La mia Recensione: Peter Yates - You Never Know What You Might Find

 

Peter Yates - You Never Know What You Might Find

Come uno shock che rivitalizza i circuiti della comprensione, eccoci in un impianto crepuscolare ma colmo di pulsioni (lente), per precisare la descrizione e l’assorbimento di tutto ciò che la natura genera, rivelato attraverso balsami sonori che circondano e disarmano l’indifferenza.

Vogliamo chiamarla musica? Mi parrebbe riduttivo.

Siamo davanti a una forma di disciplina che educa allo sfoltimento  e all’abbandono di cliché di ascolto che mal si coniugano a quello che questa arte dovrebbe difendere: l’unicità, la serietà, l’intenzione di creare germogli mentali che aprano i pori dei pensieri.

Torna Peter Yates ed è la conferma di un livello di classe difficilmente raggiungibile dai musicisti e autori attuali. Ribadisce la capacità di usare filtri, di setacciare l’inutile e di abbandonarlo, di approcciarsi, divinamente, allo studio del suono, mostrando dilatazioni, echi leggeri ma perfettamente rotondi, riverberi che disinfettano il frastuono e lo rendono ubbidiente a questa analisi che si completa diventando un’operazione chirurgica perfettamente riuscita.

Lo sguardo prende slancio dalla psichedelia rarefatta, come un sospiro che indaga e riflette e porta il contenuto nella clessidra del tempo, accostandosi a una ambient music vogliosa di contenersi, di non essere un calice di spumante italiano bensì ancora un semplice ma preziosissimo grappolo, quasi insicuro ma certamente rispettoso delle grandezze a cui si interessa. Peter rallenta, si china, si ostina, si mimetizza e lascia antichi momenti gloriosi in un garage abbandonato: come musicista solista è nettamente migliore, più capace di esprimere concetti e di calibrare un genio mai riconosciuto prima. L’intensità che raggiunge non abbisogna della seppur notevole grandezza di quella band che il Vecchio Scriba non smetterà mai di amare.

Ma qui ci ritroviamo in un incantesimo, dove delicatezza, purezza, candore e rispetto conducono questi quattordici brani all’interno di un viale che pare abbracciare gli alberi, le case, i moti di una esistenza confusa. Le idee, qui, invece, sono chiare e si sente il profumo della modestia che non celebra ma conserva il proprio percorso di crescita interiore. 

Musica, allora, che è un flusso cinematico, sensoriale, solare nella schiuma di una luce ancora dormiente: ci pensano apparenti arpeggi con la forma di deliziose ninnananne e archi in sinuosi dipinti per sorvolare la zona del vivere e renderla una saggia estasi primaverile…

Parrebbe di sentir camuffato il blues epico di antiche traiettorie per trasformarsi in una messa che ancora deve decidere se essere laica o sacra. Ma si respira spiritualità, devozione al silenzio con le note che divengono ramificazioni consapevoli, avendo la dote di ispessire la consapevolezza delle cose terrene.

Gira attorno a piccole sequenze di accordi, cercando l’epicentro, per trasportarlo poi su un terrazzo, dove può essere notato dalle anime in volo.

Non è un album per tutti ed è una grande gioia: a volte può essere una grande vittoria non far parte di una massa, specie quella attuale che ignora e non riconosce la purezza di quest’arte sempre più violentata e sicuramente usata in malo modo. Yates entra nei suoni di una cucina, nell’ingresso di casa, adopera piccoli stratagemmi per ipnotizzare, come una seduta nella quale non è la catarsi l’obiettivo. Lo è il sentire sconfitta la solitudine in quanto queste composizioni allertano i sensi e li sparpagliano in un giorno in cui il tempo speso ad ascoltare questo lavoro rappresenta la prima forma di orgoglio, sapendo che i racconti e le fiabe a volte sono l’antipasto di una realtà che osa assomigliare a essi.

Un disco solo apparentemente strumentale perché, se si presta attenzione, queste composizioni traducono continuamente il flusso di pensieri che alberga nella mente di questo incredibile artista: saper cogliere gli aspetti diversi del linguaggio, partendo dal silenzio per finire alla voce degli strumenti, diventa per davvero il bellissimo esempio di una nuova comunicazione.

