My Review: Platonick Dive - Take a deep breath

 Platonick Dive - Take a deep breath

Small perceptions define the depth of a work, whether driven by instinct or not it matters little. Here, then, is a series of lights that comfort the vision of it all.

The right preface for a complex work, rooted in the purity and splashes that refresh the current world panorama of three musical genres in debt to oxygen, sees the band Platonick Dive in the narrative fabric that bypasses comprehension as it is filled with ascending textures, while also knowing how to descend to the height of the listener's inhibited reception. Songs that lead us to feel the wind beneath the waves, to perceive the embrace of neighbouring but still distant worlds. The three musicians paint the stage like diamonds to be transferred to sound, imbued with a wise and warm scenic perspective. In certain moments, the Old Scribe glimpses ancient gems from Wishplants with their mammoth Coma or Australian artist Laura with the unreachable Radio Swan Is Down, an album that the Italian band probably does not know, but whose importance they have been able to feel: how much magic is there in all this?

A trio that spreads its idea of contemplation, dream, emotion, in the vortex of a pilgrim's glide within harmonies and melodies with clear ideas, developing continuous metamorphoses with changes of rhythm, the intelligent use of electronics not at the centre but at the service of a collective sense of the individual parts.

A work that does not require improvisation and genuineness but, even more importantly, a meticulous study through which to make the compositions not a theatre but a silent journey, in which what is adjacent and nebulous intersects in the cylinder of a truly powerful need.

Post-rock guides, creates visions, but without denying the need to range in experimental games that include the most delicate shoegaze and an alternative (especially in the drumming) that allows formulas full of variety, ending up seducing and making the listening experience that encounter with the wind beneath the water, as stated above.

Almost entirely instrumental, with the impression that the vocals are hidden out of necessity but able to arrive with refinement and softness. 

There are battles of sounds, predominantly slow rhythms, often syncopated, and a prairie of arpeggios that engage the bass and drums to create the perfect cohesion, given the impressive amount of guitar textures always full of energy and poetry.

The great consolation comes from not being a masterpiece but an even more nourishing album, in that it knows how to hide part of its own face, and this constitutes an irresistible, important, and definitively more incisive fact than the masterpiece, word and deed given with too much haste and no longer credible.

The breath that is used in this situation is what is needed to feel transported, to listen again and again, as the key lies in the amount of alchemy developed so as not to repeat itself. There are dramas, sadness, nostalgia and mood riots in Take a Deep Breath, in a consequential circuit that lives in the vicinity of a sound projection that marries images in accumulation and never in transit.

As if to say: nothing is lost, but everything becomes a piggy bank that swells and makes a smile the real gain of this experience. Twelve mute stories (in appearance) that know how to come out of the tail end of fairy tales intimately devoted to solidarity: in certain episodes, one really thinks that the band is capable of writing a new language, reinforcing the writer's conviction that this is a wonderful appointment with a series of novelties that are perhaps not easy to come by.

With decisive personality, the songs present deviate a great deal from their beginnings, and in this passage of time there are clear signs of awareness and strength: it is enough to approach the listening purifying selfishness and the erroneous exercise of comparison to notice how the brushstrokes are only the marvellous deception of wooden bundles falling at the foot of the water. Robustness is more in the character than in the sound: here is the Post-Rock of the late 1990s reminding us how just a few notes, not an endless web of chords, are enough to elevate our contact with poetry.

How much benefit comes from these minutes in which we become ears that see and mouths that suggest escape? A great deal: the fan of emotions finds itself in the vicinity of thoughts, in an idyll that becomes a generating force of new impulses, gravitating in the peaceful cohabitation of dreams and horizons, yes, because the oneiric plane seems to have dressed up to come out of these persuasive notes.  The production is good, although there are some imperfections and a few small errors in the dynamics of the volumes, but believe me these are wonderful elements, which make you realise how the Live dimension is the most congenial and where errors are smiles from the goddess of music. The decision to give the minutes little chance to linger is remarkable: boredom never appears and the vitality of some solutions that come close to classical music and certain Moby and Air remixes makes the whole thing a vitaminic statement of the richness that lives in these tracks.

