mercoledì 26 ottobre 2022

La mia Recensione: Hey Calamity - Desperation



Hey Calamity - Desperation


Trovare la giovinezza con il passare degli anni, in età adulta, è un atto meraviglioso, sublime, raro. Riuscire a creare entusiasmi, entrare in nuove zone pratiche ed emotive, ritrovarsi a fare ciò che normalmente si inizia a fare quando si è adolescenti è davvero sensazionale.

Pubblicare un album di esordio quando la carriera di molti artisti finisce proprio in quel periodo comunica speranza, non è mai troppo tardi per debuttare.

Ce lo dimostra Dave Thomas con il suo progetto Hey Calamity: dodici atti di presenza, un affacciarsi con la pubblicazione di un lavoro che, oltre a testimoniare ciò che ho appena affermato, rivela grandi qualità nella scrittura. Una notevole sensibilità sgorga in queste tracce che l’artista dell’Australia del sud ha performato in totale e completa libertà.

Un insieme di fasci di luce che contengono al loro interno una  delicatezza straordinaria attraverso testi che rivelano maturità e propensione elevata alla riflessione.

Dave ha la voce leggera, un batuffolo di cotone che entra nella dimensione di musiche che la contemplano e accolgono per riuscire a darci l’impressione di note nate per lei.

Tutto si muove motivato da chitarre e da un basso di grande fattura per formare un ascolto che profuma di delicatezza, sebbene siano presenti anche episodi robusti.

Rimane però tutto un abbraccio che ci fortifica e ci rende fortunati.

Uscire nella giungla del mercato discografico in età adulta può essere un rischio: Dave vince la scommessa grazie al suo entusiasmo e alla sua voglia di impastare ciò che gli preme esprimere, per un esordio nel quale esistono canzoni che catturano sin dal primo ascolto. L’unico appunto che lo scriba si permette di fare è che troppe canzoni sono uscite prima del disco, ma questo non toglie nulla alla validità di composizioni che seducono per qualità e valore. Ci sarebbe anche da scrivere un gran complimento: l’abilità del musicista australiano, molto rara in questi giorni, di non cadere nel cliché del genere musicale, ma di saper spaziare dando davvero dimostrazione di grandi abilità e cultura musicale.

La provenienza da decadi precedenti, più che da delle canzoni, si sente in certe modalità con le quali vengono suonati gli strumenti in piccole parti, mettendo in luce una grandissima peculiarità che conquista immediatamente. 

Ovviamente vi sono presenze Shoegaze e Dreampop che rendono le tracce magiche e potenti, donando fasci di luminose emozioni, riflessioni e una stanza interiore dove appoggiare la coscienza nella fase della maturità.

Da uomo adulto e capace, Thomas conosce l’equilibrio e la saggezza, è misurato ma pieno di ardore: si sente la sua passione, non si gioca la vita con questo album ma lo mette a disposizione come una torta da mangiare insieme, in piena generosità.

Canzoni che sono piene di slanci, di poesia che sa essere sonica ed eccentrica, sorprendente, con tratti gioiosi che ne facilitano la masticazione: Dave conosce lo scettro, comanda le nostre emozioni nel pericardio di un cuore sempre più bisognoso di bellezza. Lo fa con saggezza: sa essere polivalente, suona gli strumenti che gli consentono fantasia ed elasticità, mantenendo la propria rotta visiva e sonora, con l’innata propensione a fare del suono un rabdomante. Infatti troviamo stupore, sorprese, un senso di continuità che benefica e conforta.

Con l’attitudine pop che meraviglia in certi episodi, insieme alla volontà di saper rallentare i ritmi conferendo alle tracce mistero e atomi di accoglienza in espansione. Definirlo un album Shoegaze è scorretto proprio per le variabili contenute e proposte, ma sicuramente sa navigare in quei confini anche se si sente la volontà di essere un battitore libero che vive con curiosità, uno scienziato di un laboratorio che vuole scoprire nuove formule, riuscendoci. Il tutto sorretto da quell’entusiasmo che lo contagia, si riversa nei nostri ascolti contribuendo a rendere la nostra pelle una corsia fertile di frutti prelibati.