Quando la preziosa amicizia che lo lega a Jo Beth Young decide di mostrarsi (Beside), allora ci ritroviamo con voci diverse affiancate, in una danza medievale con flussi elettronici annessi, tra patterns, chitarre sognanti e stridori che aspettano la voce della cantante, qui alle prese con un testo scritto di suo pugno e dipinto sulle basi di questa clessidra temporale che conduce il suo registro ad alzarsi in volo, per disperdersi tra le nuvole…

In tutto l’album convivono inclinazioni morali, diamanti tenuti nascosti da chilometrici giochi di chitarre in grado di semplificare il rapporto con le idee: un cammino breve che però conduce lontano, negando la forma canzone per usare, invece, una modalità che pratica la retorica, la perlustrazione e l’abbandono di quello che seduce l’artista inglese. Il risultato è il fumo caldo di una fascina di legno che non brucia ma scalda con rispetto, distinguendosi, rifugiandosi in un microcosmo di folletti e spiriti che trovano l’amaca perfetta su cui riprendersi dalle proprie fatiche, per un insieme adulto, altamente professionale e sicuramente terapeutico…

Disco del mese di Marzo 2025.

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

5 Marzo 2025

https://peteryates.bandcamp.com/album/you-never-know-what-you-might-find

My Review: Peter Yates - You Never Know What You Might Find

 

Peter Yates - You Never Know What You Might Find

Like a shock that revitalises the circuits of understanding, here we are in a crepuscular full of (slow) pulses, to specify the description and absorption of all that nature generates, revealed through sonic balms that surround and disarm indifference.

Shall we call it music? It would seem reductive.

We are in front of a form of discipline that educates in the shedding and abandonment of listening clichés that are ill-suited to what this art should defend: uniqueness, seriousness, the intention to create mental shoots that open the pores of thoughts.

Peter Yates returns, and it is the confirmation of a level of class that is difficult for current musicians and authors to reach. It reaffirms the ability to use filters, to sift out the useless and abandon it, to approach, divinely, the study of sound, showing dilations, light but perfectly rounded echoes, reverberations that disinfect the din and make it obedient to this analysis that is completed by becoming a perfectly successful surgical operation.

The gaze takes off from the rarefied psychedelia, like a sigh that investigates and reflects and brings the contents into the hourglass of time, approaching an ambient music that wants to contain itself, to not be a goblet of Italian sparkling wine but still a simple but very precious bunch, almost insecure but certainly respectful of the greatness it is interested in. Peter slows down, bends over, blends in and leaves old glorious moments in an abandoned garage: as a solo musician, he is clearly better, more capable of expressing concepts and calibrating a genius that has never been recognised before. The intensity he achieves has no need of the albeit remarkable greatness of that band that Old Scribe will never cease to love.

But here we find ourselves in a spell, where delicacy, purity, candour and respect lead these fourteen tracks down an avenue that seems to embrace the trees, the houses, the motions of a confused existence. The ideas here are clear and one can smell the scent of modesty that does not celebrate but preserves one's inner growth. 

Music, then, that is a kinematic, sensorial, solar flow in the foam of a still dormant light: it takes apparent arpeggios in the form of delightful lullabies and strings in sinuous paintings to fly over the zone of living and make it a wise springtime ecstasy...

We seem to hear the epic blues of ancient trajectories disguised as a mass that has yet to decide whether to be secular or sacred. But one breathes spirituality, devotion to silence with notes that become conscious ramifications, having the gift of thickening the awareness of earthly things.

It revolves around small chord sequences, searching for the epicentre, then transporting it to a terrace, where it can be noticed by souls in flight.

It is not an album for everyone and it is a great joy: sometimes it can be a great victory not to be part of a mass, especially the current one that ignores and does not recognise the purity of this increasingly raped and certainly misused art. Yates enters into the sounds of a kitchen, into the entrance of a house, he uses small stratagems to hypnotise, like a session in which catharsis is not the objective. It is the feeling of defeated loneliness as these compositions alert the senses and scatter them on a day when time spent listening to this work is the first form of pride, knowing that tales and fairy tales are sometimes the appetiser of a reality that dares to resemble them.

