La mia Recensione: Gang - Ritorno al fuoco

 La mia Recensione 

Gang - Ritorno al fuoco

“La vita è come un ponte: puoi attraversarla, ma non costruirci una casa sopra.”

“Quando un uomo si allontana dalla natura il suo cuore diventa duro.”

Pillole di saggezza dei Nativi Americani.

Le parole raccontano, svelano, spiegano ma non sono null’altro che la coda, i nipoti di infinite verità, stimoli, pruriti di bisogni, atomi, ribelli, il rimbalzo finale di mille scintille che non potranno mai svelare l’assoluto. E tanto altro ancora. Le parole sono prigioniere di decodificazioni e non costituiscono mai lo specchio di interezze multiple, per impedimenti naturali, assolutamente non colpevoli.

Poi c’è Marino Severini e allora tutto viene sospeso: si è davanti sicuramente a una rara eccezione, una serie di cavallette compatte che attraverso l’unione non disperdono nulla di ciò che le ha generate.

Da sempre Autore, da sempre la sua parola è feroce, come un silenzio di fuoco a scaldare i nostri smarrimenti, a rendere misera la nostra arrendevolezza per poterle dare un volo.

E la Musica?

In generale ha perso negli anni la brillantezza, impegnata a inventare nuovi generi, a fare della miscelanza l’unico divertimento.

Dal canto suo arriva Sandro, anche lui con la semplicità: non vergognarsi di nulla, non esasperarsi e cercare l’abbraccio sonoro di altri musicisti per aggiungere colori e lampi. Ed è così che tutti hanno i polsi carichi di gioia nel performare parole fatte di note che vibrano dentro il tendone di un circo, temporale libero, per nulla preoccupato di mostrare che dalla storia si possa ancora imparare e scrivere canzoni autentiche. Conta il messaggio. A prescindere. I due fratelli hanno accolto compagni di scorribande allegre, hanno scambiato la libertà propria con quella di una nutrita schiera di anime intenta a fare di questo album un arcobaleno che con il suo semicerchio ha saputo collegare la curiosità alla espressione artistica.

Un album che è un pranzo completo dove si rischia di fare il bis perché la sazietà non è nel suo dna, piuttosto questa abbondanza stimola ancora di più l’appetito. Una scintillante adunata di strade Americane si sono incrociate con quelle europee, con la storia madre di un folk educato alla bellezza per sostenere versi pieni di riferimenti, sogni, volti dalla pelle crassa di rughe valide, dove l’estetica perfetta non ha avuto accesso, ancora una volta, nella penna di Marino. 

Si sente la volontà di prendere dal cassonetto dell’umido storie rifiutate perché ritenute sporche, con liquidi puzzolenti: i fratelli Severini invece le hanno coccolate, dato loro sguardi interessati e non hanno concesso loro di finire in un inceneritore senza anima.

Hanno portato tutto nella casa della loro intelligenza e gli hanno ridato un senso, una direzione, uno spessore partendo da un intento preciso: la Cultura risiede dove esiste uno sguardo che assorbe e che non giudica. Che ha un grembiule dalle mille pieghe, mille macchie di pennarelli ed un grande sorriso come il benvenuto di un’anima che brinda orgogliosa di fronte a chi preferisce emarginare.

Un lavoro capace di fermare il tempo, di ridare alle storie la memoria, che è la dignità della profondità che si ribella allo scarto, peculiarità di una modernità che i due prendono solo con il contagocce. Con i Gang non si deve cercare la loro identità: si trova la nostra che nascondiamo, affoghiamo, buttiamo. Così facendo nascono punti di domanda continui che sono la nostra fortuna e le storie raccontate diventano la nostra spinta, quella determinazione che era nella nebbia delle comodità. Si può crescere nella discordanza, nella non completa adesione a un pensiero, ma alla fine forse molto di noi si ritrova con un impulso a divenire un ascolto che valuta il senso di uno schieramento. RITORNO AL FUOCO è un ponte che collega antichi valori a quelli nuovi: è una lunga seduta sulla prateria delle possibilità in cui loro hanno affidato al vento il compito di far planare il tutto, il vecchio e il moderno, per una discussione che tenga conto della evoluzione dell’essere umano e pure del suo contrario. Hanno piantato le loro bandiere studiando il cielo, guardando la deambulazione tendente alla caduta di un mondo consumato dall’esasperazione di chi gioisce solo di creazioni consumistiche sterili. Sandro e Marino hanno mostrato il senso dello studio, partendo dalla Natura del mondo per unirla a quella umana. 

Per molti i Gang rappresentano quella lotta continua, quell’impegno sociale così raro da sentire. Ed è vero. Ma credo esista un lato poetico, che non si smarrisce davanti alle ingiustizie, che a loro preme svelare, congiunto a dei valori elevati e sostanzialmente fastidiosi per chi fa del disimpegno la propria  identità. È evidentemente necessario esprimere quel lato, come parte fondamentale per mettere in evidenza un tutto che nulla esclude dallo sguardo…

Questa ultima gemma non è solo un urlo, un pugno alzato al cielo (quello lo sono stati e sempre lo saranno) bensì un goniometro, un lampo, un percorso che setaccia, una stretta di mano alle persone che con l’esclusione muoiono. I Gang si rivolgono a loro ascoltandoli, contano i loro lividi e li mettono in canzoni un po’ per alleggerire le loro tragedie e un po’ perché la musica ancora riesce a far pensare, a fare breccia, a riunire forze apparentemente lontane.

