le cose anche in quello splendido agglomerato urbano.

Tre anime piene di sentimenti vistosi, dalla pelle robusta e acida ma in modo sano, esordiscono con un album al vetriolo, con scorribande psichedeliche e l’attitudine a rendere compatto il cammino di testi pieni di esperienza personale, per poter conferire al tutto l’impressione di trovarsi all’interno di una roccia piena di brillanti e di incantevoli misteri.

Il gioco di incastri delle chitarre, la tastiera, il basso e la batteria sono notevoli, permettendo al ritmo e alle melodie di stabilire un patto che unisce il tutto e lo trasporta dentro l’intimo convincimento di una piacevolezza dilagante. Sono brividi di sudore e riflessione, per quarantadue minuti di amplessi, vibranti, stimolanti dove ciò che si ascolta conforta e stimola. 

Chitarre come lame, cantati e cori pieni di freschezza, in cui atomi di tristezza non possono limitare la dirompente propensione a fare della musica un atto di aggregazione, perché queste dieci composizioni hanno il pregio di convogliare le persone nel medesimo spazio.

I ritmi spesso sono spirali di frenesia che attirano e spingono i corpi a divenire catapulta (su tutte valga la prodigiosa Way), ma anche quando i ritmi e le condizioni del suono rallentano si vivono tensioni necessarie (Minou Granuleux, Hanging Rock, per intenderci), facendo sì che l’insieme ci avvolga donandoci ciò di cui necessitiamo.

Nel caso di Still on You, siamo davanti a suggestioni e suggerimenti attitudinali della nostra mente davvero coinvolgenti, perché la quasi intima propensione a un suono rarefatto concede respiri intensi e pieni di stupore.

Waves from the Sea, nella parte iniziale, ci porta agli scozzesi Man of Moon, per poi attraversare il post-punk infarcito di cellule psichedeliche che trascinano e conquistano.

Un album che ascolto dopo ascolto semina necessità, donando semi di gratitudini perché le canzoni sono generose, eleganti seppur nella loro dirompente intensità, e si diventa sognatori in grado di rivedere la realtà come una possibilità di baciare il benessere che sembrava ormai scomparso, date le vicende a cui ho accennato all’inizio.

E il momento più elettrizzante e capace di contaminare la gioia del nostro esserci è l’intrigante Suicide Girls, che con le sue diverse diramazioni e i riferimenti di qualità scende nel letto come un fulmine buono, senza far danni ma nella condizione di accendere la passione che diventa una piacevole dipendenza.

Con Ice troviamo una nuvola di suono col basso a spingere le dita nel nostro addome, con un cantato quasi sognante, che sembra suggerirci di stare dentro le corsie della nostra intimità.

Per concludere: consiglio vivamente l’ascolto di questo insieme di notevoli composizioni perché abbiamo bisogno di freschezza, di luce e del coraggio di vivere…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

20 Settembre 2022

https://tinaandthehams.bandcamp.com/album/wake-the-babies

https://open.spotify.com/album/0MxXIdoZe1SOawP7QGetfa?si=ZE-SAR88QLyP2C2ZwhhnEQ

My Review: Tina & The Hams - Wake the Babies

 Tina & The Hams - Wake the Babies

Melbourne at the time of Covid 19: arguably the strictest city with restrictions, when normally it is a welcoming and dynamic clearing, but, you know, the impact of pandemic has inevitably changed things even in that beautiful conurbation.

Three souls full of considerable feelings, with a skin tough and sour in a healthy way, debut with a vitriolic album, with psychedelic raids and an aptitude for making the path of lyrics full of personal experience compact, in order to give the whole thing the impression of being inside a rock full of brilliance and enchanting mysteries.

The game of joints of guitars, keyboards, bass and drums are remarkable, allowing the rhythm and melodies to establish a pact that unites everything and transports it into the intimate conviction of rampant pleasantness. These are chills of sweat and reflection, for forty-two minutes of sexual intercourses, a vibrant and stimulating state where what is heard comforts and inspires. 

Guitars like blades, vocals and choruses full of freshness, in which atoms of sadness cannot limit the disruptive propensity to make music an act of aggregation, since these ten compositions have the virtue of channeling people into the same space.

The rhythms are often spirals of frenzy able to attract and push bodies to become catapults (of all of them the prodigious Way stands out in this respect), but even when the rhythms and conditions of sound slow down we experience necessary tensions (Minou Granuleux, Hanging Rock, for instance), causing the whole to envelop us giving us what we need.

In the case of Still on You, we are in front of truly captivating ideas and attitudinal suggestions of our mind, because the almost intimate propensity for a rarefied sound grants intense and awe-filled breaths.

Waves from the Sea, in the opening part, takes us to the Scottish Man of Moon and then through post-punk infused with psychedelic cells that drag and seduce.

An album that listening after listening sows necessity, giving us seeds of gratitude because the songs are generous, elegant albeit in their disruptive intensity, and one becomes a dreamer able to see reality as a chance to kiss the well-being that seemed long gone, given the events I mentioned at the beginning.

And the most electrifying moment capable of contaminating the joy of our being is the intriguing Suicide Girls, which with its different branches and quality references descends into bed like good lightning, doing no damage but in a condition to ignite passion that becomes a pleasant addiction.

With Ice we find a cloud of sound with the bass pushing its fingers into our abdomen, with almost dreamy vocals that seem to suggest we are inside the lanes of our intimacy.

In conclusion: I highly recommend listening to this set of remarkable compositions since we need freshness, light and the courage to live..

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

20 September 2022

https://tinaandthehams.bandcamp.com/album/wake-the-babies

https://open.spotify.com/album/0MxXIdoZe1SOawP7QGetfa?si=VETOdm5rTJ-RNcaSfmiYhg