My Review: Nick Cave & The Bad Seeds - Wild God

 Nick Cave & The Bad Seeds - Wild God

‘In the light, even the tree longs for the sun.’

(Italian proverb)

There are sunflowers swirling in the heart of slumbering intentions, like extravagant damnations in which the terminal is shown as soon as the light is turned on.

Nick Cave leaves the crater and ascends to the peaks of a sentiment that has not been used for years: concentrating the legacy of pain to immerse it in the vaulting of a smile built like a coral reef.

An earthquake in reverse: from the top of the conversion small fragments of lava rise into the sky of a determination to oxidise that blackness that has always defined him, that he has never concealed and that has crossed the pulse of every hesitation.

Wild God is an artistic installation that does not seek consensus, it travels by boundaries that cannot be grasped: there is a contamination, while listening to these ten craters, that nails amazement, to make us bow before these stylistic changes that are almost invisible but effective. Many updates in the writing, the adoption, definitive, of an absence that seemed a cause of despair for his loyal fans: the use of the guitar has almost totally disappeared, with the massive, stubborn orchestration necessary, in order to be able to flow into an embrace with the stylistic features of classical music.

And it is a triumph of harmony, the melody clings to the light of life, which in these tracks clashes with those who would like the opposite. 

There is no shortage of death, damnation, anxiety, difficulty, spectres, the sound of the precipice: they are very skilfully strung together in a cosy breathing space, which allows them room to manoeuvre, but with the foresight not to be preponderant over the whole.

Nick visits perfect Bad Seeds territory, and the grafting of a Radiohead member directs curiosity down a different path. It had been at least ten years since the band had had any space, that they had not thrown their hearts into their writing. Let us give just one fact: so many musicians have passed through Cave's world but the style has always remained the same, that of disciplined and free apostles.

The lyrics are a tree inspired by life to turn its legs and start probing for new possibilities: here emerges his faith in the gift, the need to learn from bereavement, from clashes, to plunge oblivion into absence and catch a spiritual wind that blocks all negativity. He descends, he advances into nature, he moves away from himself without losing his style, and sinks into an attack that is never verbose, with words charged with a simplicity that is never boring, still knowing how to touch the wind of every beat. 

A series of phrases that stun, never rushed, always balanced and mothballed, as a way of testing endurance. 

Nine musicians, ten songs, a lighthouse, a voice, female choirs, the pencil that becomes a blue stain and goes to kiss death. Touching is the dedication to his children who ended up walking in the clouds, like his thanks to his old muse Anita Lane, teaching once again respect for memory and the desire to learn from experience. He visits wisdom, measure, gives her the chance not to separate herself from her old furious nature, but camouflages the tones with compositions in which in the slowness the lightning strikes appear as ravenous as ever

The irony that made him comparable to Morrissey, at least for the Old Scribe, still shows up in a couple of verses that seem to have been written by the bard of Stretford: here, Cave has constantly possessed an inner vocabulary, but he has never renounced having the eyes of the Indians capable of scrutinising deeply, to nourish his soul further. The choruses, the absence of solos, the cohesion of the band, the production's desire to make the record sound like a dictation of philosophy seduces and succeeds in its intent, as the dynamism of the whole seems to be shot through with a polite and gentle euphoria.  Magnetic the intention, complex the modality, yet in the end the Australian artist puts the gag on what seemed to extinguish his activity, to suspend the oiled but perhaps somewhat threadbare approach. This album is a birth, a joyous conversion towards experimentation that is not that of his last three works, which were great (never thought otherwise) but suffered from a limited form of sensory and visual expansion. Here, on the other hand, we are on the podium of a tremor that is violent, if one attaches it to this singer, because it could deny his past access to despair, to a frustration that had perhaps limited him. 

There are guitars, there are caresses, there is the chaos of the blues, there are moments in which silence constitutes his native note, the treble clef of his new operating system for tears that are born and nourished by an uncommon sensitivity.    His voice is sifted: liquid, dense, full of nocturnal flashes that shift to oxygenate his mind, a long wait, an equinox, a toast in a glass that cannot stain its essence. He sings like an angel who has just finished an analysis session: scratchy but peaceful, waiting for a divine concession that comes through this music that sounds like paintings carved out of rock and into which his singing soaks.

As rarely happens to him, he writes unhurriedly, and allows space for choruses and countermelodies as never before: something from the past seems to have ended up between these grooves, as if the Murder Ballads had gone to cool off in the water of Lourdes: no song on the album is immune to comparison, you can sense that something old always appears, but it is the direction that has changed, and this is enough to make us listen to this earthquake in reverse and come out purified, worried almost, because we are not used to the fact that the man with the wrinkle in his soul opens up a lane where light wins, overcomes and knocks us down. No doubt perhaps one artist is not credible, him more than others, but this is the wager of those who will listen to this cascade: to take advantage of it and come to their senses, to abandon themselves to a new game and lose themselves in these columns of improvised though not improvised confetti.