È un cascina piena di gente che lavora RITORNO AL FUOCO, dove tutti raccolgono il fieno, gettano il diserbante nella terra della vergogna, quella umana, sono indaffarati a seminare gli eventi che nessuno mostra interesse a fare propri e, come i contadini che gettano i semi sulla pelle della terra, loro lo fanno con le canzoni, per continuare a raccogliere i frutti. Che possono essere dal sapore dolce così come amari, perché una buona tavola comprende entrambi.

Il futuro di quelle persone è nella poesia che sa sentire la forza nascosta di impeti necessari ma sempre più stanchi e consumati. Un album che ci mette la polvere addosso, lo sputo sulla zappa e il piccone e il sorriso di chi al vento e alla pioggia deve tutto. 

E così arrivano le storie di chi non finisce al centro dell’attenzione: Severini è l’antenna che capta, canta, porta con impeto tutto ciò e lo sbatte sugli occhi di chi ha spento il pudore. Sono canzoni che possono fare piccoli miracoli e quelli umani sono più devastanti perché compiuti da chi è perfettamente uguale a noi. Che fastidio eh? Che dispetto eh? Che coraggio!

Ecco, come un ventaglio dalle mille pieghe e su cui siedono le lacrime di chi ha il sangue amaro, queste composizioni producono aria fresca per il cervello di chi ha spento la luce: là fuori il mondo è sempre più diviso ed egoista, i due Marchigiani con tatto e veemenza, con ragionevolezza e senso dello schifo cuciono la perfezione elegante che si pensa possa solo essere una dote tecnologica, figlia di una produzione priva di ogni propensione al calore. Ma ascoltare questi brani è tornare indietro e avanzare al contempo in un futuro con meno ferite.

Una produzione eccellente quella di Jono Manson, che sembra essere il cowboy con gli amici giusti per fare scorribande nella prateria, salvare i bisonti e non ucciderli. Tutto questo parte da una radice americana antica, che deve molto alla valutazione del talento come uno dei tanti punti di partenza. Vi sono anche bravissimi musicisti italiani, strumenti che non invecchiano, tutto mischiato rendendo l’identità artistica internazionale una festa cosciente, che semina, semina e semina imperterrita. La sensazione è che queste canzoni non abbiano mai una fine, ma che siano trucchi di stregoni di tribù indiane atte a non separare nulla di ciò che la Natura lascia in dono.

Con un suono fresco, arrangiamenti coinvolgenti, tutto sembra immerso in un bicchiere di vino rosso bevuto durante un turno di lavoro per far assentare la fatica.

Non si potrà mai capire del tutto l’infinito elenco di ciuffi d’erba dal color blu che fanno di questo album una notte che abbraccia la coscienza diurna, sino a lasciare alla loro punta il colore rosso, quel sangue che su di loro pulsa di intelligenza e vitalità. 

Non vi è tristezza nelle melodie, tantomeno nei versi: quella che si trova è l’attenzione verso chi sembra piccolo e sporco, con i suoi passi spesso resi sordi. Ai due fratelli questo non sta bene e accendono la torcia, creano una escursione termica necessaria per scuotere i sensi e illuminare questo presente così plastificato e inerme. Ribelle è chi sa dove nascono le brutture e le uccide dando voce alla bellezza che risiede soprattutto in chi è emarginato. Non è solo combat-folk, non vi è manierismo e comodità in questi solchi, c’è una propensione alla ricerca che connette modalità diverse e alle quali loro vogliono dare espansione, per poter arrivare ad essere orecchio e voce. Il loro disco migliore da tanti anni a questa parte perché i migliori non sono i musicisti (i due fratelli e compagnia bellissima), ma il profumo delle vite di quelle anime che il Capitalismo definisce puzzolenti e a cui le canzoni donano una giornata tutta intera da cui ricominciare. Si è liberi quando si capisce di non avere le catene degli altri: questo lavoro sarà un bisonte fermo che insegnerà questo e tanto altro…

Canzone per Canzone

L’ascolto incomincia con un brano che rassicura, toglie ogni dubbio sullo stato di forma della band: LA BANDA BELLINI è la pelle che conosciamo del combo marchigiano, con il loro combat-folk con i valori, le lotte, la storia figlia della strada appiccicata alla loro coscienza.

Si prosegue ed è subito un rallentare, una forma che necessariamente muta: VIA MODESTA VALENTI è la poesia feroce fatta con meno musica, meno strumenti perché tutto è affidato alla semplicità dei sogni con il groppo in gola, con la sua perfetta capacità di unire l’Irlanda alle coste meridionali degli Stati Uniti con una storia tutta Italiana.

Con ROJAVA LIBERO arrivano le lacrime: l’intro è affidata a uno strumento che sembra condurci alla rilassatezza, ma poi è puro rock robusto Californiano, con la sua stella che con il petto petto gonfio reclama la libertà. Un perfetto esempio di strumenti pieni, vuoi per l’organo, per la chitarra blues graffiante, vuoi per la voce di Marino, per le parole che occorre ripetere con convinzione.

AMAMI, SE HAI CORAGGIO è il frutto del percorso dei fratelli Severini: linea melodica ineccepibile, arrangiamenti che colorano il gioco senza regole di un testo che resiste e permette ancora l’innamoramento. Quando essere anacronistici diventa il gancio perfetto per sentirsi normali, con la sezione fiati che regala gocce di poesia sonora.

