My review: The Maitlands - Live in Salford, March 2022

My review

The Maitlands live in Salford

5 March 2022

Every city has its own delays to deal with, because there are traumas and difficulties to pay attention to.

Manchester is no exception.

And about an aspect of music interest and sharing, the issue increases given its importance.

Life goes on and music comes back to show its face, its muscles, its passion, its ardour, its need, its pride, its need to legitimise itself.

Among them are The Maitlands, a splendid reality that does not want excessive visibility, nor does it seek approval whatever: it exists for the pleasure of it, without ambitions or exaggerated dreams.

Their joy lies in writing songs and playing whenever possible.

At a time when the line-up is changing, some of the new members were not in time to play with the band tonight.

In a four-piece line-up, but with a sound that seemed to be the product of more musicians, they showed all their class with a nine-song set at the Eagle Inn on the Salford/Manchester border, playing in front of an attentive and amused audience.

Having appeared as a Special Guest for a couple of songs at Academy 3 in August 2020, Heavy Salad guitarist Rob Glennie is now a permanent member of The Maitlands and his contribution strengthens the sound of the quartet, whose set shook, moved and led attendees to an articulate thought, given the depth of Carl's lyrics.

The three members of the line-up, Carl L. Ingram, Saul Padraig Gerrard and Matt Byrne, for their part, were totally at ease and able to express their talent, having found in Rob the best ally.

A perfect setlist that combined singles and lesser known songs with extreme fluidity and the ability to keep the tension and beauty of their compositions constant.

Mention must be made of the opener "Dead Slow", which after 4 years seems even fresher and able to show the band's endless musical roots, and of the always clamorous "When it Rains, it Pours", an atomic ride which, thanks to Matt's granitic bass, Rob's twisted and sensual guitar and Saul's acid drumming, allows Carl's singing to bring out his powerful and catchy melodic line.

All the songs demonstrate their total disregard for the need of other bands to feel part of a hypothetical Manchester music scene.

They wisely go in a different direction, drawing from the globe and different decades to make their music something compact and not morbidly tied to the Mancunian city.

That’s the sort of concerts that brings good cheer, a predisposition towards unquestionable artistic skill and joy, because their ability to be on stage is a robust smile capable of taking root in the heart.

Welcome back!

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

March 6th, 2022

La mia recensione: The Maitlands - Live in Salford March 2022

 La mia recensione

The Maitlands live in Salford

5 Marzo 2022

Ogni città ha le sue lentezze da gestire, perché vi sono traumi e difficoltà cui prestare attenzioni.

Quella di Manchester non fa eccezione.

E su un aspetto di interesse e condivisione della musica la problematica aumenta vista la sua importanza.

La vita continua e la musica torna a mostrare il suo viso, i suoi muscoli, i suoi impeti, l’ardore, il bisogno, la fierezza, la necessità di legittimarsi.

Tra questi vi sono The Maitlands, una splendida realtà che non desidera eccessiva visibilità, né cerca consensi a prescindere: esiste per il piacere di farlo, senza velleità o sogni esagerati.

La loro gioia sta nello scrivere canzoni e suonare quando è possibile.

In un momento nel quale la line-up sta mutando, alcuni dei nuovi membri non hanno fatto in tempo a suonare con la band stasera.

In una formazione a quattro, ma con un suono che sembrava essere il frutto di più musicisti, hanno dimostrato tutta la loro classe con un set di nove canzoni all’Eagle Inn, al confine tra Salford e Manchester, suonando per una platea di persone attente e divertite.

Dopo aver partecipato come Special Guest per un paio di canzoni all’Accademy 3 nell’agosto del 2020, Rob Glennie, chitarrista dei Heavy Salad, fa ormai parte in pianta stabile dei Maitlands ed il suo contributo irrobustisce il suono del quartetto che nel loro set ha scosso, emozionato e condotto i partecipanti ad un pensiero articolato, visto lo spessore dei testi di Carl.

I tre componenti della formazione, Carl L. Ingram, Saul  Padraig Gerrard e Matt Byrne, da parte loro, sono totalmente a loro agio e capaci di esprimere il loro talento avendo trovato in Rob il migliore alleato.

Una scaletta perfetta che ha saputo unire i singoli e canzoni meno note con estrema fluidità e capacità di tenere costante la tensione e la bellezza delle loro composizioni.