The most obvious shock is the sense of gratitude he attaches to everything that takes one's breath away: he does not adapt to any pessimism and builds an ark that lands in these slow processions, where instead of incense he spreads smiles and hugs.

Musically, we witness a limpid fresco in which above all the bass and drums regain the colour they had in the eighties: once the noise is removed, the feeling remains that the two instruments and the two musicians are capable of bewitching even God, playing to overturn Cave's ecosystem, to enchant, while the piano is a gnome jumping on the keys, without breathlessness, with gravity almost rounding the notes.

The gospel, the blues, that hidden melancholic psychedelia make a pact and everything flows, to return to ever virgin listening...  Unsettling, as dangerous as the joy we never consider graspable, this bundle of surprises will struggle to convince those who will have an easy time opposing it, but the Old Scribe is certain: Nick Cave will laugh in delight, because the writing of this work will remain in the wrinkles of his legendary smile...

Song by Song

1 - Song Of The Lake

The sky opens up to end up on the skin of a lake: and it is the ancient spoken word that returns, but appearing on a surface that bounces the light in a delicate tinkle, and what was serious is now a ‘Never Mind’ that stuns. Slow, angelic, sunny, it progresses second by second to the point of vibrating tears of heavenly new food. The song's influence is very subtle, but we are on the American shores of old spirituals waiting to be cuddled...

2 Wild God

It all comes back to basics: the Nick Cave who scoured the dryness of the song form in the nineties reappears, in a minimalist mode that needs only this salty voice, as he returns to his Jubilee Street and grasps the past to seek in a grimace of God his blessing. The whole becomes angelic and convincing. The storytelling is unusual, but it feels like a story we've heard before because of the style, which here receives a little jolt thanks to assonances preferred to rhymes.

In the finale, the dark soul shakes and a certain breathlessness in the singing makes the track one of the most majestic on the entire album.

3 Frogs

Can a surreal delirium be the outpost of change? Of course it can: Frogs is a generator of novelty, a bridge between Cohen (the beloved Leonard) in his grey suit and the visionary creativity of a sonic infarction, because here everything swells in the chest, in the architecture that stuns. The production reveals an ability to keep the tension high, almost as if a suicide foretold was about to come, but in reality it is Cave's foresight in life that plunges us into a story that could have been written by heaven's messengers.

Meanwhile Leonard from heaven applauds, happy...

4 Joy

One trembles because one is unprepared for waking miracles, and Nick digs into the lobby of his grief, a dream that makes him feel a presence strolling far in the sky but not in his heart. A father writing such a song is a handkerchief upon which our souls waver. Incisive, with a voice that is a melting stone, the whole becomes a cloud between timpani, trombones, horns and the feeling that when the bundle of voices arrives everything is a sentence: Cave has chosen to live inside the rainbow, the only place where joy does not die...

5 Final Rescue Attempt 

New thorns, new melodies that seem to have come out of an album that his fans have never particularly loved, manage to make one hear a carousel, a carillon of a suspension that gravitates in hints that are never swampy but thunderous: give space to the thin foil of a keyboard that holds this entry into pain without giving it a chance to win. And it is hypnosis that passes to the piano and lubricates the entire structure, with notes from the low register and yet sunny

6 Conversion

The eagle does not sleep if the sky is cloudy: its victims can hide. And so Nick invents one: he changes the direction of his path to sneak in rhythms full of slow beats, with Warren's keyboard waiting for the howl of his faithful friend, while the drumming comes in and the horn bends the melody for this composition that anticipates a new storm...

7 Cinnamon Horses

Sacred, austere, turbulent in its beginning, and then muted, like a breath of fresh air that has been blessed by contemplation. Devastating, it leads the imagination to surrender. The way Cave plays in anticipation remains a surprise: if you look at the structure of the piece, everything escapes repetition, but you remain glued to those delicate touches in the context of an orchestration that really does come across as a sad angelic blessing. The voice almost trembles but the words do not: they advance confidently as everything expands...

8 Long Dark Night

The closest track to a glorious past assembles the known to a swirl of new entries. First of all, the use of pop in the refrain that can be used as a crossroads: it is up to each one to choose between getting lost or finding the hand of a long dark night, but only in appearance...

Knowing how to visit doubt in the face of great joy belongs to the power of the night. The words, cadenced and well paced, sound like that personal atrium in which each of us can feel a tasty sensation of loss...