I Gang sanno come unire musiche dalla faccia felice con testi pieni di graffi, ma che concedono spazio alla fiducia del viaggio: UN TRENO PER RIACE è tutto questo, con i dubbi e i timori, ma un mondo in attesa sarà disponibile alla fine del binario. Il Messico sposta le nuvole alla band e l’accoglie con gioia.

Le orecchie e il cuore ora hanno di fronte A VOLTE: una chitarra semiacustica e una voce iniziano la vicenda di una coscienza che fa a pugni, accogliendo lungo la strada altri strumenti che si affacciano discreti, donando la leggerezza necessaria. Si vive con gli occhi aperti e con le antenne su una storia che è un doveroso filo pieno di domande.

Con il suo quasi Soul, quasi Northern Soul, con il suo vibrare Blues nascosto, EL PEP è il fiato di un uomo che canta sotto le stelle accese: la bellezza di artisti capaci di dare un movimento circolare alla canzone con l’intuizione di una semplicità che racconti come le parole ciò che rimane frizzante conferiscono al brano l’importanza che merita.

Le lacrime si accendono dentro e fuori il cuore: CONCETTA è la storia di un disastro umano che viene consentito, viene illuminato con la voce della poesia, sono parole di ferro verso quei silenzi che gridano ma che il potere blocca, sino a quando il fuoco di una esistenza toglie il disturbo rendendoci tutti sconfitti. Una canzone più dura del pugno del punk, della veemenza dell’heavy metal, perché davanti alla vergogna umana nessun genere musicale può essere perfetto. E chi è attento e sensibile brucerà un poco insieme  a Concetta…

Con le lacrime ancora pulsanti, l’ascolto ci conduce innanzi a DAGO, la sintesi, la summa dei Gang, tutta la lora peculiarità espressa in musica e parole dagli occhi lucenti, per divenire il boato della morte che vuole spegnere il sangue amaro. Una chitarra blues produce un assolo breve ma che assomiglia ad uno sparo, seguito dalla propensione Dark Country/Gothic Americana Folk Noir, per poi tornare nelle conosciute terre folk europee in una canzone assolutamente perfetta per scuotere tutti.

Una cover di Francesco De Gregori diventa la penultima traccia dell’album: una versione che porta l’America verso Roma per una delle vibrazioni in musica più belle che siano mai state scritte. Lo scriba di certo avrebbe preferito un brano nuovo, ma si inchina davanti all’arrangiamento che guarda verso il Mississippi e concede a PAZ un volo splendido.

Il falò dei fratelli Severini arriva all’alba, con un sensazionale crepitio: AZADI è l’ultima fascina, quella che tiene “lontana la paura dal dolore”, un canto quasi spiritual dentro melodie e suoni dalla pelle leggera, che navigano tra le stelle e i tamburi, per un messaggio finale che ci stringe in un abbraccio che difende il senso di questo viaggio dentro la memoria e i suoi confini, per poter liberare il tumulto di considerazioni che generano tensioni. I Gang ci fanno sciogliere davanti al fuoco, con le note e le parole di chi fa dell’arte musicale non una esibizione ma una concreta forma di rivendicazione necessaria. Clamorosa e utile, il congedo da un album che lascia speranze perché sa scaldare e formare un’identità che prima dell’ascolto sembrava sbiadita…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

20 Maggio 2022

https://open.spotify.com/album/2J88BBP1Nr1gIG5WAKQzMc?si=kI5GKlLCSRWwvpOV3YwpJg

My Review: RosGos - Circles

 My review 

RosGos - Circles

Surprises are increasingly determined to be negative, boring, strenuous, heavy.

In this spasmodic traffic of facts, events, growing tragedies, the positive ones are rare, like the areas of the world that are free of various contaminations.

My gaze now becomes musical and enters the work of an Italian artist, a tireless worker with a tense soul, capable of giving surprise the face of relief.

An album that knows how to be acute in its tension, breaths that become polyhedral anxiety, contagious of dark clouds seeking the sun. Love is the key word of this sea vessel: taken to the bottom of the world to look at the universe, you observe it in its power and overbearingness, making it a bundle of bitter drops, but able to give labyrinths of cups of joy in which to lose yourself.

RosGos come like a set of bubbles in the pot of the heart, between Postpunk flames and a light Darkwave affiliated to a Synthwave of great class, with songs calibrated to focus on the events of human feeling. He purifies and enchants, shakes and makes us dance with our heads towards the sepia black.

The madness of the world descends on his voice, in the vain attempt of an impossible escape, and the Lombardian artist (Crema) makes it capable of shaking fear and turning it into a consoling breath.

Guitars with a stone mantle make a pact of faith with keyboards and bass: there is a chasm to be filled and everything goes in the direction of fulfilment.

There is courage, an acute, almost romantic lightness, a veil to protect the fragility of the air and the predisposition to transport time in an atmosphere of pleasant confusion mixed with tension.

We can note a great predisposition for balancing the volumes of ideas, keeping all the instruments perfectly in line. 

Sadness has the light of a candle suspended above the ice.

When it seems that everything is represented with a certain sense of detachment, here are the surprises I mentioned earlier: RosGos shakes us, makes our convictions meaningless and displaces them.

The musical directions of these nine compositions are different, like the need to find strength and comfort in a range that gives a sense of fullness.