Ranging from the nineties to the present day, this wind beneath the skin of water plays to hide, to protect, develops obscene beauty making us rich, almost with shame. Very Italian in its production and rhythms, English in its development, this album offers multiple reflections: the sense of anticipation, emphasis, joy and those sun-filled tears that melt away fears. Tension is an important part: these tales seek out places by creating them, crowding them with sounds that range as technique, as variations and the happily deposited entrance into an album that sounds like a construction site open to the public.  It will not have success: little bad, because that would be their undoing, it will, instead, have the capacity to be a solvent, an emotional shock and a vasodilator of the senses for those who from listening will feel that they can connect with these remarkable musicians, to be able to feel that uniqueness that Platonick Dive certainly have...

Come on, let's dive into the twelve waves: we may not learn to swim, but we will know the smell of a truly incandescent encounter...

Song by Song 

1 - Intro

An electronic turbulence plunges us into a resounding deception: nothing foreshadows what is to come, the guitars, the contained explosions. But it is precisely this element of confusion that creates the sweetest snub: an intro that sounds like a perfect intrusion with its ascending algorithms, with electronics that make your mouth open wide in amazement...

2 - Carpet Ceiling

Here comes the butterfly of a six-string plotting flights in the void, supported by a swirling and military drumming, echoes of the Leech beloved by the Old Scribe induce the first tidal wave: a lullaby that seems acoustic in intentions, but able to be a warm set of cables...

3 - Lighthouse

Moby seems to be intrigued, in the first few seconds: there are points of contact with Play, but then it's a heron seducing the lower zones of the instincts, this molecule coming out of the six-string, the change of rhythm, voices in the background as if they were flying in the Tuscan sky. And these are points of contact with the leader of Durutti Column: the progression of the chords is pure catharsis

4 - Anesthetic Analgesic

It's night, it's dread, it's a glide on the guitar neck that disorients, the bass that floods the waves and the drums that give order, for a song that is a set of splashes and stop-and-go only hinted at: when modern poetry manages to present itself, as in this case, it feels like Truffaut's films, rich and settled for many years to come.  The plot has the face of the wettest Post-Rock, close to conspicuous tears, thanks to an effect that surrounds the listening and a ferocious loop that settles the blow...

5 - Naked Valley

Rover takes notes, like Bernard Butler: here the notes are streams and an almost invisible pain touches these children of the Adorable band, when shoegaze was an endless mine. A film, a quiver and a bass that slides to the feet, a truly remarkable creation...

6 - Too Beautiful To Die Too Wild To Live

Here it is, the diadem, the core of every score that enters the zone of heavenly beauty: emphatic, hermetic, blessed by its zones that seem to need the outposts of the song form. The splendour of stanzas and refrains without voices is a pure emotion...

7 - Interlude

The door opens slowly, like an interlude with delicate brushstrokes, a flicker that reaches the fingertips, a few seconds that know how to create tension: anachronostic, perverse thanks to its long, black dress on a sunny day. They are fragments of sound at the bottom of the sea...

8 - Falls Road

The Old Scribe has no hesitation: in this track lives maturity, study, algebraic ascensions of tensions in search of a perfection that the band knows how to create. Everything flows in the delicate mechanism of new pages that open second after second, displacing, generating intensity until the roll: from that moment it is a pen of light that writes history, a shining, glorious track that deserves the highest point of the podium...

9 - Blue Hour

Imagine Peter Gabriel on holiday in Tuscany, searching for faces and streets, to find peace of sight. Suddenly, Blue Hour arrives and it is a night ride that ignites the dream, the will to be there and not to flee. The track is a sphere of catharsis held soaking in sweetness, in the episodes of a crossroads that sees guitar, bass and drums speaking the same language, with roles that end up being a calendar of sound on the rise

10 - Santa Monica

The beginning is surprising, surprising, offering an unfamiliar side of the band, which seems to be waiting for the right moment to bite the listener with an electronic incipit of remarkable workmanship: simple but well done.

But no: Santa Monica is a future projection of the band, less tied to the musical genres they love and perform, rather a probing of what is to come in their curious souls. Perfect for afternoons when vices seek space, the song plays with graft and almost imperceptible references. A gem that will become a jewel when the listener has learned to see multiple capacities...

