My Review: Hey Calamity - Desperation

 My Review:

Hey Calamity - Desperation

Finding youth with the passing of the years, in adulthood, is a wonderful, sublime, rare act. To be able to create excitement, to enter new practical and emotional zones, to find yourself doing what you normally start doing when you are a teenager is truly sensational.

Releasing a debut album when many artists' careers end right around that time communicates hope, it is never too late to debut.

Dave Thomas demonstrates this with his project Hey Calamity: twelve acts of presence, an appearance with the release of a work that, in addition to testifying to what I have just stated, shows great qualities in the writing. A remarkable sensitivity gushes forth in these tracks that the South Australian artist has performed in total and complete freedom.

A set of beams of light containing within them an exceptional delicacy through lyrics that reveal maturity and a high propensity for reflection.

Dave has a light voice, a cotton ball that enters the dimension of music which contemplates and welcomes it to succeed in giving us the impression of notes born for it.

Everything moves motivated by guitars and a bass of exquisite workmanship to form a listening experience that smells of empathy, although robust episodes are also present.

It all remains, however, an embrace that fortifies us and makes us lucky.

Stepping out into the jungle of the record market at an adult age can be a risk: Dave wins this bet thanks to his enthusiasm and his desire to knead what he cares to express, for a debut in which there are songs capable of captivating from the first listening. The only comment the scribe dares to make is that too many songs were released before the record, but this does not detract from the validity of compositions that seduce by quality and value. There would also be a great compliment to be written: the ability of the Australian musician, which is very rare these days, not to fall into the cliché of the musical genre, but to be able to range by really demonstrating great skill and musical culture.

The provenance from earlier decades, rather than from songs, can be heard in certain ways in which instruments are played in small parts, showing a great deal of distinctiveness that immediately wins you over. 

Obviously there are Shoegaze and Dreampop presences that make the tracks magical and powerful, giving beams of bright emotions, reflections and an inner room to rest one's consciousness in the stage of maturity.

As a grown-up and capable man, Thomas knows balance and wisdom, he is measured but full of ardor: one can hear his passion, he does not risk his life with this album but makes it available like a cake to eat together, in full generosity.

Songs that are full of outbursts, of poetry that are capable of being sonic and eccentric, surprising, with joyful traits that simplify chewing: Dave knows the scepter, he commands our emotions in the pericardium of a heart increasingly in need of beauty. He does it wisely: he knows how to be multi-purpose, playing the instruments that allow him imagination and elasticity, maintaining his own visual and sonic course, with the innate propensity to make sound a diviner. Actually we find wonder, surprises, a sense of continuity that blesses and comforts.

With the pop attitude that marvels in certain episodes, along with a willingness to know how to slow down the rhythms giving the tracks mystery and expanding atoms of welcome. To call it a shoegaze album is incorrect precisely because of the variables contained and proposed, but it is certainly able to navigate those boundaries even if you hear the will to be a free beater living with curiosity, a scientist in a laboratory who wants to discover new formulas, succeeding. Everything supported by that enthusiasm which infects it, which pours in our listening, helping to make our skin a fertile lane of delicious fruit.

A valid debut that makes the scribe affirm that the best is yet to come and it is a conviction that must instill satisfaction and courage in the Australian author, because starting from such a record is a good and very valid thing...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

26 October 2022

https://heycalamity.bandcamp.com/album/desperation?fbclid=IwAR2FGFyyWAu9IvaUjH35I5E2SEi3FCtWAjPeXHwraJbz9XUszhiAfHff9OQ

My Review: Antic Clay - Hilarious Death Blues

 My Review:

Antic Clay - Hilarious Death Blues

Poetry can dwell among the notes, having black wings in a dark sky, above the desert of every dream.

The writer is Michael Bradley with the project Antic Clay.

Having taken his notes, he went up to Asheville, North Carolina, sowed enchantments and inhabited that America kept hidden in his songs, doing much better than his previous band, Myssouri, who were however creators of bitter-tasting tunes that the scribe likes so much.

Hilarious Death Blues is an afternoon of oceanic intensity, head bowed, mind bathed in mature and intense writing, amidst musical genres that kiss his generosity, his intention not to undress his clothes swollen of stories with a dark saliva.