There is nothing Italian about it and on this occasion I would say that this works in its favour: lyrics, the singing in perfect English, the music that swims between Germany and England in a dance complete with innumerable reasons for pride that gives Europe a wonderful adopted son.

His tendency is to offer harmonies and melodies, as if drops of water were still possibilist regarding a not entirely stained white. A long poem made up of images, encounters, with the talent of a project that makes us swimmers of dreams...

Song by Song

Limbo

A short and heavy breath leans on an expanding electronic velvet, while the voice seems to need to calm the looks: the first track shows a harmonic escalation that becomes sumptuous, powerful and plays with various ups and downs to be, in the refrain, a modern and vigorous Far West saloon. When The Alan Parson Project were able to displace: Maurizio's song would have been perfect to create a stellar union.

Lust

A change of scenery for a track that compacts Postpunk with a digital feeling: soft-skinned clods of glass act as a buffer for an aesthetic sense of masked pop, revealing an attention towards the balance of instruments that like an oil stain envelop the breath of our listening. A refrain reminds us of Radiohead's evolution, that decadent propensity which is able to seduce even the brightest smile. 

Gluttony

Sophia and Jeff Buckley, of the second album he failed to complete during  his lifetime, are the elements that light up the skin of a song that like a melancholic ball finds a rhythm and elements to create a pleasant tension. Then everything stops to start again like a spaceship in search of new planets. Great skill in not creating a probable explosion is what gives the track a powerful defence against the banal.

Greed

If The Top by The Cure had not existed, this would have been a perfect opening song for the album following Pornography, at least in the first few lines, as if Charlotte Sometimes had been lightened up. Then vocals, enthralling and melancholic, give Lombardo the opportunity to stay in a musical zone of the early 90s, almost seismic terrain which is perfect for melodies with a firm hand. 

Wrath

RosGos here narrows the field of action, holding the reins tight of this cosmic vessel with the scent of wet sand: the dramatic force becomes evident, suspensions and grey flights shake us for precision, with an arrangement that turns to be an attitude of richness, amongst the notes that seem to peer into the intimacy of a flight. 

Heresy

An unsettling track, on the one hand a guitar section that recalls Pictures of You by the Cure and vocals that Tom Verlaine would be proud of. The chorus maintains the feeling of many obvious musical references and this is perhaps what causes some difficulty, because it is the only one in the album that doesn't show Maurizio's great ability to distance himself from comparisons, since there are so many of them. But in the end it reveals his skill in keeping us suspended in a dream and it is still a great gift.

Violence

When beauty dazzles and makes us obedient and happy slaves, destroying all possible logic.

A sublime, corrosive, subliminal song, a pirate who jumps on board slowly but with great ability to rob our coffers. We range in the sonic crucifix that makes us bend our backs, walls of sound to silence us with stabs of class aimed at giving the composition a pathos that cleanses the soul of radioactive waste. An absolute climax of rare beauty.

A music box with a modern flavour, a synthetic approach on a guitar that comes from Seventeen Seconds, then acquiring rocks on the way and giving the song granite atoms of magnificent extension.

Fraud 

A new sinuous gem, in plain sight, with a shiny dress: we enter again the mystic zones of Robin Proper-Sheppard, the master chief of Sophia.

The first 100 seconds are the shot kept at bay before launching the track into the territories of an intimacy that knows light and the propensity to become a continuous flash which tries to battle with darkness. Refined and sensual, it uses a few piano notes to raise spirituality in the dark meadows of the universe: giving the feeling of a rapid and ineluctable fall. 

Treachery

The album bids farewell with new age bubbles inside a modern carousel of opaque neon, an intimate propensity to keep the dream alive in angelic eyes. A cradle in the sky rocks with the sensation that here everything closes, with sweetness and bitterness, in a combination that makes us all hold our breath. A semi-acoustic guitar surprises with its warm notes, while keyboards paint notes that seem to take the listener to the end of the sky: a marvellous display of class to conclude an immense work, tons of beauty that have given us an intimate listening experience and at the same time able to shake our now addicted nerves. RosGos is a talent to keep in our heart: pleasantly, inevitably!

Alex Dematteis 

Musicshockworld

Salford

18th May 2022

Date release: 19th May 2022

https://open.spotify.com/album/4tHE0n595G6A6Fze7lSyuV?si=YKdwqyNYQLS2olrJ66OybA

La mia Recensione: RosGos - Circles

 La mia recensione 

RosGos - Circles

Le sorprese sono sempre più determinate ad essere negative, noiose, faticose, pesanti.

In questo traffico spasmodico di fatti, eventi, tragedie in crescita, quelle positive sono rare, come le zone del mondo che sono prive di contaminazioni varie.

Il mio sguardo ora diventa musicale ed entra nell'opera di un artista italiano, lavoratore instancabile e dall'anima tesa, capace di dare alla sorpresa il volto del sollievo.

Un album che sa essere acuto nella sua tensione, respiri che diventano ansia poliedrica, contagiosa di nuvole scure che cercano il sole. Amore è la parola chiave di questa navicella marina: portata in fondo al mondo a guardare l'universo, lo si osserva nella sua potenza e prepotenza, facendone un fascio di gocce amare, ma capace di regalare labirinti di coppe di gioia in cui perdersi.

RosGos entra come un insieme di bolle nella pentola del cuore, tra fiammate Postpunk ed una Darkwave leggera affiliata alla Synthwave di gran classe, con brani calibrati nel mettere a fuoco le vicende del sentire umano. Purifica e incanta, scuote e ci fa danzare con la testa verso il nero seppia.

