My Review: Helen Jewitt - Astrolabium

 

Helen Jewitt - Astrolabium

Who knows whether there is a direct reference in the band's name to a girl who was murdered in the early 1800s. In any case, the feeling remains, given the themes and mode of expression, that the three musicians have tension in their DNA as a reaction to existential malaise, eviscerating, acclaiming, presenting stories in which romanticism always has a crown of thorns in its sonic circuits. Their debut album is an atomic bomb, circular, stalking the listening souls, unleashing broadsides, screams, electric cables directly into the nerves and veins. A continuous explosion that takes the liveliness of post-punk and the emotional twist of shoegaze, for a disorienting result in which emotions, observations, cues and a large row of paralysis follow one another as these compositions intoxicate (pleasantly), leading to an impossible negative reaction: one finds oneself inseminated by their richness. 

In some moments, the less neurotic ones (and deliciously desperate), one has the impression that the trio visits the possibility of a future in which to immerse themselves to explore the richness of calm waves on the skin of a wad of tamed anxiety. The result is a sublime hypnosis, a prosthesis, an invention that expands their present, to generate a future in which writing can be a bullet that goes around the globe. It is surprising how this energy is not linked to youthful boldness but to a conceptual maturity that brings these creations to an outpost yet to be understood: they are gestations, fetuses, hypotheses and flashes in search of a place to grow and only careful listening can give them the pretext of a suitable cradle. The themes addressed in the lyrics highlight the overall view, total involvement, a sense of frustration and a strong bond with the passage of time, the obstinate search to marry fantasy and the search for truth. They also plan a hypothesis of the future and the theatrical system proves capable, of large proportions, uniting the whole with the sound range that leaves no escape. 

The sense of abandonment, given by the long notes (those so deep into the Shoegaze style), shifts towards that of struggle and determination, typical of post punk, all in the same songs, without having to wait for the next ones, for an effervescent duo that releases sparks of connections to a remote past that tends to be dead for the vast majority of the audience. This formation, instead, arouses feelings of redemption, compacting, regenerating the time that was, as a dutiful and magnificently successful commitment. Astrolabium thus transforms into an effervescent, warm laboratory, with dark colours in search of oxygen, a reservoir of the soul where the sleeping conscience is not expelled but infected, feeding the future with a hope that passes through nine compositional strategies that in the end will reveal themselves to be something much more important. An aspect not to be denigrated is that of a basin full of tears ready to invade thoughts but capable, at the same time, of creating streams in the sky: the vitality of the writing, of the dreamy (albeit melancholic) singing becomes a broom to climb on to visit the clouds.  The Eighties and Nineties find a spiral where the juice, the nectar, the good and the true of those two decades is visited and reintroduced into the mind like a dialysis that allows us not to lose our memory. It is therefore not a convenient revival but a precise technique to bring our attention back to a place where nostalgia and judgment are at risk. And then this young band makes a leap worthy of a kangaroo, carrying in its womb the seeds of the future... The guitars are black flashes, the bass a moving crater and the drums a fire in the middle of a forest, to give, as a result, a film with which to cover our fragility. Songs that hearten, devastate, rediscover the pleasure of life without giving up on erecting a wall against the easy propensity to stupidity. Here then it seems like we find ourselves in a university classroom in which they study how to make the future credible: Astrolabium is the best possible professor and it would be a shame to miss this chance...

Song by Song

1 - Hearsee

A tide glides in the sky with guitars that create spaces and then an enchanting voice, a simple and rich bass line bring the whole into a chorus that kisses sadness and reveals meanings to be found under the skin of notes kissed by an underground flash…

2 - Dogma

Explosions magnetized in the nerves of this song that excels in workmanship and density, as they are sheets that slowly crumble finding the right stage in the apparently catchy chorus: the words are dynamite and prison that suffocate, like a necessary good to be delivered to the future, while the primordial post punk strikes the embrace of an alternative rock that closes the circle perfectly…

3 - Abigäil

The memory of the second album of Adorable becomes concrete: this song has the same black feathers of the English band, staying not far from Catherine Wheel, to then find an autonomy full of Nordic clouds in a soundscape that creates a farewell melodic from this existence…

4 - Noughts and Crosses

We remain in an intimate atmosphere, a whisper of the bass, the baritone chirping of the singing and then a heartbreaking flight, with guitars and drumming that recall the saddest Radiohead, for a result that seems to be that of waiting for a window to fall into the water…

5 - Miss Deverell

Brent van Rij's bass takes us back to Fields of the Nephilim's Celebrate, but with a completely different structure: a graceful guitar permeates Gijs Stuivenberg's singing, to then welcome a minimalist orchestration that ties everything together in an enchanting way...

6 - Mother

Psychedelia in flight: from the Nineties (the English ones) to the present ones for a dialogue that seems to sense an electric propensity for shoegaze skirmishes slightly put to one side. But there is a vibration, a snap that brings this song into the space of a complete thrill...

7 - Bauta

David Helbig (the drummer), moves like a robot on an electric chair, like the son of an Eighties indie rock who waits for his two travelling companions to be able to make the sound neurotic and the atmosphere agitated to the point of chaos that contains all the power of the band...

8 - Death of Romance

Nerves under water implode and it is a sad joy on the rise, in an almost free flight, with a slowness that allows the vibrations to find the perfect location, with an arpeggio accompanied by short but incisive electrical discharges…

9 - Burn it Down

We end up running, with the last composition, between sound bullets and extreme slides, with the most abrasive Déjà Vega in mind and a controlled anger in watts that become the flight of menacing pumas in the night…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

6th April 2025

https://helenjewett.bandcamp.com/album/astrolabium

La mia Recensione: Loom - a new kind of SADNESS

 

Loom - a new kind of SADNESS

“All things fade

all things die

no more temptation

no more fascination”

Un viaggio con le lancette piene di incertezza non consente alcun tipo di beneficio, che è invece l’obiettivo di questa esperienza.

Constatare come questo periodo dell’esistenza umana formi solitudini in avanzamento costante può dare all’arte spunti davvero interessanti. Ed ecco che la band svedese riesce in questo compito con un nuovo brano (il primo di tre di questa primavera), colmo di malinconia, di parole che circondano la consapevolezza così come l’ignoranza, i luoghi così come il tempo, per approcciarsi alla verità e farla sprofondare in una tristezza sensata e non discutibile. Alla voce questa volta abbiamo Fredrik Axelsson, supportato dalla sorella Monika e da Roland Klein, in una stratosfera umorale che circonda la pelle di ogni pensiero, con una barriera corallina composta da una chitarra cavalcante, un basso postpunk in odore di santità e l’eco degli Adorable più melanconici a disinfettare la paura di poter essere felici…

Un clamoroso ritorno, in cui si constata l’abilità di rimanere nella propria cifra stilistica (storicizzata da 32 anni di splendida carriera), con l’apertura verso un pop triste sfiorato molte volte, ma qui espresso in modo sublime. E l’assolo di chitarra (nel finale), essenziale e ben incastrato con un drumming potente e fantasioso al punto giusto, regala lacrime corrotte dalle parole vere, concrete e potenti scritte da Fredrik, per un fadeout inesorabile.

La canzone dimostra il solito approccio verso uno Shoegaze gentile, mai esagerato, quasi anomalo, sempre a braccetto di un Alternative che si prefigge il ruolo di suggerire strategie e molteplici possibilità.

Il ritornello, vero termometro del gruppo di Ålem, procura uno scialle di lacrime compatte, con il cuore che si inchina a constatazioni in cui la vita sembra perdere forza, rivelando inutilità e il fascino ormai lasciato alle spalle, in un passato che con il tempo rimane un ricordo da abbandonare. La modalità baritonale di Fredrik viene messa a fianco di quella da mezzosoprano di Monika, per un risultato davvero impeccabile. Tra le composizioni più cupe mai scritte da questo combo, sempre pregno di poesia e in grado di provocare riflessioni importanti, qui l’ensemble svedese raggiunge la vetta, dalla quale lancia queste note che hanno grandi possibilità di essere accolte e coccolate.

Ed è una sorpresa a lunga gittata constatare che di questa nuova tristezza siamo in molti ad avere bisogno…

In uscita Venerdì 28 Marzo 2025

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

27 Marzo 2025

https://loom2.bandcamp.com/track/a-new-kind-of-sadness

My Review: Loom - a new kind of SADNESS

 

Loom - a new kind of SADNESS

‘All things fade

all things die

no more temptation

no more fascination’

A journey with hands full of uncertainty does not allow for any kind of benefit, which is the goal of this experience.

Seeing how this period of human existence forms constantly advancing solitudes can give art really interesting insights. And here the Swedish band succeeds in this task with a new track (the first of three this spring), full of melancholy, of words that surround awareness as well as ignorance, places as well as time, to approach the truth and plunge it into a sensible, non-debatable sadness. On vocals this time we have Fredrik Axelsson, supported by his sister Monika and Roland Klein, in a moody stratosphere that surrounds the skin of every thought, with a coral reef composed of a riding guitar, a postpunk bass in the odour of sanctity and the echo of the most melancholic side of the band Adorable to disinfect the fear of being able to be happy.

A resounding comeback, in which one notes the ability to remain within one's own stylistic code (historicised by 32 years of splendid career), with an opening towards a sad pop touched upon many times, but here expressed in a sublime way.  And the guitar solo (in the finale), essential and well interlocked with powerful and imaginative drumming to the right point, offers tears corrupted by the true, concrete and powerful words written by Fredrik, for an inexorable fadeout.

The song demonstrates the usual approach towards a gentle shoegaze, never exaggerated, almost anomalous, always at the arm's length of an alternative that sets itself the role of suggesting strategies and multiple possibilities.

The refrain, a true thermometer of Ålem's band, provides a shawl of compact tears, with the heart bowing to realisations in which life seems to lose strength, revealing futility and charm now left behind, in a past that with time remains a memory to be abandoned. Fredrik's baritone mode is set alongside Monika's mezzo-soprano one, for a truly impeccable result. Among the darkest compositions ever written by this combo, always imbued with poetry and capable of provoking important reflections, here the Swedish ensemble reaches the summit, from which it launches these notes that have a great chance of being welcomed and cuddled.

And it is a long-range surprise to realise that there are many of us who need this new sadness...

Out on Friday 28 March 2025

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

27 March 2025

https://loom2.bandcamp.com/track/a-new-kind-of-sadness

La mia Recensione: David Middle - A Goth, A Piano & Songs of Sorrow

 

David Middle - A Goth, A Piano & Songs of Sorrow

Un’ombra umorale sale dal cielo di Cambridge (lo fa da tanti anni), in costante dilatazione, usando forme artistiche diverse, prendendo il coraggio, il lavoro, il talento e la sfortuna sotto l’ala della sua splendida e ostinata necessità di non lasciare il mondo senza le sue ossessioni, dolcezze, integrità, volontà di fare del proprio mantello lo sguardo della sua purezza.

Questa espressione della natura ha un nome: David Middle, un corsaro gotico, cinematografico, a tratti un mimo della vita, altre volte un cabarettista che sfida il nero trasformandosi anch’egli come il più vorace dei colori. Per avanzare, fermare il tempo, costruire barriere coralline con la sua filosofia diretta, le sue corde vocali acute, spigolose, saggiamente tremende e implacabili, in ebollizione, una polveriera che saccheggia la calma e la conduce verso un atto di fede agnostica…

Un album da solista, mentre la sua anima non ha mai mancato di collaborare con band e progetti paralleli, è una scelta che rende più specifico il suo flusso cosciente, in una modalità che gli permette un focus indiscutibilmente forte e circostanziato ai suoi testi così potenti e in grado di trasformare la realtà, le paure, il silenzio e la memoria come i piloti di un palazzo mentale che mostra in modo ineccepibile.