Un esordio valido che allo scriba fa affermare che il meglio deve ancora arrivare ed è una convinzione che all’autore Australiano deve infondere soddisfazione e coraggio, perché partire da un disco simile è cosa buona e molto valida…


Alex Dematteis

Musicshockworld

Saldford

26th October 2022


https://heycalamity.bandcamp.com/album/desperation






My Review: Hey Calamity - Desperation

 My Review:


Hey Calamity - Desperation


Finding youth with the passing of the years, in adulthood, is a wonderful, sublime, rare act. To be able to create excitement, to enter new practical and emotional zones, to find yourself doing what you normally start doing when you are a teenager is truly sensational.

Releasing a debut album when many artists' careers end right around that time communicates hope, it is never too late to debut.

Dave Thomas demonstrates this with his project Hey Calamity: twelve acts of presence, an appearance with the release of a work that, in addition to testifying to what I have just stated, shows great qualities in the writing. A remarkable sensitivity gushes forth in these tracks that the South Australian artist has performed in total and complete freedom.

A set of beams of light containing within them an exceptional delicacy through lyrics that reveal maturity and a high propensity for reflection.

Dave has a light voice, a cotton ball that enters the dimension of music which contemplates and welcomes it to succeed in giving us the impression of notes born for it.

Everything moves motivated by guitars and a bass of exquisite workmanship to form a listening experience that smells of empathy, although robust episodes are also present.

It all remains, however, an embrace that fortifies us and makes us lucky.

Stepping out into the jungle of the record market at an adult age can be a risk: Dave wins this bet thanks to his enthusiasm and his desire to knead what he cares to express, for a debut in which there are songs capable of captivating from the first listening. The only comment the scribe dares to make is that too many songs were released before the record, but this does not detract from the validity of compositions that seduce by quality and value. There would also be a great compliment to be written: the ability of the Australian musician, which is very rare these days, not to fall into the cliché of the musical genre, but to be able to range by really demonstrating great skill and musical culture.

The provenance from earlier decades, rather than from songs, can be heard in certain ways in which instruments are played in small parts, showing a great deal of distinctiveness that immediately wins you over. 

Obviously there are Shoegaze and Dreampop presences that make the tracks magical and powerful, giving beams of bright emotions, reflections and an inner room to rest one's consciousness in the stage of maturity.

As a grown-up and capable man, Thomas knows balance and wisdom, he is measured but full of ardor: one can hear his passion, he does not risk his life with this album but makes it available like a cake to eat together, in full generosity.

Songs that are full of outbursts, of poetry that are capable of being sonic and eccentric, surprising, with joyful traits that simplify chewing: Dave knows the scepter, he commands our emotions in the pericardium of a heart increasingly in need of beauty. He does it wisely: he knows how to be multi-purpose, playing the instruments that allow him imagination and elasticity, maintaining his own visual and sonic course, with the innate propensity to make sound a diviner. Actually we find wonder, surprises, a sense of continuity that blesses and comforts.

With the pop attitude that marvels in certain episodes, along with a willingness to know how to slow down the rhythms giving the tracks mystery and expanding atoms of welcome. To call it a shoegaze album is incorrect precisely because of the variables contained and proposed, but it is certainly able to navigate those boundaries even if you hear the will to be a free beater living with curiosity, a scientist in a laboratory who wants to discover new formulas, succeeding. Everything supported by that enthusiasm which infects it, which pours in our listening, helping to make our skin a fertile lane of delicious fruit.

A valid debut that makes the scribe affirm that the best is yet to come and it is a conviction that must instill satisfaction and courage in the Australian author, because starting from such a record is a good and very valid thing...


Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

26 October 2022


https://heycalamity.bandcamp.com/album/desperation?fbclid=IwAR2FGFyyWAu9IvaUjH35I5E2SEi3FCtWAjPeXHwraJbz9XUszhiAfHff9OQ









martedì 25 ottobre 2022

My Review: Antic Clay - Hilarious Death Blues

 My Review:


Antic Clay - Hilarious Death Blues


Poetry can dwell among the notes, having black wings in a dark sky, above the desert of every dream.

The writer is Michael Bradley with the project Antic Clay.

Having taken his notes, he went up to Asheville, North Carolina, sowed enchantments and inhabited that America kept hidden in his songs, doing much better than his previous band, Myssouri, who were however creators of bitter-tasting tunes that the scribe likes so much.

Hilarious Death Blues is an afternoon of oceanic intensity, head bowed, mind bathed in mature and intense writing, amidst musical genres that kiss his generosity, his intention not to undress his clothes swollen of stories with a dark saliva.

