My Review: Estetica Noir - Amor Fati

 Estetica Noir - Amor Fati

The joy and damnation of life is all in the fat and poisonous hands of time, the one who remains young, immortal and has the gift of giving birth to existences and leading them to death. 

On this self-centred and selfish being, malignant and generous, there has been a deep, specific study over the millennia that has failed to change things. It has not even learnt to accept it, all the hard work has slipped into despair, even resignation, and each of us oil the mechanisms of our dreams to find strength and consolation.

Which is what the Turin-based band Estetica Noir has done in its new work, which is nothing more than a concept album that addresses some of the aforementioned themes, to become, through these nine compositions, a point of reference, a starting point, a heavenly traffic light in order to set off again towards a consciousness that will light up the darkness and make them surrender a little.  Amor Fati reveals completely different attitudes than in the past, a constant pressure towards form and content with the ability to cross time even musically speaking, with noble footholds and references that know how to make the whole appear like a painting depicting the past already immersed in breaking through to the future. Less gloomy, less tied to gothic clichés, this disc observes, describes, amplifies the goal of feeling no shame in visiting different perspectives, ending up warming the muscles of the heart and opening the corridors of the mind.  The journey reveals maturity, ingenuity, sensory elasticity, forays into territories little practised by the group in the past, a sowing of new experiences that sweetens the artistic language and makes it strong, precise, dynamic and engaging. The musical genres of which this gem is composed are a climatic, moody embrace, with the ability to stitch together these remarkable fluids with excellent production at the hands of Riccardo Sabetti, a magician at the service of the beauty and value of the material written by these four sound psychologists.

One is moved by the electronics, the beats, the sidereal flows of a new liquid face of synthwave, here capable of revealing new dynamics. Time, we said. That's it: the sifting carried out also shows the ability to make music dreamy, physical, vehement, cryptic, animalistic with grace, in a fury that sounds like a dictionary of semiotics, a bloody embrace that spares no energy to make it all comprehensible.  Dowsing songs in search of light, of an enlightened dimension that structures everything towards dilation, with the skilful manoeuvre of making even the legs, in constant movement, capable of dancing to make the interlocking of demanding topics as happy as possible.

Notice how the guitars are travelling companions, accomplices of an ensemble that is structured to make the compositions win: even in this aspect the maturation is evident, it brings, besides a novelty, the precise will to take care of the topics with a division of tasks that does not yield to any blackmail. And the voice is a cherry blossom capable of interpreting very well the torrent of vital and profound words, interesting, well written and excellently expressed in a manner that shows a stratospheric density.  The enjoyment of listening passes through the variations, runs and walks in the multiple atmospheres, in a windy flow that brings on board temperatures and emotional oscillations open towards the engagement with structures that, even if they remind us of things we have already heard, the band knows how to express better, for a result that tilts satisfaction in emotion: there are recurring shivers and stuns that kiss amazement, with the certainty that all this is only the beginning of a new sky that they have been able to invent...

The Old Scribe is certain of the value of this album, much less so of the ability of the masses to give it the acclaim it deserves and the use it deserves, as, for real, these songs are academics, indispensable information for maturing a growth that directs existence in the association of reality and dream in a new Eden...

Song by Song

1 - Burnout

"Why did the screen become your god? Why do you show guns instead of love?"

And it's immediately stormy, ebm spectres and acid synthwave gathered in a choral solo of screams that wander through the night to bestow conscious fruit to be watered. Synth plays like thunderstorm rays and the voice, doubled, creeps into your head as you dance already upset... 

2 - Pain

"A lot of lies ruined my reputation. Art brightened my empty days.

I couldn't be all I wished. Fragile dreams."

Astonishment becomes awareness, hatred, life, loneliness, illusion, all are confiscated by this melodic ride that, between coldwave with evening trickery and an electric game that comes from the Germanic shores of the eighties, reveals a neurotic ecstasy that makes one exhausted but faced with relational truth.

3 - Summer Shine

"You were the danger I loved, the dreg, the alien god, 

you were the pleasure of someone who dares."

The song that most shows the impact with the Italo disco of the 1980s and then glides towards the boundaries that Depeche Mode were never able to perfect, it is a steam full of claws that has chosen to be slower than the two previous tracks, managing to sow tension and interest, also through a vocal that shows remarkable differences compared to Silvio Oreste's entire vocal career.

4 - Faded

"I'm afraid of dying when this time will end. I want to play again.

 Can you hear me? I'm fading away."

Here is the dialogue with God, a venomous face-to-face, where human will is clarified with its boldness, with provocation, with knowing complaints. It dances with a format that releases synth jewels and a yearning, melancholic bass, creating a cradle between the precipices of a marvellous lyric.