Citazione d’obbligo per la opener “Dead Slow”, che dopo 4 anni sembra ancora più fresca e capace di mostrare le infinite radici musicali della band, e per la sempre clamorosa “When it Rains, it Pours”, cavalcata atomica che grazie al basso granitico di Matt, alla chitarra sghemba e sensuale di Rob e al drumming acido di Saul permette al cantato di Carl di esibire la sua linea melodica potente e accattivante.

Tutte le canzoni palesano il totale disinteresse della band verso il bisogno che invece dimostrano altri gruppi nei confronti del sentirsi parte di una ipotetica scena musicale di Manchester.

Loro, saggiamente, vanno in una diversa direzione, pescando nel globo terrestre e in decadi diverse per fare della loro musica qualcosa di compatto e non legato in modo morboso alla città Mancuniana.

Sono concerti come questi che portano buonumore, la predisposizione all’accoglienza verso abilità artistiche indiscutibili e la gioia, perché la loro capacità di stare sul palco è un sorriso robusto che sa come mettere le radici nel cuore.

Bentornati!

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

6 Marzo 2022

My Review: Deserta - Every Moment, Everything You Need

 My Review 

Deserta - Every Moment, Everything You Need

How can the moon not raise a poet's heart, if it can raise the sea!
(Carlos Sawedra Weise)

There was, not long ago, a sound that descended from the moon to reach the planet earth and that by chance managed to attract the attention of attentive souls, in the game of adoration which warms hearts and electrifies minds.

Before arriving here, it flew up from the craters of the moon, dodging the sense of possession of the only satellite of the Earth, and from those high lands it swooped down towards us, escaping from that silence it felt heavy.

It has taken up residence in the city of angels and has a name common to the Earth as well as the Moon: Deserta.

The pilot of that sound is Matt Doty, (singer, guitarist and multi-instrumentalist) who had tried to leave Los Angeles to inhabit the world with two projects, Saxon Shore and Midnight Faces.

Having exhausted that path, from that moment on everything was clear: we could cross his chameleon-like, recognisable style to see how the Moon is here, within the notes of an emotional tsunami that goes by the name of Every Moment - Everything You Need.

Produced by Chris Coady (Slowdive, Beach House), the successor of Black Aura My Sun is undoubtedly the representative of heterogeneous elements capable of compacting the mass of talent and ideas with a thousand roots that end up converging towards recognisability, that structural uniqueness which dilates the possibilities of creating songs like sweet tornadoes full of melody, with solutions in the spirit of continuous ductility.

It surprises again and again because it teaches pessimism towards the evolution of Shoegaze and Dreampop to die quietly, since it manages to dilate the boundaries of these musical genres, for the solutions and for the intensity with which it fills these almost forty-two minutes.

The atmosphere is just that of a day inside the lunar craters: Matt shows that we are not worthy of its beauty, that man must postpone the intention of taking possession of this satellite, because the density, the mystery, the feeling of a unique and wonderful climate would be wasted in our hands. One constantly gets the feeling that this music reveals how there is no place where man can be comfortable with the almost total absence of hydrogen. Deserta is a miracle of restlessness and shortness of breath, of rhythms and melodies that make you faint, suitable only for souls who abandon their sense of immortality to acclimatise to the conviction that you can die happily listening to these sounds, within the architecture of complex textures born to bewitch us and quickly become the drug which bends any desire to stay away from it.

Listening to the eight lunar craters is not addictive but gives an incredible sense of freedom, a pleasant farewell to the dream of a healthy terrestrial life to head with open lungs towards the moon, to sink into it without regret.

What do you want to dream about if you don't try to get an idea of what it would be like to live where all the romantic souls look at on wishful nights? So come on, be assured that in this album you will find the comfort and wealth that not even the greatest dream could give you....

Take your belief that you can only cry over sorrows and put it next to the stereo, because the density of this work will melt those tears you don't know you have...

Musically, the acceleration towards a post-rock that knows how to be much more than an extra is noticeable, with the annexed will to dress the songs with a pop that is in tune with the always present attitude to the perfect cohabitation between Dreampop and Shoegaze.

The use of keyboards allows wider and more effective solutions that, if on the one hand can turn up the nose of the purists and the extreme defenders of the two musical genres just mentioned, on the other hand give freshness and freedom that in the end allow our listening a greater fluidity.

Song by Song

Lost In The Weight

A track that would end an album for most artists. The astonishment comes immediately because it seems to close the possibility of understanding what could happen later, as it resembles the day after the lack of oxygen.

The beginning is powerful but able, with that magnetic keyboards, to keep us in suspense. Then Matt starts to sing and the chorus, which comes almost immediately, brings the first tears. It's like flying over Santa Monica Bay, until the song seems to bid us farewell. But the drumming and keyboards take a breath, dilating the senses towards the beach. This is a majestic example of how Shoegaze and Dreampop are not just walls of sound and melodies in abundance, since here a huge future scenario is revealed.

I'm So Tired

Can melancholy be thought of as an act of sweetness?

Absolutely, and that's a rare thing to find in music.

While it's clear that the electronic part comes in larger portions than on the first album, it's also true that Matt's voice touches lightly the skin like the favourite son of the most remote Dreampop, where it's not the guitar textures that nail our emotions. But it is enough to wait two minutes and thirty-three seconds and those few notes become the wonder that consoles and cheers those who were waiting for the reigning instrument of these musical genres.

From the Los Angeles beach, we glided almost by stealth to the moon...

Where Did You Go

An almost dramatic beginning.

Distant sparks, hisses and Caroline Lufkin's voice similar to a cheetah waiting to attack, so intense that it rides the lunar dunes with a sound base made of cold Slowdive and mothballed Cocteau Twins.

Then the guitars make love to the keyboards and the tension rises in disguise, until Caroline is left with drums and synth for a few seconds and her voice becomes a scratching claw. With the feeling that Chapterhouse have left traces of themselves in the second lunar crater.

Far From Over

The moon calls Los Angeles: please answer, Deserta has rays of expanding sound to deliver, please make way for Glassell Park and join that hilly sight to what is contained within these swirling, gently abrasive guitars that give way to electronics which enhance the feeling that in these notes are the keys to the future. And it is a dense texture that, starting from flying guitars, ends with a neurotic palpitation fading into the smoke bubble of our vibrations.

It's All a Memory 

What does a Masterpiece look like? 

Sit back and make way for the granite-like clamour of vibes aplenty, where vocals are a lunar gnome and the guitars and drums the perfect bridge connecting the best 4ad to the present day. And, when you get to the catwalk of voluptuous passions of the guitar at the minute 3:53, then you can define the enchantment of the emotional marriage of the senses, because here the farewell seems a splendid thing and the shivers become clusters...

A World Without 

When vocals need a minimal musical base it means it can support anything, and Matt is able to achieve this result. But after a few seconds he becomes generous and makes the emotions grow with a development that moves the dust of dreams to make them red bricks, in a continuous shining of wrinkled-faced guitars. 

Goodbye Vista

There is everything here: from pain to fantasy, from softness to frenzy, guitars, vocals, bass, drums and keyboards have agreed to displace us, to kill us with the beauty of textures able to make us both dream and curl up in the sheets, weeping.

And someone thinks that Shoegaze is gasping for its last breath. You foolish man! Everything that evolves is always better than what remains anchored to the nostalgic past. And the ending of this song reaches the mind and heart of those who have understood the miracle they witnessed.

Visions

There are those who want to know the effects used by musicians with their instruments, those who want to know how everything is put together. And more.

But if you close your eyes and listen to the last song on this amazing album, you will realise that there is a language, a code that overrides every means used and their mode.

What comes here is the lunar storm, the ability to alternate, to insert clamour and timidity, in a sonic impact that leaves us lost in the unknown lunar territories, where Deserta is at ease.

It is a hiccup that seems interminable, 315 seconds to understand that we are not able to consciously determine the value of this listening, because where the mystery presents itself there is something that is lost. 

And so we return to the Moon, rewind the tape and lose ourselves again, dressed in the most clamorous beauty...

Deserta has created the perfect dress in which thoughts and emotions fit perfectly together and in which the desire to imitate them, to be compact, has infected us. And this is the only positive contagion we can thank for.

One of the best records of this 2022, undoubtedly.

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

26th February 2022

https://deserta.bandcamp.com/album/every-moment-everything-you-need

https://music.apple.com/gb/album/every-moment-everything-you-need/1588301373

https://open.spotify.com/album/4GIMxZVBjGzCrKw8I2mnBR?si=8k9UAblvS4ecB6npyH11ug

La mia Recensione: Stella Diana - Nothing to Expect

 La mia Recensione

Stella Diana - Nothing to Expect

“Nocturnal point of view”

New Hope - Stella Diana

Per raccontare un’onda di infinita bellezza, cupa e leggera, potremmo partire proprio da queste parole, come lo sparo di una corsa che dura all’incirca 36 minuti.

