My Review: L’appel Du Vide - Metro

L’appel Du Vide - Metro

Look! Saxony, one of the federated states of Germany, presents us with four of its emissaries of beauty from the astonishing Chemnitz, famous for its statue portraying Karl Marx, but for Old Scribe above all for the numerous bands that have made it a secret cradle of countless splendours.

Four years of activity have shown that the pelvic and mental treatise of this combo is a radioactive stain of surgical propensity, an epidermal shock that goes beyond the musical genres on offer, between an almost Deathrock, a confident Post-Punk and a sublime Noise Rock mixed with candelabra to illuminate the torpor and suffering of the city that has never managed to invade the world, but which next year will see as European Capital of Culture.

This work is a process of combustion, thoroughbred horses thrown into a gallop to leap over obstacles filled with banality and vulgarity: the Germans here employ rational and emotional strategies, a pick, a spade, a chisel and a lathe, to make listeners aware of what it is to be a reject of society.

A continuous uproar, in the celestial watershed of confusions made palpable, with dutiful precision, taking care of the sound, its outrageous and swaggering rules, to slaughter consciences more than eardrums, for a crazy world tour, encompassing the United States (the overflowing Portland above all), as well as the strong Manchester in England, to arrive at the intuition of the qualification of melodies as witches resurrected after a long hibernation, to bestow fatuous fires and handfuls of incense inside our nostrils.

Something primitive, the fruit of pre-medieval charcoal conquests seize the bloodstream of these compositions, to materialise in the modern proscenium of insult, in the wandering dance behind its scenes. 

It becomes clear that their ambassadorship has the will to progress, to leave its core and become an affront, a clash, through songs that wander the sky like murky clouds in a successful attempt to make the sun's rays weep: when iron flies in the sky, no heaven feels safe.

In the eyes of the four metalworkers, the history of man is a cemetery to be carried in the fragrance of their faces, a puzzle of Machiavellian ardour, the arrogance that reigns and conquers, deconstructs and amplifies the pain starting from punk and ending up stuck inside movements full of spasms and fireworks, in the chaos of an irrepressible adrenalin.

It drools in terrifying mode, tangles in a spasm that hurts the head, with continuous stings, relegating pleasure to the dead theatre of illusion. Songs like gratings full of blood, microscopic attacks that with the passing minutes become a nuclear roar against a peace that they just don't care about: once again the Old Scribe turns his cheek to this mysterious and rebellious group, offering himself as a sacrificial victim, conscious and happy.

The rhythm, often murderous in its corrosive speed, carries itself along with bass lines, blades of shattering guitars, the vulgar and extraordinary drumming, seductive altar of every physical pick.

When the piano and synthesizers dare to show their breaths, we give in to an unexpected heart attack: like druids without respect they play with our senses, spewing forth courses of extraordinary and at the same time alienating beauty, where commotion genuflects.

Suse, Friday, Flatty and Rene: these are the names of these furious little guns who composed a treatise on madness that the Frankfurt School, with its extraordinary philosophers, would have rewarded with a degree in applied alienation, with an academic kiss.

Enough is enough, it is undeniable that we have to reckon with the individual cracks and move into a getsemane waiting to be breathed, amidst more weeping olive trees than ever before...

Song by Song

1 - Nacht

The opening is a heart attack, Sheffield seems resurrected, and then it's a tangle that starts with The Killing Joke as it glides into Frisco, and loses its free will to be the gymnasium where everything has to be precise, with monumental and rapid changes of rhythm, and a vocal that is dry, symptomatic and abrasive.

2 - Verschwiegen

Primordial seeds of arthritis-filled vapours coming from Fields Of The Nephilim become apparent in the first few seconds. Then it's savagery, barbaric and atomic disembowelment, backed by magmatic guitars and Rene showing us the breath of Rozz Williams. 

3 - Offenbarungseid

Wounded Post-Punk, following Bauhaus as they put makeup on their faces, takes off to attack our already clearly wounded bodies. Everything becomes a locomotive full of mental refugees, enraged, embracing the unforgiving guitar: it rips, sews, paints vessels dripping with sweat and sticky jelly. The breath is short, but a stratospheric black joy is experienced....