5 - The End of Moraliadays

"Whenever you'll cry and whenever you'll smile, you know that I will be proud of you."

A change of atmosphere, the courage of an openness to human understanding that softens and makes us tender puppies content and sure of love. A mantric blanket takes hold of our stomachs, sparks of synths from Orchestral Manoeuvres in The Dark mixed then with a subtle work of diminishing instruments and then resuming and leading us towards the end of the day make the song a magnetic gem.

6 - Iter Vitae

Marco Caliandro is the author of the only instrumental track, a crossroads of seduction that starts from the kiss of Kraftwerk to join with supple ebm explorations, to make love to dreams, in a design where the film of a silent film takes space within this surreal magic…

7 - Strange Hologram

"Once upon a time, when the sky was bright, people talked and smiled."

The Queen of the album, the Goddess of consciousness who distributes decisions and nocturnal imprints, brings herself into the day. And she does so with almost suspended electronic branches, while the words are storms without surrender...

8 - Stockholm's Azure

"Where do we go, now? Life is too short to give up, we must stand."

The permanence, the struggle, the sense of the whole find a way to suggest an orgiastic sonic trail, atavistic impulses patrol the steps of life through this delirium, an up and down that highlights macronutrient vocals and the relief of a stave that contains rich swathes of light and darkness at arm's length.

9 - The Cell

"Do you think to have a choice? Walls of lies surround you."

This pregnant temple of brilliance ends in a slow, wintry rain, towards evening, at a time when truth cannot be silenced. The band unleashes an excruciatingly brilliant, wet, slow-moving sonic beam, a comet star that swings like the electronic turn of the band Placebo did. And it's a harmonious embrace between tears and weed-filled poetry....

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

9th April 2024

https://esteticanoir.bandcamp.com/album/amor-fati

La mia Recensione: Estetica Noir - Amor Fati

 

Estetica Noir - Amor Fati

La gioia e la dannazione della vita è tutta nelle mani grasse e velenose del tempo, colui che rimane giovane, immortale e ha il dono di far nascere esistenze e di condurle alla morte. 

Su questo egocentrico ed egoista essere, maligno e generoso, si è concentrato nei millenni uno studio profondo, specifico, che non ha saputo cambiare le cose. Non si è nemmeno imparato ad accettarlo, tutte le fatiche sono scivolate nella disperazione, anche nella rassegnazione, e ognuno di noi olia i meccanismi dei propri sogni per trovare forza e consolazione.

Che è quello che ha fatto la band torinese Estetica Noir, nel suo nuovo lavoro che altro non è che un concept album che affronta parte delle tematiche citate, per divenire, attraverso queste nove composizioni, un punto di riferimento, di partenza, un semaforo celeste al fine di ripartire verso una coscienza che rischiari le tenebre e le faccia arrendere un po’.

Amor Fati rivela attitudini completamente diverse rispetto al passato, una costante pressione nei confronti della forma e del contenuto con l’abilità di attraversare il tempo anche musicalmente parlando, con appigli nobilissimi e riferimenti che sanno come far apparire l’insieme come un quadro raffigurante il passato già immerso nel far breccia verso il futuro. Meno cupo, meno legato a cliché di impronta gotica, questo disco osserva, descrive, amplifica l’obiettivo di non provare vergogna nel visitare prospettive diverse, finendo per scaldare i muscoli del cuore e aprire i corridoi della mente. 

Il percorso rivela maturità, ingegno, elasticità sensoriale, incursioni in territori poco praticati dal gruppo in passato, una semina di nuove esperienze che edulcora il linguaggio artistico e lo rende forte, preciso, dinamico e coinvolgente. I generi musicali di cui è composta questa perla sono un abbraccio climatico, umorale, con l’abilità di cucire questi notevoli fluidi con una produzione eccellente per mano di Riccardo Sabetti, un mago al servizio della bellezza e del valore del materiale scritto da questi quattro psicologi sonori.

Ci si commuove con l’elettronica, i beats, i flussi siderei di una nuova faccia liquida della synthwave, qui capace di rivelare nuove dinamicità. Il tempo, dicevamo. Ecco: la setacciatura compiuta mostra anche nei confronti della musica l’abilità di renderla sognante, fisica, veemente, criptica, animalesca con garbo, in una furia che sembra un dizionario di semiotica, un amplesso sanguigno che non risparmia energie per rendere il tutto comprensibile.

Canzoni rabdomanti in cerca di luce, di una illuminata dimensione che strutturi il tutto verso la dilatazione, con la sapiente manovra di rendere anche le gambe, in costante movimento, capaci di danzare per rendere lieto il più possibile l’incastro di argomenti impegnativi.