With his harmonica and his bloody-bellied guitar, Michael has boldly moved in the footsteps of David Eugene Edwards, but with his own sensibility, in a double album to sow nettles and torn clothes, like a Nick Cave lost in the strategies of complex songs, with faces in need of water. Because these compositions wet and refresh the mind, give consciousness towards thoughts that need street lamps lit all day long.

Biblical dialogues between angels with sinister smiles, the gloomy mountain of pain survival falling apart in its ink, inside a magnetic and magmatic dark-folk, where there’s no way of avoiding its fascination, where admiration arises from a warm voice describing time and places like a blessing lying on our hunger for miraculously simple but decisive songs.

Listening to these twenty-one tracks, there is a risk of asphyxiation, of visiting his mocking talent that does not give a damn about our need for comfort: his hands draw anachronistic situations and thoughts capable of shaking our stomach, as if it were one long composition, a theatrical play in two parts where soft breathing is not guaranteed.

And it is precisely here that the album's enormous importance lies: the ability to carry us to mystical, impervious zones, full of salt and screaming wounds, through his sweet voice supporting every pain.

The musical structure becomes cathartic and changeable enough to let us understand the depth of the strings of guitars full of shadows, among arpeggios and country rhythms that penetrate the dry clods. And we have a blizzard of notes which suffocate life: having overcome the challenge, everything falls into tears that comfort because the humanity he sings about needs emotions.

An absolute masterpiece, therefore misunderstood, by those masses of people who seek immediacy and lightness without commitment.

However, I would like to invite you to glimpse, which sometimes constitutes the anticipation of seeing, how much wandering and wonderful intensity travels within this work, so connected to other masters of poetry, of stories that are blinded, crushed, violent but soft-sounding. Because this is the disc: enchanting in its aesthetic sweetness, diabolical in its lyrics.

I mention a cover version contained in this album: Decades by Joy Division, perfectly contextualised in the shell of his songs, illuminating sadness like a coughing through the high mountain paths. Simply monumental.

As are all the other tracks for a record you absolutely must have, lest you deprive yourself of the miracles that can make our existence better.


Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

26th October 2022


https://open.spotify.com/album/46HYY7fTxWYo0Yby8ms3ru?si=l_ajAK8dTG6Fai08DyyMfw


https://anticclay.bandcamp.com/album/hilarious-death-blues-album-1-the-riderless-horse


https://anticclay.bandcamp.com/album/hilarious-death-blues-album-2-the-horseless-rider






La mia Recensione: Antic Clay - Hilarious Death Blues



Antic Clay - Hilarious Death Blues


La poesia può abitare tra le note, avendo ali nere in un cielo buio, sopra il deserto di ogni sogno.

A scriverla è Michael Bradley con il progetto Antic Clay.

Presi i suoi appunti, è salito a Asheville, nella Carolina del Nord, ha seminato incanti e abitato l’America tenuta nascosta nelle sue canzoni, facendo molto meglio della sua band precedente, quei Myssouri comunque artefici di brani dal sapore amaro che tanto piacciono allo scriba.

Hilarious Death Blues è un pomeriggio di oceanica intensità, capo chino, mente bagnata da una scrittura matura e intensa, tra generi musicali che baciano la sua generosità, la sua intenzione di non svestirsi dei suoi abiti gonfi di storie dalla saliva oscura.

Con l’armonica e la sua chitarra dal ventre insanguinato, Michael si è spinto con coraggio sulle orme di David Eugene Edwards ma con la propria sensibilità, in un album doppio per seminare ortiche e vesti strappate, come un Nick Cave perso nelle strategie di canzoni oblique, dai volti bisognosi di acqua. Perché queste composizioni bagnano, rinfrescano la mente, donano coscienza verso pensieri che necessitano di lampioni accesi tutto il giorno.

Dialoghi biblici tra angeli dal sorriso sinistro, la montagna cupa della sopravvivenza del dolore che frana nel suo inchiostro, dentro un dark-folk magnetico e magmatico, dove non c’è modo di non rimanere affascinati, dove l’ammirazione nasce da una voce calda che descrive il tempo e i luoghi come una benedizione sdraiata sulla nostra fame di canzoni miracolosamente semplici ma decisive.