An album that is only apparently instrumental because, if you pay attention, these compositions continually translate the flow of thoughts that dwells in the mind of this incredible artist: being able to grasp the different aspects of language, starting from silence and ending with the voice of the instruments, becomes a beautiful example of a new communication.

When the precious friendship that binds him to Jo Beth Young decides to show itself (Beside), then we find ourselves with different voices side by side, in a medieval dance with annexed electronic flows, between patterns, dreamy guitars and screeching that await the voice of the singer, here struggling with a text written in her own hand and painted on the basis of this hourglass of time that leads her register to rise in flight, to disperse in the clouds...

Throughout the album, moral inclinations coexist, diamonds kept hidden by kilometre-long guitar plays that simplify the relationship with ideas: a short path that, however, leads far away, denying the song form to use, instead, a modality that practices rhetoric, scouring and abandonment of what seduces the English artist. The result is the warm smoke of a bundle of wood that does not burn but warms with respect, standing out, taking refuge in a microcosm of goblins and spirits who find the perfect hammock in which to recover from their labours, deep, highly professional and certainly therapeutic ensemble…

Album of the month

March 2025

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

5 Marzo 2025

https://peteryates.bandcamp.com/album/you-never-know-what-you-might-find

My Review: Leonard Cohen - Various Positions

 

Leonard Cohen - Various Positions

The scene depicts Leonard Cohen in the Laurentides, smoking a cigarette. The atmosphere descends from the walls, burying the notes of an album that has undergone various transformations. This reflects the mechanics of the Canadian artist, who, in his first fifty years, has not sought to revive memories but has instead established new challenges to define.

Tragedy strikes with new attire, inspiring a different, eloquent song. This song expresses thoughts in the twilight of time, never devoid of panic, yet capable of sowing it.

The heart shatters: they are stories that dim the light, and where his attempt was evident in presenting atypical rainbows. Despite this, Leonard smiles, puffs, smokes, and sings even more closed, clutching his shoulders.

The title and these words leave the imagination with a bittersweet joy that traverses the absolute: an artistic process that aimed to disrupt stories without a microphone, let alone a megaphone. Intuition emerges as the adversary of escapism, entangled in a labyrinth of mental cables that reside in melancholic rivers in the stormy landscape where the singer requires a guide, a deity, and a cast of characters to navigate the treacherous path of sin.

Cheerfulness evokes romance and music, the true protagonist of this work, arriving like an ecstasy that precisely understands the context. The stave assumes the role of a ferryman, introducing new styles, accompanied by an almost silent orchestra that subtly suggests sounds and colours to tales that have never existed before.

The courage not to abandon his acoustic guitar alone demonstrates that the past was not a lifeline but a piggy bank to be broken.

The realism, the darkness, and the brilliance of the breakup transform into the sighs of these arrangements, of these soulful choruses, where country music slows down and psychedelia immerses itself in the river of love. This explains these compositions that blend the authenticity of an atypical complex discourse, out of context for the 1984 year that was consecrated to be the decisive year for the demolition of slowness and words that, with morality at hand, could slow down the excess in consumption.

A horseman emphasising slow motion is painful and indigestible.

However, Cohen’s creations are always meticulously crafted. It is quite easy to avoid his dishes. And that is precisely what transpired in the lead-up to the release of this nocturnal masterpiece.

Piano, strings, double bass, electric guitar, and a female vocal line create a dark, radiant light that illuminates Cohen’s soul, which undergoes an epochal and unforeseen transformation. An otherworldly presence takes possession of his writing: his hatching becomes more pronounced, painful, yet simultaneously he experiences comprehensible dichotomies that breathe life into the artistic structure.

Darkness, his constant companion, becomes a dancing spirit, an unusual waltz, where the rhythm reveals the pretext for a deception that manifests in at least three tracks, for a mode of expression that embraces gospel and blues without revealing the stylistic characteristics.