With his harmonica and his bloody-bellied guitar, Michael has boldly moved in the footsteps of David Eugene Edwards, but with his own sensibility, in a double album to sow nettles and torn clothes, like a Nick Cave lost in the strategies of complex songs, with faces in need of water. Because these compositions wet and refresh the mind, give consciousness towards thoughts that need street lamps lit all day long.

Biblical dialogues between angels with sinister smiles, the gloomy mountain of pain survival falling apart in its ink, inside a magnetic and magmatic dark-folk, where there’s no way of avoiding its fascination, where admiration arises from a warm voice describing time and places like a blessing lying on our hunger for miraculously simple but decisive songs.

Listening to these twenty-one tracks, there is a risk of asphyxiation, of visiting his mocking talent that does not give a damn about our need for comfort: his hands draw anachronistic situations and thoughts capable of shaking our stomach, as if it were one long composition, a theatrical play in two parts where soft breathing is not guaranteed.

And it is precisely here that the album's enormous importance lies: the ability to carry us to mystical, impervious zones, full of salt and screaming wounds, through his sweet voice supporting every pain.

The musical structure becomes cathartic and changeable enough to let us understand the depth of the strings of guitars full of shadows, among arpeggios and country rhythms that penetrate the dry clods. And we have a blizzard of notes which suffocate life: having overcome the challenge, everything falls into tears that comfort because the humanity he sings about needs emotions.

An absolute masterpiece, therefore misunderstood, by those masses of people who seek immediacy and lightness without commitment.

However, I would like to invite you to glimpse, which sometimes constitutes the anticipation of seeing, how much wandering and wonderful intensity travels within this work, so connected to other masters of poetry, of stories that are blinded, crushed, violent but soft-sounding. Because this is the disc: enchanting in its aesthetic sweetness, diabolical in its lyrics.

I mention a cover version contained in this album: Decades by Joy Division, perfectly contextualised in the shell of his songs, illuminating sadness like a coughing through the high mountain paths. Simply monumental.

As are all the other tracks for a record you absolutely must have, lest you deprive yourself of the miracles that can make our existence better.

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

26th October 2022

https://open.spotify.com/album/46HYY7fTxWYo0Yby8ms3ru?si=l_ajAK8dTG6Fai08DyyMfw

https://anticclay.bandcamp.com/album/hilarious-death-blues-album-1-the-riderless-horse

https://anticclay.bandcamp.com/album/hilarious-death-blues-album-2-the-horseless-rider

La mia Recensione: Antic Clay - Hilarious Death Blues

Antic Clay - Hilarious Death Blues

La poesia può abitare tra le note, avendo ali nere in un cielo buio, sopra il deserto di ogni sogno.

A scriverla è Michael Bradley con il progetto Antic Clay.

Presi i suoi appunti, è salito a Asheville, nella Carolina del Nord, ha seminato incanti e abitato l’America tenuta nascosta nelle sue canzoni, facendo molto meglio della sua band precedente, quei Myssouri comunque artefici di brani dal sapore amaro che tanto piacciono allo scriba.

Hilarious Death Blues è un pomeriggio di oceanica intensità, capo chino, mente bagnata da una scrittura matura e intensa, tra generi musicali che baciano la sua generosità, la sua intenzione di non svestirsi dei suoi abiti gonfi di storie dalla saliva oscura.

Con l’armonica e la sua chitarra dal ventre insanguinato, Michael si è spinto con coraggio sulle orme di David Eugene Edwards ma con la propria sensibilità, in un album doppio per seminare ortiche e vesti strappate, come un Nick Cave perso nelle strategie di canzoni oblique, dai volti bisognosi di acqua. Perché queste composizioni bagnano, rinfrescano la mente, donano coscienza verso pensieri che necessitano di lampioni accesi tutto il giorno.

Dialoghi biblici tra angeli dal sorriso sinistro, la montagna cupa della sopravvivenza del dolore che frana nel suo inchiostro, dentro un dark-folk magnetico e magmatico, dove non c’è modo di non rimanere affascinati, dove l’ammirazione nasce da una voce calda che descrive il tempo e i luoghi come una benedizione sdraiata sulla nostra fame di canzoni miracolosamente semplici ma decisive.

