My Review: Gintsugi - The Elephant in the Room

 Gintsugi - The Elephant in the Room

"We are never so helpless towards suffering as in the moment when we love."

Sigmund Freud

This beat, pilgrim, tired, eager, white, descends from its throne and crashes on the craggy planes of the mind, the nuclear powerhouse of all pain. Stories, vicissitudes, various contortions, well-assorted and ill-assorted, squeeze into the existence that seeks footholds. Into this context comes a woman with a sharp tongue, an iron wrist, a discipline that positions itself in every gesture, thought, with gentle ferocity, to allow her a wide range of action. Her name is Gintsugi, the voice that melts the cracks of metal to cling to sweetness, with a lively plan aimed at bewitching the stars, creation, time to unite them in an exercise that dazzles: bringing the obscenity of pain to school, teaching it life and throwing it into virgin but already wounded notes... The imaginative lanes, the expressions that are never too didactic launch the young Italian-French artist with continuity into a border that is never squared, with long uncontrollable banks. One ends up trembling, weeping, reflecting, with implants of light visiting the unexpectedness of living, its often unpretentious limbs, to enter into a gastric lavage at heart height.

One finds oneself, mistakenly, with the presumption that the entire work has dreamlike propensities: it is reality, the truths and lies of living that Gintsugi shows us, in a pentagram tuned to authenticity. We encounter modes of expression that vary, but which undoubtedly make art rock the main reference point. One cannot deny other matrices, classical and pop imprints oiled, as a guarantee of a project very broad in its intentions, even to the point of creating a resounding concept album, even though it may not have been intended. 

Right from the title (a truly exhaustive and powerful English idiomatic phrase) to continue with the touching cover image, everything is positioned, from the start, on the level of a totalising, paralysing undertaking, concluding in the state of need for continuous listening. This is not a sonic ensemble out of step with the present time, nor should the absence of din be mistaken for a clinging to older expressions. The freshness of this incredible talent lies in maturity, to turn the hourglass into a dutiful exercise in understanding so as not to waste anything that is happening.

When, in addition to her main instrument (the piano), strings are heard, small vibrations arrive in the parks of her feeling, perfectly positioning the concept of usability, continuous and incessant. Her sweetness is a sinking probe, bringing foam to the mouth to be spat out, with class, on the keys of her emotional pilgrimage, in a dynamic visit to the souls, shifting accents, dissolving twists and fears. Four singles, two instrumental tracks, a crazy cover song, would be enough to make this record stainless: it is unlikely to be scratched.

Take Lilac Wine: the splendid cover of Elkie Brooks' 1978 song about the loss of a lover with the comfort of wine made from a lilac tree reveals a portentous attention to the colours of her uvula and is sung as if that pain belonged to her, orchestrating it in a mixture of tears and hope.  It is precisely this magnetic need to face what is uncomfortable and contrary that teaches us much on a human level. Music is her first vocabulary, her nascent nerve, her growing up confronted with unrestrained suggestions, with her infinite breath, her coming together with reflections that find their voice in the notes, so that the role of communicating thoughts is not only attributed to words.

The electronics, the timpani, the drums, what seems lateral to the structure is instead an almost invisible magnet that compacts these expressive, emotional, rational cascades, which often become poignant, uncontrollable tides. One can crash in front of this ensemble, one must be prepared and very strong.

These are compositions that reveal impulses, dizziness, planning held together by a balanced bow that knows how to shoot arrows into the sky of every unpredictable need. Gintsugi is an orchestral conductor of a whole that comes at us, employing moments that are more accessible to others in which one feels thrown violently to the ground. Her idiosyncrasies are, I would easily say, summed up by a voice and mode of singing that swings, like a mystical swing, through time, having great points of reference, artists who have made the history of interpretation. Natural talents, undeniable, but consider also that in this album deep, accurate and intense studies cannot escape: everything had to smell close to perfection.