4 - Woanders

Here is the alien Germany, blameless, majestic, elusive, that makes us wait, with the play of guitars and drums, to become stake and heartbreak. The time oscillates between 1977 and 1980, the places are the vertebrae of London and Detroit, in a Post-Punk party of incredible placebo effect

5 - Verbrennen

The Banshees open the dances, then it is the majestic corpse of the band, its uniqueness, that emerges: a song that is a procession, an armistice, a surrender that knows darkness when the singing begins and the drumming becomes sombre. Then just debris and fans falling to the ground...

6 - Fleisch

The head bows, the eyes search for treatises on ancient medicine, the notes fall from the sky like slow, dust-filled skeletons, in a slow industrial spectrum that turns into a hard-core murder of inhuman chorality, to arrive, following a treatise on imposed education, to play with Deathrock missiles and then, again and again, flow into hard-core. Devastating!

7 - Warteschleife

No truce, for pity's sake, you don't, you mustn't, and the four of them beat up, they don't give a damn about common sense, and continue to sow bullets, in the chaotic Dantesque circle, placing zombies in the sounds and malignant smiles in the harmonic textures...

8 - Ausgeliefert

Berlin calls, Hamburg cries, Bremen swings, Frankfurt waits: a song that, like a super condensed book, struggles to contain the sparkle of these black seeds like gloating worms. It yearns, it waits, it enriches, it warms the skin of sound in a dance that makes a mop of every thought...

9 - Fragezeichen

The delirium, with the first part of the song reiterating a neurotic and shadowy methodology, the surprise of a stratospheric finale, with that piano that kills every caress, makes the leave-taking a new epidermic shock, with the story of the first and blasphemous Post-Punk that emerged from the banks of the Mississippi, then able to penetrate into the heart of the German black forest. A delirium that sums up everything we have heard and makes this album a spectral mirror of clamorous urges and macabre, powerful beauties...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

28th March 2024

Album out on 29th March 2024

https://sabotagerecords.bandcamp.com/album/lappel-du-vide-metro-lp

My Review: Swirlpool - Distant Echoes

 

Swirlpool - Distant Echoes

The time has come for conjugation, for memory to activate its channels full of intelligence and respect in order to probe the past and give it new possibilities for a more conscious future. 

This is done through a German band, its passion for shoegaze, magically delving into the river of reverberations, of feelings that shake the listener's soul, who finds himself immersed in candelabra, shadows, winds, suspended magic, between black and white and shaded, between sonic thickenings and poignant melodies, where melancholy stamps its passport to bring these songs onto the stage of the most complex and robust emotion one could wish for. 

In the meticulous sifting that sees this genre of music concentrated in its (at least here) thirty-four years of life, everything appears synthesised to perfection and then given a tailspin and loaded with new pulsations, new attitudes, new inclinations, in order to give this nursery of controlled incandescence a throne: it would be important for it to be recognised, as Distant Echoes is one of those works that make history. Within it, clichés are exalted, through the methodology of study, and then a necessary motion of new stars is developed. An attitude that explores, almost secretly, the hunting grounds of lesser-known post-rock, injecting seeds of subtle, almost mystical indie-rock. The whole produces a set of poems that give guitars like magnets, a soft but capable bass that supports the entire sound apparatus, and drumming that traces full-bodied melodies, a vigilant that launches sound and rhythm in the right directions. 

You run, you fly, you chase the centre of gravity of a desire that knows no calculation: the professionalism of Thomas A. Fischer, Markus Kraus and Christian Atzinger produces spells, daisy petals full of ardour and the ability to explore light. They favour the song form, but it is as if each part of their compositions had individual projects, for a puzzle of absolute beauty. Each moment is a bubble that plunges into the rainbow of electric waves that know how to skilfully combine reality and dream, making us touch the notes like an unexpected miracle. An album that seems to be written to be listened to in an attic, with a few glasses of wine, some sweets and a psychology book: there is life to be touched in these rivers, each track becomes a stick that slips into the water of a concept made of vibrations, tensions and caresses, to trigger reflections and emotions. It leads us to crisply perceive a protean layer, causing adoration and disbelief, against the backdrop of the subliminal chaos of shoegaze painted and not shouted, through modes predominantly set to the right rhythm, with a predilection for rhythm changes. Arpeggios with a burning heart, directions that are never random towards a melody that is never found in solitude, with a teamwork that compacts the voice full of reverberation with music swollen with inventiveness, for a global creation that engages the listener in deep attention. 