Nell’ascolto di queste ventuno tracce si rischia l’asfissia, di visitare il suo talento beffardo che se ne frega del nostro bisogno di conforto: le sue mani tracciano situazioni anacronistiche e pensieri che smuovono lo stomaco, come fosse una lunga composizione, una recita teatrale in due tempi dove non si garantisce un morbido respiro.

E sta proprio in questo aspetto la quota enorme di questo album: la capacità di trasportarci in zone mistiche, impervie, piene di sale e ferite urlanti, tramite la sua dolce voce che supporta ogni dolore.

L’impianto musicale diviene catartico e mutevole quanto basta per farci intendere la profondità delle corde di chitarre piene di ombre, tra arpeggi e ritmi country che si addentrano nelle zolle secche. Ed è tormenta di note che soffocano la vita: vinta la sfida, tutto cade dentro pianti che consolano perché l’umanità di cui lui canta ha bisogno di emozioni.

Un capolavoro assoluto, quindi incompreso da quelle masse di persone che cercano immediatezza e leggerezza senza impegno.

Vorrei però invitare a intravedere, che a volte costituisce l’anticipo del vedere, quanta vagabonda e meravigliosa intensità viaggi dentro questo lavoro, così connesso ad altri maestri di poesia, di storie accecate, acciaccate, violente ma dai suoni morbidi. Perché questo è il disco: incantevole nella dolcezza estetica, diabolico nei testi.

Cito una cover che trovate in questo album: Decades dei Joy Division, perfettamente contestualizzata nell’involucro delle sue canzoni, che illumina la tristezza come un colpo di tosse tra i sentieri di alta montagna. Semplicemente monumentale.

Come lo sono tutte le altre tracce per un disco da avere assolutamente, per non privarsi dei miracoli che possono rendere migliori la nostra esistenza.

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

26 Ottobre 2022

 https://open.spotify.com/album/46HYY7fTxWYo0Yby8ms3ru?si=l_ajAK8dTG6Fai08DyyMfw

La mia Recensione: Roller Derby * Starry- Eyed

Roller Derby * Starry-Eyed

Amburgo è una bolla sanguigna: sparge liquidi con l’appoggio di venti muti, cercando di tornare a incidere nella Germania perfezionista e seriosa.

Se pensiamo al suo passato basterebbe citare Xmal-Deutschland per sorridere e ringraziare per quel momento unico, in cui bellezza e qualità abitavano nello stesso respiro.

Se ci aggiorniamo, se rimaniamo curiosi, ecco allora tre ragazzi con i sogni ancora da aprire nei confronti di un mondo indaffarato a riempire ogni spazio possibile.

Loro però entreranno nel cuore perché hanno la grazia di un’unicità di cui quell’organo abbisogna.

Nel loro gravitare tra armonie spensierate e l’attitudine a rendere il grigio un colore interessante, ecco giungere il loro settimo singolo, fiamma Indie Pop dalla pelle Dreampop, che farà breccia nei vostri pomeriggi in cerca di stelle con il desiderio di abbracciarvi.

Sono canzoni come queste che dimensionano i confini, gli stili, mettendoci nella centrifuga la necessità di un play continuo.

Sarà la voce di Philine Meyer che pare giunga da una cometa alla ricerca di  battiti capaci di darle spazio, o le chitarre dai giri concentrici, rapaci ma sinuosi, di celestiale propensione, e molto altro ancora, a suscitare questa bellezza nell’ascolto.

Canzone assolutamente in grado di mettervi in contatto con la voglia di un dolce, di un caffè, e di una danza tra pareti piene di sogni da accendere…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

19 Ottobre 2022

My Review: Roller Derby * Starry- Eyed

Roller Derby * Starry-Eyed

Hamburg is a sanguine bubble: spilling liquid with the support of silent winds, looking to make a comeback in perfectionist and serious Germany.

If we think of its past, it would be enough to mention Xmal-Deutschland to smile and give thanks for that unique moment when beauty and quality lived in the same breath.

If we stay up-to-date, if we remain curious, then here come three guys with dreams yet to be opened up to a world busy filling every possible space.

They will, however, enter our heart because they have the grace of uniqueness that organ needs.

In their gravitating between carefree harmonies and an aptitude for making grey an interesting colour, here comes their seventh single, a Indie Pop flame with an Dreampop skin, which will make its way into your afternoons in pursuit of stars with the desire to embrace you.

