My Review: Pink Turns Blue - Black Swan

 

Pink Turns Blue - Black Swan

It was the 1980s, Leeds was generating an enormous rational and emotional flow, which had been given the appellation Post-punk, and everything had become core, guts, bark, feather, crowbar, to contaminate first European soil and then world soil.

The musical city par excellence watched, studied, measured first and then distanced itself, knowing how to quickly become a dark beacon, in the vicinity of a gothic and literary involvement with no possibility of contradiction.

Berlin created an infinite grey of which two musicians were paladins, but without any desire to be its pivotal and most prominent exponents.

Pink Turns Blue are an almost religious institution for that Germany that knows how to love its children, sure that the duo (now become a trio), does not betray, holds in its talented arms miles of art that does not wish to be exposed to the light of the media, of people, of anyone, for that simplicity, modesty, Teutonic sense of work that does not seek applause, for a non-strategy that knows how to float among the shadows taking just enough oxygen to generate sound pills that smell of anaesthesia, in the apotheosis of whispers and suggestions that are often really practically invisible.

Mic Jogwer, Paul Richter and Luca Sammuri have reappeared, like splintered prey, like sonic cylinders in a day's work, with a suitcase full of history, geography, sociology and a diet that invites modern egoism to melt away. They explore the nooks and crannies of post-punk with increasing meticulousness, diminishing still further the imagination, the illuminations, silencing instinct and working, rather, on a few lines, on wide loops from which to draw the vitality they and we need. 

A mental orchestra invites the notes to be discreet, transparent, fierce, like ancient cannibals who know how to bite ankles: melancholy is not left alone, but accompanied by a vision that pushes for a human unity worthy of the philosophical school of the 1900s that, as chance would have it, came from another German city.

A record like a journey with a burlap sack on their shoulders, to harvest, to sow, to wait, to smile, never to make people cry, because that is not their job.

The claustrophobia of modern living enters the fog of obedient guitars, of dry drumming devoted to simplicity, with the bass remaining fond of Red Lorry Yellow Lorry for a carpet that, thanks to veiled keyboards, homogenises the intensity and erects it to the role of mental traffic light.

Uncomplicated but deep riffs sink in, Mic's singing is more and more a skeleton with wispy palpitations, irresistible and provocative, with his unmistakable accent to make us smile as a tender embrace. His words, however, are blades and thorns that never return to his throat....

The sound is an obscure contraption, a mystery that seeks the breadth of pop, coughing, taking from that aforementioned Leeds the poisonous particles of its factories, for a hypothetical bridge to Berlin, in order to sow an invisible territory of death and mourning.

The trio does not try to be convincing with songs full of variations, tricks and accesses full of excesses: they prefer a desert mode, with sun and moon, heat and cold and pain and little joy all packed into a few chords, achieving the result of being more convincing and able to become a mirror that is never tarnished.

The magic of the twelve compositions is all in the direction, in these gentle bullets with their lapels turned up, along with the perfect dose of poignant affirmations, in which the relationship between the self and others seems to be an almost silent film, to generate oscillating projections full of sweat and coughing: it incites fear, the right amount of unease and, if you pay attention, everything is perfectly positioned between the cold and detached mechanism and a generous emotional explosion.

The production gives the right continuity to the previous one, and in it it is very clear that the almost forty-year career offers us people who are very distant from their beginnings, but with the same propensity to make music a serious job and not a playground without specific care.

Fascination with them becomes the gymnasium of an intelligence that cannot have so many followers: they have always been ahead of the game and these tracks demonstrate, thanks to a vertical and never pompous framework, that they leave aside the ambitions of success, which is for them a useless event. This is understandable because they are eleven sentences, where nobody gets on their train but, really, believe me, it is preferable for the masses to avoid its tracks.

Many current bands grew up thanks to PTB and then preferred to stuff the richness of spirit with aesthetic beauty, the sterile kind.

Pink, blue and black: three colours placed in a row, like a logical cloak of belonging, with skin, sky and death wisely represented in these grooves.

All we can do is to bring our ears close to it and swallow joy and fear, as the only intelligent act...