Si noti come le chitarre siano compagne di viaggio, complici di un ensemble che è strutturato per far vincere le composizioni: anche sotto questo aspetto la maturazione è evidente, porta, oltre a una novità, la volontà precisa di curare gli argomenti con una divisione dei compiti che non cede a nessun ricatto. E la voce è un ciliegio in fiore in grado di interpretare molto bene la fiumana di parole vitali e profonde, interessanti, ben scritte e ottimamente espresse in una modalità che mostra una stratosferica densità.

Il godimento dell’ascolto passa attraverso le varianti, le corse e le passeggiate nelle atmosfere molteplici, in un flusso ventoso che porta a bordo temperature e oscillazioni emotive aperte verso l’aggancio con strutture che, anche se ricordano cose che abbiamo già sentito, la band sa esprimere meglio, per un risultato che inclina la soddisfazione nella commozione: ci sono brividi ricorrenti e stordimenti che baciano stupori, con la certezza che sia, tutto questo, solo l’inizio di un cielo nuovo che loro hanno saputo inventare…

Il Vecchio Scriba è certo del valore di questo album, lo è molto meno della capacità della massa di attribuirgli il plauso che merita e l’usufrutto, in quanto, per davvero, queste canzoni sono docenti universitari, informazioni indispensabili per maturare una crescita che indirizzi l’esistenza nell’associazione della realtà e del sogno in un nuovo Eden…

Song by Song

1 - Burnout

“Why did the screen become your god? Why do you show guns instead of love?”

Ed è subito tempesta, spettri ebm e synthwave acida adunati in un assolo corale di urla che girovagano nella notte per donare frutti consapevoli da innaffiare. Giochi di synth come raggi di temporali e la voce che, raddoppiata, si insinua nella testa mentre si danza già sconvolti… 

2 - Pain

“A lot of lies ruined my reputation. Art brightened my empty days.

I couldn't be all I wished. Fragile dreams.”

Lo stupore diventa consapevolezza, l’odio, la vita, la solitudine, l’illusione, il tutto viene confiscato da questa corsa melodica che, tra coldwave col trucco serale e un gioco elettrico che giunge dalle sponde germaniche degli anni Ottanta, rivela un’estasi nevrotica che rende stremati ma di fronte alla verità relazionale.

3 - Summer Shine

“You were the danger I loved, the dreg, the alien god, 

you were the pleasure of someone who dares.”

La canzone che più mostra l’impatto con l’italo disco degli anni Ottanta per poi planare verso i confini che i Depeche Mode non hanno mai saputo perfezionare, è un vapore pieno di artigli che ha scelto di essere più lento rispetto ai due brani precedenti, riuscendo a seminare tensione e interesse, anche attraverso un cantato che mostra notevoli differenze rispetto a tutta la carriera vocale di Silvio Oreste.

4 - Faded

“I'm afraid of dying when this time will end. I want to play again.
Can you hear me? I'm fading away.”

Ecco il dialogo con Dio, un faccia a faccia velenoso, dove la volontà umana si precisa con il suo ardire, con la provocazione, con lamentele sapienti. Si danza con un format che sprigiona gioielli synth e un basso struggente e malinconico, creando una culla tra i precipizi di un testo meraviglioso.

5 - The End of Moraliadays

“Whenever you'll cry and whenever you'll smile, you know that I will be proud of you.”

Cambio di atmosfera, il coraggio di una disponibilità alla comprensione umana che addolcisce e ci rende teneri cuccioli contenti e sicuri dell’amore. Una coperta mantrica si prende il nostro stomaco, scintille di synth di provenienza Orchestral Manoeuvres in The Dark miscelate poi a un sottile lavoro di diminuzione degli strumenti per poi riprendere e condurci verso la fine del giorno rendono la canzone una chicca magnetica.

6 - Iter Vitae

Marco Caliandro è l’autore dell’unico brano strumentale, un crocevia di seduzione che parte dal bacio dei Kraftwerk per congiungersi con esplorazioni ebm flessuose, per fare l’amore con i sogni, in un disegno dove la pellicola di un film muto si prende spazio dentro questa magia surreale…

7 - Strange Hologram

“Once upon a time, when the sky was bright, people talked and smiled.”

La Regina dell’album, la Dea della consapevolezza che distribuisce decisioni e impronte notturne, porta se stessa nel giorno. E lo fa con diramazioni elettroniche quasi sospese, mentre le parole sono tempeste senza resa…

8 - Stockholm’s Azure

“Where do we go, now? Life is too short to give up, we must stand.”