9 O Wow (How Wonderful She Is)

The band's devotion to making progression sounds bright is well known. Perhaps this mode a little less so, and it is impressive how we are waiting for a technological miracle: Anita's voice, recorded during a phone conversation, arrives to make our hearts a tomb in turmoil, after Cave's lyrics have impressively prepared the plot twist. And like a novice Jean-Michel Jarre, here the Australian takes almost cold sounds and warms them up with his generosity.

When love enters this track, one feels lucky: nothing dies if memory exists, and indeed Anita relies on this with Cave. And one weeps in the prison of this fantastic muse's laughter.... 

10 As the Waters Cover the Sea

The B-side of the song that opened the album.

Here is the sweet and tender way in which Nick and the band say goodbye, to build the blanket for us to sleep on, with a harmony that rises through the roof to protect this beautifully and sensationally crafted work: the fact that it is a choral form that concludes it is no coincidence…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

30 August 2024

https://open.spotify.com/album/0TRr4JGEPJ4eAb5QKRaunf?si=agvw0quFRreYSG8tx-da5Q

La mia Recensione: Jennà Romano e Porfirio Rubirosa - Non mi rompete

 

Jennà Romano e Porfirio Rubirosa - Non Mi Rompete

Una valigia nel viale della fantasia ci porta tra il Lazio, la Campania e il Veneto, in una passeggiata volatile attraverso il meraviglioso incanto onirico di un brano scritto nel 1973 per il terzo album del Banco del Mutuo Soccorso, per quel Io sono nato libero che rivelò una freschezza lirico/musicale di notevole fattura.

Jennà Romano, legato a dei ricordi a cui, da uomo intelligente, ha dato importanza, ha preso questo patrimonio storico e l'ha reso vitaminico e capace di una sonorizzazione pregna di attualità, senza disconoscere il senso del tempo in cui fu scritto. Nel suo esercizio di ringraziamento, l’autore napoletano ha abbracciato il Capo dei Dadaisti per nutrire, in questo combo strambo ma affascinante, la poetica di un episodio che ancora una volta dimostra come la band romana sia stata in grado di far sposare poesia, impegno sociale, confezionando gioielli a misura di sguardo, tra il regime della fantasia dalle scarpe leggere e il soffocamento di un comportamento che non rispetta quella parte dell’esistenza così simile a un rifugio doveroso: senza sonno, senza sogni, la vita si fa debole…

Non un riprendere la canzone, bensì un portarla ai tempi nostri, rinunciando alla maestosa costruzione musicale, preferendo un linguaggio sonoro sottile, ma tenendo le dinamiche presenti a un livello cosciente e capace davvero notevole.

Inizia la sei corde, con Fast Car di Tracy Chapman che sembra sorvolare il tutto per poi consentire alla voce di Romano (un fiume pieno di volontà di buttarsi nella campagna di una giornata umida) e di Rubirosa (un guitto bambinesco che avvolge con tenerezza l’ascoltatore) di rendere sospeso il respiro, come se le parole di Francesco Di Giacomo fossero in grado di rimanere robuste e tenere al contempo nei confronti dell’impianto dei due musicisti, che includono anche una sorprendente armonica a bocca, che pare uscita dal De Gregori degli stessi anni Settanta. Ma poi due splendidi assoli di chitarra ci fanno intendere come un Grazie vero e sincero possa liberare la fantasia, il rispetto e l’intenzione di apporre una firma diversa, con l’autorevolezza che l’artista vero deve sempre avere.

Tutto è avvolto nella lentezza, nell'assaporare la contemplazione e lo sviluppo di idee che attendono fiori e fasci di luce in armoniosa convivenza. Quando poi la velocità muta, rispetto alla versione originale, e anche nel finale, ci si rende conto di come il duo abbia elaborato l’idea di una canzone che come un abito matrimoniale venga indossato una sola volta, ma con tutta la perfezione che merita.

Ecco, dunque, affacciarsi l’alternanza nel canto che conferisce a due registri vocali diversi di vivere lo spazio della magia, di quel “senza tempo” che sospende solo in parte la percezione del mondo contemporaneo. Ma, visto il taglio del testo originale, ci rendiamo conto di come nulla sia capace di mutare quando la favola di una richiesta vibra di paura davanti a un inevitabile rifiuto. L’accoglienza, nello specifico, diventa il momento essenziale anche della elaborazione musicale che, nel caso di Jennà e Porfirio, si configura in un silenzio sussurrato, con l’esplorazione di movimenti che, dal prog accennato in profumo di spazi medievali e barocchi, trova nel finale un senso pop melodico davvero moderno, tributando a questa coppia un posto essenziale: quello dell’applauso riconoscente.