The production by Mark Gardener (Ride) comforts, amazes, giving the further certainty that this debut was born to be protected with wisdom and intelligence. It flows, and does so well, this magnetic flow of brushes and silks, to envelop the heart in unquestionable ecstasy. 

Right from the start, with the album's title song, we have majesty and shyness, for a combo that hands over the sceptre to the guitars and drumming, and in which post-rock embraces the easiest shoegaze to listen to, in a blaze of intensity and warmth. In Caught In A Dream the band shows how melody and power can be an invincible duo, with the vocals sounding like a rainy day without smiles, while the keyboard paints possible rainbows and the guitars alternate between Dream Pop and shoegaze patterns. When Paranoia arrives, we realise where the style brought to the sky stage by Slowdive is placed: is a sombre procession that does not forgo sweetness with guitars that watch The Cure's Wish album show wrinkles. Immense. The concluding Drowned Voices is an almost mystical farewell, immersed in its slowness that hypnotises, fascinates and shows the future of this musical genre: it is a grazing of the intensity of a sound that is shown with modesty, as if nothing should be ostentatious, and it is at this juncture that the band unleashes solutions with patience and research.             

The whole soundstage deserves a precise study: it will not be the best-loved album of 2024, but certainly among those that will prove that it is the students who teach the world that there is still so much to know...

Prodigiously, while the vibrant artistic forms exhibit their structure, everything seems to become evanescent: one cannot control the beauty of this pelvic carousel of balances, one can only 'suffer' its fascination, in an ever-rising merry-go-round of sounds. And the dirt of guitars trained to contortions produces an unsuspected sense of cleanliness: when sound slides wash the soul and you feel lighter...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

20 March 2024

Album out on 22 March 2024

https://swirlpoolmusic.bandcamp.com/album/distant-echoes

La mia Recensione: Swirlpool - Distant Echoes

 

Swirlpool - Distant Echoes

È giunto il tempo della coniugazione, della memoria che attiva i suoi canali pregni di intelligenza e rispetto per poter sondare il passato e dargli nuove possibilità per un futuro più consapevole. 

Lo si fa attraverso una band tedesca, la sua passione per lo Shoegaze, addentrandosi magicamente nel fiume dei riverberi, dei sentimenti che scuotono l’anima dell’ascoltatore, che si ritrova immerso tra candelabri, ombre, venti, magie sospese, tra il bianco e nero e lo sfumato, tra addensamenti sonici e struggenti melodie, dove la malinconia timbra il passaporto per portare queste canzoni sul palco dell’emozione più complessa e robusta che si possa desiderare. 

Nel meticoloso setaccio che vede concentrato questo genere musicale nei suoi (almeno qui) trentaquattro anni di vita, tutto appare sintetizzato alla perfezione per poi dare un colpo di coda e caricare a bordo nuove pulsazioni, nuovi atteggiamenti, nuove inclinazioni, al fine di conferire a questo vivaio di incandescenze controllate un trono: sarebbe importante che gli venisse riconosciuto, in quanto Distant Echoes è uno di quei lavori che fanno la storia. Al suo interno i cliché vengono esaltati, attraverso la metodica dello studio, per poi sviluppare un moto necessario di nuove stelle. Un atteggiamento che esplora, quasi segretamente, i territori di caccia del post-rock meno conosciuto, iniettando semi di indie-rock sottile, quasi mistico. Il tutto produce un insieme di poesie che regalano chitarre come magneti, il basso morbido ma in grado di sostenere l’intero apparato sonoro, e un drumming che traccia melodie corpose, un vigile che lancia il suono e il ritmo nelle giuste direzioni. Si corre, si vola, si insegue il baricentro di un desiderio che non conosce calcoli: la professionalità di Thomas A. Fischer, Markus Kraus e di Christian Atzinger produce incantesimi, petali di margherite piene di ardore e capacità di esplorare la luce. Prediligono la forma canzone, ma è come se ogni parte delle loro composizioni avesse singoli progetti, per un puzzle di assoluta bellezza. Ogni momento è una bolla che si tuffa nell’arcobaleno di onde elettriche che sanno, sapientemente, coniugare la realtà e il sogno, facendoci toccare le note come un miracolo inatteso. Un album che sembra scritto per essere ascoltato in una mansarda, con qualche bicchiere di vino, dei dolci e un libro di psicologia: c’è vita da toccare in questi fiumi, ogni brano diventa un bastoncino che scivola nell’acqua di un concetto fatto di vibrazioni, tensioni e carezze, per scatenare riflessioni ed emozioni. Ci conduce a percepire con nitidezza uno strato proteiforme, causando adorazione e incredulità, nello scenario del caos subliminale dello shoegaze dipinto e non urlato, attraverso modalità prevalentemente preposte al giusto ritmo, con la predilezione dei cambi ritmo. Arpeggi dal cuore acceso, direzioni mai casuali verso una melodia che non si ritrova mai in solitudine, con un gioco di squadra che compatta la voce piena di riverbero con musiche gonfie di inventiva, per una creazione globale che impegna l’ascolto in una profonda attenzione. La produzione di Mark Gardener (Ride) conforta, stupisce, regalando l’ulteriore certezza che questo esordio sia nato per essere protetto con sapienza e intelligenza. Scorre, e lo fa benissimo, questo flusso magnetico di pennelli e seta, per avviluppare il cuore in un’estasi indiscutibile. 