The emphasis lies in the singing, which is sunnier, with the voice’s medium-high register, and the notion that those words already held a profound emotional resonance and did not require repetition in that baritone tone that, while charming one generation, risked alienating others.

A compromise? Perhaps, but ultimately, these chords, imbued with tobacco, alcohol, and drama, harmoniously aligned by an almost misplaced treble clef, confer upon the album a sanctity that is scarcely discernible after the initial listening.

As always, the rhyme scheme remains unpredictable, drained but capable of providing unexpected comfort by delivering unexpected jabs and punches that, unfortunately for the listener, they find themselves subjected to.

Reflection on the human condition remains the central theme of his writings, yet it is evident how he avoids direct violent confrontations, opting instead for a prairie where he can introduce unexpected elements to bewilder and confuse everyone in a row of drunken grass.

The depth of his work transcends the philosophical realm, as exemplified in the first track where even the atrocities committed in Nazi concentration camps find a fleeting semblance of happiness. Moreover, it is striking when discontent is entrusted to the refrain rather than the strophes in a story, a substantial reversal that demonstrates a complete disregard for contemporary song forms. The country and western influences, while not exclusive, underscore the versatility of his music and highlight the need for its range of moral, technical, and musical tools to be updated, not only stylistically.

The reverberation of his music is numerous, perhaps excessive, and this very reason makes the listening experience pleasant, an oxymoron that enriches the soul while simultaneously impoverishing the habit. Leonard intrigues, stings, emphasises, but never invokes alliances. He journeys on the ship of his thoughts with a voyage that will find greater precision in subsequent albums. A timeless work since its publication, it serves as a watershed, a traffic light, and a medieval shot that sharpens attention and perplexity. It offers no comfort zone, as it is not possible to discuss the author who most attempted to shatter conventional notions by disguising them in silk.

One is moved and puzzled by the sounds, the styles that are never truly heterogeneous but acknowledge that in a homosexual individual, there is never one branch superior to another.

Songs like trembling columns, fir-trees, sacks of rubbish to be thrown into the square of our madness, a cumbersome incumbency where beauty and love challenge ugliness and hatred in a circuit where understanding (ours) is relegated to the periphery.

In this context, compared to Bob Dylan, Leonard demonstrates a clear superiority: verse is not presented as a display of quality, but rather as the necessity that through artifice one can descend into consciousness.

Intimacy is intertwined with the concept of immortality, manifesting in a silent dance that does not perspire or drip onto the legs, but instead produces toxic, viscous substances that permeate the corridors of the mind. Desire and struggle find themselves far from a conventional setting, such as a bench, to engage in discussions, while the dynamics of relationships engender infections and discouragements.

For Cohen, the higher power is not a divine entity, and guilt intersects with those who seek solace but find it elusive, leading to despair.

Death returns, somber and gradual, preparing for the inevitable transition to the afterlife with a distinctive approach that skillfully presents the inevitable without making it overly burdensome.

The complexity of emotions is seamlessly integrated into the music, characterised by its slow tempo and violent intensity, which effectively restrains and encapsulates both the false and the true within a game that Leonard masterfully dominates, exhibiting a consistent pattern that deviates significantly from his previous albums.

He presents dilemmas, akin to fireworks illuminating the curtains of an exploration that is perpetually inflamed by icy gems that, as they acquire a reddish hue, centre the primary focus of his exposition.

Conflict arises from distant corners that refuse to seek proximity, leading Cohen to adopt a strategy of encompassing his stories within a limited timeframe of a few years.

This approach proves to be remarkably effective.

He meticulously safeguards his verses, entrusting them to strings and muffled drums, as well as unconsciously graceful brush strokes. However, the final result emerges as a splendid emotional funeral.

It offers comfort, compassion, and caresses reminiscent of eighteenth-century arpeggios and frescos that evoke the ambiance of Italian quarters in the nineteenth century. Another enigma, another St. Patrick’s well that, as it unfolds, presents a complex puzzle that challenges comprehension. Before its prolific generosity, one experiences a sense of poverty, akin to losing one’s wealth, for a tragedy that borders on the comedic.