Nell’ascolto di queste ventuno tracce si rischia l’asfissia, di visitare il suo talento beffardo che se ne frega del nostro bisogno di conforto: le sue mani tracciano situazioni anacronistiche e pensieri che smuovono lo stomaco, come fosse una lunga composizione, una recita teatrale in due tempi dove non si garantisce un morbido respiro.

E sta proprio in questo aspetto la quota enorme di questo album: la capacità di trasportarci in zone mistiche, impervie, piene di sale e ferite urlanti, tramite la sua dolce voce che supporta ogni dolore.

L’impianto musicale diviene catartico e mutevole quanto basta per farci intendere la profondità delle corde di chitarre piene di ombre, tra arpeggi e ritmi country che si addentrano nelle zolle secche. Ed è tormenta di note che soffocano la vita: vinta la sfida, tutto cade dentro pianti che consolano perché l’umanità di cui lui canta ha bisogno di emozioni.

Un capolavoro assoluto, quindi incompreso da quelle masse di persone che cercano immediatezza e leggerezza senza impegno.

Vorrei però invitare a intravedere, che a volte costituisce l’anticipo del vedere, quanta vagabonda e meravigliosa intensità viaggi dentro questo lavoro, così connesso ad altri maestri di poesia, di storie accecate, acciaccate, violente ma dai suoni morbidi. Perché questo è il disco: incantevole nella dolcezza estetica, diabolico nei testi.

Cito una cover che trovate in questo album: Decades dei Joy Division, perfettamente contestualizzata nell’involucro delle sue canzoni, che illumina la tristezza come un colpo di tosse tra i sentieri di alta montagna. Semplicemente monumentale.

Come lo sono tutte le altre tracce per un disco da avere assolutamente, per non privarsi dei miracoli che possono rendere migliori la nostra esistenza.


Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

26 Ottobre 2022


 https://open.spotify.com/album/46HYY7fTxWYo0Yby8ms3ru?si=l_ajAK8dTG6Fai08DyyMfw







mercoledì 19 ottobre 2022

La mia Recensione: Roller Derby * Starry- Eyed



Roller Derby * Starry-Eyed


Amburgo è una bolla sanguigna: sparge liquidi con l’appoggio di venti muti, cercando di tornare a incidere nella Germania perfezionista e seriosa.

Se pensiamo al suo passato basterebbe citare Xmal-Deutschland per sorridere e ringraziare per quel momento unico, in cui bellezza e qualità abitavano nello stesso respiro.

Se ci aggiorniamo, se rimaniamo curiosi, ecco allora tre ragazzi con i sogni ancora da aprire nei confronti di un mondo indaffarato a riempire ogni spazio possibile.

Loro però entreranno nel cuore perché hanno la grazia di un’unicità di cui quell’organo abbisogna.

Nel loro gravitare tra armonie spensierate e l’attitudine a rendere il grigio un colore interessante, ecco giungere il loro settimo singolo, fiamma Indie Pop dalla pelle Dreampop, che farà breccia nei vostri pomeriggi in cerca di stelle con il desiderio di abbracciarvi.

Sono canzoni come queste che dimensionano i confini, gli stili, mettendoci nella centrifuga la necessità di un play continuo.

Sarà la voce di Philine Meyer che pare giunga da una cometa alla ricerca di  battiti capaci di darle spazio, o le chitarre dai giri concentrici, rapaci ma sinuosi, di celestiale propensione, e molto altro ancora, a suscitare questa bellezza nell’ascolto.

Canzone assolutamente in grado di mettervi in contatto con la voglia di un dolce, di un caffè, e di una danza tra pareti piene di sogni da accendere…


Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

19 Ottobre 2022





My Review: Roller Derby * Starry- Eyed


Roller Derby * Starry-Eyed

Hamburg is a sanguine bubble: spilling liquid with the support of silent winds, looking to make a comeback in perfectionist and serious Germany.

If we think of its past, it would be enough to mention Xmal-Deutschland to smile and give thanks for that unique moment when beauty and quality lived in the same breath.

If we stay up-to-date, if we remain curious, then here come three guys with dreams yet to be opened up to a world busy filling every possible space.

They will, however, enter our heart because they have the grace of uniqueness that organ needs.

In their gravitating between carefree harmonies and an aptitude for making grey an interesting colour, here comes their seventh single, a Indie Pop flame with an Dreampop skin, which will make its way into your afternoons in pursuit of stars with the desire to embrace you.

It's songs like these that size up boundaries, styles, putting the need for a constant play in the centrifuge.