La permanenza, la lotta, il senso del tutto trovano modo di suggerire un’orgiastica scia sonora, impulsi atavici perlustrano i passi della vita attraverso questo delirio, un up and down che evidenzia un cantato vitaminico e il sollievo di un pentagramma che contiene ricche fasce di luce e tenebra a braccetto.

9 - The Cell

“Do you think to have a choice? Walls of lies surround you.”

Questo gravido tempio di brillanti si conclude con una pioggia lenta e invernale, verso sera, nel momento in cui è concesso in quanto la verità non si può mettere a tacere. La band sfodera un fascio sonoro brillante lancinante, umido, lento, una stella cometa che oscilla come i migliori Placebo della svolta elettronica seppero fare. Ed è un armonico abbraccio tra lacrime e poesia piena di gramigna…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

9 Aprile 2024

https://esteticanoir.bandcamp.com/album/amor-fati

My Review: The Palace of Tears - Veiled Screen, Woven Dream

 

ALBUM OF THE YEAR 2024

The Palace of Tears - Veiled Screen, Woven Dream

When one defines pain as an enemy, one totally loses the possibility to grow, to delineate the truth that develops consciousness and makes it visible and graspable on the alley of near-perfection, since the latter is not a human thing.

Art is granted the possibility of transforming the impossible into a corollary of planets in transit, while carrying on their shoulders the sword of Damocles to be dispersed among the constellations, having in return the emblematic capacity of catharsis to return purifying perceptions, conveying truth and transforming the value of perplexity.

We approach, with grace and respect, an album that consecrates the value of family, of mourning as an opportunity for rebirth, witnessing a diary that recounts the terrible loss of the singer's brother and the probable reunion of the two in a space that is not physical but mental.

Leah Kahn aka LV Darkling (voice, lyricist) is the one who directed the desire of the experience of her brother's celestial journey into verses and introspections that manifested themselves in a uvula capable of releasing black-feathered poetry and amniotic vibrations of unspeakable beauty. One is dazed, handcuffed, paralysed towards a path that transforms convictions into a darkness that determines different boundaries. And the most astonishing fact is that one arrives at different kinds of healings, while one's hands turn out to be wet and one's wrists trembling: one finds oneself inside life lessons that scratch the fear of the loss of what we would like to be infinite in order to understand, instead, that wisdom lies in the desire not to forget those who are precious to us.

Erick R. Scheid (guitars, electronics, engineering) is a magnetic arc of nuclear explosions held within a medieval ampoule that casts the contents of tarred sounds towards the present, elaborating structures around the globe, assimilating notions of physics and mathematics, with the depth of wild animal scratches to make the wounds justified. From there, his laboratory strives to diversify music, not as a stagnant and debasing place of musical genres, but as a birth where birth is the place of metabolisation of previous experiences. With his mind generating impulses, Erick inoculates tensions and vibrations in the exploratory circuit that makes slowness the place where the environment becomes concrete and is visualised by his instruments, with the mastery of one who translates thoughts by drawing paths in which getting lost is the real enjoyment, manifesting the will to bestow sacredness on these sound rivers.

The record becomes the medium through which the body temperature of dramas, of thoughts wrapped in thorns, is measured, but also the prerequisite for growing the breath of hope, giving it the sceptre of perseverance. Acute, profound, embarrassing for the motions that bring fears and discomforts closer, what one hears is a sign of divinities without identity, where adoration and sacrifice are not demanded but an important commitment towards the acceptance of what one fears living.

This leads to the assemblage which, through the sinuous apparatus of the use of electronics, makes compact the long process of sowing gothic glands, splashes of ethereal music propensities and guitars poised between shoegaze and ambient, surprising however in that the whole does not claim a separate identity, but a sensory orgy that frees one from presumption and becomes a boulder that resists temptation.

One lives in the certainty that these seven nocturnal jaws have emerged from a silent film of the last century, from a projector that translates the raids and slow processions and inserts them into moving images, to make the whole univocal, so as not to disperse the complexity of a scenic apparatus that rises at the end of the listening on a stage, in a theatre surrounded by souls eager to see this installation of timeless beauty played out. The soul is placed in a suitcase, the whole life inside a make-up in which the excesses of black are the access to the night sky and where symbols are the guardians of every mental opening: time guards the reflections, the amplexes of thoughts, everything overflows with intelligence and chaos becomes the blood brother that governs madness. Layers, immersions, flights slapping the vault of heaven until gliding over the sand of an unknown desert: what is experienced is an educational, sensorial listening, with memory writing to itself by recycling any waste, to evolve it into a monument that can smile.