Song by Song

1 - Follow Me

Crackling synths and melancholic guitar christen the album. And then a soul questions itself, searching for answers in the sky and in people for a song full of pain in transit, with the skin trembling in this electronic riff son of Kraftwerk and in the guitars full of the very dark light of this band in their early days. An invitation that is the muted response of those who adore this first track, as a good and just thing...

2 - Can't Do Without You

Here is the pop song, or rather, one that tries to enter a place the band never wanted to be a part of. It becomes a single, a glue generator between that genre and electronic indie, with the rhythm taking the form of a simple mantra on which the synth line rests.

3 - Dancing With Ghosts

Try to imagine a point in the sky where the guitar trajectories of The Mission and Red Lorry Yellow Lorry intersect. There it is: from here, a rainbow of liquid beauty with invocations, desires towards an essential metric that is typical for the Berliners. And it is amazement and joy in mixed dance.

4 - Fighting for the Right Side

How to translate claustrophobia into a calendar where the candles are extinguished and pushed by this bass to bring the voice to the walls wallpapered with a deep need for justice. Guitars absorbing glam, almost hard rock, brief moments and then it's decadent poetry to lead this piece to their podium whose space we can only wish to share.

5 - Why Can't We Just Move On

We find ourselves in the dark electro zone of Slow Readers Club, with Manchester calling to Berlin. A sonic grace is invaded by a paralysing sadness. And it's mantra like a genetic epilepsy spreading salt and honey....

6 - Black Swan (But I Know There's More to Life)

We are at the highest point, where the God of Flight loses his breath. An honest cry is born on these black-and-white keys, on the grey voice, on this swan that seems to fly between the walls of a lyric perfectly adjacent to the frustrations of a guitar that tries to scratch our breath, for a sensation of endless hypnotic damnation...

7 - Like We All Do

Every lightning bolt has an invisible opposing force: that's what happens in this sudden rush that reminds us of Belfegore, with that same impetus that chills the night. The crescendo of rock guitars (in the vicinity of Sonic Temple's Cult) induces us to a joy whose address we do not know but, like butterflies drugged with life, we will get there in a daze. And the mistakes of existence find a perfect bowl in this little urban jewel...

8 - Friday Night Out 

Deceptive chords precede a smoky, poisonous spit, with the memory of the first singles of Fields of the Nephilim (especially in the bass line and the ‘simplicity’ of the guitar), making this song the epitome of the evolution of the band from the German capital: everything here is poetic vision, in chiaroscuro, in a sinful state of warning for what could happen to us...

9 - Please Don't Ask Me Why 

Never oblivious to their debut album, the three of them unleash songs like drops of water full of memory. The track is a temporal embrace, a kiss to the temples and an invitation to read the life of feelings carefully. The voice becomes exhilarating, propaedeutic, recitative over the chilling vibrations of a six-string in a trance-like state...

10 - I Can Read Your Name in the Stars

Third episode in which the piano takes the stage: it is only the springboard for a series of words that know how to be a gentle sling, waiting for the thunder. Which arrives, gently, as if the whole thing were the basis of an unusual ballad, for a baritone approach forgotten in order to favour the inclination of a series of unexpected smiles...

11 - Stay for the Night

Glory must have a crown for all to see. One always closes a path with the infinite illuminating the past. That's what this song does, a sumptuous and perfect synthesis of a delinquent act of beauty that makes the congenital loop developed in three precise phases the spectacular amphitheatre of a sound reef that makes you weep in spite of everything. A dreamlike density, a sequence of references rendered subtle and almost hidden, but in these few notes chaos happens, its opposite, in an undulating alternation, with the heart of the piece showing the glimmers of its complexity when the drumming and synths fail. It is at that very moment that you realise the landslide zones that can produce this crazy track that closes the album and opens the heart towards a paranoid and irresistible desire to surround oneself with this magnetic addiction…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

12 March 2025

https://pinkturnsblue.bandcamp.com/album/black-swan

ORDEN-RECORDS BERLIN - MusicBrainz

http://www.shamelesspromotionpr.com

La mia Recensione: The Slow Readers - Out Of A Dream

 The Slow Readers Club - Out Of A Dream

Mani, tracce, odori, profumi, proiezioni (alcune dirette, altre inclini a una diplomatica forma di relativa esibizione), portano il tutto a concentrare il pensiero come il punto finale di una escrescenza in fase di esplosione: esistono fatti che non si raccontano, il mondo non è pronto, e un doveroso silenzio si inginocchia innanzi a una tecnologia diventata rapidamente il baricentro di un vuoto in avanzamento.