Usa strategie note in modo inusuale, colora le trame sonore con il vento di una ispirazione continua, spaziando da Klaus Nomi, ai Virgin Prunes, a Rozz Williams, al più cupo Alice Cooper, arrivando a sfiorare la spalla di Genesis P-Orridge e il mento di Marc Almond. Ma è solo l’inizio, una falsa pista, in quanto David ha praterie proprie, come le sementi del suo pensiero così autonomo e originale.

La vita e le sue pene non sono raccontate bensì vissute in contemporanea, come se tutto accadesse mentre ascoltiamo e questa sensazione, divina e massiccia, lascia petali neri sul nostro respiro, rendendoci consapevoli di una dipendenza a cui in fondo non si sperava di avere la fortuna di assistere…

Si può, in questo modo, riflettere su come la pochezza degli strumenti usati in realtà aprano le porte della percezione, dando alle nostri menti lo spazio per allargare la necessità di far fluidificare questo pentagramma che invece di essere povero è ricco di grandi suggestioni. Tasti in bianco e nero e una sequenza teatrante di movimenti che accolgono archi sintetici e handclapping che suggeriscono il silenzio attorno a essi: Middle è un mago fuori da questo tempo, scevro dai condizionamenti, così barocco nella sua fertilità che non accetta forzature da parte delle forme espressive del presente.

Costruisce sentenze che, voraci, danzano nella sua ugola graffiando la volta celeste, l’unico vero paradiso che vede il suo laboratorio essere una cascata di pensieri imbottiti di incantevoli giochi di luce, dove il chiaroscuro è solo lo start dei suoi bisogni artistici, poderosi e olfattivi, sensoriali in quanto l’orchestra dei suoi battiti finisce per invadere tutto, con calma e una disperata intelligenza.

Un album per anime abili nel farsi avvolgere, coinvolgere, per sospendere la parte che si rifiuta di capire l’intensità, il dovere della coscienza, divenendo un distributore di scintille razionali che abbracciano la purezza di sentimenti caduti nella solitudine non voluta. Il connubio tra la musica e le parole risulta così essere un perfetto mantra con il quale cadere nella piacevolezza del dolore.

La ricerca armonica mostra integrità, conoscenza delle modalità espressive e un grande rispetto per quella parte della storia musicale che l’odierno non conosce e non rispetta. David si rivela così un combattente con note come pallottole gentili, mentre le parole sono sciabolate a salve, in grado di centrare lo spazio che sta perfettamente a metà tra la mente e il cuore.

L’artista rivolge l’attenzione verso la natura, misurando distanze e similitudini, coinvolgendo la strada della descrizione armonizzando il proprio spirito complice, maturando con la musica un legame intenso, quasi muto, per poter vivere liberamente una connessione con entità sicuramente più buone. 

Si ha sempre l’impressione di una maturità che induce David a cullare le rughe della propria mente spingendolo verso una forma quasi segreta in cui essere custode e rabdomante, alla ricerca di verità, seppur scomode, ma gestite con autorevolezza.

Quando si ha l’impressione che voglia seminare petali neofolk si avverte una sacralità pagana forse anacronistica, che però offre la misura della sua estensione culturale, e la sua lingua sa essere un dolce veleno che rovesciandosi diventa amaro: miracoli come infissi nel buio…

Accade poi di sentirlo congedarsi dalla vita (nella maestosa Ode to Jacqueline) si avvertono brividi, come se un amico se ne andasse, ed è uno dei momenti più toccanti con i quali si deve fare i conti. La sapiente volontà di donare melodie che si fissano nella mente comporta il fatto che pure le parole facciano lo stesso, finendo per dilatare i centimetri del nostro ascolto.