It will be Philine Meyer's voice, which seems to come from a comet in search of beats capable of giving it space, or the guitars with their concentric, rapacious yet sinuous riffs with a celestial propensity, and much more, that will arouse this beauty in your listening.

A composition absolutely capable of putting you in touch with the desire for a dessert, a coffee, and a dance amongst walls full of dreams to be lit...


Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

19th October 2022







martedì 18 ottobre 2022

La mia Recensione: Rowland S. Howard - Pop Crimes

 Se il Pop commette un crimine è quello di lasciare andare via per l’eternità un mago dalle unghie nere che si è preso la licenza di congedarsi con un album che ha proprio nel suo cuore un piglio Pop.

Ma non l’ha mai conquistato veramente e lui l’ha guardato storto, quasi incurante, certamente poco affascinato.

E il suo epitaffio è un grido a bassa voce, tra tormenti e moti angelici che fanno a pugni, con ramificazioni urticanti e rasserenanti per uno scontro che come risultato dà un disco meraviglioso, tra lacrime tenute in volo fisso davanti agli occhi, con la sensazione che ti cadano tra le pupille.

Con l’antico compagno di scorribande ed eccessi Mick Harvey, Rowland ha fissato per l’eternità la malinconia dei suoi battiti, esposto le sue vene a colpi di ombre continue senza mai sprofondare nell’oblio, come se fosse ancora in grado di governare le fiammate del cancro che di lì a poco l’avrebbe portato in un’altra dimensione. Ascoltando le otto tracce, sette originali e una incredibile cover dei Talk Talk, si entra nei suoi spasmi educati ma capaci di arrivare dentro di noi come folgori, perché la sua unicità, eleganza, raffinatezza e l’infinita classe mostrano tutte quante questo impianto scenico generoso e che lo qualifica, a detta dello scriba, come il miglior autore di canzoni del suolo australiano. Il disco è infarcito di blues nero, tagliente, lento, appoggiato sulla colonna vertebrale di un’America capace ancora di stimolarlo. La cura del dettaglio ubriaca, la finalizzazione che lo rende denso di atmosfere delicate ma vibranti (dove spicca la sua voce impastata con la grazia in un ballo cupo) accompagna le composizioni verso una spiaggia adornata di luci soffuse, sino a inebetire del tutto l’ascolto. Un rallenty continuo che fa esplodere il cuore dentro un lavoro celestiale di acute visioni sonore che ne espandono la bellezza al cielo. Il canto del cigno è cupo, intenso ma mai votato alla disperazione: tutto è cosciente, pieno zeppo di sofisticata propensione a creare brani che mutano a seconda del nostro umore. Ecco allora che si presta a un uso diverso, elemento che lo contraddistingue e lo consegna all’Olimpo di ciò che si deve conoscere, come un obbligo severo ma gentile.

I testi, cantati con una modalità che sembra essere il frutto di fiori che fuoriescono da vasi di lava con il mantello, sono efficaci escursioni di un pianeta psicologico che cerca ascolto, tra trame amorose con la polvere da sparo, e graffi decadenti mentre si espongono al sole. Una scrittura capace di vibrare da sola, per una emulsione che schiaccia il vapore acqueo, sempre pronto a uccidere, quando si tratta di contesti amorosi, per una mancata capacità di ascolto e confronto, un je t’accuse raffinato ma sempre evidente, per necessità e per via di un delirio che non conosce resistenze. La finestra del suo petto è rotta, caduta tra le braccia di una preghiera che non sembra possibile che venga ascoltata dalla madre di Cristo, come invece è il bisogno di qualcuno nella canzone che ci mostra pienamente come le sue storie siano a un passo dall’assurdo ma dannatamente umane. Sempre attenta a non esagerare con l’uso delle rime, la sua scrittura tratteggia profili psicologici, sospetti, grida che scendono dalle mani alle corde della sua chitarra che, ubbidiente, la segue nel vortice di trame dalla scorza dura, quasi impenetrabile. Sentire questa sua comunicativa così fulgida, nel contesto di note spesso d’acciaio, ruvide, grevi, crea non uno iato bensì una fascinazione incontrollabile.