Sin dall’inizio, con la canzone che dà il titolo all’album, abbiamo la maestosità e la timidezza, per un combo che consegna alle chitarre e al drumming lo scettro e in cui il post-rock abbraccia lo shoegaze più semplice da ascoltare, in un tripudio di intensità e calore. In Caught In A Dream la band dimostra come melodia e potenza possano essere un duo invincibile, con il cantato che pare una giornata di pioggia senza sorrisi, mentre la tastiera dipinge possibili arcobaleni e le chitarre si alternano tra schemi Dream Pop e Shoegaze. Quando arriva Paranoia realizziamo dove sia collocato lo stile portato sul palco del cielo dagli Slowdive: è una processione cupa che non rinuncia alla dolcezza con chitarre che guardano i Cure di Wish mostrare le rughe. Immensa. La conclusiva Drowned Voices è un addio quasi mistico, immersa nella sua lentezza che ipnotizza, affascina e mostra il futuro di questo genere musicale: è uno sfiorare l’intensità di un suono che viene mostrato con pudore, come se nulla dovesse essere ostentato ed è in questo frangente che il gruppo sfodera soluzioni con pazienza e ricerca. L’intero palcoscenico sonoro merita uno studio preciso: non sarà l’album più amato del 2024, ma sicuramente tra quelli che sapranno dimostrare che sono gli studenti a insegnare al mondo che c’è ancora tanto da conoscere…

Prodigioso il fatto che, mentre le vibranti forme artistiche esibiscono la loro struttura, tutto sembra farsi evanescente: non si può controllare la bellezza di questa carrellata pelvica di equilibri, si può solo “subirne” il fascino, in una giostra di suoni in continua ascesa. E lo sporco di chitarre ammaestrate alle contorsioni produce un insospettabile senso di pulizia: quando le diapositive sonore lavano l’anima e ci si sente più leggeri…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

20 Marzo 2024

L'album uscirà il 22 Marzo 2024

https://swirlpoolmusic.bandcamp.com/album/distant-echoes

My Review: Jo Beth Young - Broken Spells

 Jo Beth Young - Broken Spells

"Not knowing when dawn will come, I leave every door open."

Emily Dickinson

A silent gathering drives the music: from that practised by all escapes this higher order that is organised by a celestial troop, to make it much more than an emotional event.

In this restricted organisation, the one written, composed and sung by JBY is certainly the spearhead, the clear representation that there is an effluvium that makes smells the guardians of a pleasant and essential stunner. Because the English singer with her new sonic painting builds bridges, waterfalls, embraces for an encounter that has several concepts to express, which makes her a citizen with a passport that allows her to arrive in every land willing to sow the seeds of this extraordinary tribute to conscious work in her listeners.

This happens when Broken Spells penetrates the soul: one becomes a travelling resident like her, a soul in non-stop transit.