New Orleans thus becomes the centre of a spectral, symbolic collection, in a welter of other agglomerations of distant and even recent times (Arcana, Lycia, Dead Can Dance, Ataraxia among the most immediate and intuitable), but with the unquestionable merit of being closer to an extrasensory dimension, making a healthy and abundant effort: given these conditions, the result can only be a process of total purification.

In addition to what has been described, there is no denying the romanticism that manages to immerse itself in the sonic swamps while always finding a way to breathe, to stand firm and to show its feathers: in addition to using one's ears well, one must also sharpen one's eyesight on this album. If you don't want to miss this almost completely vanished mode, you have to look well into these tracks and then a bouquet of roses will appear before your eyes.

Song by Song

1 - Black Obsidian Beyond Oblivion

A vault of micro-frequencies expands its purchasing power in slow procession and distributes the annexed sounds to the sky, in a slow embrace, driven by LV Darkling's contralto voice that sows petals of pain like a winter smile. Sacredness rules the place and one settles down with dignity, while small darkwave torches hint at their presence.

2 - An Echo in Time

A voyage, out of a tomb and brave, is entrusted to synths on military parade, ready to hit the target, then picking up pace and forwarding ethereal inclinations to the edges of an attitude in which gothic scrolls take us on the wings of time. The singing, here more hidden, suddenly veers towards the high register and we are all dreamy tears…

3 - The Embers of Your Being Glow Still

Twilight generates long-range shadows, incense spreads, guitars are sinuous shots in meticulous generosity, between veils and flashes, with the presence of millenary stones acting as celestial vigilantes. The dragons fill with fire and linger in the night moment to make the sky a roaring applause. Mysterious, many-formed, the song is a chaotic hypnosis dressed to attend the message of a blackish-feathered dove…

4 - Cimetière de l'Absinthe no.333

The solution is that of an instrumental track, fuelling moments of tension and the ancient propensity to wait, in a metallic cloud that expands perfectly polished electronic atoms, a wordless fable that knows the way to becoming a beautifully crafted horror film…

5 -Lair of the Undying

Mysticism, espionage (with the great eye writing down what happens), and a flight that embraces the night: the highest peaks of this clamorous work are reached, the music only genuflects to the angelic singing, but without losing heart it traces, with synth, bass and guitar and androgynous drumming, the path of lies in loss of authority. One experiences the refutation of death and fading to believe, rather, in a resounding return. And the music is not a frame, but an expanding landscape…

6 - Veiled Screen, Woven Dream

Here we enter into an apparent state of quiescence, one waits for the crushed grapes to take on a taste, and at the 90th second it happens: from that moment on, the album's title track becomes a chorus entrusted to stretches of distorted guitars, and the clump of dancing shadows is transformed into a canvas that, between darkwave and ethereal deposits, makes the whole thing become a meeting of souls seething with sacredness.

7 - The Serpent Bearer (feat. Unwoman)

The prophecies belonged to men who walked in the desert, instead in this last sonic delirium it is a priestess who performs this act of bravery against time: she touches the sky, she digs into the swampiest earth and the guitar touches are hints made visible by powers unknown to us. Like a long fade-out, the farewell to this incredible work is a reminder to us of the symptoms of pain, its consequences, with the generous intention not to beat but to spread gauze over our minds. Angels and demons sign the armistice and declare how this universe is ready to generate yet more new celestial bodies: the final touch on a walk that has brought life and death together under the hidden cloak of night…

Let the astonishment, the breathlessness, the hope, the sleight of hand be accomplices of this nucleus in eternal exhibition...

Alex Dematteis

Musicshockworld

6th April 2024

https://thepalaceoftears.bandcamp.com/album/veiled-screen-woven-dream-2

La mia Recensione: The Palace of Tears - Veiled Screen, Woven Dream

 

ALBUM OF THE YEAR 2024

The Palace of Tears - Veiled Screen, Woven Dream

Quando si definisce nemico il dolore si perde totalmente la possibilità di crescere, di delineare la verità che sviluppa la coscienza e la rende visibile e afferrabile sul vicolo della quasi perfezione, dato che quest’ultima non è cosa umana.

All’arte viene concessa la possibilità di trasformare l’impossibile in un corollario di pianeti in transito, mentre portano sulle loro spalle la spada di Damocle da disperdere tra le costellazioni, avendo in cambio l'emblematica capacità della catarsi di restituire percezioni purificatrici, veicolando verità e trasformando il valore della perplessità.

Abbiamo modo di approcciarci, con garbo e rispetto,  a un album che consacra il valore della famiglia, del lutto come occasione di rinascita, assistendo a un diario che racconta la terribile perdita del fratello della cantante e la probabile riunione dei due in uno spazio non fisico bensì mentale.