È un brivido notturno, un respiro trattenuto, questo quarto album, proprio come una doverosa apnea che garantisce la sopravvivenza.

Questo e altro accade nel nuovo lavoro del trio Napoletano, che, imbevuto di sostanziali novità, ci offre il modo di conoscere un’emozione continua, il tremore che libera dalla noia e dal prevedibile per scaturire moti inarrestabili di gemme impreviste che acclamano giustamente attenzione.

Una propensione ad arricchire le dinamiche e le strutture di musiche sempre più sparse dentro i luoghi sui quali  lo sguardo dei tre pone attenzione.

Tutto confluisce nella ricchezza che non è il terminale di una stazione ferroviaria bensì una passeggiata tra rovi, spine, fango e asperità varie. Il tutto ricoperto da quella dolcezza atipica di cui sono stati sempre pregni.

È la maturità che si toglie il velo, un mostrare canzoni come si mostrano le ferite ad un amico: con decisione ferma e senza balbettamenti.

Ed è cinema d’autore, ed è un dipinto divino, ed è anche arte visiva che distribuisce i suoi fotogrammi alle note in un sodalizio vistoso ed efficace.

Quest’album arriva e riesce a cambiare i segni particolari della carta d’identità dei tre: si aggiungono la cura del dettaglio verso colori che sorridono alle comete, una spiccata propensione a riverberi ed echi gestiti diversamente e in modo più efficace, la volontà di fregarsene della strofa e del ritornello banale per dare solidarietà alle strutture del post-rock, senza esserlo totalmente, finendo per risultare perfettamente connessi con la maestosità e la ricchezza.

Liberati dalla definizione di essere una band Shoegaze-Dreampop, tutto il loro grande talento ha 

preso strade diverse, arricchendosi e arricchendoci, seminando nei loro dipinti sonori nuove ambizioni perfettamente raggiunte. Ecco che semi di Psichedelia, spruzzate di Darkwave e di Postpunk si aggiungono al loro repertorio a cui ho accennato. Non sono più solo ragazzi in grado di emozionare, bensì adulti che crescendo stanno dimostrando che si può qualificare maggiormente il tutto con un progetto artistico. E loro ci sono decisamente riusciti.

Prendo ora questo fascio luminoso per navigarci dentro, in ognuno dei suoi raggi, perché la bellezza non deve mai rimanere chiusa sulla pelle del proprio battito…

Canzone per canzone

Matthew

Tutto inizia con una fiaba che sembra raccontata in parte dagli Svizzeri Leech, una band Post-Rock, e da una attitudine quasi Prog dall’altra, ma poi Dario, Giacomo e Giulio riescono a creare un impercettibile cambiamento nel quale la voce di Vanessa Billi vola tra le nostre pupille. Inizio strategico, imprevedibile, spettacolare.

La quiete prima di una intossicazione da bellezza acuta…

Sleepless Girl

Ho già scritto di questa canzone che ha preceduto l’uscita dell’album. Però acquisisce maggior valore venendo subito dopo Matthew: il suo incedere così grigio spezza la fiaba stabilendo la distanza dai  sentimenti spettinando ogni illusione.

DZM

La linea della continuità per gli Stella Diana è importante, lo sappiamo, ed in questo brano lo constatiamo ancora, ma la linea del basso di Giacomo scavalca il gioco della memoria e delle certezze veicolandoci stupore.  E Dario, con il suo cantato, non è da meno. La batteria sembra coperta di ruggine opaca ed è un nuovo incanto. Ed ecco che fissando i ricordi i tre compiono un poderoso scatto in avanti esercitando su se stessi l’esercizio della diversificazione. Sembrano quasi salutare il loro passato e gettare semi di crateri gioiosi sui solchi della nostra confusione.

Fresca e contagiosa.

A New Hope

Come se all’inizio del brano The Chameleons fossero messi sotto una campana di vetro, Stella Diana esce allo scoperto con un getto psichedelico camuffato da semenze di Dreampop, in un esercizio di quasi allegria che plana sulla luna per mantenere salvi i respiri di chi non vorrebbe un cambiamento netto nel loro stile. Ma questo avviene ed è poesia ritmica, dove la loro libertà artistica trova ali che profumano di serenità.