There are several novelties compared to the previous Strangers: in these five years, the study of singing and the construction of the waves that make her songs a short circuit of an elegant, graceful and full of inspiration cosmos, finds important specifications, giving, in addition to her folk style contemplating atoms of World Music, a greater presence of fine, vital electronics, never pompous or inappropriate. Rather: an ensemble that creates a unique idyll, magnificent and full of colourful bubbles, as if a rainbow inhabited it.  One thus finds oneself swimming in its celestial space with greater intimacy and an incredible unforeseen reality. Listening stuns, enlightens, makes the skin of the heart moist, with the sensation of experiencing a continuous suspension in the face of everyday distortions: she grants us hope, emotion, the duty to seek a positivity that in her new compositions build an unassailable motion. A skilled multi-instrumentalist with clear ideas, she gathers musicians around her fingers with patience, quick to collaborate, to make these tracks a crowd of compact stars, building a sky of their own, slow, virtuous and infinite.

Peter Yates on guitar (Fields Of The Nephilim), Jay Newton on piano (Abrasive Trees), Jules Bangs on bass (Herija), John Reed on Steel Guitar, Ben Roberts on cello (Silver Moth/Prosthetic Head) are a combo aligned with Jo's project, a talented condenser, who moves inside the clouds, with the task of keeping the initial ideas rarefied, but bringing them fearlessly in front of eternity.

She seduces and conquers the certainty that this artist is able to bind the past and the present in that mystery, fear, conscience and turmoil are perfectly aligned, in a form of discipline that does not contemplate mistakes, superficiality and dastardly choices. Perfection: there it is, achieved, defined and shown to stun like an earthquake of slow kisses, oblique but never venomous glances, because sweetness for Jo Beth is an overt act of respect. As one listens to these new ten blinks, one can definitely feel her maturity in creating a concept album, sonorous, emotional, the range of her secrets shown almost completely, with the conviction that some are left in her hands, perhaps to be presented in the future.

The attitude is to give this modern bouquet with the imprints of electro folk, ambient, artpop, progressive, a chance to connect with a mood that brings out the instinct of baroque music that is surely within its sensibility, perhaps unconsciously, but that does not matter. What is important is the bright beam of synapses in contact, in the miracle of different epochs, of an acclimatisation with history and the future, here placed not as a hypothesis but as a territory in which these notes already construct it.

Her voice is a velvety driver, without neurosis, without annoying jerks and also a polite walk between colourful changes of register, a gentle tide that uncovers the nerves, a tale read slowly with attention and care. There is no need to bother other singers, to make comparisons: serious listening shows her unique identity, capable of making us experience the pleasant condition of a marriage between her uvula and our ears. But do not think that music is a pillow, a blanket, a stick on which everything is touched to create condensation. Absolutely not: it is a continuous breath, a parallel journey, an ensemble of natural identities with the wise authority determined to coexist with these vocal vibrations for a collective that also has a way of showing individual validity.

Let us not make the mistake of making this album merely a list of compliments: we need to experience it, to make a solid participation, to become music ourselves in order to understand the dynamics that have allowed Jo's to create not an event, but what this artistic expression should normally be, the biomechanics of an educational and exploratory work for our souls.

Penelope is blonde: she builds and unbuilds to give the dream a soundtrack that keeps fantasy a constant, because reality is no longer able to give her space. Beth succeeds, in abundance, with quality, melting the badness, harnessing this harmful human nature with her elegant propensity to show another dimension, possible and indispensable.

She brings the area where she lives (Northern Ireland) into the centimetres of our imagination, stretching the idea we have of those places, creating aquatic movements where there are clods of earth instead, in a wonderful opportunity for transformation, making possible the contact between the real and the dreamlike. Her mental laboratory illuminates the wind and, when the songs find the light, listening to them means writing an incredible new story.

Broken Spells represents an opportunity to feel the heavenly face stretching out its hand, as if its intention was to generate our peace: it takes less than an hour to have a master guide, to find oneself in enchantment, to feel lighter...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

10th March 2024

https://jobethyoung.bandcamp.com/album/broken-spells

La mia Recensione: Jo Beth Young - Broken Spells

 Jo Beth Young - Broken Spells

“ Non sapendo quando l’alba arriverà, lascio aperta ogni porta.”

Emily Dickinson

Un’adunata silenziosa pilota la musica: da quella praticata da tutti fugge questo ordine superiore che è organizzato da una truppa celeste, per renderla molto di più di un evento emozionale.