Potevano i Mancuniani The Slow Readers Club esimersi dall’esporre il dolore, la rabbia, la preoccupazione, dal descrivere l’impazzito mondo?

No di certo, e in queste nuove dieci canzoni non hanno trascurato di adoperare il costato grondante di sangue e trucioli, con un lavoro che recupera l’antico ardore della band, spiazzando dopo il loro album di due anni fa che aveva seminato sorrisi, segnali di pace, ed esponendo il gruppo di Manchester anche a uno schieramento politico.

Ci ritroviamo con il singolo individuo al centro, in una peristalsi emotiva che non si camuffa in uno scarto, mantenendo, sfortunatamente, il tutto nel corpo di una mente senza punti di riferimento. Tolgono spazio alla fuga e ci invitano all’introspezione, al considerare ottiche che pensavamo non fossero più necessarie.

La musica annuisce, prende in prestito vascelli, ruscelli, brandelli di luce e semina petali doloranti, con un innesto maggiormente moderato dell’elettronica e tuttavia trovando il giusto compromesso per permettere ai flussi sonori di precisare i testi di Aaron Starkie, qui, forse più che mai, il vero protagonista dell’album. Una danza moderata, con due brani che scuotono le gambe, anche se nel complesso si ha la sensazione di farla con una spada di Damocle sulla testa, il che rende tutto pericoloso. Non vi è gioia in questi versi, nemmeno nelle note, donando un miracolo di netta e pura sincerità, nessuna falsità, in quanto il gruppo di Manchester ha messo da parte quello che ora non ha più senso: nessun inganno di sicuro permea queste composizioni che, invece, stipulano un contratto con uno strategico percorso nel tempo. Avanzano, indietreggiano, ma mai ancorate al precisare il come. Questo rende l’opera un’operazione costante nei confronti delle pretese: i fans rimarranno di stucco, probabilmente non felici in quanto mancano quelle canzoni veloci che entrano dentro il cuore. Tutto è più lento, profondo, maturo, ed è una essenziale forma di riscatto nei confronti di chi finge rispetto a  chi ama per davvero.

Brani come fari notturni, con le acque dell’oceano del vivere che tremano, infreddolite e sconsolate: vi è un mondo che prende spazio (quello tecnologico per intendersi) che preoccupa perché sa come oscurare i rapporti, i valori e il tempo.

Il conflitto diventa grido, emarginazione, scempio e la musica il binocolo di una coscienza che traballa, mentre la gente attorno balla senza coscienza.

I lettori sono ancora più lenti, curvi, con gli occhi ingobbiti di Aaron, intento a descrivere approfonditamente ciò che è incline a modificare una storia che ha deciso di cambiare per sempre. In peggio.

Canzoni testimoni.

Canzoni timoni di un avanzare stordito.

Canzoni come sberle mute, senza lividi sulla pelle.

Si evidenzia l’attenzione a moderare l’aspetto volto a trascinare la folla nel luogo della condivisione: le note sono cumuli di nebbia, così come le parole sono sanpietrini che tolgono sicurezza all’equilibrio, sempre più precario. 

Si fa necessario un silenzio opprimente, con la solitudine come eremo interiore, rimanendo ancorati a una socialità come baluardo di una nuova contraddizione. Le bugie, le promesse non mantenute, l’amore propenso a dissolversi sono i temi principali di un concept album visuale, criptico, ma così tanto affascinante da stordire pienamente. 

Per riuscire a trasportare tutto questo in note, accordi, assoli, la dinamica principale mette l’accento su un’accortezza mai notata nei precedenti lavori: piani sonori come piallati da un maturo senso dell’ordine, in un mantra meno esibito, però sviluppato attraverso arrangiamenti carichi di poesia e di una quota abbondante di un nuovo veleno, creato dalla band stessa…

Lo smarrimento genera paura, la paura che esce dalla coda di questa finta evoluzione finisce nei solchi di un vinile che pare una pietra in cerca del suo giusto vuoto, ma vince la volontà di non inchinarsi, nella ricerca di un dialogo senza presa ma a ogni modo preferibile.

La voce di Aaron trova le correnti ascensionali che lo conducono a mostrare le corde vocali piangenti, in un cammino osceno di arricchimento e stordimento, con il falsetto che prende ancora più spazio, con parole che paiono essere paralizzanti ma mai frutto di un flash o di un errore. Piuttosto: ha trovato il modo di elevare la sua già ricca capacità di scrittura e, così facendo, ecco diminuiti slogan e frasi a effetto, per collocare invece le sue visioni in un circuito sensato, fluido, amniotico, introverso, però sempre nei pressi di un lampione con gli occhi tristi e preoccupati.

Il climax viene addolcito (solo apparentemente) da un paio di ballads che, però, alla fine diventano una via crucis in cui le spine sembrano entrare perfettamente nella carne di pensieri che faticano a rimanere forti…

C’è una forma di disciplina, di costruzione di un senso che riesce a galvanizzare il Vecchio Scriba, e lo si intuisce quando la band prende in considerazione l’autocitazione nella rovente Loved You Then che, con Dear Silence, è l’unico episodio in cui il ritmo, veloce, porta tutto via, come se le parole fossero meno ottundenti.

Perimetrale, introversa, caduca, quasi genuflessa, questa manifesta intenzione di adoperare l’arte del confronto che non teme l’affronto diventa l’unico gancio, l’unico modo per portare gli ascoltatori in un abbraccio necessario soprattutto davanti alla devastante Our Song Is Sung, probabilmente il momento più intimo dell’intero catalogo della formazione mancuniana. La voce, l’arpeggio, il synth in ginocchio diventano una poesia operativa che scuote, abbatte e riduce a brandelli ogni resistenza possibile…

Si diventa orfani, prigionieri, bambole, transistor disattivati e quindi liberi di pensare, di ricondursi alla ragionevolezza: dieci ceffoni che alzano l’orgoglio e lo sparpagliano nelle zone buie di un dolore in difficoltà.

Un disco di questi tempi, visti, descritti e portati nel soffitto, per illuminare i passi…

C’è una spina che va tolta e una nuova inserita: probabilmente questa colonna sonora vi condurrà a scegliere, a negarvi la complicità con la stupidità e non vi sarà null’altro che un oceano con l’intenzione di tornare vergine…

Song by Song

1 - Technofear

‘You’re talking too loud I can’t get no sleep’

La guerra cambia faccia, strategie, si inserisce nei corridoi dell’incoscienza e spara, dritta al cuore. I Readers trovano la sintesi, non solo fotografano ma insistono, gettano nel ritmo parole che confondono, assottigliano la verità in una canzone che nel ritornello fa esplodere la sua forza come una fragilità inevitabile, anche grazie al coro che appesantisce senza cedere…

Le chitarre si piegano, lasciano il fraseggio del synth, ma rimangono cucite con il loro ardore post-punk a sigillare una fede assoluta..

2 - Animals

‘And so we shelter here that life outside has got so hard’

Echi di Abba, di Blur, di OMD aprono il palcoscenico per ospitare un sincopato teatro dove l’amore passionale cerca un incantesimo. Ed ecco la coppia sotto la luce della modernità generare fragilità mentre, dal canto suo, la musica prova a tradurre il tutto variando poco e lasciando alla chitarra di Kurtis il compito di ricordarci The Edge ai tempi di Boy. Tutto è fissativo e gli accordi cercano la strada più corta per non ferirsi, riuscendoci in pieno…

3 - Little White Lies

‘Our day is coming, our love is built to last’

Sorprendente, genitoriale, ammaliante, lenta, lontana dal cliché della scrittura dei quattro, dimostra come insistere su un concetto minimizzando ogni ipotesi che differenziarsi sia una scelta obbligatoria. Si ascolta così una poesia che trema mentre un loop rovista, il drumming semplice fa cullare i passi e il basso protegge, con Aaron che porta la sua voce a due passi dal paradiso, che attende la coppia descritta nel testo…

4 - Dear Silence

‘Stepping outside the rubicon no rules apply no law this is fight you fight alone no turning back no more’