When the sounds of the uvula are absent (after having caused intense trauma), the musical part does likewise: there is no competition, but an acclimatisation in the only desired direction, which is to be not only performing but above all effective. There are moments of great brittleness (the opening Mon Coeur and Hex), only to hear the rustle of clouds caressing our hair, penetrating the skull and reaching the brain. There, thanks to these sparkling sonic earthquakes, everything becomes clay, in a feverish state. There are moments in which the tension seems close to horror, where the clouds of human happenings seem to crash and fall until they reach the belly of planet earth. Others, however, in which the songs seem like invisible, impregnable breaths, conveying colours full of life. Suffering, in this undeniable masterpiece, is not an impediment: instead, I would say an opportunity to learn, to transform blackness into a winning act. Is there space for dreams, can they be seen, pampered, experienced in these tracks? Absolutely not, and it is precisely in this aspect that the greatness of a woman who walks head-on with the wind of contrariety facing her, coming out in pieces, must be exalted: Gintsugi has a series of sweet and powerful weapons to live the present as a will and an attitude.

The Old Scribe will soon write a review on the lyrics: other miracles that make this listening a dutiful and pleasant benefit, above all instructive. In one specific track, we see the feeling emerging that she has learned to draw from a precious source: the track is To Grace, a splendid child of Tori Amos' absurd visionary abilities. Many are the frequentations of her powerful background, but none so decisive: her greatest merit is that she possesses a style of her own, intriguing, overflowing, capable of an unquestionable personal identity. Produced by herself and Andrea Liuzza's label Beautiful Losers (also featured on the album), this feathered vessel is compact, in a momentum that seems to carry behind it trails of smiling tears on a day when everything seems to be subjected to the harsh judgement of a sky full of lightning. Nine explosions with the reins, where everything can go within a film to place its destiny: such a powerful debut will be one of the wonders that will remain in the temporal sphere for the duration of infinity.

I won't write the review song by song, because you can't get inside the wind and because to see a rose bloom you can't put your fingers inside it...

The conviction remains that this is the first true masterpiece in so many years, and to keep it that way, one must be discreet: love it, listen to it, bring it into the centre of our need, but always keep a distance that is called respect, because Gintsugi deserves it more than many others...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

19 Ottobre 2023

Out on 20 October 2023

https://gintsugi.bandcamp.com/album/the-elephant-in-the-room-2

La mia Recensione: Drama Emperor - Eden’s Gardens

 Drama Emperor - Eden’s Gardens

Come è gustoso l’inganno che vive segregato nella storia, quello che scivola in ogni anfratto mentale, senza liberatoria. Ci sono, nell’arte e non solo, esempi che certificano questo malaffare, questa sconcezza inaccettabile: dovrebbe essere impedito il fatto che la bellezza non abbia un trono visibile da qualsiasi latitudine.

Le Marche, musicalmente la terra che ha portato alla luce limpidi fuoriclasse come Paul Chain e i suoi Death SS, i Gang, i Soviet Soviet e tanti altri, nel suo grembo fertile e dorato ha spinto nel furibondo panorama musicale anche questa band, della quale il Vecchio Scriba celebra la nuova pubblicazione: un fascio sonoro illuminato da genialità assortite per generare emozioni ad alte quote. Non semplice, non fruibile con agilità, per favorire, da parte dell’ascoltatore, un profondo lavoro di assemblaggio, in quanto il duo composto da Michele Caserta e Cristiano Ballerini sonda continuamente, sin dall'esordio del 2009, ogni resistenza che sia contraria alla programmazione di un impegno preciso per poter decifrare le onde multimagnetiche di cui loro sembrano i generatori benedetti dalla divinità musicale. Sono vagiti elettrici, nei quali la melodia è uno scheletro privo di pelle ma funzionale alla motricità che renda i corpi all’ascolto magneti in attrazione mistica verso un luogo che sembra divenire, episodio dopo episodio, una radura radioattiva, riuscendo a bruciare il superfluo. Indicazioni ne abbiamo avute in questi anni, malgrado la produzione non sia mai stata prolifica: perfetto, perché le ambizioni dei marchigiani non devono entrare in una catena di montaggio. Seminano canzoni come granelli di sabbia nello spazio: laddove, apparentemente, sembra mancare il senso, tutto viene ribaltato da una qualità effervescente, dinamica, coinvolgente.