In questa ristretta organizzazione quella scritta, composta e cantata da JBY ne è sicuramente la punta di diamante, la rappresentazione evidente che esiste un effluvio che rende gli odori i custodi di uno stordimento piacevole ed essenziale. Perché la cantante inglese con il suo nuovo dipinto sonoro costruisce ponti, cascate, abbracci per un incontro che ha diversi concetti da esprimere, il che la rende una cittadina con il passaporto che le consente di arrivare in ogni terra vogliosa di seminare negli ascolti questo straordinario tributo al lavoro cosciente.

Ciò accade quando Broken Spells penetra nell’anima: si diventa residenti viaggianti come lei, anime in transito senza sosta.

Diverse novità rispetto al precedente Strangers: in questi cinque anni lo studio del canto e della costruzione delle onde che fanno delle sue canzoni un corto circuito di un cosmo elegante, aggraziato e pieno di ispirazione, trova specificazioni importanti dando, oltre al suo piglio folk contemplante atomi di World Music, una maggiore presenza di una elettronica fine, vitale, mai pomposa e inopportuna. Piuttosto: un insieme che crea un idillio unico, magnifico e pieno di bolle colorate, come se un arcobaleno ci abitasse dentro.  Ci si ritrova così a nuotare nel suo spazio celeste con maggiore intimità e una incredibile realtà imprevista. L’ascolto stordisce, illumina, rende la pelle del cuore umida, con la sensazione di vivere una sospensione continua nei confronti delle storture quotidiane: ci concede la speranza, l’emozione, il dovere di cercare una positività che nelle sue nuove composizioni costruiscono un moto inattaccabile. Abile nell’essere una polistrumentista dalle idee chiare, raduna attorno alle sue dita musicisti dotati di pazienza, veloci nella collaborazione, per fare di questi brani una folla di stelle compatte, costruendo un cielo a sé, lento, virtuoso e infinito. 

Peter Yates alla chitarra (Fields Of The Nephilim), Jay Newton al pianoforte  (Abrasive Trees), Jules Bangs al basso (Herija), John Reed alla Steel Guitar, Ben Roberts al violoncello (Silver Moth/Prosthetic Head) sono un combo allineato al progetto di Jo, una condensa di talento, che si muove dentro le nuvole, con il compito di mantenere rarefatte le idee iniziali, portandole però di fronte all’eternità senza timore.

Seduce e conquista la certezza che questa artista sia in grado di legare il passato e il presente in quanto il mistero, la paura, la coscienza, il trambusto sono perfettamente allineati, in una forma di disciplina che non contempla errori, superficialità e scelte scellerate. La perfezione: eccola, raggiunta, definita e mostrata per stordire come un terremoto di baci lenti, occhiate oblique ma mai velenose, perché la dolcezza per Jo Beth è un atto conclamato di rispetto. Mentre si ascoltano questi nuovi dieci battiti di ciglia, si avverte decisamente la sua maturità nel creare un concept album, sonoro, emozionale, il ventaglio dei suoi segreti mostrati quasi del tutto, con la convinzione che alcuni siano rimasti nelle sue mani, magari da presentare in futuro. L’attitudine è quella di dare a questo bouquet moderno con le impronte di electro folk, ambient, artpop, progressive, la possibilità di connettersi con un umore che faccia emergere l’istinto di musica barocca che è sicuramente all’interno della sua sensibilità, forse magari inconsciamente, ma questo non conta. Quello che è importante è il fascio luminoso di sinapsi in contatto, nel miracolo di epoche diverse, di un acclimatamento con la storia e il futuro, qui posto non come un'ipotesi ma come un territorio nel quale queste note già lo costruiscono. 

La sua voce è un pilota vellutato, senza nevrosi, senza scatti fastidiosi e anche una educata camminata tra colorati cambi di registro, una marea gentile che scoperchia i nervi, un racconto letto lentamente con attenzione e premura. Non è il caso di scomodare altre cantanti, di fare i confronti: un ascolto serio mostra la sua identità unica, in grado di farci vivere la piacevole condizione di un matrimonio tra la sua ugola e le nostre orecchie. Ma non si pensi che la musica sia un cuscino, una coperta, un bastone su cui il tutto si tocca per creare una condensa. Assolutamente no: è un respiro continuo, un viaggio parallelo, una insieme di identità naturali con la sapiente autorevolezza, determinata alla convivenza con queste vibrazioni vocali per un collettivo che ha anche modo di mostrare validità individuali. 