11 - Struggles & Feelings

Fifteen opening seconds: like waiting for rain with two notes and then finding yourself with a cry falling from the sky, a distortion between the reverb that kneads the throat, the drumming that shakes and the tension that visits the arpeggios. The probe's strategy is to have the memory of encounters. So does this piece, which extends the scope to generate well-intended turmoil. The rides of U2's The Edge, if it were using these effects, would know how to stay forever. The Italian band takes the oxygen and surrounds it with perfection...

12 - Tribeca

The conclusion is a toast with guitars that can remind us of The Cranberries' second album and certain solutions by Matt Johnson of The The, but then it's all in the bag for these guys who end with the most epic, poignant song, putting sand rings in the rhythm changes, a lively melody that leads to dancing and a plot that seems built to close their concerts. Then: the surprise of a crooning, male, to generate the ideal combination to emphasise what has just been heard. Where Post-Rock doesn't dare, these magnificent Platonick Dive do...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

13th September 2024

https://platonickdive.bandcamp.com/album/take-a-deep-breath

La mia Recensione: Max Maffia - Frammenti dietro le quinte

 

Max Maffia - Frammenti dietro le quinte

“È tutta colpa del mare” - Max Maffia 

Il mare, questo precipizio di profondità, sia calmo che   mosso, finisce nei polpastrelli di una elegante sonda chiamata Max Maffia, un umile ascoltatore di quei flussi che, in una trance muta, trasforma messaggi in storie piene di armonia e dolcezza, come a volte nemmeno gli sguardi innamorati sanno fare.

L’artista di Salerno mette su disco dieci anni di dipinti, tra sagome medievali, classiche, con il pop che guarda affascinato e dove il blues, il fado ed elementi di musica antica si ritrovano sotto le onde sino a salire su un palcoscenico in cui vengono esposti, uno dopo l’altro, danze e respiri, in uno spettacolo muto che ha l’intenzione di rendere ciechi gli ascoltatori…

Sono trame che spingono i corpi a navigare nei sentieri poetici di antichi atteggiamenti e che l’attualità ha ormai rifiutato di vivere. Proprio per tale motivo questa raccolta pare la perfetta scintilla anacronistica in grado di sorprendere, ammaliare, per chiudere la clessidra del tempo rifiutando incursioni moderne.

Sono brani che hanno fatto parte di spettacoli teatrali, di spot pubblicitari, come una fionda che disegna la storia raccontata da romanzi e racconti, come anche favole, che qui, in questi solchi, sembrano formare un nuovo abito interpretativo. Si accarezza la storia della letteratura italiana e straniera, per entrare, senza remore, nell’Olimpo dove un’arpa accoglie queste note: la dea della musica piange con un fazzoletto di seta tra le mani e bacia l’autore salernitano perché, se esiste la perfezione, sta nel far arrendere l’ascoltatore attraverso viaggi temporali e fisici. 

Quanto sia cresciuto Maffia è evidente: non più solo un eccelso chitarrista bensì un direttore di melodie, struggenti, eleganti, piene di appigli come edera volenterosa di raggiungere l’infinito, per portare, in una modalità maggiormente completa, il suo caleidoscopio emotivo, sensibilizzando se stesso, muovendosi dentro una nuova cifra artistica che fa della composizione un commiato (si spera definitivo) dalla forma canzone. In quanto in questo ensemble abbiamo davvero la sensazione che la sua idea di composizione si sia avvicinata alle espressioni primitive musicali.

Un elenco, ricco e uniforme, di espressioni, di ritmi, di cambi di direzioni, ci portano ad affermare che sia un’orchestra diligentemente attenta a seguire le direttive di un maestro che conosce la cellula del racconto, con la soffice attenzione nei confronti della direzione di ogni movimento. Ed è teatro già tutto questo, uno spettacolo che davvero giunge dal mare per entrare sotto la pelle.

Max crea legami personali con ballerine, fotografe, con l’idea di un’aria che girovaghi verso l’attenzione e l’attesa, per perpetrare un cammino dove gli accenni, i brusii e la lentezza siano i principali punti cardinali del suo viaggio nell’acqua delle note.