Leah Kahn aka LV Darkling (voce, paroliere) è colei che ha indirizzato il desiderio della esperienza dell’elaborazione del viaggio celeste di suo fratello in versi e introspezioni che si sono palesati in un’ugola capace di rilasciare poesia dalle piume nere e vibrazioni amniotiche dalla bellezza indicibile. Si è frastornati, ammanettati, paralizzati verso un percorso che trasforma le convinzioni in un buio che determina confini diversi. E il fatto più stupefacente è che si approda a diversi tipi di guarigioni, mentre le mani si rivelano bagnate e i polsi tremanti: ci si ritrova dentro lezioni di vita che graffiano la paura della perdita di ciò che vorremmo infinito per comprendere, invece, che la saggezza sta nel desiderio di non dimenticare chi è prezioso per noi.

Erick R. Scheid (chitarre, elettronica, ingegneria) è un arco magnetico di esplosioni nucleari trattenute all’interno di un'ampolla medievale che getta il contenuto di suoni incatramati verso il presente, elaborando strutture che circondano il globo terrestre, assimilando nozioni di fisica e matematica, con la profondità di graffi di animali selvatici a rendere le ferite giustificate. Da lì, il suo laboratorio si ingegna a diversificare la musica, non come luogo stagnante e svilente di generi musicali, bensì come un parto in cui la nascita è il luogo di metabolizzazione delle esperienze precedenti. Con la sua mente che genera pulsioni, Erick inocula tensioni e vibrazioni nel circuito esplorativo che fa della lentezza il luogo nel quale l’ambiente diventa concreto e viene visualizzato dai suoi strumenti, con la maestria di chi traducendo i pensieri disegna sentieri in cui perdersi è il vero godimento, manifestando la volontà di donare sacralità a questi fiumi sonori.

Il disco diventa il mezzo attraverso il quale si misura la temperatura corporea dei drammi, dei pensieri fasciati di spine, ma anche il presupposto per far crescere il respiro della speranza, donandole lo scettro della perseveranza. Acuto, profondo, imbarazzante per i moti che avvicinano paure e disagi, quello che si ascolta è un segno di divinità prive di identità, dove non viene richiesta adorazione e sacrificio ma un impegno importante verso l’accoglienza di ciò che si teme vivere.

Si giunge così all’assemblaggio che, mediante l’apparato sinuoso dell’uso dell’elettronica, rende compatto il lungo processo di seminatura di ghiandole gotiche, schizzi di propensioni di musica eterea e chitarre in bilico tra lo shoegaze e l’ambient, sorprendendo però in quanto il tutto non reclama una identità separata, ma un’orgia sensoriale che liberi dalla presunzione e diventi un masso che resista alle tentazioni.

Si vive la certezza che queste sette fauci notturne siano fuoriuscite da un film muto del secolo scorso, da un proiettore che traduce le scorribande e le lenti processioni e le inserisce nelle immagini in movimento, per rendere univoco l’insieme, per non disperdere la complessità di un apparato scenico che sale alla fine dell’ascolto su un palco, in un teatro circondato da anime desiderose di veder recitato questo impianto di bellezza senza tempo.

L’anima viene messa in una valigia, la vita intera dentro un make up nel quale gli eccessi di nero sono l’accesso al cielo notturno e dove i simboli sono i guardiani di ogni apertura mentale: il tempo custodisce i riflessi, gli amplessi dei pensieri, tutto straborda con intelligenza e il caos diventa il fratello di sangue che governa la follia. Stratificazioni, immersioni, voli a schiaffeggiare la volta celeste sino a planare sulla sabbia di un deserto sconosciuto: ciò che si vive è un ascolto educativo, sensoriale, con la memoria che scrive a se stessa riciclando qualsiasi rifiuto, per evolverlo in un monumento che possa sorridere.

New Orleans diventa così il centro di raccolta spettrale, simbolica, in un marasma che raccoglie in eredità altri agglomerati di tempi lontani e anche recenti (Arcana, Lycia, Dead Can Dance, Ataraxia tra quelli più immediati e intuibili), ma con l’indiscutibile merito di essere più vicini a una dimensione extrasensoriale, facendo compiere una sana e abbondante fatica: esistendo queste condizioni il risultato non può che essere un processo di purificazione totale.