Non si commetta l’errore di fare di questo album solamente un elenco di complimenti: occorre viverlo, rendere solida una partecipazione, divenire noi stessi una musica per capire le dinamiche che hanno permesso a quella di Jo di creare non un evento, bensì quella che dovrebbe essere normalmente questa espressione artistica, la biomeccanica di un lavoro educativo ed esplorativo per le nostre anime.

Penelope è bionda: costruisce e disfa per dare al sogno una colonna sonora che mantenga la fantasia una costante, perché la realtà non è più in grado di darle spazio. Beth sì, ci riesce, in abbondanza, con qualità, sciogliendo la cattiveria, imbrigliando questa dannosa natura umana con la sua elegante propensione a mostrare un’altra dimensione, possibile e indispensabile.

Porta nei centimetri della nostra immaginazione la zona dove vive (l'Irlanda del Nord), allungando l’idea che abbiamo di quei luoghi, creando movimenti acquatici laddove invece sono presenti zolle di terra, in una meravigliosa occasione di trasformazione, rendendo possibile il contatto tra l’aspetto reale e quello onirico. Il suo laboratorio mentale illumina il vento e, quando le canzoni trovano la luce, ecco che ascoltarle significa scrivere una nuova incredibile storia.

Broken Spells rappresenta un’occasione per sentire il volto celeste teso ad allungare la mano, come se la sua intenzione fosse quella di generare la nostra pace: occorre meno di un’ora per avere una guida maestra, per ritrovarsi nell’incanto, per sentirsi più leggeri…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

10 Marzo 2024

https://jobethyoung.bandcamp.com/album/broken-spells

La mia Recensione: Loom - Eternal Aphelium E.P.

 

Loom - Eternal Aphelium E.P.

Il frastuono del silenzio rende mobili le anime desiderose di calore, modificando la direzione e la permanenza dei propri bisogni, non permettendo a se stesse di tergiversare, di non adoperare il tempo nel modo migliore.

Gli svedesi Loom prendono la slitta e vanno a nord, nello spazio che rende la loro mente un bagliore che abbraccia i sogni, portando la valigia della realtà ben stretta tra le braccia e le ugole.

In tutto questo il nuovo E.P. mostra alcuni cambiamenti, sorprese che stordiscono e rendono l’ascolto una traversata celeste gonfia di visioni e percezioni che scaldano il cuore, combattendo il freddo e la rabbia del vivere odierno.

Torna Monika Axelsson come voce principale della band, mentre Evelina Nicklasson ha deciso di prendersi una pausa. In più, in un brano, ci capita anche di sentire il cantato di Roland Klein, insieme al chitarrista Fredrik Axelsson.

Assistiamo a una mutazione, a una elaborata premura volta a dare alle composizioni e al suono la possibilità di divenire materia celeste, parente stretta dei sogni, in un abbraccio che consente alla formazione nordica di esprimere un talento seducente, ammaliante, generoso soprattutto nel fare dei ritmi più lenti un attracco stilistico prossimo a meteore Post-Rock.

Ma rimane essenziale, per dovere di cronaca, riconoscere che lo Shoegaze è qui approcciato con grande esigenza esplorativa, quasi come se i quattro avessero studiato possibili assestamenti e graziosi, ma efficaci, miglioramenti.

Riuscendoci.

Quattro nuovi dipinti e quell’Aphelium III uscito a Gennaio di questo anno. Il territorio su cui si posano la scrittura e le capacità espressive che coniano un abbraccio uscito da una sedia a dondolo in vimini, con una fiasca piccola di whiskey, è una duna piena di neve che fa da trampolino verso il cielo. Le chitarre, in questo gioiello invernale, trovano il modo per spaziare in incroci possenti e rarefatti con gli altri strumenti, agganciando, concretamente, la possibilità di compattare le varie individualità espressive. Per quanto concerne i cantati, emerge una solidarietà, un sostegno, un ammiccamento, una dolcissima intimità che veste l’ascolto di vibranti emozioni, mostrando, rispetto al resto della discografia del gruppo, una maggiore e spiccata propensione a concedere loro il palco, su cui la luce del gradimento stabilisce un contatto generoso, benevolo di premure e sostentamento.