Una raccolta intima, un ragionare fitto su come tradurre sentimenti e idee, un catturare la profondità del mare per fargli fare un giro sui tasti, sulle corde, su un vascello di piume per assottigliare il fragore e farsi amico il silenzio in quanto, per davvero, questa è musica uscita dal vuoto per non urlare e per trasformare il pensiero nel fratello gemello del cuore.

Dove inizia l’immaginazione? Che senso ha raccontare gli umori partendo dalle schiume delle onde e dal profumo di quelle particelle indispensabili? La risposta è in queste sedici composizioni: Max cerca ma soprattutto si ritrova ad avere nel suo grembo mentale una sensibilità straordinaria in grado di decodificare i suoni e farli diventare carta assorbente e, così facendo, ci porta agli albori della fantasia, tra le bave dell’osceno rendendolo inutile per consacrare con vivida bellezza il tutto.

Si avvertono segnali evidenti di misticismo, contemplazione e una grande cultura di base: saper soffermarsi sul suono e farlo partecipe di frenesia con le briglia tirate è sinonimo di equilibrio e di idee chiare.

Tutti i brani sono brevi e compatti, incapaci di presentare banalità, abili, invece, nel saldare l’effervescenza con un disegno tentacolare espressivo per non far vagare la bellezza nel buio.

Così facendo Maffia fissa la luce con l’occhio di bue che mostra sul palco della sua intenzione sfumature che richiedono studio. Come se fosse musica classica ma in grado di tribalità, di rintocchi atmosferici vicini alla World, con la capacità di fare dell’ambient un amico prezioso, non rinunciando a particelle di elettronica.

Si finisce per vedere le stagioni della vita negli appartamenti del cuore, vergine, pallido, pronto a essere accoccolato sin dalla splendida copertina di Alessandra Cammarano, che altro non è che lo stimolo a spingere gli occhi a rimpicciolirsi, così come fanno tutte le note sul pentagramma di quest’opera che, passo dopo passo, offre in modo percepibile la fiumana di bolle vogliose di attenzioni…

Quando poi si arriva all’ascolto dei brani che facevano parte di uno spettacolo sul Pinocchio di Collodi, si ha come la percezione che quei personaggi, per essere credibili, avessero proprio bisogno dell’aiuto di queste magie sonore…

Che dire del Pranzo di Babette di Karen Blixen? Sono brividi senza fine, un’enfasi che non trova mai lo stop, per portarci in un tremore dolcissimo.

La bravura principale di questo lavoro non consiste nel creare fotografie bensì nel preparare gli elementi da riprendere, dar loro un ordine, disciplina e tanto affetto: sono i primi battiti di un calore umano che apre lo sguardo ancora prima di essere visto, generando magia e una lunga fila di considerazioni.

Non si ha bisogno di voci né di canti in quanto tutto è preghiera dell’anima e non dell’ugola, per condensare nel luogo dell’attenzione uno smottamento da cui rinascere. Non musica, non canzoni, ma un universo gentile e curioso che si plasma, benedicendo il nostro respiro con turbolenze segrete sebbene mai segregate, mai vittime.

Cosa aggiungere se non che siamo dentro una nuotata in cui lo stare a galla è solo il modo migliore per sprecare questa occasione: ci si tuffi in questi frammenti, nascondendosi tra le quinte, ma senza mancare all’appuntamento con la riconoscenza, perché Max Maffia ha compiuto un miracolo pagano, tuttavia non ho dubbi che da qualche parte nel cielo gli Dei applaudano a tutto ciò…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

8 Settembre 2024

https://maxmaffia.bandcamp.com/album/frammenti-dietro-le-quinte

My Review: Max Maffia - Frammenti dietro le quinte

 Max Maffia - Frammenti dietro le quinte

“It’s all the sea’s fault” - Max Maffia

The sea, this precipice of depth, both calm and rough, ends up in the fingertips of an elegant probe called Max Maffia, a humble listener of those flows who, in a silent trance, transforms messages into stories full of harmony and sweetness, as sometimes not even the gazes of love can do.