Due le composizioni nuove che aprono l’E.P., una coppia di assalti con modalità diverse, nello stile, nella velocità, ma entrambe pregne di meravigliosi approcci metafisici. Il nucleo è un approfondimento decisamente intenso rispetto alla provenienza delle loro “antiche” rappresaglie sonore. Se apparentemente si denota l’abbandono di una matrice Post-Punk, per favorire inserimenti di origine elettronica, è necessario però fare i conti con la teatralità, nuovo elemento che pare essere un colpo di genio definitivo. In aggiunta, si noti una orchestrazione che, partendo dalla musica classica, si spinge verso la sperimentazione tedesca della seconda metà degli anni Sessanta: non solo brani con un mantello, ma note che entrano nelle ossa. Spruzzate generose degli anni Ottanta meno ortodossi si palesano soprattutto nei due pezzi finali, con il sistema pericoloso ma in questo caso ben riuscito di due remix.

Il lavoro proposto è una incudine che divide la morbidezza dal gelo: è innegabile che i cavi che si muovono tra le composizioni siano pieni di una potente capacità di indagine, per generare una veloce selezione naturale. Risalta la poderosa propensione, che sia voluta o si tratti di uno splendido incidente poco conta, di assorbire i generi musicali, per stordirli, renderli obiettivi e non doverosamente riconoscibili. Tutto vive di pochi secondi con determinate movenze, per essere poi seguiti da altri che paiono nascondere il recentissimo passato e dileguarsi nel vuoto. Come in una bancarella rovesciata nel fango, così le canzoni arrivano al nostro ascolto: mettendo un magistrale disagevole agio, nel registro emotivo di un ossimoro che paralizza, conquistando.

Il tempo ora lo si riservi alla vicinanza di questi elettrodi pieni di ruggine viola, per assegnare a ogni momento il nostro ruolo…

Song by Song

1 - Eden’s Gardens

Una giostra temporale alla ricerca di un luogo dove seminare immagini e introspezioni, verificando la storia di ogni inganno: questo è il tempio della più grande bugia umana, un giardino che contempla solo il piacere, lasciando il passato alle spalle. La chitarra è feroce, straziante, perché si oppone, mentre la parte vocale è un pianto malinconico, nel quale il perfetto cantato in inglese posiziona gli accenti sulle vocali in modo incantevole. Il drumming cucina i fianchi e l’assolo della sei corde è un sacrificio che spacca quel giardino. La sorprendente orchestrazione classica del finale sembra dipingere un addio nei confronti di ogni illusione. I Death in June, gli Echo & The Bunnymen, e le code sonore dei Kitchens of Distinctions si posizionano nella prima parte e nel coinvolgente ritornello, in piena ammirazione. Ma è il cambio dopo la seconda strofa che rende il tutto sfuggente, sacro, definitivamente perfetto…

2 - Pulse

Nessun dubbio: sul podio delle canzoni più interessanti e atroci di questo fulgido 2023! Pulse è il talento espressivo, l’indagine sonora che parte da un loop assassino, contornata da un brillio di matrice industriale, per poi aprirsi nel momento dell’entrata del canto, che è un vero esercizio di studio, con conseguente laurea. Il tema espressivo è un circuito cacofonico con un recitativo che snerva, toglie le forze e incanta, per via della sua magrezza melodica, inducendo il pensiero a viaggiare nei confini di un labirinto mentale pulsante. Questa è la profonda ricchezza dei due artisti: la strafottenza del compiacimento nello scrivere musica dall’effetto gradevole, per proiettarsi, invece, nel caos lento di trame e spinte psichedeliche, viste da un vetro appannato, che le rendono come una sottile esplosione di un magma che rovista le resistenze. Sublime!