In un ipotetico luogo della nostra mente, l’ascolto vede questa stella cometa virare decisamente verso la magrezza, nel senso che nulla di pomposo, nessun affanno di imitazione ha preso la mano, conferendo, piuttosto, un senso di leggerezza e di rispetto che veicolano commozione pura.

Un atto d’amore che abbraccia la quasi oscenità di un brano che, oltre a essere senza tempo, è anche una spada di Damocle sulla nostra incompiutezza e sul nostro egoismo. Una dimostrazione di forza usando i polpastrelli come china scrivente nel cuore, per legare il passato e il presente in un abbraccio emblematico, possibilitato di una fragranza che scioglie. Nella vicenda che il Vecchio Scriba osa raccontare, vivono anni e anni di studio, una corsa lenta di due bradipi, curatori dello spirito prima ancora del suono, che spesso è solamente una piacevole coda di un tutto non sempre comprensibile.

La canzone è ingannevole, sin dal titolo: sembra il piano sonoro di un urlo, di un atto sgarbato, una invettiva, uno strascico di sofferenza che chiede clemenza.

Invece…

Invece no: è una favola che esce dalla barba di un sogno, di un quasi risveglio, partorito nel terzo anno di una decade rumorosa e sfavillante, generosa nel fare dell’arte l’inizio culturale di sviluppi multipli. Esattamente come il brano, un mappamondo che tasta il polso della verità, con il garbo che si insinua tra le gambe di strumenti progettati per far evolvere la storia, trasportandola nel confine degli incastri solenni, dove la trasformazione di un momento diventa una breve suite in attesa.

Jennà butta via la stupida mentalità della cover e scrive sulla pelle del pezzo del Banco con la sua penna una risposta che pare un sorriso, una stretta di mano, in un tacito accordo tra il reale e il surreale, per seminare una follia radiosa e stellare. Ci si china all’ascolto perché l’arrangiamento dell'artista di Napoli favorisce la coltivazione delle sfumature originali costruendo un muro di note delicate, che paiono respirare per conto loro. 

Porfirio è il mago bambino, la voce e l'armonica a bocca che alita sul tutto con la sua schizofrenia ed energia, senza che sia volenteroso di prendere la scena tutta per sé. Qui nasce la sorpresa, il senso civile di una collaborazione nata da una telefonata di Romano che ha avuto il consenso immediato dell’artista veneto.

Cosa succede all’ascolto? Quali luoghi nuovi ci capita di visitare? Cosa rimane?

Il dolore e la speranza si buttano sulla strada di una musica che regala possibilità di intima riflessione, ci si ritrova sui letti umidi di nuovi mattini con la gioia di un non capire che ci permette di rimanere studiosi attenti.

La natura intima di Jennà e l’effervescenza di Porfirio restano presenti, ma questo episodio rende possibile l’aggregazione di stili diversi, come nelle metodiche così come negli approcci e a vincere è il brano dei Banco del Mutuo Soccorso che ha trovato un ottimo nuovo amico a coccolarlo…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

21 Agosto

Il brano uscirà sulle piattaforme musicali, come il video, Giovedì 22 agosto, nell'anniversario del compleanno di Francesco Di Giacomo.

https://open.spotify.com/track/5DeHNo5og54CJ6MFPwDjkf?si=5kNQ6JSESJuR1KeZu3cozQ&context=spotify%3Aalbum%3A156kGf8w5bC0e7hHO3RsHU

La mia Recensione: Leech - Sapperlot

 

Leech - Sapperlot

Il cielo, dalle parti di Strengelbach, nel canton Argovia, è un testimone cosciente di flussi energetici pregni di astensione e gentili esercizi melodici che provengono dal quintetto svizzero che con l’ultimo lavoro si è concesso una navigazione tra le nuvole, in un binomio continuo tra l’essenza della musica che pilota i sogni e i fantasmi indecenti della realtà.

L’emozione vince sulla fisicità immersa nell’astratto e il concetto che insegue le somme della bellezza, in cui la contaminazione è una freccia contemplativa che si attacca alla sperimentazione, nell’imbuto dello smarrimento il senso di perdita acquista sensualità e l’esistenza ultraterrena converge in uno stato di sospensione.

I cinque manipolano ventotto anni di carriera per sintetizzare il poderoso imprinting post-rock e dirigersi verso una mastodontica foresta colma di colorati fiori ambient e in un pop pieno di vette attrattive che cambiano lo sguardo del loro percorso. Ecco che la loro arte si trasforma in un abbraccio seducente fatto di segnali luminosi che modificano il passato in un presente non più ipnotico e cadenzato, bensì in un groviglio di magia che bacia il battito con riff meno adiacenti alla tristezza e un uso più evidente di tastiere, piano, vibrafoni, per rendere sottile il dolore di un caos che in queste sette tracce è evidente, come domanda e non come risposta al trambusto sonoro quotidiano.