La musica? Una sinfonia in perfetta sincronia con il deserto, dove tutto è secco, preciso nell’individuare ciò che è indispensabile, sopra un disincanto che muove le note in caduta libera senza però togliere il respiro, che la rende una prerogativa di chi sa come fare un patto con l’impossibile…

Ballads color velcro, in attitudine di protezione, con melodie dalle spine pettinate che inducono all’accoglienza, superando la paura di essere sedotti da tsunami sonori senza volontà di fare sconti. E quando il ritmo si alza un pò non è la danza che ci aspetta ma un volteggio, per poter baciare le ombre che lo compone. Si precisa la sua capacità di coinvolgimento con gli altri artisti dando la certezza che non siano session men bensì veri e propri membri di una band dal percorso millenario, sicuri, audaci e capaci di depositare ai piedi del cielo un tappeto su cui far volare i nostri ascolti estasiati e beneficiati di questa propensione univoca. Sempre come se fosse un arco pronto a lanciare le sue frecce, il genio australiano veste le canzoni come scie di vento, specialmente quando gli accordi sono quasi semplici, nessuna ostentazione da mostrare, piuttosto il bisogno di coricarsi sopra le trame di dense melodie per creare un unicum che non possa avere crepe sulla pelle. Si vola tra l’Australia degli anni 80 e la poesia ipnotica degli chansonnier francesi degli anni 60, senza perdere di vista quanta poesia, macchiata di una vena nera e calda, avesse lui stesso creato con The Birthday Party, il cilindro impazzito che alzò la polvere su un’Australia dormiente e non attenta ad alcune sensibilità che stavano creando rifiuti pieni di malcontento. Le chitarre sarcastiche e arcigne lanciano sibili romantici dentro un involucro in cui il basso e la batteria sembrano spose perennemente attente a lavare le macchie di così tanta radioattività. Perché queste canzoni, apparentemente di facile fruizione, in realtà corrodono e sanno sgretolare quel senso di bellezza che ci fa masticare tutto avendo lo stesso gusto in bocca. Invece…

Invece ciò che ascoltiamo è un complesso edificio di striminziti riferimenti (comunque da cogliere) e la valanga ipnotica di musicisti che si sono dati appuntamento davanti alla porta del mistero. La voce benedice e stordisce, perché nella sua apparente pacatezza esiste la stessa quota di furore del suo vecchio inquilino di quella Sydney che è stata la fionda che ha unito lui e il tenebroso Nick Cave verso una cittadinanza artistica e umana europea.

La stoffa però è la medesima: Rowland sa come ipnotizzare e farci rimpiangere la nostra minima dose di tranquillità. Sono episodi fumanti, tesi verso la conquista di una zona dove il soffocamento è elettrico, contorto, dove ciò che serve non è la forma canzone perfetta ma porti di accoglienza per una pioggia di lacrime quasi ammutolite dalla sua bravura. Sa esprimere ma al contempo contenere inchiostri di battiti slegati dalla futilità di milioni di anime indaffarate con il disimpegno, giostrando il tutto con scelte oculate, al di là della perfezione, perché questo accade a chi va oltre la propria strabordante genialità.

In questa narcolessia evidente, compaiono però episodi di poetica propensione verso le illusioni, lo spostare le attenzioni verso il prossimo, come portatore sano di miracoli improbabili, dentro relazioni torbide, in  addii che gonfiano il dolore e aumentano la mancanza di un’oasi di tranquillità.

Non vi è bisogno di caos, i testi strappano le tende degli ascolti portando alla preoccupazione, come se l’artista fosse un amico reale: Shut me Down raccoglie tutta questa intensità.

Non un testamento ma lo specchio della sua profonda difficoltà nel vivere: canzoni come autopsie che ci rendono gli occhi piccoli e già pieni di frequenze nevrotiche, quasi epilettiche, perché in questo flusso ogni secondo è un lutto tra la gioia e la morte che si sfidano in baci asfissianti.

E si dia spazio al silenzio, tra un episodio e l’altro, sia data via libera alla riflessione, i testi tra le mani e la curiosità, e la voglia di trovare il modo per sconfiggere la paura: dentro il suo distorto sistema artistico e umano vivono fascine di rugiada pronte a snellire la noia e le abitudini di brutti e confusi ascolti. In questa torbida collezione di esagerazioni c’è più equilibrio che in molte canzoni pop, dannatamente capaci di commettere crimini senza la nostra consapevolezza. Ora è il tempo di pescare nel suo maremoto, di farsi trascinare dalla sua bellezza a contatto con il diavolo per un’esperienza dove anche l’ascolto sarà fradicio di emozione…


Song by Song


(I know) A Girl Called Johnny


Il primo botto, quello che scoperchia il cielo, proviene da questa storia cantata a due, con Rowland che duetta con Jonnine Standish: è una piccola camminata psichedelica nella mente del prolifico artista australiano che apre subito il forziere del suo talento con una canzone che sprigiona emozione, con le voci che esaltano l’organo di Mick Harvey, e svetta per delicatezza e un malato romanticismo.