It's songs like these that size up boundaries, styles, putting the need for a constant play in the centrifuge.

It will be Philine Meyer's voice, which seems to come from a comet in search of beats capable of giving it space, or the guitars with their concentric, rapacious yet sinuous riffs with a celestial propensity, and much more, that will arouse this beauty in your listening.

A composition absolutely capable of putting you in touch with the desire for a dessert, a coffee, and a dance amongst walls full of dreams to be lit...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

19th October 2022

La mia Recensione: Rowland S. Howard - Pop Crimes

 Se il Pop commette un crimine è quello di lasciare andare via per l’eternità un mago dalle unghie nere che si è preso la licenza di congedarsi con un album che ha proprio nel suo cuore un piglio Pop.

Ma non l’ha mai conquistato veramente e lui l’ha guardato storto, quasi incurante, certamente poco affascinato.

E il suo epitaffio è un grido a bassa voce, tra tormenti e moti angelici che fanno a pugni, con ramificazioni urticanti e rasserenanti per uno scontro che come risultato dà un disco meraviglioso, tra lacrime tenute in volo fisso davanti agli occhi, con la sensazione che ti cadano tra le pupille.

Con l’antico compagno di scorribande ed eccessi Mick Harvey, Rowland ha fissato per l’eternità la malinconia dei suoi battiti, esposto le sue vene a colpi di ombre continue senza mai sprofondare nell’oblio, come se fosse ancora in grado di governare le fiammate del cancro che di lì a poco l’avrebbe portato in un’altra dimensione. Ascoltando le otto tracce, sette originali e una incredibile cover dei Talk Talk, si entra nei suoi spasmi educati ma capaci di arrivare dentro di noi come folgori, perché la sua unicità, eleganza, raffinatezza e l’infinita classe mostrano tutte quante questo impianto scenico generoso e che lo qualifica, a detta dello scriba, come il miglior autore di canzoni del suolo australiano. Il disco è infarcito di blues nero, tagliente, lento, appoggiato sulla colonna vertebrale di un’America capace ancora di stimolarlo. La cura del dettaglio ubriaca, la finalizzazione che lo rende denso di atmosfere delicate ma vibranti (dove spicca la sua voce impastata con la grazia in un ballo cupo) accompagna le composizioni verso una spiaggia adornata di luci soffuse, sino a inebetire del tutto l’ascolto. Un rallenty continuo che fa esplodere il cuore dentro un lavoro celestiale di acute visioni sonore che ne espandono la bellezza al cielo. Il canto del cigno è cupo, intenso ma mai votato alla disperazione: tutto è cosciente, pieno zeppo di sofisticata propensione a creare brani che mutano a seconda del nostro umore. Ecco allora che si presta a un uso diverso, elemento che lo contraddistingue e lo consegna all’Olimpo di ciò che si deve conoscere, come un obbligo severo ma gentile.

I testi, cantati con una modalità che sembra essere il frutto di fiori che fuoriescono da vasi di lava con il mantello, sono efficaci escursioni di un pianeta psicologico che cerca ascolto, tra trame amorose con la polvere da sparo, e graffi decadenti mentre si espongono al sole. Una scrittura capace di vibrare da sola, per una emulsione che schiaccia il vapore acqueo, sempre pronto a uccidere, quando si tratta di contesti amorosi, per una mancata capacità di ascolto e confronto, un je t’accuse raffinato ma sempre evidente, per necessità e per via di un delirio che non conosce resistenze. La finestra del suo petto è rotta, caduta tra le braccia di una preghiera che non sembra possibile che venga ascoltata dalla madre di Cristo, come invece è il bisogno di qualcuno nella canzone che ci mostra pienamente come le sue storie siano a un passo dall’assurdo ma dannatamente umane. Sempre attenta a non esagerare con l’uso delle rime, la sua scrittura tratteggia profili psicologici, sospetti, grida che scendono dalle mani alle corde della sua chitarra che, ubbidiente, la segue nel vortice di trame dalla scorza dura, quasi impenetrabile. Sentire questa sua comunicativa così fulgida, nel contesto di note spesso d’acciaio, ruvide, grevi, crea non uno iato bensì una fascinazione incontrollabile.