Si sale in montagna, con una pragmatica propensione a trovare due situazioni per ogni singola canzone: un loop su cui l’insieme si fa adiacenza mutante, e un secondo momento nel quale il cambio ritmo, reale o apparente, muta gli accordi e le percezioni. Questo è un atipico stratagemma per fare un concept album, non per argomenti (no, non si commetta l’errore di pensare che un album strumentale non possa essere anche un concept sonoro…), ma grazie alla costruzione aritmetica che diventa un aquilone in grado di trascinare le pulsioni verso il senso di vuoto che viene obbligato  a compiere un percorso di riempimento, riesce a realizzare il desiderio.

Quando la poesia non ha bisogno delle parole allora si rimane basiti, defraudati delle proprie abitudini (stupide), e si corre il rischio di imparare che da queste sette tracce esiste la scorciatoia nei confronti della flessibilità mentale.

Nel gioco delle visioni tutto si rimpicciolisce perché la band svizzera sfrutta l’ossessione del dettaglio, della ripetizione, in una corsa pirata nell’individuazione dello stretto necessario, per rendere l’ascolto un manichino di seta, in una giornata nella quale ciò che arriva è una valanga, sostanzialmente lenta, quindi ancora più greve e spavalda.

Il post-rock degli esordi rimane una intuizione, una necessità che riduce l’impatto verso la perdizione, ma, in questo gioiello balsamico, fa da spalla e non riveste il ruolo principale, per nutrire una vorticosa aspirazione di schemi stilistici ormai saturi, tra ripetizioni che ogni genere musicale tende a vivere.

Sorpresa, rinnovamento, percorsi nuovi che riempiono le strade degli ascolti verso una tempesta al rallentatore, in cui il proprio destino è quello di scrivere, nella propria mente, una storia che ci vede sconfitti con onore…

Sapperlot è una sfida segreta alla vita, nessuna foto, poco cinema, qualche proiezione, solo una lenta tazza di caffè che entra nel cuore, lasciando un gusto afono, un brivido di paura e sgomento, con carezze vitaminiche che ci riportano al tempo in cui la musica era una carneficina, data la somma di emozioni che si subivano, senza potersi opporre. Ed è ciò che accade in questo contesto: la clessidra scivola, tutto si fa sghembo, e una lucidità nucleare fa esplodere i nostri spasmi.

Il rock dei Leech è un'anestesia, un piacevole inganno, una viscerale protesta nei confronti dell’affanno e una cura razionale verso le esagerazioni di un'industria musicale che non coltiva più la bellezza vergine della magia.

Non è chiaro da dove nasca questa attitudine del gruppo a sorprendere gli ambitissimi spazi dello smarrimento, della perdita, in un quasi silenzio che opera in frequenze a stretto contatto con l’assimilazione di giochi prospettici diretti, diritti, mai abitati dalla ingenuità. Si piange sorridendo, si sogna camminando, si fa l’amore tremando, e ci si dirige nella periferia del tempo, con  il dono di perderlo del tutto.

In questa simbiosi di stili e generi musicali, niente è vacante, e la melodia, un tempo conferita dagli incroci di chitarre piene di sale e pepe, oggi preferisce dare alla tastiera la guida, per rendere più tiepidi i raggi solari di queste morbide frustrate, in un bacio tra rive piene di acqua e tormento. Un’orchestra che pare comprendere tutti i 540 strumenti musicali, nell’apoteosi che mette il cielo in ginocchio.

Urs Meyer come sempre prende la sua sei corde e cammina tra le ortiche, Marcel Meyer fa lo stesso, utilizzando però anche le tastiere. Serge Olan suona la batteria come se dovesse farci toccare la vibrazione del tempo, in un applauso all’Olimpo continuo. David Hofmann gioca da playmaker, distribuendo il suo talento tra il basso, le chitarre e la tastiera. Alessandro Giannelli siede su uno sgabello per illuminare l’armonia con la tastiera, il vibrafono e spostandosi per percuotere tenui tamburi.

Sono cavalieri silenziosi di una solennità che turba, entra nei nostri balbettanti contorsionismi, distribuendo pillole di saggezza, proferendo una sola parola in tutto l’album: Love…

Ed è proprio l’amore da cui arriva l’idea, il concetto di una espiazione minimalista che induce chi ascolta a riflettere sul significato di un rapporto impari: sono canzoni che ammutoliscono, non permettendo assolutamente di rivelare cosa la cassa toracica stia vivendo.