Sulla sua voce scende la follia del mondo, nel vano tentativo di una fuga impossibile, e l’artista Lombardo (Crema) la rende capace di scuotere la paura e di farla diventare un respiro consolatorio.

Chitarre dal mantello di pietra stringono il patto di fede con tastiera e basso: c’è una voragine da riempire e tutto va nella direzione del compimento.

Vi è del coraggio, una acuta leggerezza quasi romantica, un velo a proteggere la fragilità dell’aria e la predisposizione a trasportare il tempo in una atmosfera di piacevole confusione mista a tensione.

Grande predisposizione al bilanciamento dei volumi di idee tenendo in asse, perfettamente, tutti gli strumenti utilizzati. 

La tristezza ha la luce di una candela sospesa sopra il ghiaccio.

Quando sembra che il tutto sia rappresentato con un certo senso del distacco, ecco le sorprese che dicevo prima: RosGos scuote, rende insensata la nostra convinzione e la spiazza.

Diverse le direzioni musicali di queste nove composizioni, come il bisogno di trovare forza e conforto in un range che dia il senso di pienezza.

Non vi è nulla di italiano e in questa occasione direi che va a suo favore: i testi, il cantato in un perfetto inglese, la musica che nuota tra la Germania e l’Inghilterra in una danza completa di innumerevoli motivi di orgoglio che consegna all’Europa un meraviglioso figlio adottivo.

La sua tendenza è quella di offrire armonie e melodie, come se le gocce d’acqua fossero ancora possibiliste nei confronti di un bianco non del tutto macchiato. Una lunga poesia fatta di immagini, incontri, con il talento di un progetto che ci rende nuotatori dei sogni…

Canzone per Canzone

Limbo

Un fiato corto, un respiro pesante si appoggia ad un velluto elettronico in espansione, mentre la voce sembra avere la necessità di sedare gli sguardi: il primo brano mostra un crescendo armonico che diventa luculliano, potente e gioca con saliscendi vari per essere, nel ritornello, un saloon del far West moderno e vigoroso. Quando gli Alan Parson Project erano in grado di spiazzare: la canzone di Maurizio sarebbe stata perfetta per creare un’unione stellare.

Lust

Cambio di scenario per un brano che compatta il Postpunk ad un sentire digitale: zolle di vetro dalla pelle morbida fanno da cuscino ad un senso estetico del pop mascherato, che rivela un’attenzione agli equilibri di strumenti che come macchia d’olio avviluppano il fiato del nostro ascolto. Un ritornello a ricordarci l’evoluzione dei Radiohead, quella propensione decadente che seduce anche il sorriso più acceso. 

Gluttony

I Sophia e Jeff Buckley, del secondo album che in vita non è riuscito a completare, sono gli elementi che illuminano la pelle di una canzone che come un gomitolo malinconico trova un ritmo e elementi per creare una piacevole tensione. Poi il tutto si arresta per ripartire come una navicella spaziale in cerca di nuovi pianeti. Grande abilità nel non creare una probabile esplosione: è ciò che conferisce al brano una potente difesa dal banale.

Greed

Se non fosse esistito The Top dei Cure, questa sarebbe stata una perfetta canzone di apertura dell’album successivo a Pornography, almeno nelle prime battute, come se Charlotte Sometimes fosse stata alleggerita. Poi il cantato, trascinante e malinconico, dà modo all’autore Lombardo di rimanere in una zona musicale dei primi anni 90, terreno quasi sismico perfetto per melodie dal polso fermo. 

Wrath

RosGos qui restringe i campi di azione, tenendo le briglie ben strette su questo vascello cosmico dal profumo di sabbia bagnata: la drammaticità diviene evidente, sospensioni e voli grigi scuotono per precisione, con un arrangiamento che diventa atteggiamento di ricchezza, tra le note che sembrano scrutare l’intimità di una fuga. 

Heresy

Brano spiazzante, da una parte una sezione che ricorda la chitarra che rimanda a Pictures of You dei Cure ed un cantato di cui Tom Verlaine sarebbe fiero. Il ritornello mantiene la sensazione di riferimenti musicali troppo evidenti ed è forse quello che fa pagare dazio, perché l’unico nell’album a non mostrare la grande capacità di Maurizio di sapersi smarcare dalle comparazioni, visto che ve ne sono molte. Ma alla fine rivela la sua abilità nel tenerci sospesi in un sogno ed è pur sempre un grande regalo.

Violence

Quando la bellezza abbacina e ci rende schiavi ubbidienti e felici, distruggendo ogni logica possibile.

Brano eccelso, corrosivo, subliminale, un pirata che salta a bordo lentamente ma con grande capacità di derubare i nostri forzieri. Si spazia nel crocefisso sonoro che ci ingobbisce, muri di suono per renderci muti con stilettate di classe volte a conferire alla composizione un pathos che pulisce l’anima da scorie radioattive. Vertice assoluto di rara bellezza.

Un carillon dal sapore moderno, un approccio sintetico su una chitarra che proviene da Seventeen Seconds, per poi acquisire rocce per strada e dare alla canzone granitici atomi di magnifica estensione.

Fraud 

Nuova chicca sinuosa, in bella vista, col vestito lucido: si entra di nuovo nelle zone mistiche di Robin Proper-Sheppard, il capo mastro dei Sophia.