Deliziosa.

In Abeyance

Eccoli, ingordi nei loro flussi amniotici, partorire un gioiello di seduzione e piacevole imbarazzo: tutta la loro crescita si evidenzia qui, tra la danza semi-morbida del basso, un drumming strategico, archi a tagliare la tensione e a sorprenderci, la voce che si appoggia come un’amica sul nostro dolore e la chitarra che si eleva nel cielo per divenire angelica e tracciare una nuova linea di confine tra le vecchie movenze sonore  di Vini Reilly e quelle del sognante Jeff Buckley.

Un guizzo lento che ipnotizza, finendo per galvanizzare la nostra sete di stupore.

Beleth 

La scossa dei sensi parte dalla ruvidezza e dal ritmo incalzante iniziale di Beleth, la Dea del groppo in gola. Giulio comanda le bacchette per un drumming che va dall’Indie anni 90 alle rullate psichedeliche della scena di Canterbury (Soft Machine in primis), e poi Dario e Giacomo si sintonizzano sul canale della complicità donando rivoli di sabbia destinazione Nuvole.

Assolutamente in grado di rassodare l’amore più devoto.

Distance

Il brano con il maggior numero di parole sa concedere spazio alla musica, sottile e bagnata dallo stato di grazia, per avere l’intenzione di adoperare bugie finendo per dimostrare la sincerità di una crescita che permette ad ognuno dei tre Napoletani spazi dove potersi esprimere, continuando al contempo a rendere compatta la band. E sia allora la chitarra tremante di Dario a dare il via a pianti vibranti, mentre al basso di Giulio viene dato il ruolo di finire questo viaggio con le nostre ginocchia che si piegano davanti alle sue dita decise come uno schiaffo dolce.

Quando la psichedelia si mette il cerone per non farsi riconoscere, sublime.

Regulus 

Robert Smith, quello malinconico, esiste ancora. Lasciata la sua Inghilterra, ha raggiunto il talento di Dario dandogli la sua benedizione. E un po’ l’avrà anche invidiato.

Poi il cantato di Dario sospende ogni possibile connessione con i The Cure e si affittano nuove suggestioni, senza paragoni, e finalmente Stella Diana, scevra da quello che avrebbe potuto condannarla, sorride e se ne va via felice e capace di essere unica.

Abbiamo bisogno di nutrirci di questo magnificare. 

Marianne

Scorretti sino all’inverosimile, i tre, dopo otto tracce prelibate e intense, esagerano, cattivi e disonesti, terribili, perché sono sicuramente colpevoli di donarci come ultimo brano dell’album la loro canzone più bella di sempre. Non si fa così, proprio no!

Ma che succede quindi? Un delirio fatto di grida assenti, di lacerazioni sonore assenti, di grida assenti.

Cosa c’è allora al suo interno?

La luce della vita che smuore, la schiena si curva verso la terra e tutto si fa lacrima in volo, partendo dal basso assassino, cupo, ai rullanti con fare agrodolce e la chitarra allucinata che si vuole staccare dal fare umano per divenire divina.

L’apoteosi necessita di cinque minuti e cinquantadue secondi.

Poteva prendersi anche due ore: avremmo continuato ad adorarla. Senza resistenze.

Tutto sembra crollare dal Vesuvio: note come lava rimbalzante, il silenzio che ammette la sua debacle davanti a questo incedere nebuloso e articolato, dove la semplicità della maestosità non si può fermare.

E per il riascolto dell’album si parte dalla sua fine e ci si rimane, per un sempre che probabilmente finirà solo con un nuovo gioiello del loro prossimo album…

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

23 Febbraio 2022

https://stelladiana.bandcamp.com/album/nothing-to-expect-2

My review: Whimsical - Rewind

 My review 

Whimsical - Rewind

The possibility of getting back a dream, a star, a memory, a much needed breath of air.

The desire to rewind the tape and live again, to be able to stop time to consume it one more time, as an infinite pleasure which defeats time. As a challenge and not the ability/willingness to surrender that has become evident.

Because rewinding also means getting closer, modifying destiny and reopening a path that had proved to be contrary.

We welcome songs that make us capable of opposing the ineluctable, of putting sugar on bitter days, of conveying in the same place needs and what destiny has taken far away.