Ossessionante è la ricerca di una produzione capace di guarire l’anomalia moderna che non la vede più come parte integrante di un percorso di costruzione. Qui, invece, si assiste a un patto, compatto, di alleanze e proiezioni.

Ed è shock, che si attacca alla speranza che il disco non finisca, in quanto in ogni rapporto salute e malattia diventano complici di un progetto celeste: sono note che scendono per volare nell’acqua, nella rovente estate dell’esistenza, dove il calore rende secca la gioia. 

Vengono colpite, secondo dopo secondo, le zone del pressapochismo, del dilettantismo osceno, con un esame di maturità di cui il Vecchio Scriba è certo non verrà compresa l’importanza: con un lavoro come questo si diventa gnomi nel circo delle aquile volanti, senza becco, senza cibo ma con la pancia degli occhi sazia…

È tempo di perlustrare questi vicoli: allacciate le cinture e bevete un bicchiere di vino rosso, perché nella lentezza del sapore vive il segreto di ogni scintilla di intelligenza…

Song by Song

1 - Knock Knock 

Knock Knock è uno shock: scintille di Beautiful People dei Marilyn Manson sembrano confiscare una intera carriera ma è solo un attimo, basta avere pazienza e noterete come le note grasse e distorte si combinano con la strategia ipnotica delle tastiere e del piano, per legittimare il volo di un masso…

2 - Rotor Heart

Ancora un suono denso iniziale, e poi il ritmo si mette una corsa sulle spalle, con il basso che grattugia le scie del cielo e il verticale ingresso delle tastiere fa oscillare la sensazione che un ciliegio abbia abbandonato la stabilità per divenire una impronta di luce. Il drumming dipinge la traiettoria, la tastiera sembra un sax in una giornata priva di nuvole e il fiato diventa la prigione di un sogno senza più piume…

3 - Crown Me With Whisper

Una ipnotica danza del pensiero si traveste, nel circolo atmosferico di una tastiera che circonda l’asfalto, in un sottile approcciarsi a drammatiche visioni tipiche della western music, per collaudare l’approccio all’ambient e alla world music, consentendo alla lentezza di essere una spugna, dove i drammi delle nuvole arrivano ai nostri sensi. Il drumming è una marcia che pare portare le chitarre a dormire sul ciglio di una strada senza pareti…

4 - Pick A Cloud 

Nyman e Sakamoto, uniti anche se in due dimensioni diverse, prendono appunti nei primi secondi del brano, e poi è un vistoso e antico gioco mnemonico di cosa fosse il post-rock agli albori, un dilemma ritmico che non riesce a togliersi di dosso il fiato di una pulsante radioattività melodica: poche note possono bastare a rendere lucido il volto…

5 - Starmina

Si rallenta il ritmo, ma aumenta il senso di perdita, di struggimento che plana in una zona in cui le note paiono in attesa: non di una esplosione bensì di una fuga sommessa, pacifica e silente. Invece no: tutto si fa mistero e, come in un film di Bergman, il precipizio sembra un piacevole luogo dove rendere mute le stelle. Un carillon dei sensi che diviene più pesante, irrobustito da una chitarra che gratta via la pelle, lentamente…

6 - Alfonso’s Night

Di cosa è fatto il vento? Qual è la sua velocità ideale? Dove vorrebbe andare e cosa gli impedisce di raggiungere l’obiettivo? Chiedetelo a Alfonso’s Night: in questa gemma poliedrica sicuramente troviamo custodito il mistero, in una seduta psicologica dove l’ipnosi è data da un rovistare tra le vene di una emozione ridotta al minimo, ma urlante… Si piange con ossessione e gravità, in un cilindro che sembra aspettare la traiettoria ritmica che arriva quando Serge batte il suo piede sulla grancassa e i suoni si fanno più sibilanti. Momento strategico che ci riporta alla mente il brano di Peter Gabriel nel film Birdy - Le ali della libertà, quando lui riesce a volare ed è evidente che accada anche qui: siamo tutti uccelli in un volo pieno di tristezza celestiale…