The artist from Salerno puts ten years of paintings on record, between medieval and classical silhouettes, with pop that watches fascinated and where the blues, the fado and elements of ancient music meet under the waves until they rise onto a stage where dances and breaths are exposed, one after the other, in a silent show that has the intention of making the listeners blind…  They are plots that push bodies to navigate the poetic paths of ancient attitudes and that current events have now refused to live. Precisely for this reason this collection seems like the perfect anachronistic spark capable of surprising, enchanting, to close the hourglass of time by rejecting modern incursions.

They are pieces that have been part of theatrical performances, commercials, like a slingshot that draws the story told by novels and stories, as well as fables, which here, in these furrows, seem to form a new interpretative dress. The history of Italian and foreign literature is caressed, to enter, without hesitation, into Olympus where a harp welcomes these notes: the goddess of music cries with a silk handkerchief in her hands and kisses the author from Salerno because, if perfection exists, it lies in making the listener surrender through temporal and physical journeys.  How much Maffia has grown is evident: no longer just an excellent guitarist but a director of melodies, poignant, elegant, full of holds like ivy willing to reach the infinite, to bring, in a more complete mode, his emotional kaleidoscope, sensitizing himself, moving within a new artistic figure that makes the composition a farewell (hopefully definitive) from the song form. As in this ensemble we really have the feeling that his idea of ​​composition has come closer to primitive musical expressions. A rich and uniform list of expressions, rhythms, changes of direction, lead us to affirm that it is an orchestra diligently attentive to following the directives of a maestro who knows the cell of the story, with the soft attention towards the direction of each movement.    

And all this is already theatre, a show that truly comes from the sea to get under the skin.

Max creates personal bonds with dancers, photographers, with the idea of ​​an air that wanders towards attention and waiting, to perpetuate a path where the hints, the buzzes and the slowness are the main cardinal points of his journey in the water of notes.

An intimate collection, a dense reasoning on how to translate feelings and ideas, a capturing of the depth of the sea to make it take a turn on the keys, on the strings, on a vessel of feathers to thin the roar and make friends with silence because, truly, this is music that comes out of the void so as not to scream and to transform the thought into the twin brother of the heart.  Where does imagination begin? What is the point of telling the moods starting from the foam of the waves and the scent of those indispensable particles? The answer is in these sixteen compositions: Max searches for and above all finds himself having in his mental womb an extraordinary sensitivity capable of decoding sounds and turning them into absorbent paper and, in doing so, takes us to the dawn of fantasy, among the drools of the obscene, making it useless to consecrate everything with vivid beauty.

There are clear signs of mysticism, contemplation and a great basic culture: knowing how to linger on the sound and make it participate in frenzy with the reins pulled is synonymous with balance and clear ideas.

All the pieces are short and compact, incapable of presenting banality, skilled, instead, in welding the effervescence with an expressive tentacular design so as not to let the beauty wander in the dark.  In doing so, Maffia fixes the light with the spotlight that shows on the stage of his intention nuances that require study. As if it were classical music but capable of tribalism, of atmospheric chimes close to World, with the ability to make ambient a precious friend, without giving up particles of electronics.

You end up seeing the seasons of life in the apartments of the heart, virgin, pale, ready to be snuggled up from the splendid cover by Alessandra Cammarano, which is nothing but the stimulus to push the eyes to shrink, just like all the notes on the pentagram of this work that, step by step, offers in a perceptible way the river of bubbles eager for attention…

When you then get to listening to the songs that were part of a show on Collodi's Pinocchio, you have the perception that those characters, to be credible, really needed the help of these sound magics…

What about Babette's Feast by Karen Blixen? They are endless shivers, an emphasis that never stops, to bring us into a very sweet tremor.  The main skill of this work does not consist in creating photographs but in preparing the elements to be filmed, giving them an order, discipline and a lot of affection: they are the first heartbeats of a human warmth that opens the gaze even before being seen, generating magic and a long line of considerations.

There is no need for voices or songs as everything is a prayer of the soul and not of the throat, to condense in the place of attention a landslide from which to be reborn. Not music, not songs, but a gentle and curious universe that shapes itself, blessing our breath with secret turbulences although never segregated, never victims.