La musica? Una sinfonia in perfetta sincronia con il deserto, dove tutto è secco, preciso nell’individuare ciò che è indispensabile, sopra un disincanto che muove le note in caduta libera senza però togliere il respiro, che la rende una prerogativa di chi sa come fare un patto con l’impossibile…

Ballads color velcro, in attitudine di protezione, con melodie dalle spine pettinate che inducono all’accoglienza, superando la paura di essere sedotti da tsunami sonori senza volontà di fare sconti. E quando il ritmo si alza un pò non è la danza che ci aspetta ma un volteggio, per poter baciare le ombre che lo compone. Si precisa la sua capacità di coinvolgimento con gli altri artisti dando la certezza che non siano session men bensì veri e propri membri di una band dal percorso millenario, sicuri, audaci e capaci di depositare ai piedi del cielo un tappeto su cui far volare i nostri ascolti estasiati e beneficiati di questa propensione univoca. Sempre come se fosse un arco pronto a lanciare le sue frecce, il genio australiano veste le canzoni come scie di vento, specialmente quando gli accordi sono quasi semplici, nessuna ostentazione da mostrare, piuttosto il bisogno di coricarsi sopra le trame di dense melodie per creare un unicum che non possa avere crepe sulla pelle. Si vola tra l’Australia degli anni 80 e la poesia ipnotica degli chansonnier francesi degli anni 60, senza perdere di vista quanta poesia, macchiata di una vena nera e calda, avesse lui stesso creato con The Birthday Party, il cilindro impazzito che alzò la polvere su un’Australia dormiente e non attenta ad alcune sensibilità che stavano creando rifiuti pieni di malcontento. Le chitarre sarcastiche e arcigne lanciano sibili romantici dentro un involucro in cui il basso e la batteria sembrano spose perennemente attente a lavare le macchie di così tanta radioattività. Perché queste canzoni, apparentemente di facile fruizione, in realtà corrodono e sanno sgretolare quel senso di bellezza che ci fa masticare tutto avendo lo stesso gusto in bocca. Invece…

Invece ciò che ascoltiamo è un complesso edificio di striminziti riferimenti (comunque da cogliere) e la valanga ipnotica di musicisti che si sono dati appuntamento davanti alla porta del mistero. La voce benedice e stordisce, perché nella sua apparente pacatezza esiste la stessa quota di furore del suo vecchio inquilino di quella Sydney che è stata la fionda che ha unito lui e il tenebroso Nick Cave verso una cittadinanza artistica e umana europea.

La stoffa però è la medesima: Rowland sa come ipnotizzare e farci rimpiangere la nostra minima dose di tranquillità. Sono episodi fumanti, tesi verso la conquista di una zona dove il soffocamento è elettrico, contorto, dove ciò che serve non è la forma canzone perfetta ma porti di accoglienza per una pioggia di lacrime quasi ammutolite dalla sua bravura. Sa esprimere ma al contempo contenere inchiostri di battiti slegati dalla futilità di milioni di anime indaffarate con il disimpegno, giostrando il tutto con scelte oculate, al di là della perfezione, perché questo accade a chi va oltre la propria strabordante genialità.

In questa narcolessia evidente, compaiono però episodi di poetica propensione verso le illusioni, lo spostare le attenzioni verso il prossimo, come portatore sano di miracoli improbabili, dentro relazioni torbide, in  addii che gonfiano il dolore e aumentano la mancanza di un’oasi di tranquillità.

Non vi è bisogno di caos, i testi strappano le tende degli ascolti portando alla preoccupazione, come se l’artista fosse un amico reale: Shut me Down raccoglie tutta questa intensità.

Non un testamento ma lo specchio della sua profonda difficoltà nel vivere: canzoni come autopsie che ci rendono gli occhi piccoli e già pieni di frequenze nevrotiche, quasi epilettiche, perché in questo flusso ogni secondo è un lutto tra la gioia e la morte che si sfidano in baci asfissianti.