I primi 100 secondi sono lo scatto tenuto a bada per poi lanciare il brano sui territori di una intimità che conosce la luce e la propensione a divenire un lampo continuo che prova a battagliare con l’oscurità. Raffinata e sensuale, si serve di poche note di piano per elevare la spiritualità nei prati bui dell’universo: dando la sensazione di una caduta rapida e ineluttabile. 

Treachery

L’album si congeda con bolle new age dentro una giostra moderna dai neon opachi, una intima propensione a tenere il sogno vivo negli occhi angelici. Una culla nel cielo dondola con la sensazione che qui tutto si chiuda, con dolcezza e amarezza, in un binomio che sospende il respiro. Una chitarra semiacustica sorprende con le sue note calde, mentre la tastiera dipinge note che sembrano portare l’ascoltatore alla fine del cielo: una meravigliosa esibizione di classe per concludere un lavoro immenso, quintali di bellezza che ci hanno regalato un ascolto intimo e capace al contempo di scuotere i nervi ormai assuefatti. RosGos è un talento da tenere nel cuore: piacevolmente, in modo inevitabile!

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

18 Maggio 2022

In uscita il 19 Maggio 2022

https://open.spotify.com/album/4tHE0n595G6A6Fze7lSyuV?si=YKdwqyNYQLS2olrJ66OybA

La mia Recensione: Adami - Cosentino - Roversi / Praha

 

La mia Recensione 

Adami - Cosentino - Roversi / Praha 

“Non ricorderai i passi che hai fatto nel cammino
ma le impronte che hai lasciato.”
(Anonimo)

C’è una strada che chiede di essere mostrata, insieme alla modalità.

Il sudore, l’aria umida, le correnti, i disagi, le reazioni conseguenti: nel mondo che si surriscalda e dove tutto è affidato alle emozioni nessuno pensa a proteggere la mente, sempre più corrotta e resa debole dai gusti.

Arriva, però, un progetto artistico che sa fare quello che sembra ormai una memoria antica: prendersi cura, con la creazione di canzoni, di ciò che conosce la rottamazione.

Tre anime, tre percorsi nobilissimi si trovano a sviluppare il senso di compattezza, come dottori della cronica malattia della musica che si è smarrita.

Ed ecco PRAHA, un cobra dalle pelle fluida, che nuota cibandosi di correnti musicali riuscendo a incuriosire e alla fine nutrire chi lo ascolta.

Illumina per la sua coerenza, compattezza, versatilità, per la sapiente capacità di connettere ciò che lo ha preceduto, sviluppando idee proprie che risultano essere decisive per fare di questo disco un incontro con la piacevolezza, che alla fine è il pane dell’anima.

Ideato, curato, prodotto con grande professionalità, merita di attraversare le vostre stanze, di trovare un posto sulla vostra pelle e nel vostro involucro.

Con riferimenti che arrivano dagli anni 80, tutto si presenta fresco, pieno, con la consapevolezza di trucchi e capacità che devono andare incontro all’esigenza moderna che desidera una parte elettronica a prescindere.

Ed in questo lavoro la troviamo, equilibrata e non strabordante..

Convivono tra le tracce sapori intensi, dilatazioni, un senso di curiosità nei confronti delle proprie note che a volte sembrano rimpicciolirsi, altre avere uno slancio per allungarsi a proteggere la propria identità che non basta a se stessa. 

Sono compresi momenti di fuoco, di ghiaccio etereo, come se la world music incrociasse lo sguardo del progressive, piantando la bandiera della conquista su trame che comprendono un abito pop che sembra uscire da un Synthpop nascosto.

Se cercate l’evidenza lasciate perdere: nelle nove tappe sono i rimbalzi di luce a tenere tutto vivo, ma i colori li si trovano studiando, facendo dell’ascolto una lezione di alto livello. Si diventa girovaghi delle sorprese, delle conferme, qualcosa che assomiglia a una attitudine iniziatica verso ciò che appare diverso, come un cammino in cui cambiano anche i mezzi per percorrere le strade e non solo i luoghi incontrati. Permane, dopo molti ascolti, la convinzione che altre forme artistiche siano all’interno di PRAHA, nascoste per poter far brillare meglio ciò che è evidente all’occhio mettendolo in condizione di percepire e capire. Le mani sapienti dei tre, la loro esperienza e la forza d’urto di una cultura che deve sempre avere nella sua identità l’urgenza di allargare gli incontri con la conoscenza, consentono di fare delle canzoni pezzi di creta, in un manipolazione che svela non solo il talento ma la profondità, il senso di questo progetto. Un album come una cascata silente: lo ascolti e ti ritrovi in una zona complessa, perciò meritevole, di bolle d’acqua che corrono per rendere muta la bocca ma accesa la mente che incomincia a trarne beneficio. Più di una terapia perché questo non è il compito principale della creazione musicale. Questi artisti esperimentano per individuare ciò che occorre definire e tutto esce dal loro laboratorio con la faccia serena, quasi spavalda perché questo percorso è una gravidanza di un piacere che nasce quando lo si comprende. Il lascito è un bolo musicale che sale alla mente, salta giù sino alle gambe, con ritmi diversi, con solidità, per depositarsi nella zona sicura della piacevolezza. Si impasta come se le stagioni fossero ancora aggrappate alla loro storicità e fossero intenzionate a combattere la devastazione di un cambiamento a cui non opponiamo resistenza. PRAHA ci aiuta a connetterci con la spiritualità, con assoli termici di grande spessore, con strutture che spaziano per portarci in un luogo che non conosciamo. Questo è il reale compito della musica: il cambiamento del nostro posizionamento. Eccoci, sognanti e ballerini, con le storie che hanno le loro ragioni per uscire dal laboratorio ed essere condivise, come una pennellata di vita che giunge improvvisa. Gli arrangiamenti potenziano, rivelano ancora di più la struttura, l’epicentro di una forza che è la costante di tutto questo disco. Come pulviscoli senza peso, i secondi passati in questi nove tuffi regalano leggerezza pop con testi mai banali, associazioni sonore e stili musicali come un afflato che non spettina le nostre malate abitudini, bensì lo stratagemma per imparare che altre forme possono divenire veicoli che costruiscono capacità diverse. Ci è voluto del tempo per giungere alla perfezione, nessun percorso artistico può essere breve perché i veri artisti prendono appunti, studiano, misurano gli elementi e li inventano per dare un volto al tempo. 