Whimsical comes back and gives us three minutes and fifty-seven seconds of a magical web, made of robust rhythm and melodies that gravitate inside our pupils, awakening joy and at the same time making us think, which is a rare and precious thing.

Krissy and Neil decide to offer us the appetizer of their next album "Melt" and this song reconfirm us their class with an intense dose of surprises and freshness, as bearers of a musical direction that at the same time affirms what we knew about them and shows new elements able to amaze us and make our mouths open in a decisive and bright smile.

After the first seconds marked by a powerful and contaminating guitar, here comes a stop and go which introduces us to a perfect and innovative electronica, to then welcome Krissy's vocals, this fairy who tells us things that are also challenging, but doing it in a way that makes it possible to accept everything without losing confidence.

And it is memory, specifying the will to contact those who have slipped from one's hands, finding the way back into the heart.

The drumming, powerful, syncopated, positioned on the banks of a bass that runs swaggering giving further vitamins to a sinuous and courageous guitar, lends the song all the right credentials of a gust of wind that brings the ambitions to become reality.

You can hear the maturity in the composition, the desire to give elegance the chance to dress up instinct and reasoning, to lead us towards the certainty that their songs are a chance to grow and not just a pleasant listening. The lyrics show that some strong desires do not have to be shouted, but rather whispered, leaving the door open to meet the desired change.

They are beautiful tears the ones that we hear crying... but they are not sad and Neil has once again managed to make possible his nature of rhythm, combining it with the strength of textures faithful to poetry.

If we wanted to find new forces in these difficult times REWIND will be the muse and companion of a future that will come to colour the sky blue, because when you can rewind it means that you have removed the propensity of the past to end up among the rubbish.

Congratulations Whimsical: this is what we needed!

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

18th February 2022

https://youtu.be/w7BE4OpxZXY

La mia recensione: Current93 - Halo

 La mia recensione

Current 93 - Halo

Live at Queen Elizabeth Hall, London

“Even Death is better than this useless life”

Una sera a teatro, dove il palco, poco illuminato, mano a mano che lo spettacolo avanza, sembra sprofondare nelle viscere di un pianeta troppo sofferente per poter sostenere sentimenti diversi che non abbiano una corda al collo.

Perché non vi è dubbio alcuno che con i Current93 si vada sempre e comunque a Teatro.

Per questo concerto ne hanno scelto uno vero e la scaletta ha confermato  che i 16 atti sono stati prodighi di intensità, dove la trama è stata espletata perfettamente finendo per ingombrare i pensieri, scuotere i nervi, agitare i muscoli seppur non stimolati da delle danze.

La nebbia della civiltà circonda le nostre paure nell’ascolto di queste canzoni, piume sporche di petrolio si appiccicano sempre di più durante questa fiumana esoterica  nella quale non appare una luce, se non la bellezza dell ‘autenticità che il Monsignor Tibet e i suoi discepoli musicanti distribuiscono in questa tragedia.

Un concerto che diventa il percorso artistico di una band che ha sempre avuto poca considerazione, però sempre capace di mantenere saldo l’equilibrio dei suoi forzieri.

Brani come preghiere, con aghi e spine in un involucro sanguigno dove i grumi sono una benedizione e non una maledizione.  

Note musicali come strida continue e con la coda fatta di tremori che impauriscono. Come se il Teatro insegnasse ai film horror come si fa a creare paure senza fine.

Ascoltando questo concerto potresti chiederti come stanno i confini del tempo, come si è arrivati a perdere le energie essenziali. Davvero si entra nel tempio del dolore, non quello accartocciato delle lamiere dei Christian Death, bensì uno più raffinato e sottile.

Tutta la fila nevrotica dei sentimenti più cupi si appiccica alle canzoni, con la sensazione dominante che l’inquietudine sia la vera regina del palco, che scricchiola seppure non manchino atomi di dolcezza e incanto.

Decadenza, battaglie medievali, sonorità gonfie di vibrazioni tenui, la luce tenuta nella gola di una candela sempre più stanca e opaca: questo e altro fermenta nella botte nella quale i brani ci fanno prendere spazio.

David Tibet organizza tutto come se fosse l’ultima replica: sentiamo la sua tensione e, per come certi brani vengono modificati rispetto alle versioni sugli album e per la sua interpretazione recitativa e carica di graffi, non si può che ringraziarlo per averci offerto uno spettacolo che esalta e va oltre le aspettative.