What to add except that we are in a swim in which staying afloat is only the best way to waste this opportunity: we dive into these fragments, hiding in the wings, but without missing the appointment with gratitude, because Max Maffia has performed a pagan miracle, however I have no doubt that somewhere in the sky the Gods applaud all this…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

8th September 2024

https://maxmaffia.bandcamp.com/album/frammenti-dietro-le-quinte

La mia Recensione: The Endoscope - Twin Spark (Official Version)

 

The Endoscope - Twin Spark (Official Version)

La bellezza struggente di un cataclisma sonoro arriva, dopo un anno, nella sua forma perfetta, a prendere a calci le stelle in un avamposto sconosciuto, con un'attitudine deflagrante.

Chi governa questa meteorite è una formazione italiana di istanza ad Amsterdam, capace di una scrittura apocalittica, con petali nervosi addensati in un fruscio che circonda l’orecchio e la mente, con un basso criminale (istruito all’omicidio), insieme a una chitarra pelvica (sinistra, maleodorante e perfetta), per seminare tensioni cicliche, con il supporto di un drumming curvo, sincopato, elettrico, magnetico e beatamente pesante.

Ed è danza fraudolenta, con generi musicali diversi chiamati a trovare un solstizio morale e gravitazionale, per schierare, in una tesa parata, connessioni multiple al fine di affiancarsi all’incanto quasi funesto.

Il testo, lancinante e consequenziale al vapore in estasi della musica, invita a separarsi dai sentimenti e a non dimenticare ciò che con gli anni si è dimostrato, in un matrimonio lirico di notevole spessore, grazie anche a un cantato che fissa perfettamente il significato mediante  una modalità di impatto impressionante.

Una scia di danni planetari sembrano esplodere da questa corsa, dove l’affanno non si presenta, mentre, invece, una diabolica e oscura sicurezza si palesa nei solchi di questo diamante che, con lo spirito post-punk dei primi Killing Joke e le terrificanti traiettorie magnetiche del basso che ci ricorda Steve Hanley dei Fall, rende possibile l’unione con il tipico fervore noise-pop, distribuendo magneti psichedelici in abbondante quantità.

Secca, rigida, Twin Spark è capace di divenire un loop lunare, nascondendo la luce per farci sentire il profumo di una tenebra in attesa di farci rabbrividire di paura.

Le orbite raggiunte dal brano sono quelle di un luogo dove l’inchino, l’abbraccio e il grazie sudato si cibano a vicenda, per portare il Vecchio Scriba ad affermare che questo è il singolo dell’anno del 2024.

Ora non resta che cedere alla dipendenza di ripetuti ascolti, alla tentazione di scrivere domande nel petto vibrante e di abbandonare ogni perplessità: questo gioiello merita l’invasione d’amore…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

7 Settembre 2024

https://theendoscopetrio.bandcamp.com/track/twin-spark-official-version

My Review: The Endoscope - Twin Spark (Official Version)

 The Endoscope - Twin Spark (Official Version)

The poignant beauty of a sonic cataclysm arrives, after a year, in its perfect form, kicking the stars in an unknown outpost, with a deflagrating attitude.

Who governs this meteorite is an Italian line-up from Amsterdam, capable of apocalyptic writing, with nervous petals thickened into a swoosh that surrounds the ear and mind, with a criminal bass (instructed to murder), together with a pelvic guitar (sinister, malodorous and perfect), to sow cyclic tensions, supported by a curved, syncopated, electric, magnetic and blissfully heavy drumming.

And it is a fraudulent dance, with different musical genres called upon to find a moral and gravitational solstice, to deploy, in a tense parade, multiple connections in order to flank the almost funereal enchantment.

The lyrics, excruciating and consequential to the music's steam in ecstasy, invite one to separate oneself from feelings and not to forget what the years have shown, in a lyrical marriage of remarkable depth, thanks also to a singing that perfectly fixes the meaning through a mode of impressive impact.

A trail of planetary damage seems to erupt from this ride, where the wheezing does not present itself, while, instead, a diabolical and dark confidence manifests itself in the grooves of this diamond that, with the post-punk spirit of early Killing Joke and the terrifying magnetic trajectories of the bass that reminds us of Steve Hanley of The Fall, makes it possible to unite with the typical noise-pop fervour, distributing psychedelic magnets in abundance.

Dry, rigid, Twin Spark is capable of becoming a lunar loop, hiding the light to make us smell the scent of darkness waiting to make us shiver with fear.