7 - Everything Will Be The Same

Lottare contro il destino, l’ostinata volontà dell’uomo di ripetere ogni sciocchezza viene evidenziata da questa litania sepolcrale, summa dell’intero lavoro: si alzano le spalle, sgomenti, si trovano brillantini sonori che sembrano carezze davanti al cadavere della esistenza. Rimane l’amore. Pronunciato. Descritto con questo assione che rende i circuiti elettrici del cervello in trepidante attesa, un addio che  non si può fermare. Il brano mostra più varietà rispetto agli altri sei in quanto deve ospitare una serie di addii, di congedi, un abbraccio liquido che con coraggio ci riporta nella condizione di intendere che quello che abbiamo ascoltato è uno spettacolare volo di piume abbandonate per sempre alla loro bellezza… E in questa lacrima la loro musica si siede per baciarci, nel tempo di un sodalizio che avrà reso noi tutti esseri viventi fortunati…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

10 Agosto 2024

https://leechofficial.bandcamp.com/merch/sapperlot-vinyl-lp

Su Bandcamp l'album uscirà il 13 Dicembre 2024

My Review: Leech - Sapperlot

 Leech - Sapperlot

The sky in the vicinity of Strengelbach, in the canton of Argovia, is a conscious witness to energy flows full of abstention and gentle melodic exercises emanating from the Swiss quintet who, with their latest work, have indulged in a navigation among the clouds, in a continuous union between the essence of music that pilots dreams and the indecent ghosts of reality.

Emotion triumphs over physicality immersed in the abstract and the concept chasing the sums of beauty, in which contamination is a contemplative arrow that sticks to experimentation, in the funnel of bewilderment the sense of loss acquires sensuality and otherworldly existence converges in a state of suspension.

The five manipulate twenty-eight years of their career to synthesise the mighty post-rock imprinting and head towards a mammoth forest filled with colourful ambient flowers and into a pop full of attractive peaks that change the look of their path. Here, their art is transformed into a seductive embrace made of luminous signals that change the past into a present that is no longer hypnotic and cadenced, but into a tangle of magic that kisses the beat with riffs less adjacent to sadness and a more evident use of keyboards, piano, vibraphones, to make subtle the pain of a chaos that in these seven tracks is evident, as a question and not as an answer to the daily sonic bustle.

It climbs the mountain, with a pragmatic propensity to find two situations for each song: a loop on which the whole becomes mutant adjacency, and a second moment in which the change of rhythm, real or apparent, changes chords and perceptions. This is an atypical stratagem for making a concept album, not in terms of subject matter (no, do not make the mistake of thinking that an instrumental album cannot also be a sound concept...), but thanks to the arithmetical construction that becomes a kite capable of dragging the impulses towards the sense of emptiness that is forced to take a path of filling, it succeeds in realising desire.

When poetry does not need words, then one is left dumbfounded, defrauded of one's (stupid) habits, and one runs the risk of learning that there is a shortcut to mental flexibility from these seven tracks.

In the game of visions, everything shrinks because the Swiss band exploits the obsession with detail, with repetition, in a pirate race to find the bare minimum, to make listening a silk dummy, in a day in which what arrives is an avalanche, substantially slow, and therefore even more raw and swaggering.

The post-rock of the beginnings remains an intuition, a necessity that reduces the impact towards perdition, but, in this balsamic jewel, it acts as a shoulder and does not play the main role, to nourish a swirling aspiration of stylistic schemes that are now saturated, amidst repetitions that every musical genre tends to experience.

Surprise, renewal, new paths that fill the roads of listening towards a slow-motion storm, in which one's destiny is to write, in one's mind, a story that sees us defeated with honour

Sapperlot is a secret challenge to life, no photos, little cinema, a few projections, just a slow cup of coffee that enters the heart, leaving an aphonic taste, a shiver of fear and dismay, with vitaminic caresses that take us back to the time when music was a carnage, given the sum of emotions that one underwent, without being able to oppose. And that is what happens in this context: the hourglass slips, everything becomes unhinged, and a nuclear lucidity explodes our spasms.

Leech's rock is an anaesthesia, a pleasurable deception, a visceral protest against breathlessness and a rational cure for the exaggerations of a music industry that no longer cultivates the virgin beauty of magic.

It is not clear where this group's aptitude for surprising the coveted spaces of bewilderment, of loss, in a quasi-silence that operates in frequencies in close contact with the assimilation of direct, straightforward perspective games, never inhabited by naivety, comes from. One cries while smiling, dreams while walking, makes love while trembling, and heads into the periphery of time, with the gift of losing it altogether.

In this symbiosis of musical styles and genres, nothing is vacant, and the melody, once conferred by the intersections of guitars full of salt and pepper, now prefers to give the keyboard the lead, to make the sunbeams of these soft frustrations warmer, in a kiss between banks full of water and torment. An orchestra that seems to include all 540 musical instruments, in the apotheosis that brings heaven to its knees.