Con lui, certamente, non si perde tempo a sperare nella presenza di alcune canzoni rispetto ad altre: tutto è un rito, definito, e che si conclude con la nostra fragilità nel fondo della notte…

Tutto si fa sulfureo, quasi diabolico, con la sensazione che un temporale camuffato ci stia colpendo, un inganno che dalle viscere ci afferra le caviglie.

I canti Gregoriani, il cello strepitoso di John Contreras a ingrossare di stupore il ventre e la sensazione di una messa di suoni senza Dio ma più severa del giudizio universale a renderci smarriti diventa sempre più reale.

In tutto questo 4 Hypnagogue 4 è la summa, il tutto che si deposita come incenso negli occhi, la drammaticità di parole che fanno spazio all’introduzione di un pianoforte con il sorriso, poi la chitarra a sostenerla e poi David: il palco diventa un sagrato devastato tra pene, peccati e il buio che attende. E il petto che ricorda, in un incendio del tempo. 

Con, ad esempio, la toccante Sleep Has His House, dedicata a suo padre, David ed il piano sono il respiro di pensieri intensi che grattano l’ugola del Monsignore finendo per trasformarci in testimoni di un umore con le unghie nere.

Semplicemente devastante.

È questa atmosfera che attraversa la nostra anima e la conduce alla resa che ci fa non solo testimoni ma complici di quei territori mentali da cui spesso vogliamo fuggire.

La sontuosa The Death of the Corn, con la sua apertura sul filo del rasoio, il suo attenersi al protocollo primordiale della musica Industriale, per poi divenire una classica ballata neo-folk, è una esperienza da farsi, senza freni.

Non voglio però rendere l’idea che l’ascolto di questo album possa divenire traumatico (non sarebbe poi una tragedia vista la qualità delle considerazioni e delle emozioni che vengono fuori come funghi) perché esiste un piano positivo, una bellezza vestita di bianco che riesce a trovare il suo spazio e a diventare la principessa sorridente che cammina tra note con il cappotto nero ed il bavero alzato: dove esistono connessioni tra estremi esiste ad ogni modo una speranza che pianta la sua bandiera.

Fosse anche sui nostri polmoni.

Non ci resta che ascoltare questo spettacolo perché dal Teatro, quando trionfa la qualità, si torna a casa con il cuore che ha trovato il modo di allargare il suo potenziale emotivo.

E quella voce finale di una bambina in “God is love”, sulla nervosa Locust, dimostra che tutto può continuare con un minimo di speranza…

Ci sono  api che sono instancabili…

Alex Dematteis 

Salford

16 Febbraio 2022

My Review: Stella Diana - Sleepless Girl (new single)

 My review

Stella Diana - Sleepless Girl

While waiting, one might feel the obstacle of passivity, hope and trust: not enormous obstacles, but difficulties to be managed with care and skill.

And then, thankfully, everything vanishes and what was expected arrives.

This is the case for the trio Stella Diana who, almost four years after their last album 57, anticipate the release of the next Nothing to Expect with the single Sleepless Girl, which confirms their attitude to melodies that are attached in the mind and amaze with their ability to create a song ending which shifts the imagination and destination that the previous minutes had created.

Echoes of the Cure from the Faith period make our heart skip beats, but what really makes us happy is the personality and style of the three who, with a guitar full of personality, an extremely effective bass and a simple but spectacular-sounding drumming envelop us like a fog with melancholic skin. 

Dario Ardias Thorre with his vocals hypnotises and at the same time reassures us by giving us an effective melodic line to pilot our dreams.

The keyboards appear with brief touches and sublimate the verse.

In the chorus the music turns on the ancient Shoegaze DNA and it is a sudden and healthy explosion.

And that explosion of guitars like dripping wax remains in the next verse.

Then a short guitar solo puts Dreampop and Shoegaze under its arm for short, intense seconds.

The end consists of the last 73 seconds and is a sound ritual, an act of witnessing the fog that has concluded its journey, the sounds become dilated and the bass raises its voice, the guitar becomes a fan to make us end the listening in full ecstasy.

With such a premise, the new album has all it takes to reaffirm our love for them and to stun us with necessary beauty.

Out tomorrow, 16th February 2022

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

February 15 2022