“The Hills to Rejoice In”: One could commence from this point to establish, in the loss of meaning, a departure from the desire to allow one’s cultural baggage access to their own. Cohen divides, sifts, distances, and does so with his voice as a steadfast oak tree, where, gradually, he leads us down to tear us down with his beauty…

Old age reveals its teeth through behavioural conflicts that make the notes harsh, in an ambiguous lightness that stuns, captivates but simultaneously disconcerts and directs our thoughts towards the places of inevitable concealment.

The musicians are disciplined, attentive, akin to an orchestra that discerns orders, scores, and dry gestures in the maestro: no escapes permitted, just as no smears and a sacred sense of performance that transforms the disc into a sonic landscape traversing the tempest of time. It is inconsequential whether the subject matter is topical, past, or future: everything becomes a vibrant energy where his words and notes are molecules that leave you paralysed and sweet dreams, bordering on a perilous allure.

Leonard Cohen entrusts the wind with the task of bringing all complexity to take a shower and chooses pink drops, a whiskey brand, and considerable strength in verses that in 1984 appeared to originate from Atlantis, Babylon (as mentioned in the album’s opening song), embarking on a journey that does not consume but, in fact, amplifies the entire experience in a dramatic sense towards the exploration of truth.

The notes are embedded in the essence of these lampposts, and the moral becomes an atypical yet fundamental blues, which succeeds in making time the silent observer that allows entry due to its poetic resonance that akin to a muse captivates.

However, its wisdom becomes unfulfilled if the listener fails to comprehend that, precisely because we are not confronted with a masterpiece, this artistic endeavour demonstrates greater adherence to the truth: study and introspection become indispensable, to complete that profound sense of shock that this work is capable of generating…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

23 February 2025

https://open.spotify.com/intl-it/album/6I58qJMqZHhb8jtNT3CuJB?si=BSZi-tlSQIKDKB8ZRpnePQ

La mia Recensione: Leonard Cohen - Various Positions

 

Leonard Cohen - Various Positions

La scena potrebbe essere quella di Leonard con le Laurentides, mentre, fumandole, l’atmosfera scende dalle pareti per seppellire le note di un album che ha mostrato diverse svolte, nella meccanica dell’artista canadese che, con i suoi primi cinquant’anni, ha colto l’occasione non di riesumare i ricordi bensì di maturare nuovi ostacoli da definire.

La tragedia arriva con abiti nuovi, per innalzare un canto diverso, eloquente, un differente spartitraffico dei pensieri all’imbrunire del tempo, con la sua voce mai circondata dal panico, ma in grado di seminarlo.

Il cuore si crepa: sono storie che fanno abbassare la luce e, laddove il suo tentativo si è fatto evidente nel mostrare atipici arcobaleni, Leonard ha sorriso, sbuffato, fumato e cantato ancora più chiuso stringendosi nelle spalle.

Sta tutto nel titolo, in queste parole che lasciano l’immaginazione con un’amarezza e una gioia che trafficano con l’assoluto: un processo artistico che aveva nel cielo l’intenzione di naufragare in storie senza un microfono e tantomeno un megafono. L’intuizione diventa l’oppositore dell’evasione, in un groviglio di cavi mentali che risiedono in fiumi agrodolci nel paesaggio di tempeste dove al cantante serve un capitano, un Dio e una fila di personaggi che alimentino la corsia sporca del peccato. 

L’allegria invoca il romanticismo e la musica, la vera protagonista di questo lavoro, arriva come un’estasi che conosce perfettamente la locazione del contesto, il pentagramma assume il ruolo di traghettatore e nuovi stili si affacciano, con l’imprinting di una orchestra quasi muta, che in punta di piedi suggerisce ai racconti suoni e colori mai avuti prima.

Il coraggio, dunque, di non lasciare la sua chitarra acustica pressoché in solitaria dimostra come il passato non fosse un’ancora di salvezza, ma un salvadanaio da rompere.