E si dia spazio al silenzio, tra un episodio e l’altro, sia data via libera alla riflessione, i testi tra le mani e la curiosità, e la voglia di trovare il modo per sconfiggere la paura: dentro il suo distorto sistema artistico e umano vivono fascine di rugiada pronte a snellire la noia e le abitudini di brutti e confusi ascolti. In questa torbida collezione di esagerazioni c’è più equilibrio che in molte canzoni pop, dannatamente capaci di commettere crimini senza la nostra consapevolezza. Ora è il tempo di pescare nel suo maremoto, di farsi trascinare dalla sua bellezza a contatto con il diavolo per un’esperienza dove anche l’ascolto sarà fradicio di emozione…

Song by Song

(I know) A Girl Called Johnny

Il primo botto, quello che scoperchia il cielo, proviene da questa storia cantata a due, con Rowland che duetta con Jonnine Standish: è una piccola camminata psichedelica nella mente del prolifico artista australiano che apre subito il forziere del suo talento con una canzone che sprigiona emozione, con le voci che esaltano l’organo di Mick Harvey, e svetta per delicatezza e un malato romanticismo.

Shut me down

Il blues si tinge le dita di nero e con il profumo di whiskey che gli visita l’anima e le corde vocali, in una trascinante, epica dimostrazione di ciò a cui cosa possa condurre la mancanza della persona amata, ci fa giungere all’estasi. Anche da questo brano si capisce come lui e Nick Cave siano fratelli nell’anima, nessuno copia nulla dall’altro, ma sono invece uniti da attitudini simili che finiscono dentro un’orgia lenta. I rintocchi di organo creano poesia nel cuore mentre tutto va a sparpagliarsi nel cielo.

Life’s What You Make It

Non una cover ma un delirio soffocante condiviso con Mark Hollis, dove le chitarre sprigionano tensione e rendono dissacrante ogni tentativo di approcciarsi al brano dei Talk Talk: Rowland è l’unico che potesse davvero rivelarne gli scoppiettii con le ali distorte, in un viaggio dentro gli Usa rurali, malati e stanchi. Una corda che contiene una voce pronta a precipitare, trasportata da un’atmosfera blues-folk in cerca di uno schianto.

Pop Crimes 

Il male esiste, è un basso satanico che non concede repliche, perché conquista coinvolgendo per prima una chitarra sulle soglie dell’inferno. Il testo, una spada piena di tagli, consente a Howard di sprigionare violenza con la voce quasi mimetizzata dentro strali e graffi, per un risultato che è sconvolgente e stratificante. Una follia che si alza dal lettino e cade dentro amplificatori che sanno equilibrare il tutto con schitarrate ed il mare ipnotico dello strumento di J.P. Shilo che ci rende prede esangui.

Nothin

Oltre il capolavoro: Nothin è una pietra piena di fumi contaminanti che stroncano l’apparato uditivo per entrare dentro le mancanze che si sciolgono con il vento. Ed è Country/Gothic Americana & Folk Noir di purissima fattura, che conquista e appiattisce tutto con la sua linea melodica breve ma davvero capace di assestare un pugno nello stomaco.

Wayward Man

Il diamante più puro dell’album, feroce, con il basso di Brian Hooper che porta le chitarre a sventagliate acide, amplessi di nera attitudine, mentre Rowland diventa un quasi Crooner spiritato e immenso. Tutto stride e ferisce, chitarre come sirene con la voce sul punto di rompersi, e il vuoto che lascia spazio a un bridge aperto verso la fine del mondo.

Ave Maria

Nico è sempre viva, dove non esiste la sua voce vive la sua anima che qui sfodera un sorriso nero all’interno di un matrimonio con i proiettili dentro la memoria che torna ferendo, lasciando il cuore in uno sparo avvolto da musiche quasi paradisiache, ma è solo una comoda illusione.

The Golden Are of Blooshed

Fermi tutti: il sangue diventa tenebra, la storia raccontata è perversa e allucinata, la voce un lupo in cerca del giusto spazio per esibire i suoi artigli, dove la sfiducia nel partner porta la musica ad esserlo altrettanto, per magiche connessioni nel ventre del male. Un incubo che ha radici nella letteratura, che passa attraversa Jim Morrison alleggerito di acidi ma gonfio di alcol, per depositarsi dentro un’atmosfera sinistra ma vellutata, quasi capace di attirare le anime innocenti in un teatro degli orrori dalla pelle truccata. Ed è la vita che muore in una grotta con la chitarra che spranga il respiro, chiudendo questo gioiello senza tempo in un abbraccio soffocante…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

18 Ottobre 2022

https://open.spotify.com/album/0rpPmk289NRqguHC8XQ0LV?si=PH7_FDBxTNurEPB_NrOtnA

My Review: James - All The Colours Of You

James - All the colours of you

There was a time when we could see them in the meadows, in the parks of a smiling, tired but never speechless Manchester.