Shut me down


Il blues si tinge le dita di nero e con il profumo di whiskey che gli visita l’anima e le corde vocali, in una trascinante, epica dimostrazione di ciò a cui cosa possa condurre la mancanza della persona amata, ci fa giungere all’estasi. Anche da questo brano si capisce come lui e Nick Cave siano fratelli nell’anima, nessuno copia nulla dall’altro, ma sono invece uniti da attitudini simili che finiscono dentro un’orgia lenta. I rintocchi di organo creano poesia nel cuore mentre tutto va a sparpagliarsi nel cielo.



Life’s What You Make It


Non una cover ma un delirio soffocante condiviso con Mark Hollis, dove le chitarre sprigionano tensione e rendono dissacrante ogni tentativo di approcciarsi al brano dei Talk Talk: Rowland è l’unico che potesse davvero rivelarne gli scoppiettii con le ali distorte, in un viaggio dentro gli Usa rurali, malati e stanchi. Una corda che contiene una voce pronta a precipitare, trasportata da un’atmosfera blues-folk in cerca di uno schianto.



Pop Crimes 


Il male esiste, è un basso satanico che non concede repliche, perché conquista coinvolgendo per prima una chitarra sulle soglie dell’inferno. Il testo, una spada piena di tagli, consente a Howard di sprigionare violenza con la voce quasi mimetizzata dentro strali e graffi, per un risultato che è sconvolgente e stratificante. Una follia che si alza dal lettino e cade dentro amplificatori che sanno equilibrare il tutto con schitarrate ed il mare ipnotico dello strumento di J.P. Shilo che ci rende prede esangui.



Nothin


Oltre il capolavoro: Nothin è una pietra piena di fumi contaminanti che stroncano l’apparato uditivo per entrare dentro le mancanze che si sciolgono con il vento. Ed è Country/Gothic Americana & Folk Noir di purissima fattura, che conquista e appiattisce tutto con la sua linea melodica breve ma davvero capace di assestare un pugno nello stomaco.



Wayward Man


Il diamante più puro dell’album, feroce, con il basso di Brian Hooper che porta le chitarre a sventagliate acide, amplessi di nera attitudine, mentre Rowland diventa un quasi Crooner spiritato e immenso. Tutto stride e ferisce, chitarre come sirene con la voce sul punto di rompersi, e il vuoto che lascia spazio a un bridge aperto verso la fine del mondo.



Ave Maria


Nico è sempre viva, dove non esiste la sua voce vive la sua anima che qui sfodera un sorriso nero all’interno di un matrimonio con i proiettili dentro la memoria che torna ferendo, lasciando il cuore in uno sparo avvolto da musiche quasi paradisiache, ma è solo una comoda illusione.



The Golden Are of Blooshed


Fermi tutti: il sangue diventa tenebra, la storia raccontata è perversa e allucinata, la voce un lupo in cerca del giusto spazio per esibire i suoi artigli, dove la sfiducia nel partner porta la musica ad esserlo altrettanto, per magiche connessioni nel ventre del male. Un incubo che ha radici nella letteratura, che passa attraversa Jim Morrison alleggerito di acidi ma gonfio di alcol, per depositarsi dentro un’atmosfera sinistra ma vellutata, quasi capace di attirare le anime innocenti in un teatro degli orrori dalla pelle truccata. Ed è la vita che muore in una grotta con la chitarra che spranga il respiro, chiudendo questo gioiello senza tempo in un abbraccio soffocante…


Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

18 Ottobre 2022


https://open.spotify.com/album/0rpPmk289NRqguHC8XQ0LV?si=PH7_FDBxTNurEPB_NrOtnA






La mia Recensione: The Cure - Songs Of A Lost World

  The Cure - Songs Of A Lost World “La vita dei morti dura nella memoria dei vivi” - Cicerone Fa male. Potrebbe bastare così. Si entra nel m...