3 - The Ghost In You

Un petalo Darkwave che frequenta le zone calde della Coldwave più puttana e sensuale, vola dentro questo sibilo che richiama alla memoria grandi realtà degli anni Ottanta: Neon e Gaznevada, due eccellenze che amavano creare per esorcizzare la paura della sperimentazione all’interno di quei generi musicali. Sicuramente cupo, introverso, attraente, rende visibile le loro affinità e bisogni.

Ma, e so che qui si aprirà una polemica straordinaria, non riesce a tenere lo sguardo delle prime due, perché più manieristico, meno in grado di mostrare le genialità e le quote visive. Nulla, sia chiaro, che faccia venire al Vecchio Scriba il desiderio del non ascolto: avrebbe pagato di tasca sua nel 1985 per sentire una composizione del genere!

4 - Awake (Soft Rior RMX)

Fate uscire a cena gli Yello, portateli nel porno cinema dei Frankie Goes To Hollywood, e constaterete come questo remix sia un miracolo celestiale: tutto si apre, con continui inserti elettronici a rendere questo esercizio sonoro un ibrido in direzione della follia che diventa una perfetta dance hall. Vivace, il cantato disegna sogni, mentre le scariche vitaminiche dei Synth sono miracoli che fanno arrossire le luci stroboscopiche.

5 - The Final Song (Guido Möbius RMX)

Un leggero dolore frequenta lo spazio mentale: un incipit che vaga nella secchezza di una parola che sbatte su un impianto striminzito ma straordinario, con uno speciale controcanto che richiama Blixa Bargeld in stato catatonico. Una spruzzata di dub e proto-house si inserisce nel circuito della canzone: si è costantemente in nevrotica attesa…

Una dimostrazione di come il tempo possa essere messo sul tavolo di un laboratorio, per progettare un fluido che renda l’eternità superflua: il duo marchigiano ha generato lo stupore che viaggia nei paradisi incantati della perdizione, dove le passioni e i sogni sono splendidi cadaveri da conservare.

 E.P. italiano dell’anno per Musicshockworld!

P.S.

Da rilevare anche lo splendido Artwork dell’artista Francesco Pirro.

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

17 Ottobre 2023

https://dramaemperor.bandcamp.com/album/edens-gardens

My Review: Drama Emperor - Eden’s Gardens

Drama Emperor - Eden’s Gardens

How tasty is the deception that lives segregated in history, that which slips into every mental recess, without release. There are, in art and beyond, examples that certify this malice, this unacceptable filthiness: it should be prevented that beauty has no throne visible from any latitude.

Le Marche, musically the land that has brought to light such limpid champions as Paul Chain and his Death SS, the Gang, Soviet Soviet and many others, in its fertile and golden womb has thrust into the furious musical panorama also this band, whose new release Old Scribe celebrates: a sound beam illuminated by assorted genius to generate emotions at high altitudes. Not simple, not usable with agility, to encourage, on the part of the listener, a profound work of assembly, as the duo composed of Michele Caserta and Cristiano Ballerini has been continually probing, ever since their 2009 debut, every resistance that is contrary to the programming of a precise commitment to be able to decipher the multi-magnetic waves of which they seem to be the generators blessed by the musical divinity.

They are electric vagabonds, in which the melody is a skeleton devoid of skin but functional to the motricity that makes the listening bodies magnets in mystical attraction towards a place that seems to become, episode after episode, a radioactive glade, managing to burn away the superfluous. We have had indications of this in recent years, despite the fact that the production has never been prolific: perfect, because the Marche's ambitions do not have to enter an assembly line. They sow songs like grains of sand in space: where, apparently, there seems to be a lack of meaning, everything is overturned by an effervescent, dynamic, engaging quality.

There are two new compositions that open the E.P., a pair of assaults with different modes, in style, in speed, but both imbued with wonderful metaphysical approaches. The core is a decidedly intense exploration of the provenance of their 'ancient' sonic reprisals. If one apparently denotes the abandonment of a Post-Punk matrix, in favour of insertions of electronic origin, one must however come to terms with the theatricality, a new element that seems to be a definitive stroke of genius.