Now they fly overhead, all we have to do is raise our heads and thousands of daisies offer us their petals as rays of much-needed energy so we can have at least one romantic reason not to give up. Some of them are still all together: their name is James and they are also the stars that light up the city night and day.

They are back to let us hear their new flow of skill and melodies that become our new strength.

A resounding comeback for how they managed to live through the pandemic period, giving us songs that can be an incentive towards the comfortable willingness to give in.

They have put in place eleven butterflies to play the game that they will clearly win: on their side they have the class, the technique, the strategy, all aimed at scoring goals in our heart.

Jim and Mark are the main songwriters, but all the daisies have played their petals in creating a flock of butterflies that gently glide to stay. They certainly won't leave. Tim proves himself, as always, to be the sovereign God of writing with lyrics that range and delve into themes that would be suitable for rhetoric (which, by the way, also has positive aspects), not indulging, as always, in simple and above all banal composition. No: he is the striker who is able to surprise, he does not need dribbling to jump into the net of our hearts ready to take goals, because it has never been so wonderful to see the net swell.

In the end they are eleven goals that make you realise just how much James are constantly growing.

After 39 years since their formation they are as fresh as ever.

Sixteenth album and certainly this one proves to be courageous and determined, granting itself the pleasure of a conception that started in a simple way and was gradually able to create articulated and complex structures, without giving up showing the band's unmistakable style.

And having worked with a producer like Jacknife Lee has made their creative musk even more fertile and fragrant.

Tim's lyrical choices address current issues, modern imbalances, the pandemic (here considered in a completely different way than on albums that have been and are being released), relationships increasingly unable to uphold certain values and the absence of communication able to convey positive messages. 

An album so rich and surprising that it might shock a lot of their followers: time will be kind and teach them that among these grooves there is the whole essence of the band reaching levels never touched before. They have matured so much that patience will almost certainly be required before you run the risk of  getting a terrific crush.

It only remains for me to let you smell the scent of these daisies: make yourselves comfortable so that you can long for them to dwell inside you…

Zero

Tim's favourite song opens the album, the one with the most extreme length, a track as powerful as ever to introduce us to their new work. It surprises from the beginning with its structure and variations, stimulates curiosity as it becomes morbid and it is swaggering, rich, remarkable in its showing those muscles that do not just lie on the surface. The lyrics start with a brutal truth and then find, as always with Tim, the way to let the sunshine in and leave us breathless with the beauty of what we have listened to. He first invites us to leave some impediments behind, helps us to break free. Simply a crazy way to start this adventure among the colours.  The first Daisy has already stunned us. 

All The Colours of You

George Floyd and President Trump's disastrous administration. Tim denounces and does so with his unmatched class.

This song has led many people astray: it is historicised that it is difficult for many to understand much of an album, let alone an entire career where several compositions have seen Tim writing about the social situation since their first work. Many have turned up their nose, criticizing him. Not understanding the wide margin in which his writing has moved. Undoubtedly Trump's ears must be ringing! A song that in addition to being almost an invective contains a positive message in reminding us that colours are still fundamental. It moves elegantly over an electronic carpet, an enveloping, modern rhythm, a bass that is lymph, keyboards that simple and modern lead us into their arms, vocals that are steeped in medium harsh tones to the point of unexpected sensuality and Andy's trumpet which makes us fly over all the colours.

Recover 

A touching song, Tim opens his heart to talk about the death of Covid of his wife's father: yet another life lesson in how one should live through a mournful moment.  The music is a hinted caress on which the singer, with ease and delicacy, manages to transform a tear into a feather. The bass surrounds, the simple keyboards sink in, like a high and finally free breath.

Beautiful Beaches

How to turn an escape caused by the usual fires in the area where he lives near Los Angeles into a joyful dance: Tim can do it!

Electronic drums and keyboards dominate in a track that has its strong point in the pre-chorus and in the chorus itself, until the final, perhaps difficult, drumming that seems to surround the area where he has moved to protect it. A track with success already assured in the next live shows. The band here benefits, as for the rest of the album to tell the truth, from Jacknife Lee's production, skillful in giving power and compactness to a melody that is sublime in its lightness.