The orbits reached by the track are those of a place where bowing, hugging and sweaty thanks feed off each other, leading Old Scribe to assert that this is the single of the year for 2024.

Now all that remains is to give in to the addiction of repeated listens, to the temptation to write questions in the vibrating chest and to abandon all perplexity: this gem deserves the invasion of love...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

7th September 2024

https://theendoscopetrio.bandcamp.com/track/twin-spark-official-version

La mia Recensione: Kodaclips - Gone is the day

 

Kodaclips - Gone is the day

Ci sono tracce di avventure e altre di ricerca che stabiliscono flussi cognitivi in espansione continua, una energica volontà di accaparrarsi i favori di suoni che mettano in isolamento ogni incompiuta dannazione emotiva.

Da Cesena, piccola città del centro Italia, una band scrive il secondo album contrattando micidiali flussi linguistici, creando vagabondi segnali sonori sanguigni, ipnotizzando gli albori dello shoegaze della metà degli anni Ottanta, iniettando uno stile che si è raffinato e che tocca marginalmente la rovente fila di nuovi gruppi italiani.

Ma sono evidenti in queste canzoni gli abbracci solari, la ricerca melodica più da parte del cantante Alessandro Mazzoni che non da parte delle sue chitarre e di quelle di Lorenzo Ricci, che sono tenaglie e congelatori al contempo di soluzioni spesso nelle vicinanze di un noise purificato e disinfettato.

La propensione è quella a un combo deciso a stabilire confini, attitudini, a darsi regole affinché questa marea di watt conosca il senso di appagamento e di naturale propensione a vivacizzare il percorso di idee sempre più imbevute di quei crismi che lo shoegaze americano negli ultimi anni ha precisato.

Composizioni fresche, piene di quella malinconia che pare  nascondersi ma che non desidera l’anonimato completo: un gioco di luci e riflessi mediante la classica formazione a quattro, decisa a fare del rumore un rifugio, del suono un sodalizio e della poetica forma del canto un armistizio che funziona perfettamente. L’indole selvaggia è quella di un feedback controllato seppur generoso, ma l’ottima produzione di questo secondo lavoro mette in risalto nuove gemme, due sorprendenti brani che probabilmente potrebbero essere l’avamposto di un futuro che considererà possibile l’intuizione di un approfondimento che passi attraverso la psichedelia e un industrial elaborato.

Le melodie sono un fiore contemporaneo che si fa avvolgere da antiche traversie, da cliché abbondanti e famelici nello stringere un patto di serenità con questi ragazzi che, grazie a una notevole spavalderia e ostinazione, sembrano disinteressati al copia e incolla di questo genere che, è bene dirlo, soffre di colpevoli disattenzioni da parte della massa.

C’è chi ha rilevato un insieme di scintillii post-punk, ma il Vecchio Scriba dissente: la band non ha quella arrendevolezza o quella attitudine prepotente di spegnere la vita, piuttosto usa uno spray emotivo per accelerare una forma di contatto che viva in un cuneo ipnotico tipico del dream-pop senza averne le caratteristiche musicali specifiche, finendo per divenire un dolcissimo miracolo.

Gone is the day è un patto volontario con i segreti, le movenze cerebrali di quattro individui che seminano flagranti detonazioni, in un sali e scendi di note che scartavetrano spesso la pelle e il cuore. Tutto è compatto, una forma espressiva tipica del concept: non il tema, non una storia, bensì suoni radicati in un percorso che racconta la genesi di una serie di incontri, rifiutando il caso, per generare infine poco più di trenta minuti, in cui il tempo scivola tra le nebbie di istantanee che si raccolgono in un abbraccio.

Un lavoro che non avrà il plauso del pubblico italiano, istupidito da inutili rincorse volte a una ridicola omologazione. Ed è un bene: non ci sono in queste composizioni elementi di precarietà e di superficiali teorie che portino l’ascoltatore a sentirsi inutile…

Troverà, invece, considerazione negli individui che sanno studiare, toccare il baricentro di queste effervescenti creazioni. 

Se non bastasse, le domande nascono tiepide, perché è proprio il mistero di questo lavoro a permettere alla nostra mente di creare recinti in cui confinare stupore e dolcezza.