In addition, one notes an orchestration that, starting from classical music, moves towards the German experimentation of the second half of the sixties: not just songs with a mantle, but notes that enter the bones. Generous sprinklings of the less orthodox eighties are especially evident in the final two pieces, with the dangerous but in this case successful system of two remixes.

The work on offer is an anvil that divides softness from chill: it is undeniable that the cables moving between the compositions are filled with a powerful capacity for investigation, to generate a fast natural selection. The powerful propensity, whether intentional or a splendid accident matters little, to absorb musical genres, to stun them, to make them objective and not dutifully recognisable, stands out. Everything lives for a few seconds with certain movements, only to be followed by others that seem to conceal the very recent past and vanish into the void. As in a stall tipped over in the mud, this is how the songs come to our listening: by putting a masterful uneasy ease, in the emotional register of an oxymoron that paralyses, conquering.

Time is now reserved for the proximity of these electrodes full of purple rust, to assign each moment our role...

Song by Song

1 - Eden's Gardens

A temporal carousel in search of a place to sow images and introspections, verifying the history of every deception: this is the temple of the greatest human lie, a garden that contemplates only pleasure, leaving the past behind. The guitar is fierce, heartbreaking, as it opposes, while the vocal part is a melancholic weeping, in which the perfect English singing places the accents on the vowels in an enchanting way. The drumming cooks the flanks and the six-string solo is a garden-variety sacrifice. The striking classical orchestration of the finale seems to paint a farewell to all illusions. Death in June, Echo & The Bunnymen, and the sound tails of Kitchens of Distinctions are placed in the first part and the enthralling refrain, in full admiration. But it is the change after the second verse that makes the whole thing elusive, sacred, definitively perfect...

2 - Pulse

No doubt: on the podium of the most interesting and atrocious songs of this dazzling 2023! Pulse is the expressive talent, the sonic investigation that starts with a killer loop, surrounded by an industrial shimmer, and then opens up as the song enters, which is a real exercise in study, resulting in a degree. The expressive theme is a cacophonic loop with a recitative that enervates, saps strength and enchants, due to its melodic leanness, inducing thought to travel in the confines of a pulsating mental labyrinth. This is the profound richness of the two artists: the smugness of complacency in writing music to pleasing effect, to project, instead, into the slow chaos of psychedelic textures and thrusts, seen through a tarnished glass, making them sound like a subtle explosion of a magma that ransacks resistance. Sublime!

3 - The Ghost In You

A Darkwave petal that frequents the hot spots of the sluttier and more sensual Coldwave, flies in this hiss that brings to mind great realities of the 1980s: Neon and Gaznevada, two excellences that loved to create to exorcise the fear of experimentation within those musical genres. Certainly dark, introverted, attractive, it makes their affinities and needs visible.

But, and I know that an extraordinary controversy will open up here, it fails to hold the gaze of the first two, because it is more mannered, less able to show the visual genius and quotas. Nothing, let's be clear, that would make the Old Scribe wish not to listen: he would have paid out of his own pocket in 1985 to hear such a composition!

4 - Awake (Soft Rior RMX)

Take Yello out to dinner, take them to the porn cinema of Frankie Goes To Hollywood, and you will see how this remix is a celestial miracle: everything opens up, with continuous electronic inserts making this sonic exercise a hybrid in the direction of madness that becomes a perfect dance hall. Lively, the vocals draw dreams, while the vitaminic Synth discharges are miracles that make strobe lights blush.

5 - The Final Song (Guido Möbius RMX)

A slight ache frequents the mental space: an incipit that wanders in the dryness of a word that bangs on a shrill but extraordinary system, with a special counter-song that recalls Blixa Bargeld in a catatonic state. A sprinkling of dub and proto-house enters the song's circuit: one is constantly in neurotic anticipation...