Oltre a ciò che si è descritto non bisogna negare il romanticismo che riesce a immergersi nelle paludi soniche trovando sempre il modo di respirare, di rimanere saldo e di far vedere le proprie piume: oltre a usare bene le orecchie, in questo album bisogna anche aguzzare la vista. Se non si vuole perdere questa modalità quasi completamente scomparsa, occorre guardare bene dentro queste tracce e allora un bouquet di rose apparirà dinanzi ai nostri occhi.

Song by Song

1 - Black Obsidian Beyond Oblivion

Un caveau di microfrequenze allarga in lenta processione il suo potere di acquisto e distribuisce i suoni annessi al cielo, in un abbraccio lento, pilotato dalla voce di contralto di LV Darkling che semina petali di dolore come se fosse un sorriso invernale. La sacralità governa i luoghi e ci si accascia con dignità, mentre piccole fiaccole darkwave accennano la loro presenza.

2 - An Echo in Time

Un viaggio, uscito da un sepolcro e coraggioso, è affidato a synth in parata militare, pronti a centrare il bersaglio, per poi prendere ritmo e inoltrare le inclinazioni eteree ai bordi di una attitudine in cui le pergamene gotiche ci portano sulle ali del tempo. Il cantato, qui più nascosto, a un tratto vira verso il registro alto e siamo tutti lacrime sognanti…

3 - The Embers of Your Being Glow Still

Il crepuscolo genera ombre a lunga gittata, l’incenso si espande, le chitarre sono spari sinuosi in meticolosa generosità, tra veli e lampi, con la presenza di pietre millenarie a fare da vigile celeste. I draghi si riempiono di fuoco e permangono nel momento notturno per rendere il cielo un applauso scrosciante. Misteriosa, dalle molteplici forme, la canzone è una ipnosi caotica vestita per presenziare al messaggio di una colomba dalle piume nerastre…

4 - Cimetière de l’Absinthe no.333

La soluzione è quella di un brano strumentale, che alimenta attimi di tensione e l’antica propensione all’attesa, in una nuvola metallica che espande atomi elettronici perfettamente levigati, una favola priva di parole che conosce il metodo per divenire una pellicola horror di grande fattura…

5 -Lair of the Undying

Misticismo, spionaggio (con il grande occhio che scrive ciò che accade), e un volo che abbraccia la notte: si toccano le vette più alte di questo clamoroso lavoro, la musica si genuflette solo all’angelico cantato, ma senza perdersi d’animo traccia, con synth, basso e chitarra e un drumming androgino, il percorso di bugie in perdita di autorevolezza. Si fa l’esperienza della refutazione della morte e della dissolvenza per credere, piuttosto, a un clamoroso ritorno. E la musica non è cornice, bensì un paesaggio in espansione…

6 - Veiled Screen, Woven Dream

Ecco che entriamo in un apparente stato di quiescenza, si attende che l’uva pigiata prenda gusto e al novantesimo secondo accade: da quel momento, il pezzo  che dà il titolo all’album, diventa un coro affidato a distese di chitarre distorte, e il grumo di ombre danzanti si trasforma in un canovaccio che, tra giacenze darkwave ed eteree, fa divenire il tutto l’incontro di anime ribollenti di sacralità.

7 - The Serpent Bearer (feat. Unwoman)

Le profezie appartenevano a uomini che camminavano nel deserto, invece in questo ultimo delirio sonoro è una sacerdotessa a compiere questo atto di coraggio nei confronti del tempo: si tocca il cielo, si scava nella terra più paludosa e i tocchi di chitarra sono accenni resi visibili da poteri a noi sconosciuti. Come una lunga dissolvenza, l’addio a questo incredibile lavoro è un ricordarci i sintomi del dolore, le sue conseguenze, con la generosa intenzione di non picchiare ma di stendere garze sulla nostra mente. Angeli e demoni firmano l’armistizio e dichiarano come questo universo sia pronto a generare ancora nuovi corpi celesti: il tocco finale di una passeggiata che ha fatto incontrare la vita e la morte sotto il mantello nascosto della notte…

Che lo stupore, l’affanno, la speranza, i giochi di prestigio siano complici di questo nucleo in esibizione eterna…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

6 Aprile 2024

https://thepalaceoftears.bandcamp.com/album/veiled-screen-woven-dream-2

My Review: Still Corners - Dream Talk

 Still Corners - Dream Talk

London smiles, warms the engines of its frenetic heart and slows down the anxiety, precipitation and constantly updated chaos to welcome an album that will sweep away all the negativity of this important musical capital.

Amazing things happen: the ability to transport physical and mental well-being, dreams, delicacy within a positive beam of light that demands space. The atmosphere of the ten songs is a continuous rocking, with the ability to calibrate rhythms and melodies through a path composed of tame and light electronics, atoms of intriguing but never excessive pop, with a mixture that offers an ethereal sensation of dream pop oscillations in soft advance. The witch becomes an angel, her name is Tessa Murray and she is an enchantress by trade, with her simple, harmonious singing accents and the notes coming out of her uvula that are continuous caresses.