Il caos viene controllato e spinto all’introspezione attraverso un lavorio analitico davvero impressionante.

È giunto il tempo di andare a definire queste dieci tracce e di porre nell’avamposto della nostra intelligenza un fascio di curiosità…

Song by Song

1 - Glaze Over

Un impatto ritmico, l’incrocio lunare di un basso grigio e caldo con chitarre votate a voli armonici fa da apripista a questo lavoro ed è subito incanto: dove l’irruenza cerca di offendere, Glaze Over chiama a raccolta il tempo in una danza sognante…

2 - Viola

Il ritmo si mantiene elevato, la voce di Alessandro Mazzoni visita la Sarah Records e il drumming di Francesco Casadei Lelli si insinua nei muscoli con stacchi, stop and go che permettono alle due chitarre di scaldare le nuvole dei primi anni Novanta…

3 - Gone is the day

La frustata melodica dei Catherine Wheel di Ferment trova dei nipoti perfetti: è catarsi lunare, è una primitiva forza animalesca che passa attraverso queste chitarre oblique e questo basso che sembra far cadere il suono… Una poesia può avere un ritmo sincopato e la buona intenzione di chitarre che esplorano il ventre di un tempo ormai immalinconito…

4 - Interlude

Poco più di un minuto, ma un cratere trova il modo di lasciare una lava priva di luce: un misterioso intermezzo che crea suspense, visitando una forma che si allinea con la ricerca di suoni minimalisti…

5 - Failure

Eccola la ballad ipnotica che sposa la dolcezza di trame cospicue, di incursioni vocali attente a precisare uno splendido fraseggio chitarristico sino a dare al duo basso-batteria la voce che copre questo gioiello. E poi è fragore che fuoriesce dai pedali e da idee che baciano il buongusto…

6 - Deadlock 

Pixies, Nirvana, Melvins: potrebbero essere loro i nonni di questa splendida introduzione, ma non si commetta mai l’errore di essere sanguigni in quanto, dopo pochi secondi, l’emisfero di questa volta sonora va molto più lontano e in luoghi ben diversi. E così si  ritrova nella dolce custodia di una prigionia che, quando desidera espandersi, diventa un vulcano notturno…

7 - Fall Apart

Eccola qui, rapida e sexy, una cometa che accoglie intuizioni, che ruba il fiato e ci porta verso i tappeti sonori cari a una pletora sconosciuta di band di Bristol e di Brighton, quando le due città erano delle vere e proprie industrie di variazioni di scoppiettii sonori. Aggressiva, funambolica, con le due chitarre che come streghe si portano via le sicurezze per regalarci una gioia, finendo per danzare tra le onde del cielo…

8 - Number 87

Canzone perfetta per sottolineare la maturità compositiva della band di Cesena: tutto sembra ruotare attorno a un riff che matura e coinvolge, facendo tesoro di un’alchemia evidente con il periodo di una effervescenza tipica dell’adolescenza, ma il suono maturo e la direzione di queste meccaniche suggeriscono una precisa attenzione, perché nella coda fumosa del suono si nasconde un abbraccio sensoriale notevole…

9 - Surface 

Bolle di sangue creano vapori umorali, una frenetica modalità prossima all’antico industrial distribuisce mistero e vocazioni suggestive, in un horror lento e cacofonico, dove viene distrutta, saggiamente, la forma canzone, e si adopera il sistema del sondaggio, attraverso suoni espliciti che raccontano più di mille parole.

Ed è confusione tribale, disagio che conosce saggezza e che tritura ogni dipinto musicale precedentemente espresso nell’album. Se esiste l’Everest in questo disco, eccolo: da qui si vede tutta la capacità della band di andare oltre se stessa..

10 - Sleep, Doom, Shelter 

Come concludere un percorso come questo? Con una ninnananna atipica, fuorviante, ma generosa, al contempo, nei confronti del suono di questi gentiluomini che spaziano nei jack, imbevuti di tristezza, con un cantato che esprime una commovente propensione a parole esibite con orgoglio, mentre piccole esplosioni di chitarra proseguono il contagio di questa malinconica veste sonora…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

4 Settembre 2024