Ciò che si invoca ha la consapevolezza di un potere in fase di sviluppo: ecco il silenzio avanzare come ipotesi, come colla, come incipit, come beneficio, come disperato luogo da visitare. Il ritmo è deciso, le rime abbagliano, il significato stordisce e si viaggia nei primi anni Novanta con il suono del treno dei Kraftwerk.  Energica, questa gemma sa offrire miglia di evasioni come una fionda che sa tornare in fretta al domicilio sonoro dei primi tempi di questa formazione. I “vecchi” Readers qui si presentano ed è gioia per chi non sa amare la loro evoluzione…

5 - Know This I Am

‘Know this I am, know this I am, I am the face in the mirror - haunted’

Una chitarra arpeggia nel vento, la nebbia scende nelle corde triste di Aaron, i brividi si affrettano a compattarsi e, quando il cantante prende il registro alto, ci si ritrova a essere cuccioli fragili, con la morte che bussa nelle retrovie della mente…

Drammatica, rivela un cavernicolo totalmente tormentato, diventando un assassino che si culla beatamente nell’esplosione trattenuta di una chitarra che sembra un pugno di sale,  mentre il drumming pare essere un messaggio di Giove…

L’amore, la fede, la speranza mutano per essere proiettili che sanno creare un inaspettato conflitto.

Devastante…

6 - Boys So Blue

‘Fake a laugh, paint a smile, boys in pain all the while, all an act, oh what can I do’

Le cicatrici: come metterle in musica?

L’alcol, la droga, il sesso, prendono piede nella mancanza di rispetto e si ritrovano protagonisti di questo brano che, come una inaspetatta overdose, cerca l’applauso della morte.

La tastiera all’inizio ci riporta a Cavalcade, e poi ecco la chitarra semiacustica divenire il canto assoluto che paralizza ancor prima di quello effettivo di Aaron. È un brano urbano, arcigno, che prova a essere gentile con la bruttezza, vincendo a mani basse…

7 - Pirouette

‘I’ve grown accustomed to thе life I was given, while taking hits from all sidеs’

L’Everest decide di fare due passi, o meglio, di danzare, per portare il bacio sulle tempie di una ballerina che viaggia nella visione di un arrivo mai concretizzato. Persiste la speranza nel futuro mentre una nuvola cupa porta il brano a un ritornello che fatica ad arrivare, con consapevolezza, per scelta, per alleggerire solo al  momento giusto una tensione evidente.

L’elettronica dei Readers qui risulta pienamente disposta a prendersi i riff di chitarra di Kurtis che svetta e porta l’Everest a riposarsi felice…

8 - Puppets

‘We could have been anything but world revolves around greed again’

A dieci anni di distanza da quel Cavalcade che li aveva portati nei circuiti alternativi, il terz’ultimo brano pare ribadire il concetto che gli anni Ottanta sono quelli nei quali si può saccheggiare, ai quali si può volgere lo sguardo. È un momento tristissimo, intrigante, con un tappeto sonoro su cui stendere l’avidità e l’odio con l’unico vero solo di chitarra di tutto l’album, in cui il cuore decide di andare in apnea…

9 - Loved You Then

‘Loved you then but I hate you now does me good just to say it out loud’

Il treno arriva, chitarre e synth in combutta, note acute, lancinanti, il freddo polare che entra nel testo, in un mondo dominato dall'avidità la band decide di esplorare il recente passato e di truccargli i fianchi.

Rapida, incisiva e mantrica…

10 - Our Song Is Sung

‘Searching my mind to find something to say get out of here’

Ed è la fine. Che rimane, implacabile, in versi e note in tinta pastello, per generare lacrime e smottamenti, con la morte che apre le braccia, sorridendo, mentre il cantato spazza via i sogni, in un synth che circonda il dolore con notte piumate, e la chitarra scandaglia gli artigli con dolcezza, in uno iato struggente e paralizzante. La più triste canzone di sempre dei Readers chiude questo album e si fatica a immaginare un brano che sappia condensare la verità con maggiore capacità di questo. E il falsetto, i brividi di una rullata che spazza via la luce fanno di questa chiusura una benedizione.

E si torna all’ascolto della prima per ingannare noi stessi, mentre la verità i quattro l’hanno incisa per sempre…

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

5-3-2025