Eccolo, si chiama PRAHA, un impulso dalla pelle balcanica, poi orientale, poi moderna, poi misteriosa, che come una nube cambia l’intensità della luce, della sua pelle, come camaleonte senza divisa né obblighi. 

Andiamo allora a visitare questa esperienza progressive pop, con tutta la serenità che spero questo scritto vi abbia regalato per dare alle pareti dei nostri ascolti nuovi palazzi mentali in cui inserire questa fiumana di incanto.

Canzone per canzone 

Spiritual Climax

Il mondo dei suoni, dei suoi luoghi è ciò che caratterizza la opening track, mantra che evoca luoghi che cercano il contatto: dall’Africa alla Scozia, c’è un filo che li tiene a portata di sguardo, con il basso che ferocemente alza la voce per consegnare alla tastiera e al cantato un arco melodico nel quale sognare. La voce di Adami trova nella sua potenza la capacità di essere evocativa e la chitarra semiacustica le dà un sostegno amichevole, con un approccio che partendo dal folk si collega a quella elettrica di matrice rock wave.

Show Me The Way

Ci sono ballads dalla propensione sensuale: si nutrono del gioco delle voci, delle linee che salgono sull’areo delle possibilità e abbandonano la propria natura iniziale per andare a tuffarsi in giochi stilistici che divengono abbracci. Brano multiplo, dalla faccia che mostra curiosità nella mutazione della propria pelle, con solidità ritmiche ed un solo di chitarra che graffia, come figlia profuga di Robert Fripp. Esiste una grande attenzione alla ritmica pulsante, alla complessità della composizione che allarga il sorriso a un rock che progressivamente lascia petali di luce 70’s.

In Your Eyes

Prendi gli Who, mettili in una discoteca, falli ballare con Lou Reed e gli U2: ma è solo l’inizio di questa favola dei sensi che insegna la profondità di anime allo specchio, alla ricerca di un contatto. Su pattern ed un loop elettronico che ammalia, in questi minuti si notano le capacità di connettere alla melodia ridotta all’osso all’inizio l’incanto di una sezione di archi che quando arriva stupisce. Ed è volo su note come schiocco di una frusta gentile. 

Mum

Quando l’atmosfera invoca il rallentamento, la dolcezza di un David Sylvian dal vestito World Music, l’impatto è da brividi, veicola tenerezza con le voci che si impastano perfettamente. Con il registro che si innalza, tutto progredisce e l’atmosfera cambia, portando il brano tra le strade di un Peter Gabriel etnico e di ottimo umore. Se il Progressive vuole restare in vita deve prendere spunto anche da questa canzone, in certi suoi momenti, dove tutto è un accogliere le possibilità di sviluppo.

The Idol (Prelude)

Torna Sylvian, con Ryūichi Sakamoto, in questo passeggiare pomeridiano, con la malinconia sorridente su note che cavalcano e sorpassano i sogni. Si avvertono emozioni dalla lunga ombra bianca: un componimento che convalida ed esprime al massimo l’interazione tra la canzone e i musicisti, capaci in 192 secondi di consumare le energie del ritmo e di farci porre invece la riflessione sulla lentezza, sempre più necessaria.

The Idol

Dopo il brivido iniziale di Kraftwerk con la finestra aperta sul cielo italiano, il brano si sposta, viaggia dentro una cavalcata dalle piume capaci di volare leggere, per poi incontrare una chitarra dalla voce bassa che rallenta il tutto e l’atmosfera si macchia di un catrame elettronico/dance dai fianchi torniti, che ci rende sognanti danzando.

All You Can Feel

Il mio vertice di preferenza risiede in questo arcobaleno dei sensi che veste il brano: la perfezione degli incroci degli strumenti, la cura degli intarsi, il senso di compattezza che regna tra i tasti del piano accarezzati come un bacio e il vigore di ritmiche e chitarre piene di fiato. La struttura è un ricamo di classe, capace di spaziare e di rendere il tutto elegante in un amalgama vistoso.

Everything 

Un potenziale hit radiofonico porta l’estate nei pensieri e l’aria l’accoglie felicemente. Questo combo di tre fuoriclasse sfodera la canzone che li può condurre alle masse. Come un ghiro che si scioglie con il basso quasi funky, il piano che ci fa danzare ad occhi aperti e la voce come un gabbiano in cerca di un volo come un acuto necessario,   tutto procede per arrivare alla parte che seduce per quel tocco di musica classica che non puoi immaginare, per poi dare alla chitarra ritmica il vestito rock che invece sì che desideravi. Ed ecco che tutto si sublima nel percorso di secondi ricchi di sale, che è ciò che dà sapore. 