Wherever It Takes Us

A dream: a girl committed to defending rights that are not just her own risks death in a wild ride. The song shows how verse and refrain can be so far apart. But the refrain, full of voices and melodic propensity to embrace all fears, becomes one of the most beautiful ever for this band, which in the song demonstrates all its ability to range and captivate in phases distant from each other.

Hush

Here comes a ghost, in this tense story, softened however by a rhythm that here finds slowness, while the melody brings back some of the typical James sound that many will surely not struggle to recognise. The track, like the story told by tender Tim, crosses the swamp of fear to leave us with the gift of mystery. When James are light, despite a nightmare told with class, their music knows how to prove that it is in simplicity that songs become eternal.

Miss America 

While remaining in the zone of a music that has slowed its pace, here the story changes, the American dream is destroyed by the dream of a girl, a model, who, while trying to win the beauty contest, realises the weaknesses of a system doomed to collapse. Tender, a few notes, but incisive, here the band succeeds as always in not needing all its many members to convey the sense of chorus. Another track that will manage to warm the heart. 

Getting Myself 

How to turn a piano riff into a hit, starting with a breath and ending with a cough that will make us all happy singers. A sure hit that will put a smile on our faces. A song that clearly explains the mood of the album, in music and lyrics. When perfection does not exist it is put at risk by these inspired and fearless 60-year-olds. The last 20 years of their career summed up in one track, you will see the magic in your ears hungry for beauty.

Magic Bus

Tim seems to have taken some acid to bring us into the great textures of a lively song in its disguised psychedelia.

But he didn't take it, making this lyrics even more special....

It is a tribal, haunting and sensual journey that nails and defeats us, as only the great artists know how to do, the descriptive banality of a path where drug-taking would have made it run the risk of becoming banal and similar to thousands of other songs. Curious lyrics and an equally curious music seem to perfectly make James masters in disguising papers and identities. 

Isabella

Another story of mystery and violence quickly enters the album: the protagonist arrives and shocks, throws her revenge and then rises up to find distance from her sin. Tim's interpretative imagination allows him to take full advantage of the song's changes of rhythm, which finds its majesty in the refrain. Then the two female backing vocalists lift us up with their simple but centred singing. We reach the end, between guitars and compact keyboards, Tim finds a second refrain to sink us again, waiting for the autopsy...

XYST 

We are at the end of the album: when political power would like to shut the mouths of musicians' consciences. A stunning track that concludes this work by giving us new, lucid, elegant James, capable of being adults with a young heart. The last composition is the ending I was expecting, a new surprise that fascinates and drags us into the depths of a new awareness: every song on this sixteenth album has the strange virtue of being untied but at the same time connected to all the others, there is always a mystery, a surprise that appears within the instruments. Here, too, there is no doubt whatsoever: things end well, with class, the chance has been taken to give the world the eleventh song on this palette of colours and daisies, they played  offense and won big.

Undoubtedly their best album of this millennium and among my top three of all time. Because James in 1982, just before they were the band that opened the Haçienda in my beloved Manchester, in their small, trembling dressing rooms, signed a pact with the devil: time will not bend their beauty and in time they will be able to bring all the colours of the world into your now grey beats.

I'd say that pact magically endures, and now please count these petals, rewind the craving for beauty and dive back in here, since in the meantime the palette is ready: a new round of colours for our flushed smiles...

The album will be on sale from tomorrow, 4 June 2021

Alex Dematteis 

Salford

3 June 2021

James:

Tim Booth

Lyrics, vocals, percussion, backing vocals

Jim Glennie

Bassist, percussion

Saul Davies

Guitarist, violinist, percussion, backing vocals

Mark Hunter

Keyboards, Piano, Percussion, Programming 

David Baynton-Power

Drums, percussion

Andy Diagram

Trumpet, backing vocals, percussion

Adrian Oxaal

Guitar, choirs, cello 

Chloë Alper

Choirs, percussion 

Knox-Hewson Debbie 

Choirs, percussion

https://open.spotify.com/album/5ygHCOppc7ipeiWCB8cj9M?si=1VRBmb2QTIet3r4fQkCmgQ

My collection of the album: