My Review: Fields of the Nephilim - Dawnrazor

 My Review 

Fields Of the Nephilim - Dawnrazor 

Pins.

Sleeping eyelashes.

Salt on wounds rolling on the ground.

Wickedness wheezes on the ankles of souls in search of disturbances.

It was the 1980s, a temple of divine decay embracing growing stupidity, knotted to the frenzy of fashions, to senseless and bleak changes of direction.

But from north London four opponents came forward, dressed in scattered readings in the darkness of damp, crumbling rocks.

Freed from their motions of anxiety and boredom, they plunged into fields full of blood flow which they coloured black. 

Drunk from Aleister Crawley and H.P. Lovercraft, they threw themselves on the shores of comets gone mad, watching angels busy looking for women to impregnate. As the journey towards the apocalypse began, they plundered the breaths, donating dust to bag our lungs and extinguish them.

Like heartless earthquakes, they have made a pact with the dark, grabbed the throat of beauty and generated a path of investigations full of oil stain,   cultured like endless volumes of books with uncomfortable and stinging codes. Lopsided wanderers with toxic thoughts, they anaesthetised the light to deliver their loyalty to the Master of Darkness.

They have taken up instruments to shoot toxins, to plunge us into the frenzy of confusion that is satisfied when all wanders lost, devoid of sense, of rules, of rat-tailed stupidity.

They have invented mental vessels that we banally call songs: they are screams snatched from suffering to create new ones, like a wicked merry-go-round that wears us out.

They have made our sadness their atomic collective laughter, toasting our fears, our troubled stomachs. And they have seized our palms, sprinkling them with ancient remission: without grip we can only fall into the void that they sanctify and bless as their supreme nectar.

But let us simplify...

Dawnrazor was released and those who cared about the fate of the gothic wall breathed a sigh of relief: the darkness had been enlarged with new chests to open, giving an obsession able to generate shivers and sobs.

After Post-Punk and Darkwave had begun to become a banal repetition of clichés devoid of possible excitement, the four guys, now five in number, threw themselves on the dirty territories, full of slurry with a twisted face, to give birth to electric shocks erudite by the most intense and sincere darkness. Songs like maps of loss, like flesh snatched from the useless race towards pleasure. They decided it was time for new preachers to come down to change the word of our creed. 

A debut like a funeral: that of the banalities that in front of this exhibition of madness felt lost and dejected. Death after death to praise the new King of Heaven: Cthulhu.

How deep is the sea of fear, without a backdrop, without a border that cannot be seen even with a telescope: everything becomes distant, unreachable.

Here it cannot be said that we are talking about music!

Let alone songs.

They are tombstones vociferating ungraspable prayers, earthly fires assaulting our eardrums.

Don't expect technical explanations, not now, because the scribe is travelling inside impossible, experiencing hijackings, weeping at the thousandth listening to this riot of brambles, with no chance of having any knowledge to write about.

I am still lost, now as then, in the disaster I made that afternoon, deciding to enter a labyrinth that from that moment is a howl on which I depend.

Feeling like a parchment being kicked around by faithless dogs is unsettling: there's not a moment in Dawnrazor when you can think it's just a delirium with a timer. You realise this when the music falls silent. Because you keep swearing, railing, begging for forgiveness that the five of them won't grant. 

I wonder why you have to be so naive and at the same time so lacking in respect for others writing a review about these deaf devils: of course, what an idiot I am, it's their fault, they brought me to their side, neutralising the reason I had until that afternoon.

So: I'd better talk about their immortality, their cloaks on which we find their Bible, the urgent need to make us obedient and apostles of a new religion.

Then you can't help but adore the guitars as rusty scimitars, the bass as the chastisement of rocks, the drums as the breath of the flow of our ignorance: this is the first guilt to be expiated.

The second is the perpetual motion of unhinged defences: nothing can stop the unhealthy writing, the voice with crystals crackling towards Carl McCoy's cliff full of mud.

And it is blinding stratosphere, lumps in the uvula for words that like a genuflection with no discounts are capable of peeling the skin. Delirium after infinite delirium, like a jammed volcano with no possibility of stopping the lava.

An album that sentences the separation between what must hurt and those bands hungry for imitations. Time has been wasted in calling them the little brothers of The Sisters of Mercy: it would be time to clarify, to listen and to understand that there is no fiction in the art of FOTN, which is the first step to affirm their difference. Dawnrazor is the lightning bolt that separates the mediocre massification of a gothic rock that had lost its edge compared to the vivid nuclear split of the knights of Stevenage, who discarded what empty souls had passed off as useful.

Listening to this debut reveals mastery, cunning, courage, insight. And writing methods like no one before and no one after: they stopped the clouds and filled them with unrepeatable stratagems and as such eternal.

I will try to describe what is indescribable, I will annihilate myself to give you their scratches, I will seek therapy to help me find the bravery that those who feel unworthy lack, because these thirteen hurricanes are waiting for us in their den to freeze us with fear and mystery with no sky left.

Song by Song

Intro (The Harmonica Man)

Take a bloody blade, go find Morricone with his elegance and add salt: everything will be more gloomy and catastrophic. 

The guitars create a dizzying horror scenario and it's chaos immediately with a drumming that brings down Planet Earth: we go in the underworld.

Slow Kill

Epic, esoteric, cylindrical and upsetting, the second track is an expired, putrefied smile, fast to bring us in front of a new Messiah, with no choice, to wreck inside the elliptic vortices of poisonous guitars.

Laura II

When the bass pulses like the atrocious breath of the suffocating Bermuda grass. And it's a new run for a song which is revisited, corrected, made the Queen of the vocal kingdom of Carl, Lord of the unhealthy tale. The guitars cross, leading us to wrap ourselves in goth without risking boredom. The tour of death passes by, ravishes, plunders the heart and says goodbye. In the end, where we find a change of rhythm and atmosphere, it seems that the sky opens up to give us a smile: heaven forbid, it is only a wonderful deception...

Preacher Man

There is not Morricone here, but Giuliano Gemma in the film "ARIZONA COLT/MAN FROM NOWHERE" by Michele Lupo, who gives us the dust of guns in a desert where death fires its bullets. And it is the kingdom of confusion, of oblique mantras, of the sense of death that the five guys need to eliminate the sense of beauty in order to replace it with alienation and the mother of hell: fear. While the cities sleep they inject poison in bursts.

Incessant, neurotic, it is mould dust which envelops us, with radiation and contamination...

Volcano (Mr. Jealousy Has Returned)

The one who holds the destiny shows his grin inside the heart of a woman, to make her burn in his evil volcano: it is a psychedelic devastation of irritating and sick guitars to mark the ground of madness. FOTN show muscles that stick to supreme gothic rock and win the game of pain, of overpowering. 

Vet for the Insane

Everything takes the breath it needs to resist oppression and what is better than slow deception? The priests slow the pace, but in doing so they launch an attack that, through dreamlike manner, breaks the legs and declares their absolute power.

The sound drowns to paralyse the flowers of a devastated kitchen. There is no more house, everything is submerged in the delicate teasing of a delicate fake bass, like its guitars, which as bloody twins use a deceptive melody to blow up our home: what was firm in us dies. The end.

Secrets 

The priests demand a path in which you follow them with pure obedience. You do it to lose yourself completely, with forgiveness celebrating their throne. It is the victory of guitars in great shape, snakes that cross with the bass that lays down the law while the drums shake the dust of our obsessions. Majestic example of how their desire is fulfilled by detaching from the limits of that musical genre, finding the right escape route to determine the strategy of complexity.

Dust

A brain swims in a pool to know the crowding of nothingness: Dust is the London atomic bomb which destroys the enemy. FOTN eat blood and drink the crystalline air of cadaveric dust. A military march where the orders are given by a bass that bounces in the brain, the voice wheezes exploding in camouflaged and hoarse low tones: let there be space for the mute and mutilated heroes that the drums shake and invite to attack. 

Reanimator

A woman is helped, on her deathbed, with little chance. Liquid crystals dance within that pair of simply connected six-strings in sublime and enchanting arpeggios. They transform, these black angels, like bad Samaritans, to give illusions, sticking their blade and using it as complex but exhaustive sonic tangles. 

And when the rhythm shakes us in this way, the sweaty skin remains to ascertain our trembling.

Power 

That which conquers entraps freedom: FOTN make robberies with sibylline words and guitars that delve into a blues which lives in a saloon: sly, bitter, but devastating. It's a puffing train, its blackened coal polluting the sky as it descends under the skin of the earth to make us devastated dreamers. A rare guitar solo surprises and confuses and then hands over to the rhythm section the power to ignite dreams.

The Tower

How adorable is the crown of tears Carl places on the head of this unfortunate woman?

A story of nettles slowly rising into the sky to create the rhythm and become the desperate hammer that crushes all resistance. It is post-punk that says farewell and leaves the scene to gothic-rock for a bloody catharsis. A rhythmic up and down that sounds like an electrocardiogram to determine the short circuit of that bloodless woman.

Dawnrazor

And here are cruel bites attacking the resistance of dreams: a fight to the last drop of blood. The guitars launch the attack, the drums roll on the breaths, the bass pushes the ashes to dust the scene. 

Carl takes his voice and throws it into the infernal crater: his glove becomes a razor blade and his song is a vulgar prayer, swelling in progress, waiting for the vicious flow to stop raging. The gothic curve explodes with the applause of the macabre creatures who bow down in devotion.

The Sequel

The album ends with death returning: terror, shivers, useless tears illuminating a lost face. Triumph, the victory of evil, the succession of events in this album determine the sense of addiction to the roar, the surrender that was anticipated. The English band is a nightmarish privateer trained to act cruelly, to always win. We end up with the song that is the only one that can close this path: it was necessary to create the conceptual apotheosis, with lyrics and a musical start full of joyful tombstones. Having certified our defeat, we sing hymns to Cthulhu. The spirit of Howard Phillips Lovecraft wanders among the fiery bubbles: The Sequel is the altar where surrendered senses show themselves and the pounding drumming is a celebration of explosive boasting. 

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

1st may 2022

• Carl McCoy – vocals
• Peter Yates – guitar
• Paul Wright – guitar
• Tony Pettitt – bass
• Alexander Wright – drums

https://open.spotify.com/album/2oUw56zQPSuZgfqfYZyp37?si=g6b8fAfTSPmwA_PPYfSN7Q

La mia Recensione: Auge - In purgatorio

 La mia Recensione 

Auge - In purgatorio

Uno stato di allucinazione che viaggia dentro un tunnel con nove finestre scure: un briciolo di luce appare a quietare la mente sudata.

Questo è l’album di esordio della band Fiorentina Auge, composta da tre canne di fucile col silenziatore, che rovistando negli spazi silenti di anime in tensione termica, compiono il loro viaggio per stendere fogli di carta vetrata dalle piume di petrolio e alghe, lasciando la nostra pelle unta da una bellezza con la febbre costante.

È un volo pindarico e ben organizzato, le tappe si fanno trovare pronte all’amalgama e scattanti come rapite da se stesse, si spostano nel cuore per avvolgerlo tutto.

Sono angeli dalle mani potenti Sara Vettori, Matteo Montuschi e Mauro Purgatorio, capaci di scrivere sin dall’Ep di esordio Magnetic Domain canzoni che erano da me descritte come “taglienti, spigolose, complesse”, cantate in inglese e già capaci di emozionare lo scriba.

C’è stato un cambiamento di lingua nel cantato decidendo che l’italiano potesse meglio specificare le nuove composizioni e direi che la scelta si è rivelata perfetta. Con la produzione di Flavio Ferri tutto si è fatto adulto, fermo, combattivo, energico e devastante, come sa essere un viaggio dentro se stessi. Il musicista e produttore Milanese ha saputo compattare il progetto fiorentino con la sua esperienza e capacità conoscitiva dei propri mezzi e di quella della band per un risultato finale eclatante ed entusiasmante.

Le canzoni sono ipnosi con i freni e l’acceleratore ben sintonizzati, in un lavoro comunicativo esemplare, di grande impatto, capaci di condurre l’ascolto dentro ad una bombola di ossigeno, tra molecole e respiri profondi.

C’è un senso di purezza nell’album che ci rende neofiti, fanciulli curiosi e al contempo smarriti, nel quale questa sensazione non ci lascia timorosi ma incredibilmente spavaldi: si desidera perpetrare l’ascolto come rapiti da unguenti che lisciano la pelle malgrado scariche emozionali continue. 

La miscela tra l’impianto musicale e quello lirico è di sicuro effetto, come disturbi collettivi allineati per lo scuotimento di menti poco allenate allo stupore e alla responsabilità. Sono minuti nei quali la fierezza risiede nelle abilità che sono radici in movimento per fare di noi operai per il futuro, votato con convinzione estrema ad un nostro progetto interiore. Quando si è scossi esiste un grazie da cedere, da fissare nella mente, in questo caso, di questi tre artisti, che hanno stabilito connessioni multiple in un pianeta musicale italiano in notevole fermento, dichiarando la propria presenza ed un posto di assoluto rilievo.

I generi musicali che troviamo sono sapientemente amalgamati e fluttuanti, come anguille nel deserto capaci di sopravvivere creando abbracci come ristori e cascate di acqua per mettere in contatto esigenze diverse. Ed è rock che si tinge la superficie cutanea di grigio e nero, con il post-punk a prendere pennelli ruvidi sino a rendere l’atmosfera vicina a impianti gotici, senza esagerazioni che tolgano quella attitudine positiva che comunque alberga dentro ad un album che non rinuncia ai sogni.

L’amore afferra gli abissi e ci contagia con il metallo più prezioso e l’impressione di uno stordimento che stende le labbra in un sorriso piccolo ma che rende il cielo soddisfatto.

Un esordio significativo e prezioso da approfondire: mi appresto nel farlo consapevole che l’ascolto sarà come giocare con una strega in un giorno di festa…

Canzone per canzone

Questo sentiero di calore incomincia con “L’avvento”, con un iniziale tappeto sonoro riconducibile agli U2 di The Joshua Tree, per poi separarsene e diventare una Desert Rock song con grovigli che a partire dal testo (un dialogo con il Divino, con la fierezza di un disaccordo sul suo ruolo) si prende la musica con spine e sangue sparso per fare di questo pezzo iniziale una bomba lenta ma con effetto micidiale.

Il cantato superlativo apre la granitica “In auge”, che sembra uscire da una cascata Darkwave che strizza l’occhio agli Afterhours scuri come non mai. Perché è proprio l’abisso il piedistallo di questo percorso nevrotico, come la gramigna più libera, capace di soffocare. Qui lo fa con una melodia secca e breve per determinare l’amore, visto da eclissi in libertà non vigilata.

Continua la catarsi con “Cadendo”, un temporale che ci fa cadere, danzare, preoccupare con la sua storia tra sogni e la realtà più marcia. Nel suo essere un micidiale mantra che potrebbe gonfiare le radio, si prova la scomoda sensazione che sia il testo che la musica nascondino una drammaticità in questa nostra esistenza e allora non ci resta che chiudere gli occhi e muovere i nostri corpi, scevri di tutto per poter godere di questo proiettile bellissimo, precipitando…

Ascolti la successiva “Sai” ed entri nelle grinfie di un amore rapace e devastante, con tutto l’album nel mio modo di percepirlo rappresentato da questo brano,   è un flash illusorio che trova giorni ridimensionati dal sentimento più potente, capace di essere creativo come distruttivo. Ed è un saliscendi di suoni come di penitenze, di funi con sangue torbido impresso in ogni secondo, dove la musica si muove acuta e sbilenca sino al fragore per tornare a farsi piccola. Una clamorosa esibizione di classe compatta che lascia brividi nel cervello, ipnotizzando e facendo tremare ogni certezza acquisita.

Chiude il lato A del vinile “Indispensabile”, torbida corsa di una obbedienza e lo fa con la sua robusta propensione Americana, quella che aveva preceduto il grunge, con maggiore snellezza, con una chitarra sibillina che sa cogliere l’incubo, cosa che il protagonista non sa fare: ed è strategico il cambio ritmo, le atmosfere che vivono dentro una matrioska maligna e dicotomica. Saper far coesistere suoni multipli, di decadi diverse, e miscelarli con altrettanti generi differenti è segno di una qualità innegabile e alla fine del brano indispensabile…

Il senso di sorpresa questa volta è dato da una cover che non ti aspetti, ma che nel congegno dell’album funziona perfettamente: diviene come per mistero parte della band che la sequestra mutandone la pelle. Un serpente di rara bellezza che si chiama “Anima Latina” di Lucio Battisti (che amerebbe di sicuro questa trasformazione) apre il lato B come un bagliore che spoglia le paure, ma inietta veleno sibilante con questo flusso di elettronica e rock compattato e sigillato per aggiungere alla band Fiorentina i segni particolari di un fare complesso, sposato alla fascinazione e al corso del tempo. Una rivisitazione che illumina la superficie del corpo lasciando la scia di una bava corrosiva.

“Tu sei me”: un piano inatteso e triste apre la strada ad un proiettile acuto e sbilenco nato per uccidere le illusioni e i ricordi. Si corre nel deserto con chitarre e basso gonfi di polvere e spietate melodie contagiose, dove ciò che è fugace muore e rinasce nella bellezza di questo vapore acqueo che svela ancora di più come i tre sappiano assorbire l’energia per liberarla in una storia sonora amletica e potente.

Ed è tuono: partendo dai primissimi secondi che odorano di The Mission del secondo album Children, “L’ultimo pensiero” è il diario sonoro che scrive la sua direzione con un fare armonioso e lacrimevole, dove i Livornesi Malfunk sembrano resuscitare.

Il cantato è un rasoio melodico che nuota su chitarre come rovi trattenuti, pronti per cadere ed esplodere ma che si trattengono dal farlo. E giunge un fischio sensuale che attira ancora di più la nostra attenzione su un crooning ipnotico per far scemare la canzone dopo aver sudato e conosciuto l’estasi.

Tutto si conclude con la schiena di una duna colma di rock che si chiama “Fantasmi”, con la sua abilità nel variare propensioni e nel gestire pulsioni quasi psichedeliche e donarci una bufera lenta di sabbia. Le voci raddoppiate ad un certo punto sembrano provenire da una antica sessione dei Black Sabbath, mentre le chitarre diventano rivoli che trattengono il calore ed il senso di morte che si aggira sornione tra le note. E sembra una siringa che punge il tempo questo brano, un insieme di crepacci tenuti in vita miracolosamente, dove tutto sembra pronto per congedare la propria esistenza. Ogni cosa scivola e rende evidente che lo stile è il marchio del dna della band toscana che può guardare il mondo con fierezza.

Un album che rivela l’ottima condizione di salute del tanto criticato rock che in questo caso, anche se mischiato ad altri generi, dà la sensazione che la sua attitudine abbia nel suo ventre migliaia di vene pulsanti perfettamente in attività. E quelle degli Auge brillano per intensità e capacità. 

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

29 Aprile 2022

L'album è acquistabile presso la casa discografica Vrec 

https://www.vrec.it/prodotto/augeinpurgatorio/

La mia Recensione: Flavio Ferri / Alex Dematteis - Speakdown

 La mia Recensione 

Flavio Ferri / Alex Dematteis - Speakdown

Un fiume nero scorre nelle vene di chi crede di averlo ancora rosso: un’incoscienza colpevole che addormenta i sensi, la ragione, camuffa e distorce la verità per finire dentro la zona della comodità, la nemica numero uno della saggezza, del benessere, del buonsenso e della verità che costruisce le basi di un miglioramento prima personale e poi collettivo.

Esiste un colpevole: l’ingannatore egoista.

Esso ha sodomizzato lo scorrere del tempo che aveva dei limiti ma ragionevolezze varie.

Flavio Ferri e Alex Dematteis l’hanno trovato e affrontato: atto disumano, crudele, ingiusto, violento e così non si deve fare, speriamo che abbiano scherzato.

Il loro lavoro si chiama Speakdown, tre angoscianti e dissacratorie cavalcate con spade tratte e lucidissime dentro questo cattivo che si nasconde e mostra solo il presunto benessere che contagia la civiltà moderna.

Non hanno fotografato la realtà perché le immagini sono fatte per essere dimenticate, servono a poco se non coniugate ad una ragione che scatta in piedi per reagire e agire, se è il caso di farlo.

Tutto quello che hanno prodotto è una dura lotta, centimetro per centimetro dentro il Capitalismo e il Mercato, fratelli siamesi di una esistenza anestetizzata e resa volgare. I due hanno pianificato un delirio, un contrasto pieno zeppo di frammenti indigesti atti a grattugiare l’apparato uditivo prima e la coscienza dopo.

Missili su crateri colmi di pece, dove non esistono barlumi di lucidità che possano confortare ed essere spunti propositivi.

Si sono dati il ruolo di distruttori di ciò che era già annientato di per sé, creando scenari apocalittici, cancellando la gradevolezza dell’ascolto della musica, che è divenuta magma, scintille di catrame, nebulosa, devastazione sonora, annullando e schiacciando la noiosa e inutile forma canzone.

Coraggioso e combattivo oltre ogni limite accettabile, Flavio Ferri ha operato scientemente non interessandosi al consenso (altro elemento catastrofico del Mercato) e ha costruito invece un micidiale marchingegno nel quale tutta la sua vorace combattività ha generato stridori come conseguenza del rapporto tra il concetto ed il mezzo utilizzato.

Facendo così l’artista milanese ha avuto modo di liberare l’espressività, la precisione, ha mirato e fatto fuoco con il suo ordigno, ha voltato le spalle alla comodità per farci sgranare gli occhi: rimane solo l’indifferenza a tutta questa follia. Per lui sarebbe la manifestazione evidente che il Mercato e soci vari sono scontati e in tal modo paleserebbe la sua vittoria, consapevole che in tutto questo la felicità non troverebbe luogo.

Purtroppo.

Dal canto suo Dematteis, su incarico di Ferri, ha scritto storie, scorticato la ragione dell’egoismo, inveito, arrossato il respiro e pianificato un insieme di pensieri che potessero resocontare il fallimento.

Ha insistito a descrivere la tossicità umana e vivisezionando lo squallore di una comunicazione massiccia, ma priva di un messaggio colto ed elevato, ha deciso di filmare con le parole amare gocce di veleno e micce di pensieri insoluti e di difficile  codificazione.

I rapporti, gli egoismi, il senso del possesso degli oggetti, la gravità di silenzi umani a favore del caos del consumo sono stati la scintilla creativa dei due per fare un disco pesante, ostico, indigesto, ma non scontato. Sono stati determinati e consapevoli e hanno portato l’arte nel luogo dove appare più assente: quello della volontà di fare dei disastri un punto di partenza, come un invito ad un senso collettivo che possa cambiare le carte.

Ma falliranno: il mondo ha troppe follie piatte per accettare questa che è lucida e iperdinamica.

Canzone per Canzone 

Daily Snapshot n.1

La luce del dopo nucleare comportamentale si apre su un tappeto elettronico e giunge la voce della Borsa a segnalare l’orrore di ciò che sopravviverà: la fame di speculazione, del guadagno. Ferri cammina lento con la processione analogica che rappresenta il tremore, la precarietà, la banalità che lotta per vincere. Suoni, come distruzione accesa e confermata, che si affacciano sino a quando un giro di basso pesante si accorda con un vibrato paranoico ed ossessivo. Da quel momento è un susseguirsi senza sosta di detriti fuori ritmo a sentenziare il vuoto che ha stravinto sul sistema umano di alienazione. Diciassette minuti di strazio e vertigine, con segni di terrore e al contempo di rassegnazione: la catastrofe è appena incominciata.

Fuck the Style

Dematteis e Ferri iniziano subito con la rappresentazione teatrale del vuoto che si compiace, la fiumana di sciocchezze che entra nell’illusione di una solitudine che pensa di trovare nella tecnologia l’unica modalità per valorizzare la comunicazione, divenuta proprio per questa ragione inesistente. Flavio crea angoscia, film muti con onde psichedeliche e industriali, beats e strati sonori ad alta densità termica: tutto viene congelato, quasi polverizzato da flussi catastrofici a ciclo perpetuo. Alex esamina il disastro umano e l’ignoranza con la sua assenza, seguendo Flavio per avanzare drammaticamente in una processione violenta: non rimane che quella modalità per mostrare l’imbecillità umana. Quasi sedici minuti di tortura sonora sconvolgente per divenire l’atterraggio sulla pelle della morte e per celebrare e definire la fine di tutto. Senza repliche. 

Understress 

Il balletto degli illusi, gli incubi che diventano un grido infinito trovano sede definitiva nell’atmosfera plumbea e agghiacciante delle rovine a battito impreciso di Ferri, che crea una simil danza allucinata, a tratti sensuale, con accenni melodici che illudono, come illude la realtà che inganna se stessa. Un mantra sidereo smette di gravitare nella volta celeste e plana su un mondo incattivito e sotto stress. Sono aghi le parole di Dematteis come lo sono i circuiti tetri di Ferri: uniti nel certificare il Mercato che, compatto, schiaccia i cervelli. Mantra bellici e astuti graffiano le orecchie con l’opposizione al senso ritmico, tutto si spezza, si interrompe e riprende come scatti inevitabili, sino a sconquassare la resistenza dell’ascolto. Parole come vermi contagiosi esplorano e sentenziano e la musica non è tale bensì un fungo allucinogeno che deturpa la lucidità. È un cataclisma a flussi, violenza perpetrata che su una elettronica bastarda, saccheggia tutto ciò che rimane della nullità umana…

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

29 Aprile 2022

https://www.vrec.it/prodotto/ff01/

My review: Flavio Ferri / Alex Dematteis - Speakdown

 My Review 

Flavio Ferri / Alex Dematteis - Speakdown

A black river flows in the veins of those who believe they still have red blood: a guilty unconsciousness that numbs the senses, reason, that disguises and distorts the truth to end up in the comfort zone, the number one enemy of wisdom, of well-being, of common sense and truth which builds the foundations of a personal and then collective improvement.

There is a culprit: the selfish deceiver. 

It sodomised the flow of time that had limits but various reasonablenesses.

Flavio Ferri and Alex Dematteis have found it and confronted it: an inhuman, cruel, unjust, violent act that should not be done, let's hope they were joking.

Their work is called Speakdown, three distressing and desecrating rides with drawn and very lucid swords inside this villain that hides and shows only the presumed wellness infecting modern civilisation.

They have not photographed reality because images are made to be forgotten, they are of little use if not combined with a reason that stands up to react and act, if it is appropriate to do so.

Everything they have produced is a hard struggle, inch by inch within Capitalism and the Market, siamese brothers of an anaesthetised and vulgarised existence. The two guys have planned a delirium, a contrast full of indigestible fragments capable of grating first the auditory apparatus and then the conscience.

Missiles on craters full of pitch, where there are no glimmers of lucidity that can comfort and be propositive points.

They have taken on the role of destroyers of what was already shattered in itself, creating apocalyptic scenarios, erasing the pleasantness of listening to music, which has become magma, sparks of tar, nebula, sonic devastation, cancelling and crushing the boring and useless song form.

Courageous and combative beyond all acceptable limits, Flavio Ferri has acted intentionally without concern for approval (another catastrophic element of the market) and has instead constructed a deadly device in which all his insatiable combativeness has generated screeching as a consequence of the relation between the concept and the means used.

In doing so, the Milan-born artist has been able to free his expressiveness, his precision, he has aimed and fired his device, he has turned his back on comfort to make us widen our eyes: all that remains is indifference to all this madness, but for him it would be the evident manifestation that the Market and its various associates are taken for granted and in this way he would manifest his victory, aware that in all this happiness would not find a place.

Unfortunately.

For his part, Dematteis, on assignment of Ferri, wrote stories, scraped the reason of selfishness, inveighed, reddened his breath and planned a set of thoughts that could give an account of failure.

He insisted on describing human toxicity and vivisecting the squalor of a massive communication, but lacking a cultured and elevated message, he decided to film with words bitter drops of poison and fuses of unsolved and difficult to codify thoughts.

Relationships, selfishness, the sense of possession of objects, the seriousness of human silences in favour of the chaos of consumption were the creative spark of the two guys to make a heavy, hostile, indigestible record, but not obvious. They were determined and aware and brought art to the place where it seems most absent: that of the desire to turn disasters into a starting point, as an invitation to a collective sense that could change the game.

But they will fail: the world has too many flat follies to accept this one, which is lucid and hyperdynamic.

Song by Song 

Daily Snapshot No.1

The light of the behavioural nuclear aftermath opens up on an electronic carpet and the voice of the Stock Exchange arrives to signal the horror of what will survive: the hunger for speculation, for profit. Ferri walks slowly with the analogue procession representing trembling, precariousness, banality struggling to win. Sounds, like burning and confirmed destruction, appear until a heavy bass line accords with a paranoid and obsessive vibrato. From that moment on it is a non-stop succession of detritus out of rhythm to sentence the emptiness that has won over the human system of alienation. Seventeen minutes of heartbreak and vertigo, with signs of terror and resignation at the same time: the catastrophe has just begun.

Fuck the Style

Dematteis and Ferri immediately begin with the theatrical representation of the emptiness that feels pleased with itself, the torrent of nonsense entering the illusion of a loneliness that thinks it can find in technology the only way to enhance communication, which has become non-existent precisely for this reason. Flavio creates anguish, silent movies with psychedelic and industrial waves, beats and sound layers with a high thermal density: everything is frozen, almost pulverized by catastrophic flows in a perpetual cycle. Alex examines human disaster and ignorance with its absence, following Flavio to advance dramatically in a violent procession: all that is left to show human imbecility is that manner. Almost sixteen minutes of shocking sound torture to become the landing on the skin of death and to celebrate and define the end of everything. Without repetition. 

Understress 

The ballet of the deluded, the nightmares that become an infinite cry find their definitive home in the oppressive and chilling atmosphere of Ferri's ruins with an imprecise beat, creating a hallucinated dance-like, sometimes sensual, with melodic hints that deceive, as reality deceives itself. A sidereal mantra stops gravitating in the celestial vault and glides over a world in a state of stress. The words of Dematteis are needles, as are Ferri's gloomy circuits: united in certifying the Market which, compact, crushes our brains. Warlike and cunning mantras scratch the ears with the opposition to the rhythmic sense, everything is broken, interrupted and resumed like inevitable jerks, until it shatters the resistance of our listening. Words like contagious worms explore and pass judgment and the music is not such, but a hallucinogenic mushroom that disfigures lucidity. It is a cataclysmic flow, a perpetrated violence that on a bastard electronic music, plunders all that remains of human nothingness...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

29th April 2022

https://www.vrec.it/prodotto/ff01/

La mia Recensione: Nicola Lotto - Il canto nudo

La mia Recensione 

Nicola Lotto - Il Canto Nudo

Sorprendere.

Essere sorpresi.

No, non è un gioco ma una materia seria di cui si cibano i maestri e gli alunni, per determinare un sapere, un coinvolgimento strutturale che conduce ad una cultura sempre più necessaria.

Da Padova abbiamo l’esempio che i due ruoli possono coesistere nella stessa persona: Nicola Lotto insegna e studia se stesso e lo fa benissimo.

Lo capiamo dal suo album di esordio IL CANTO NUDO, uscito per la Vrec, che si dimostra ancora una volta capace di portare a sé artisti estremamente capaci e interessanti.

L’ascolto ripetuto rivela una profonda attitudine alla ricerca e alla manifesta volontà di sguardi che partendo da un’anima sensibile utilizzano una mente capace di cogliere, di fare acute osservazioni, di portare fuori nel mondo il contenuto di ciò che ha afferrato.

E queste undici canzoni diventano uno sviluppo che induce alla riflessione, annettendo chilometri di emozioni in un combo perfetto.

Quello che sembrava il cammino di un cantautore folk, dopo l’ascolto dei primi singoli, con questo Lp si dimostra intenzionato ad ispessire, a diversificare il suo bagaglio e percorso artistico, riuscendo a muoversi molto e a diventare coraggioso e duttile. Consola questo album. Ristora e ci mette nella posizione di ascoltatori affascinati, invitati ad una ispezione dentro i nostri moti interiori e ci porta davanti a diverse domande. È uno sguardo serio: le sue parole, oltre a conoscere il velluto e la seta, sanno essere bilanciate e profonde, un cartello stradale ad indicarci percorsi diversi ed estremamente validi.

La cura della parte musicale è estremamente attenta e precisa e la produzione di Flavio Ferri ha sicuramente giovato mettendolo nelle condizioni di esprimere tutto il suo talento e dedizione.

Le atmosfere sanno conoscere stili e modi che sono perfettamente compattati, per dare alla sua splendida voce e a musiche sottili e allo stesso tempo capaci di ridefinire la parola potenza una perfetta dimostrazione di una classe indiscutibile.

Nicola sa descrivere il dolore e sa farlo in modo gentile, rispettoso, e riesce saltuariamente a ricordarci Maestri come Paolo Benvegnù e Umberto Maria Giardini con la loro morbidezza mista a profondità, però sempre con quel suo approccio che lo rende riconoscibile ed ecco che questo diventa il suo merito maggiore.

Le chitarre acustiche e quelle elettriche sanno convivere in queste tracce dove la melodia è sempre rarefatta ed elegante.

Il suono è curato e alcune piccole incursioni elettroniche e distorsioni elettriche sanno esprimere al massimo l’infinito bacino qualitativo di cui è dotato questo giovane autore.

Un album da studiare, da vivere come un ritrovare luci di ossigeno, come una gita verso quella maturità che deve divenire un appuntamento essenziale.

Ecco: questo è un lavoro senza dispersioni, preciso, attento, un raccoglitore fluido di averi in crescita e che trovano nelle canzoni il modo perfetto per rivelarsi.

Ora diventiamo dottori morbosi che si apprestano a visitare questo corpo fatto di undici parti che risulteranno essere sane e potenti…

Un disco di grande impatto e struggente, un cielo che apre le nostre coscienze e che sa aggiungere quella ricchezza che ci rende più belli.

Canzone per Canzone

Anche se brucia

L’album inizia con la danza dei violini ed il tremore del palco: l’ingresso di questo esordio è vibrante, con l’atmosfera che arriva allo scuotimento, a creare vuoti che riempiono il cuore. La tensione si prende la dolcezza della chitarra acustica e del pianoforte per lanciarsi in un ritornello dalla voce grossa. Incantevole.

Dalle finestre

La canzone dell’alba che include il tramonto incomincia da una bella chitarra acustica ritmica e la voce di Nicola diventa una scossa elettrica: le sue parole rompono gli schemi e ci offrono un brivido genuino e la saggezza avanza in noi. Si attraversa la barriera del buio per abbracciare la bellezza di un brano che conquista per la sua inclinazione verso ciò che è vero ed indiscutibile. Micidiale.

Parole nuove

Con la piacevole sorpresa data dalla presenza di Olden, questo brano mostra la capacità di Flavio Ferri di conferire ad un presunto rumore il ruolo di una poesia sonora dai graffi eleganti. Un testo dal polso di ferro dove domande, risposte e critiche convivono con chiarezza dimostrando l’eccelsa penna di Nicola. Robusta.

Consolazioni

L’invito all’apertura e al perdono produce un brano che sfiora l’alternative inglese offrendo un effetto di connessione intima alla verità più estrema. Il rock arriva nel ritornello come mantra rauco e pieno di ruvide bellezze. Maestosa.

Nel volto

È il turno di Paolo Benvegnù di regalare la sua classe estrema per questo gioiello termico, che abbraccia le paure e le coccola, dove i sogni e la follia banchettano insieme. Un’atmosfera delicata che bacia la poesia e rimane sospesa nell’aria e tutto fiorisce nei volti. La musica è la primavera che rivela la sua bellezza e lentezza. Morbida.

Sacro

Si alza il ritmo, echi di Robin Proper-Sheppard con i suoi Sophia circondano il perimetro di una canzone che profuma l’aria di malinconia e la porta dentro la rabbia e il dolore. Chitarre elettriche si ingrossano e sibilano nel cuore. Lacrimosa.

Prima che si sveglino

Ecco che Flavio Ferri e Nicola firmano un brano insieme ed è la tenacità, la passione, l’irruenza a stabilire che nella musica la follia solletica l’indirizzo del cuore, prima che gli uomini conoscano il risveglio. Ed è un flusso magnetico verso quei mai dimenticati anni ‘70 dove la vera ispirazione era determinata dallo sconfiggere schemi prestabiliti. Irradiante.

Incombe

Rimembranze di Alice in Chains più inclini al grigio e agli Estra e così veniamo invitati dentro le stanze di questo viaggio. 

Ci ritroveremo col rumore a invadere le strade, come un violino camuffato, per colpire i nostri fianchi in una semi danza che trova la sua soluzione alla fine, quando tutto si spegne nella chiosa di un brano seducente. Magnetica.

Tutti gli inverni 

L’amore per la vita vive dentro questo dialogo pieno di speranza che toglie la sabbia dalle dita. Nicola abbassa la sua tonalità, recitando il suo sentire profondo per mostrare la fierezza di un cuore che si appoggia a chitarre graffianti e secche. La canzone avanza per poi incontrare il buio quasi diabolico e tetro, una tensione palpabile che elettrizza l’ascolto. Necessaria.

Uno spavento 

Il talento ed il lavoro preciso di Nicola produce il suo capolavoro: tutto è compatto, teso verso il bisogno di chiarire, un brano che spazza via le ingiustizie e le inutilità, gli errori, le illusioni. E tutto questo lo fa con maestria portando la musica ad essere una sveglia semiacustica, che guarda alla parte elettrica e invita il tutto ad uno scambio di effusioni. E quel recitato che attrae e conquista. Piacevolmente spaventosa.

Nel mio polso 

Per l’ultimo brano di questo album l’artista Padovano stupisce, stordisce, getta nelle nostre orecchie un agglomerato di profonda ispirazione e precise considerazioni sociali.

Bob Dylan, Eric Andersen e Giulio Casale fumano una sigaretta insieme mentre ascoltano Nicola che prende posizione verso una movenza umana che si ritrova sbandata e confusa. 

È un racconto che si appoggia ad un piano e a oscillazioni cacofoniche ed essenziali per fare di questa canzone un carillon atipico e pieno di densità che attacca la fragilità. Cruda e crudele.

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

28 Aprile 2022

https://www.vrec.it/prodotto/nicolalotto_cantonudo/

My Review: E-L-R / Vexier

 My Review

E-L-R * Vexier

"The heavier the burden, the closer our life is to the earth, the more real and authentic it is. On the contrary, the absolute absence of a burden causes man to become lighter than air, to take flight upwards, to distance himself from the earth, from being earthly, to become only half-real and his movements to be as free as they are meaningless. What should we choose then? Heaviness or lightness?"
(Milan Kundera)

Something, in listening to music, seems destined for suffering, for digestion that finds its occlusion, for the fatigue of perceptions that when coupled with desire create great confusion.The sense of freedom among the notes is often the territory of deception, futility and a subsequent severe embarrassment. All this eventually combines with the heaviness of these instants.

These are moments that are remembered, we are given no choice, with taste finally dying, so dangerous and damaging, if you think about it. All that remains is for us to be extreme curiosities, perennial nomads, frenzied travellers, with places always to be found.

Bern, the federal city, the elegant and ever-active woman, that lives and unleashes its energies on an enchanting plateau, is also the beach of the Alps, where the E-L-Rs follow their mad propensity to create boulders of sound like drooling sorcerers.

Yes, really, believe me, their songs are metamorphic rocks with stunned, curving glaciers inside, flying over time and our gazes, dripping with the sweat of fear that is born and dies in these terrifying and delightful forty-six minutes. A set of passages amidst the mountains of our vibrations, with their Doommetal effectively hypnotic and heavy, to then seek and find a bit of lightness when their hands turn on the less rough side, that Doomgaze always more willing to show its possibilities of development. Without forgetting the Postrock with battling feathers and less inclined to melancholy.

The three Swiss create kilos of music that are tombstones, parasites capable of stimulating gangrene and of laughing while we find ourselves with our stomachs turned upside down. 

Two women, I-R, bassist and vocalist, S.M., guitarist and vocalist, and a man, M.K., drummer, create the concept of sound as an obscure place where escape routes from light melodies, from disengagement, from futility are made possible.

They don't joke: needle and club, beating with corrosive and diabolical textures, with rock lightning with a bleeding hand. 

We enter the desert: where there is a chance to shatter even the tiniest grain of sand, they do it to become mermaids swimming in the dunes, M.K.'s hammer is a punishment that flies in our breath and the two responsible for the din and discomfort are assaulted without having to reach violent music like black metal and the like.

They grant us the dream but they stain it with feelings of guilt, they try to sink the velleities and their creations produce hives, redness on the skin of the mind.

It's a pleasant listening because their courage, the method they use to scratch mediocrity is full of candour: they sound like perpetually virgin songs, combined with a desire to explore annoyance and to soften it with sprinklings of sweetness that, when they arrive, create relief and good humour, if not also a dishevelled, neurotic, maddening joy.

It is surprising that all this can come from peaceful Switzerland, although in the past we have already had bands capable of being tough, acerbic and sanguine: The Young Gods are a good example. Here, however, the continuity goes further, the battle plans organized and executed perfectly, like surgeons trained to precision, with no possibility of imperfection. And their rocks roll in even if you would like to oppose them: this is their validity, gift, capacity, a continuous flight where the swellings received, at the end of listening to Vexier, are necessary and immediately eager to repeat this liturgical mode of fruition.

A second album that follows the path started with the equally surprising debut of "Maenad", intent however to be a corrosive and unripe ivy, with a scent that you would never expect. Within the five long compositions, we find ourselves inside decadent movies, oil-filled photographs, a theatrical performance that confuses the viewer and long, acidic walks, where the possibility of breathing peacefully is only a hypothesis that they definitely know how to sink.

I highly recommend it, because even poetry has its wrinkles, its cracks, its tiring obstacles to overcome. What you feel at the end of this journey is a sense of benefit that you would never consider and their enormous ability lies precisely in this inexplicable event.

Song by Song

Opiate the Sun

On a lunar territory waiting for the roar, the Swiss sow bullets with their protective case: the slow Opiate the Sun is a fake organ of the sky preparing the insurrection. Shy parallels, in the first minutes, with Dead Can Dance and then the detonator is activated to check if the power of the three is still oiled: mission achieved.

Three Winds

The less acerbic but still sanguine Doommetal manifests itself with a bad guitar and dizzying drumming that calls to itself the work of the bass, which is pure and heavy granite. Distant voices uncover the sky in their few seconds of excellent presence. Then Postrock claims space, everything gets darker and the blood waits for new explosions that, happily, happen.

Seeds

Adorable: lava glue in mutation, spasms of expectation with spirited voices, then feedback opens the way to the pounding display of strength and everything is intertwined, through musical genres and nerve-wracking tensions. The guitar goes round the sky, when it is absent you understand how the rhythm section consists of continuous uppercuts.

Fleurs of Decay

Desertrock moves to the moon where the three are waiting for it: tangles of metal splinters appear and it's a progression of cuts, scratches and avalanches of nightmares with a heavy breath.

Fôret

A thunderstorm lets the water fall for a few seconds and then the apocalypse comes, among drums and stabs of a bass highly eager to bend the softness that the moon requires: the four strings win and are helped by a slow and sly guitar, almost shy in arriving. But then it is sonic frenzy until reaching surprising melodic vocals like a window closed with melancholy. The double pedal is activated for a dark but powerful drumming. And it's a joy to find ourselves in this chaos where the wings break and, falling, we can put our face on the moon and smell it. The end is the breath that slows down with a celebration for a landing that has known sweetness.

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

28th April 

https://open.spotify.com/album/6WNRwaFxTc4GFX30EPINLB?si=4hjSLwPTR0GfEaynUe7aHQ

https://e-l-r.bandcamp.com/album/vexier