Her partner in the project, since 2007, is Greg Hughes, a craftsman of sound mixtures marked by depth in the search for combinations of musical genres, a blacksmith who gives rhythm and harmonies a thundering thunderbolt, drawing continual surprises with his changes of direction, manipulating our hearts towards the most pleasant of surrenders. Music like a waterfall that has a long range: it starts from the distant c-86 masked, it enters the borders of Trip-Hop always without being excessive, it uses guitars like gentle sabres, and everything settles down to be devoured without any will to yield. They are the two dreamiest artists, more into a work full of patterns, but always giving the feeling that for them the creative process is first and foremost a fun educated respect for the rules. With them, the song form unsupported by the Old Scribe finds instead a bow and a thank you: if there is a perfect way to experience it in fluctuating joy, it is precisely that proposed by the London duo.

They manifest kilometres of fantasy while chasing poetic dictates of living in harmony with the environment, time, in a dance that knows how to show intuitions towards places full of mystery, between the most spontaneous greenery and ancient rocks distributed in the fantastic mind of fairy tales for adults. The idea remains, convincingly, that all this presents a hypnotic session where one does not investigate, but benefits from emotions that reality conceals. 

Recorded in four locations far apart, the compositions gently annihilate the physicality of it all, weaving a sonic slide that quickly connects them.

A truly delightful album, much needed by one and all that will make this time of ours a smile etched on the heart...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

5th April 2024

https://stillcorners.bandcamp.com/album/dream-talk

La mia Recensione: Still Corners - Dream Talk

 

Still Corners - Dream Talk

Londra sorride, scalda i motori del suo cuore frenetico e rallenta l’ansia, la precipitazione e il caos continuamente aggiornato, per dare il benvenuto a un album che spazzerà via tutto il negativo di questa importante capitale musicale.

Accadono cose strepitose: la capacità di trasportare il benessere fisico e mentale, i sogni, la delicatezza dentro un fascio positivo di luci che chiedono spazio. L’atmosfera delle dieci canzoni è un dondolio continuo, con la capacità di calibrare ritmi e melodie attraverso un percorso composto di elettronica addomesticabile e leggera, atomi di pop intriganti ma mai eccessivi, con un impasto che offre una sensazione eterea di oscillazioni dream pop in morbido avanzamento. La strega diventa un angelo, il suo nome è Tessa Murray e di mestiere fa l’incantatrice, con i suoi accenni canori semplici, armoniosi, e le note che escono dalla sua ugola che sono carezze continue. Il  compagno che l’affianca nel progetto, dal 2007, è Greg Hughes, artigiano di miscele sonore improntate alla profondità nella ricerca degli accostamenti dei generi musicali, un fabbro che dà del tu al ritmo e alle armonie, tracciando sorprese continue con i suoi cambi di direzione, manipolando i nostri cuori verso il più piacevole degli abbandoni. Musica come cascata che ha una gittata lunga: si parte dal lontano c-86 mascherato, si entra nei confini del Trip-Hop sempre senza essere eccessivi, si usano le chitarre come sciabole gentili, e tutto si assesta per essere divorato senza alcuna volontà di cedimento. I due artisti più sognanti, più addentro a un lavoro ricco di schemi, ma sempre donando la sensazione che per essi il processo creativo sia innanzitutto un divertimento educato al rispetto delle regole. Con loro la forma canzone non supportata dal Vecchio Scriba trova invece un inchino e un ringraziamento: se esiste una modalità perfetta per poterla vivere in fluttuante gioia è proprio quella proposta dal duo Londinese.

Palesano chilometri di fantasia mentre rincorrono dettati poetici del vivere in armonia con l’ambiente, il tempo, in una danza che sa mostrare intuizioni verso luoghi carichi di mistero, tra il verde più spontaneo e antiche rocce distribuite nella fantastica mente di fiabe per adulti. Rimane, convintamente, l’idea che tutto ciò regali una seduta ipnotica dove non si indaga, ma si beneficia di emozioni che la realtà nasconde. 

Registrato in quattro località distanti tra loro, le composizioni annientano in modo gentile la fisicità di tutto questo, tessendo uno scivolo sonoro che le colleghi velocemente.

Un album davvero delizioso, di cui tutti necessitano e che saprà rendere questo nostro tempo un sorriso inciso nel cuore…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

5 Aprile 2024

https://stillcorners.bandcamp.com/album/dream-talk