Il realismo, l’oscurità, la brillantezza dello sfacelo divengono i sospiri di questi arrangiamenti, di questi cori soul, dove il country rallenta e la psichedelia si getta nel fiume dell’amore. Si spiegano in questo modo queste composizioni che mescolano l’autenticità di un discorso complesso atipico, fuori contesto per quel 1984 consacrato a essere l’anno decisivo per l’abbattimento della lentezza e di parole che con la morale a portata di mano potessero rallentare l’eccesso nel consumo.

Un cavaliere che offre enfasi al rallenty è cosa dolorosa e indigesta.

Ma nel piatto di Cohen tutto è cucinato perfettamente: facilissimo evitare le sue pietanze. Ed è ciò che accadde nell’imminenza dell’uscita di questo gioiello notturno.

Il pianoforte, gli archi, il contrabbasso, la chitarra elettrica e una voce femminile diventano il sole cupo della sua anima che trova una trasfigurazione epocale e non preventivabile. Una forma ultraterrena si impossessa della sua matita: i suoi tratteggi si fanno più  marcati, dolorosi ma al contempo vivono dicotomie comprensibili che ossigenano l’impianto artistico.

Il buio (il suo migliore amico) diventa uno spirito danzante, un valzer inusuale, dove il ritmo palesa il pretesto per un inganno che si materializza in almeno tre brani, per una modalità espressiva che abbraccia il gospel e il blues senza mostrare gli stilemi.

L’enfasi arriva nel cantato, più solare, con il registro della voce mediamente più alto e l’idea che quelle parole avessero già una bara nel cuore e non necessitassero di essere udite con quel tono baritonale che, se da una parte aveva ammaliato una generazione, dall’altra rischiava di allontanare le altre.

Un compromesso? Può essere, ma alla fine queste corde, piene di tabacco, alcol e drammaticità allineate da una chiave di violino quasi mal posizionata, conferiscono all’album una santità poco intuibile dopo il primo ascolto.

Come sempre la rima non appare scontata, svuotata ma in grado di urtare la comodità offrendo calci e pugni che, sfortunatamente per l’ascoltatore, questi si ritrova a subire.

La riflessione sulla condizione umana rimane il baricentro dei suoi scritti, ma appare evidente come eviti uno scontro violento diretto, cercando, invece, una prateria dove seminare elementi sorprendenti per confondere tutti in una fila d’erba ubriaca e ubriacante.

La sua profondità si fa filosofica (basti pensare al primo brano in cui ciò che accadeva nei campi di concentramento nazisti trova addirittura la sembianza di un momento felice…) ed è implacabile quando in una storia il malcontento è affidato al ritornello (se così si può affermare) piuttosto che alle strofe, in un ribaltamento sostanziale che mostra un totale menefreghismo nei confronti della forma canzone contemporanea. Gli accenni country e western sottolineano non solo la poliedricità bensì come il suo range di utensili morali, tecnici e musicali abbisognassero di un aggiornamento, non solo stilistico.

Le quote di riverbero sono molte, forse troppe, e proprio per questo è gradevole la sofferenza dell’ascolto, in un ossimoro che arricchisce l’anime e impoverisce la consuetudine. Leonard intriga, punge, sottolinea, ma mai invoca alleanze: viaggia sulla nave dei suoi pensieri con un tragitto che troverà negli album successivi maggior precisione. Un’opera longeva sin dalla sua pubblicazione, uno spartiacque, un semaforo, uno sparo medievale per acuire attenzioni e perplessità. Nessuna comfort zone. Non è possibile quando si parla dell’autore che maggiormente ha cercato di lanciare pietre vestendole di seta…

Ci si commuove, si rimane perplessi dai suoni, dagli stili mai davvero eterogenei ma consapevoli che in una fascina non esiste mai un ramo migliore di un altro…

Canzoni come colonne tremanti, come abeti, come sacchi di spazzatura da dover buttare nella piazza della nostra pazzia, come una incombenza ingombrante, dove la bellezza e l’amore sfidano la bruttezza e l’odio in un circuito in cui la comprensione (nostra) viene condotta in periferia.

Ed è qui che rispetto a Bob Dylan Leonard mostra una netta superiorità: versi non come sfoggio di qualità, ma come necessità che attraverso un artifizio si possa affondare nella coscienza.