Capaci di riprodurre la struttura evidente del genere musicale che ha trovato negli Slowdive e nei Low (perché, davvero, assistiamo alla miscela di un lavoro che comprende Shoegaze, Post-Rock e Slowcore) il maggior punto di riferimento in queste cinque canzoni, questi artisti, attraverso l’accurata produzione di Henrik Viberg e anche la propria, dipingono i giochi di luce con una cornice che rende etereo il tutto, come se la sensazione di entrare direttamente nel loro processo compositivo divenisse reale. Si giunge ad attraversare spazi mentali, sentimenti, in una festa dove i suoni trattengono sia la gioia che il dolore, rendendo il respiro muto ma colmo di grandi vibrazioni.

Eternal Aphelium diventa, così, un E.P. di concessioni, uno spettacolare vascello tra solide qualità del passato che non scompaiono, ma sono desiderose di ospitare una mescolanza che rende il quartetto gravido, per fare dell’arte dei Loom la possibilità di acquisire brividi e riflessioni.

Nuvole come chitarre in fase di atterraggio, un drumming come un tuono in uno stato ormonale ed esplorativo e il basso come distributore di saggezza e sostegno, e per finire una tastiera che chiude il percorso di espressione per consolidare la potenza evocativa.

Song by Song

1 - Slowmotion

L’emozione, più rapida a manifestarsi, giunge proprio dalla opener track, un masso di roccia che si alza in volo, con le chitarre shoegaze che troneggiano, per consentire poi alla soave voce di Monika di accarezzare i nostri occhi e giungere al ritornello, che condensa il tutto, trasportando i corpi nella casa del sogno. Come una giostra circolare, il perimetro del suono afferra più di trent’anni di questo genere musicale, lucidando le medaglie al valore conquistate…

2 - My Melancholy Girl 

Un arpeggio di chitarra e una tastiera sottile obbligano il ritmo a rallentare, ma il battito diventa tachicardico: la voce di Fredrik prima e di Monika poi, sono il terreno dove nascono lacrime dolcissime. Un caos ragionato, tenuto a bada con classe, in una ninnananna solare che esprime il talento di una canzone come sonda, per camminare nel cielo, con la nudità del suono a scaldare le orme di una musica poetica come non mai…

3 - Trapdor

Potente, come in numerosi episodi degli Adorable e dei Catherine Wheel di Ferment, il terzo brano vede Fredrik e Roland cantare insieme, in mezzo a schegge psichedeliche e un drumming che sfida la pazienza del cielo che vorrebbe dormire. Giunge, nel ritornello, anche il controcanto di Monika, in un combo compatto, lunare, dolcemente nevrotico, facendoci danzare, con il basso che spinge il suo pulsare a fare di tutto ciò un complesso amplesso di colori e vibrazioni.

4 - Aphelium III

Il singolo che ha anticipato l’E.P. è una droga che riempie la mente di visioni, con la chitarra graffiante ma in grado anche di costruire una melodia quasi feroce, mentre le due voci passeggiano all’unisono per creare una struggente linea melodica. Scintillii che generano richiami, fascinazioni, con il risultato di una dipendenza che fa compiere ripetuti e goduriosi ascolti…

5 - Proximity

Il congedo è spettacolare: Monika lascia la sua voce angelica sulle corsie di un arpeggio semplice ma generoso di approcci, con il basso che scivola verso il petto, per poi condurci nel vento, un’ascesa spirituale in prossimità di una eternità che potrebbe proprio avere questo gioiello come colonna sonora. La tastiera qui è più incisiva per quanto mantenga il suo minimalismo, ma quelle poche note ci fanno immergere nella grande luce che l’insieme produce, conferendo all’insieme bellezza e coccole, per far divenire il tutto un perfetto fade-out, una lenta processione con l’abito della generosità a fasciare un lavoro maestoso…

In uscita l'8 Marzo  2024

Fredrik Axelsson - Guitars, keyboards, vocals

Roland Klein - Basses, programming and backing vocals 

Eddie Wilmin - Keyboard

Monika Axelsson - Vocals

Recorded by Loom

Produced by Henrik Viberg and Loom

Mixed and Mastered by Henrik Viberg

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

7th March 2024