A demonstration of how time can be put on the table in a laboratory, to design a fluid that makes eternity superfluous: the duo from the Marche has generated the astonishment that travels in the enchanted paradises of perdition, where passions and dreams are splendid corpses to be preserved.

 Italian E.P. of the year for Musicshockworld!

P.S.

Also of note is the splendid artwork by artist Francesco Pirro.

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

17th October 2023

https://dramaemperor.bandcamp.com/album/edens-gardens

La mia Recensione: White Rose Transmission - 700 Miles of Desert

White Rose Transmission - 700 Miles of Desert

Foglie, sterpaglie, avvisaglie, schermaglie.

La radura è folta, un fascio ombroso illumina l’emisfero del pensiero.

La musica permette di annullare la morte, di lasciare in vita le persone, con quello che hanno fatto. 

Il secondo album del duo Adrian Borland e Carlo van Putten allarga i confini, accoglie musicisti in grado di aumentare le possibilità artistiche di questi illuminati pensatori e creatori di nuove stelle da ascoltare e ammirare. Un lavoro che fa male a posteriori, se si valuta cosa è accaduto al regista dei Sound, ma, se adoperiamo ciò che si è letto nelle righe precedenti, anche un benessere, un senso di quiete e di pace ci avvolge, attraverso la dolcezza di un apparato creativo in grado di seminare novità, modalità e grandi battiti pieni di luce.

Quattordici momenti colmi di fascino, in una sfera sad pop che non deprime bensì regala un viaggio all’interno di un testamento scritto con un sorriso e una pacca sulla spalla da parte di Adrian: Carlo raccoglie (ignaro, al tempo) quella confidenza che affermava che nel terzo disco i testi li avrebbe scritti l’ex leader dei Convent. Nel fitto progetto di ciò che ascoltiamo ci rendiamo conto che ascoltiamo musica e non canzoni: nulla è lasciato con l’intenzione di raccogliere consensi, in un piano di ruffianeria estrema, ma incontriamo piuttosto un allargare l’amore, la necessità e la progettualità per tastare il polso ai propri nervi, nella foresta di misteri avvolti e protetti dallo stile, dalla curiosità e dalla volontà di rendere infinito il piacere di veder colorare il tutto con una tinta lucida. Il fatto che si rende maggiormente evidente è quello di essere storditi, confusi, mai certi di quale sia stato il carico di sofferenza di Borland: si teme che sia stato un lascito come un testamento, e in questo caso le lacrime scendono senza arresto. Se invece si immagina questo secondo appuntamento discografico a nome White Rose Transmission come la maniera di trovare conforto, leggerezza, sfogo, distrazione o quant’altro, allora ci potrebbe scappare un sorriso e un abbraccio di ringraziamento.

Certamente, per tutti i sessantaquattro minuti rimane fissa nella mente che la direzione dei generi sia più ampia ma con la volontà di far rimanere il tutto come un profondo respiro, quasi silenzioso. 

Il contributo di Rolf Kirschbaum, quello di Mark Burgess, come quello di David Maria Grams e la voce di Claudia Uman regalano la gioia di sentire una band di amici in una sala prove, mentre tutto scivola dentro il pentagramma. Compatto, dilatato, aperto, lasciando  l’ingresso aperto ad alcuni timori, 700 Miles of Desert è un gioiello che non usa maniere forti per mostrarsi, perché pare entrare quasi di nascosto nell’impianto stereo con l’intenzione di rimanerci a lungo. 

Getti psichedelici mascherati, schegge di Post-Punk ammaestrate, il brivido dato da un intenso palazzo acustico celato dalle orchestrazioni, confluiscono nella gloria e nella magnificenza di note senza bavagli, in una giornata nella quale la pioggia bacia la nebbia. 