L’intimità si connette alla immortalità, con la danza che non suda, non fa colare le gocce sulle gambe, ma produce tossine, vispe, nei corridoi della mente. Il desiderio e la lotta si ritrovano lontano da una panchina a discutere e la dinamica delle relazioni produce infezioni e scoramenti.

Il potere superiore non è divino per Cohen, e i sensi di colpa attraversano il cammino di chi cerca e, non trovando serenità, si dispera.

La morte torna, grigia e più lenta, per preparare la transizione inevitabile verso l'aldilà con l’inconfondibile stile di chi sa indorare la pillola, senza sbavature.

La complessità delle emozioni scivolano nelle musiche, così violente in quanto lente e quindi capaci di trattenere tutto, il falso e il vero, in un gioco che Leonard domina e non si discosta di molto, sotto questo aspetto, dai suoi album precedenti.

Offre dilemmi, fuochi d'artificio nelle tende di una esplorazione sempre infuocata da gemme gelide che, divenendo rossastre, centrano l’obiettivo primario del suo esporre.

Il conflitto nasce da parti lontane che non cercano vicinanza: da qui il suo segreto nell’inglobare, sotto il profilo temporale, le sue storie in pochi anni.

Stratagemma che si rivela perfetto, senza alcun dubbio.

Lui sa come proteggere i suoi versi: li affida a corde e a tamburi ovattati, a pennate delicate inconsciamente leggiadre, ma alla fine dei conti il pentagramma risulta essere uno splendido funerale emotivo.

Offre conforto, compassione, carezze con arpeggi settecenteschi e affreschi che sembrano provenire da contrade italiane del Milletrecento. Un altro mistero, un altro pozzo di San Patrizio che, rivelandosi, mette in difficoltà la comprensione, perché innanzi alla sua prolifica generosità ci si sente poveri e non più ricchi, per una tragedia al limite del comico.

“Le colline per cui rallegrarsi”: si potrebbe partire da qui per stabilire, nello smarrimento del senso, un allontanamento dal desiderio di dare al proprio bagaglio culturale l’accesso al suo. Cohen divide, setaccia, allontana e lo fa con la sua voce da quercia in cammino, dove, lentamente, ci insegue per abbatterci con la sua bellezza…

La vecchiaia mostra i denti attraverso conflitti comportamentali che rendono crudeli le note, in una ambigua leggerezza che stordisce, ammalia ma al contempo sconquassa e destina i nostri pensieri verso i luoghi di un nascondersi inevitabile.

I musicisti sono disciplinati, attenti, come un’orchestra che nel maestro trovano ordini, spartiti e gesti secchi: nessuna fuga concessa, come nessuna sbavatura e un senso sacro della performance che rende il disco un quadro sonoro in viaggio dentro la furia del tempo. Non conta l’attualità, il passato o il futuro: tutto è ossigeno infuocato dove le sue parole e le sue note sono molecole che lasciano paresi e dolcissimi incubi, al limite di una pericolosa piacevolezza.

Leonard Cohen affida al vento il compito di portare tutta la complessità a farsi una doccia e sceglie gocce rosa, un whiskey di marca e tanta forza in versi che nel 1984 parevano giungere da Atlantide, da Babilonia (come citata nella prima canzone dell’album) in un viaggio che non consuma ma, per davvero, gonfia l’insieme in un drammatico senso verso l’esplorazione della verità.

Le note sono cucite sulla pelle di questi lampioni e la morale diventa un blues atipico ma essenziale, che riesce a fare del tempo il testimone muto che consente l’ingresso per via della sua poeticità che come una musa stordisce.

Ma la sua saggezza diventa incompiuta se l’ascoltatore non comprende che, proprio perché non ci troviamo davanti a un capolavoro, questo esercizio artistico ci mostra maggiormente l’adesione al vero: diventa irrinunciabile lo studio e l’introspezione, per completare quel senso di adesione allo shock che questo lavoro sa generare…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

23 Febbraio 2025

https://open.spotify.com/intl-it/album/6I58qJMqZHhb8jtNT3CuJB?si=BSZi-tlSQIKDKB8ZRpnePQ