Urs Meyer as always takes his six-string and walks through the nettles, Marcel Meyer does the same, but also uses keyboards. Serge Olan plays the drums as if to make us touch the vibration of time, in a continuous clap to Olympus. David Hofmann plays playmaker, distributing his talent between bass, guitars and keyboard. Alessandro Giannelli sits on a stool to illuminate the harmony with keyboard, vibraphone and moving to beat soft drums.  They are silent knights of a solemnity that unsettles, entering into our babbling contortions, dispensing pills of wisdom, uttering a single word throughout the album: Love...

And it is precisely love from which the idea comes, the concept of a minimalist atonement that induces the listener to reflect on the meaning of an unequal relationship: these are songs that muffle, allowing absolutely no disclosure of what the ribcage is experiencing.

Haunting is the search for a production capable of healing the modern anomaly that no longer sees it as an integral part of a path of construction. Here, instead, we witness a compact pact of alliances and projections.

And it is shock, which clings to the hope that the record does not end, as in every relationship health and illness become accomplices in a celestial project: they are notes that descend to fly in the water, in the scorching summer of existence, where the heat makes joy dry. 

Second after second, the areas of obscene amateurism are hit, with a maturity exam whose importance the Old Scribe is certain will not be understood: with a job like this one becomes a gnome in the circus of the flying eagles, without a beak, without food but with the belly of the eyes full...

It is time to patrol these alleys: fasten your seatbelts and drink a glass of red wine, for in the slowness of flavour lives the secret of every spark of intelligence...

Song by Song

1 - Knock Knock 

Knock Knock is a shock: sparks of Marilyn Manson's Beautiful People seem to confiscate an entire career but it's only a moment, just be patient and you'll notice how the fat, distorted notes combine with the hypnotic strategy of the keyboards and piano to legitimise the flight of a boulder...

2 - Rotor Heart

Again, a dense initial sound, and then the rhythm takes a run on the shoulders, with the bass scratching the trails of the sky and the vertical entrance of the keyboards swinging the sensation that a cherry tree has abandoned stability to become a footprint of light. The drumming paints the trajectory, the keyboard sounds like a saxophone on a cloudless day and the breath becomes the prison of a dream with no more feathers...

3 - Crown Me With Whisper

A hypnotic dance of thought disguises itself, in the atmospheric circle of a keyboard surrounding the asphalt, in a subtle approach to dramatic visions typical of western music, to test the approach to ambient and world music, allowing the slowness to be a sponge, where the dramas of the clouds reach our senses. The drumming is a march that seems to lead the guitars to sleep on the side of a road without walls...

4 - Pick A Cloud 

Nyman and Sakamoto, united even if in two different dimensions, take notes in the first few seconds of the track, and then it's a flashy, old-fashioned mnemonic game of what post-rock was in its early days, a rhythmic dilemma that can't shake off the breath of pulsating melodic radioactivity: a few notes may be enough to make the face shine

5 - Starmina

The rhythm slows down, but the sense of loss increases, of yearning that glides in a zone where the notes seem to be waiting: not for an explosion, but for a subdued, peaceful and silent escape. Instead, no: everything becomes a mystery and, as in a Bergman film, the precipice seems a pleasant place to render the stars mute. A music box of the senses that becomes heavier, strengthened by a guitar that scratches away at the skin, slowly.

6 - Alfonso's Night

What is the wind made of? What is its ideal speed? Where would he like to go and what prevents him from reaching his goal? Ask Alfonso's Night: in this multifaceted gem we surely find the mystery enshrined, in a psychological session where hypnosis is provided by a rummaging through the veins of a minimised but screaming emotion... It cries with obsession and gravity, in a cylinder that seems to be waiting for the rhythmic trajectory that arrives when Serge stamps his foot on the bass drum and the sounds become more sibilant. A strategic moment that reminds us of Peter Gabriel's song in the film Birdy , when he manages to fly and it is evident that it happens here too: we are all birds in a flight full of celestial sadness...

7 - Everything Will Be The Same

Struggling against destiny, man's stubborn will to repeat every nonsense is highlighted by this sepulchral litany, the summa of the entire work: one shrugs, dismayed, one finds sonic glitter that seems like caresses before the corpse of existence. Love remains. Pronounced. Described with this axion that makes the electrical circuits of the brain in anxious anticipation, a farewell that cannot be stopped. The track shows more variety than the other six in that it must accommodate a series of goodbyes, of farewells, a liquid embrace that courageously brings us back to the condition of understanding that what we have heard is a spectacular flight of feathers abandoned forever to their beauty... And in this tear their music sits down to kiss us, in the time of a fellowship that will have made us all fortunate living beings...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

10 August 2024

https://leechofficial.bandcamp.com/merch/sapperlot-vinyl-lp

On Bandcamp will be available on 13/12/2024