I testi (dodici su quattordici) di Adrian, sono apparentemente i più malinconici di sempre, come se quelle parole avessero abbandonato la bombola dell’ossigeno, in un lungo commiato. Non esistono congedi, moti di rabbia, forme esplosive che possono paralizzare, ma un soffio dolce-amaro per renderci tutti più consapevoli e in grado, con l’ascolto, di non fargli mancare il nostro amore. Profondo, intenso, l’album spazia dentro sorprese continue e il violino di David Maria Grams è un distributore di singhiozzi, nell’assoluta capacità di affiancare l’approccio della musica classica a quella pop.

In Wild Rain il duetto con Claudia Uman è uno schiaffo al rallentatore, un addio della natura nei confronti dell’uomo. Tutto schizza nella direzione del cielo dove i suoni perdono peso.

Pare di vedere la vita entrare nelle trame espressive per tatuarsi nell’indifferenza di chi non ha saputo riconoscere il valore di un percorso artistico iniziato nella seconda metà degli anni settanta: non seminando rancori e tantomeno accuse. Una penna sia limpida che misteriosa, con la solita incredibile voce a suscitare immense suggestioni. Carlo, per tutto l’album, sembra il miglior amico che sa ascoltare, consigliare, ma facendolo sottovoce, senza smanie di protagonismo. Canzoni come garze di velluto che si inchiodano sui tessuti della nostra riflessione, per riparare il dolore da altri disperati atti osceni: tutta la discografia di Adrian e di Carlo ha subito indifferenza da parte della massa, discografica, di critica e del pubblico. 

E poi lei: InBetween Dreams, che da sola riesce ad andare oltre i suoi sette minuti perché il suo mantra è una sinusite, un colpo di tosse che ci tiene costantemente avvinghiati alla sua brutale bellezza. Pare proprio che i pezzi precedenti e quelli successivi siano l’anticipo e il posticipo di un clamoroso miracolo, umano ancor prima che artistico…

Vive per tutta la durata dell’ascolto il battito di una chitarra che sembra morire con l’ultimo brano, ma non è così. 

Non si può negare che il concetto iniziale di queste composizioni fosse quello di un dipinto sulle superfici dei contrasti, dei dolori, ma con il tentativo, l’ultimo, di non negare chilometri di gioia che sono presenti, eccome se lo sono…

La produzione è un altro attestato di classe, in quanto avvolge gli stili e i generi musicali all’interno di un suono, di accordi, di propulsioni perfettamente assemblati, come un coro d’anime che con un’unica vocale ci inchiodano all’ascolto e alla devozione.

Gli scheletri dell’anima, perfettamente messi davanti al nostro sentire, durante Desert Bones, sembrano uscire da un viaggio psichedelico dei Doors con il supporto di Ennio Morricone, per un brano che scalcia via ogni gioia.

Con The Swimmer, testo di Carlo e musica di Florian Bratmann, siamo nei pressi di una danza elettronica che si intinge nella musica classica, con echi dei Church e dei Psychedelic Furs: un’ulteriore chicca che si stampa dentro il nostro stupore.

La canzone preferita del Vecchio Scriba, di cui è già stata descritta la grandezza, si presenta qui non in versione acustica ma in quella elettrica: Walking In The Opposite Direction è semplicemente la summa di tutto il pulsare emotivo e intellettuale dell’artista nativo di Hampstead, uno strappo carnale tra le ali di angeli che proteggono la sua aura vitale. Un capolavoro che bagna tutte le piume del mondo con il suo respiro lacrimevole…

Stando attenti ci si accorge che c’è un molto che si palesa, un poco che si nasconde, un mix perfetto di equilibri e squilibri che nella strada dell’estate di questo gruppo riesce a camminare nella direzione giusta: consentire a ciò che è contrario alla vita di essere dentro, di partecipare a quella che oggi è la celebrazione dell’ultimo lavoro in vita di Adrian.

Lasciate ogni modalità per poter ascoltare musica su questo album e date all’infinito la possibilità e il dovere di rimanere su queste quattordici ali: il volo perfetto abbisogna della perfetta colonna sonora ed è proprio qui…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

15 Ottobre 2023

https://spotify.link/AnW7u9U3UDb