Le orchestrazioni, minimaliste e mai pompose, danno anche la misura di una produzione curata, in grado di farci avere l’impressione di un racconto in musica che va riletto e riletto ancora: nemmeno una sillaba di bellezza va persa in questa opera meritevole della migliore accoglienza…

Song by Song

1 - No One Hears Me

“Pull me out from the drowning mud”

Una danza appare, nella notte, per essere un racconto tra ansia e sogni mancati. La musica è un gesto balsamico attraverso tasti battenti con morbida propensione verso il registro basso…

2 - Climbing Stairs

“Every fall is a lesson, every climb is a spell”

La contrapposizione tra le note grevi e lente del pianoforte e il cantato di David creano un lampo notturno nel quale cadere con dignità. Un brano che pare arrivare dalla tensione teatrale e cabarettistica del miglior Marc Almond. Ed è apoteosi in ripetizione…

3 - Help Me Please

“I, see faces, but memories still fade”

La memoria qui trova una clamorosa centralità e la cavalcata del basso e il contrappunto del piano ci riducono in brandelli. E poi quella invocazione, che si trasforma in un mantra da tenere nel circuito segreto delle nostre colpe. Un capolavoro senza tempo…

4 - The Whispering Wings

“Underneath the whispering trees”

Il teatro francese sale sul palcoscenico, si cambia l’abito e diviene un eco inglese del Millesettecento, con un’apertura alare del ritornello che pare essere un monito, in cui il terrore afferra i sogni e li uccide…

5 - Final Witness

“Scared to last you 

never rest”

Si danza e senza il drumming è pure meglio: sulle punte, come ballerini classici, mentre il testo compie una panoramica sostenuta da una voce che si fa ago piangente…

6 - Ode to Jacqueline

“My time has come, and now i know I said goodbye”

Il ritmo rallenta e i tasti sentenziano, per poi aprire le braccia dentro un circolo di luci amorose piene di tensioni, inviti, sino al finale con un addio che traduce perfettamente uno spartito così volenteroso di essere riconoscente alla musica classica, che qui si fa ancora più evidente e necessaria…

7 - Gothic Candles (Midnight Mix)

“Through the darkness, we journey hand in hand”

David ci porta costantemente nella notte, nel buio, per attraversare le illusioni dei sogni e le più evidenti e reali forme dolorose, con un’ambientazione musicale gotica, come se Rozz Williams lo incitasse a non perdere la teatralità perfetta del suo cantato… 

8 - Walking with the Dead

“In my heart, the dead will stay”

Una prodezza, un nuovo tuono nel cuore e nella testa, per questa ouverture che diventa una piacevole tortura, che cerca di trasformare un volo libero in un doveroso schianto. Tutto qui odora di definitivo, come se davvero la convivenza con la morte potesse essere l’unica gioia. 

9 - Our Broken World

“Our innocence lost in the hands of fools”

Il cantato iniziale ci riporta ad Hallelujah di Leonard Cohen, ma poi tutto si sposta e si entra in una drammaticità solare, in un contrasto giocoforza ragionevole, e la musica rende il tutto perfettamente coeso e intatto…

10 - A Hollow Heart

“But through the tears, I’ll find my way”

La disperazione è obbligatoriamente un processo lento. E invece David la rende quasi una fase allegra, veloce, dalla voce leggera, e la musica che pare fare il solletico all’inverno…

11 - Dark Love

Il brano più raffinato, più teso e drammatico giunge quasi alla fine dell’album, lasciando petali dandy nel testo e spunti musicali che attraversano le epoche e gli stili per poi farci sentire il gusto amaro di un amore pieno di tenebre…

“A symphony of lust, makes your heartbeat tight”

12 - Mood Swings

“I laugh until I cry”

Una voce filtrata, come mai prima, fa da apripista all’ultima canzone, che è come un epitaffio nascosto, sepolto da una musica angelica con sfumature, in modo emblematico, drammatico. Ed è un soffio dolce che spegne la candela, che subito però riaccendiamo per riascoltare questo album così delizioso e significativo che è un peccato madornale trascurare…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

27 Marzo 2025

https://batcaveproductions.bandcamp.com/album/a-goth-a-piano-songs-of-sorrow