Return Home

Il congedo arriva con una chicca dal sapore autunnale, con il lavoro di Adami che con le sue corde vocali riesce con grande capacità a saldare la musica, che è una esibizione di classe di un lenzuolo di raso che vuole fare le capovolte tra le nubi. E il finale è in mano alla chitarra che si inchina e ringrazia per il nostro ascolto. Una chiosa assolutamente perfetta!

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

17 Maggio 2022

https://adamicosentinoroversi.bandcamp.com/album/praha

La mia Recensione Gaudi - Theremin tribute to The Smiths

 La mia Recensione 

Gaudi - Theremin tribute to The Smiths

I brividi: l’universo che si compatta sulla pelle del cuore per trasferirsi nella storia di un percorso umano. Sono le briciole meravigliose di un infinito impossibile da conoscere, ma accontentandosi della loro forma e sostanza ci si ritrova a sentirsi persone migliori, che è un ottimo inizio.

Nella musica i brividi certificano l’incontro con l’emozione, nascono legami spesso indissolubili, sicuramente per qualche istante al centro del proprio mondo.

E, quando si dà loro spazio, nascono dei Grazie capaci di divenire montagne di bellezza, calamite sulle rocce per rendere stabile un amore.

Gaudi l’ha fatto, in modo perfetto, conducendo lo scriba dentro oceani di lacrime di gioia per il suo generoso lascito: cinque rose sul suo sentire sensibile, il suo mondo più intimo, il suo resocontare un amore infinito, trovano specificazione e validità per la modalità scelta, per il rispetto dimostrato, per l’accuratezza nel non cadere nella banalità di espressione di cover che avrebbero rovinato tutto.

L’amore vero calcola e deve essere attento: da questo è partito l’Artista e ha capito che il duo Mancuniano Morrissey/Marr non può essere riprodotto perché le unicità non si copiano né si incollano.

La sensibilità umana è una antenna capace di captare il mistero, il noto, una complessità spesso poco decifrabile e difficile da decodificare.

Ed è un’antenna particolare quella che ha deciso di usare Gaudi per ringraziare gli Smiths. Per far intendere che la bellezza, l’unicità, la ricchezza della band di Manchester ha caratteristiche talmente specifiche e intense che occorreva un rispettoso accorgimento. Il cantato stupendo  del poeta di Stretford, seppur a volte sbilenco, con delle imperfezioni, è intoccabile. Come lo sono le magie delle dita di Marr. Ha scelto l’unico strumento che potesse contenere tutto questo su un piano strutturale, grazie alla conoscenza pluriventennale e avendo capito che in questo modo avrebbe dato un senso specifico al tutto, non banalizzando ma rendendo ancora più chiara quella unicità di cui ho scritto prima.

Il Theremin è lo strumento dell’anima, lo schiaffo che educa al riconoscimento vero del suono, per la sua altezza e intensità.

La voce ed il violino, così distanti tra di loro, trovano nel timbro esecutivo del Theremin la possibilità di compattare e rendere praticabile un incanto infinito.

Presa la decisione di suonare questo diamante espressivo, dentro di sé Gaudi non ha selezionato le canzoni in modo superficiale: si è rivolto a opzioni che tenessero conto del suo Grazie e delle caratteristiche dello strumento perché tutto fosse impeccabile. Raggiunta la perfezione della scelta dei brani su cui lavorare, tutto poteva concentrarsi verso l’esecuzione che doveva essere eccellente.

Questo Grazie toglie la polvere all’invecchiamento che lo scorrere del tempo causa nostro malgrado: Gaudi ha spruzzato sulle note antichi sentimenti maggiorandoli di intensità. Sia dato spazio allora alla malinconia, al dolore, alla frustrazione, al dolore, con questo clamoroso dispositivo che fissa la bellezza con le spalle verso il muro, quello dell’eternità.

Le rose degli Smiths non sono canzoni, ma appunto le regine dei fiori: cinque regine che Gaudi ha reso altrettanto immortali con la sua capacità visionaria.

L’assenza della voce non viene sostituita dal Theremin, bensì  analizzata e portata su un piano sensoriale: le trame sono state rese figlie non solo della melodia ma anche delle parole, come un pennello che saggiamente non riempie i buchi ma dà senso a ciò che gli gravita intorno. Questo è il vero capolavoro di questo mazzo di rose: riuscire a rendere immortale il cantato del bardo di Stretford, con le spine che la proteggono affinché quelle antenna, suonata in questo modo, compia il miracolo di non offendere.

Ascoltare le rose, quando rappresentano l’amore profondo, diventa un regalo, essere degni del quale deve divenire l’aspetto primario. Imbarazza in modo indiscutibilmente positivo sentire l’anima di Gaudi tremare, sudare, farsi piccola mentre compie un gesto enorme.

Un’opera di questa levatura è da studiare perché ogni goccia che cade su questo ascolto ci aiuta a capire maggiormente la grandezza degli Smiths: questa è la rosa che si vede di più, occorre notarla perché Gaudi ha trovato un modo intimo di riportarci al cospetto della band Mancuniana con maggior rispetto.

Ora andiamo vicino a questo mazzo, con un religioso silenzio interiore, perché la bellezza è pronta a fare di noi un ennesimo piacere e privilegio…

Canzone per Canzone

Last Night I Dreamt That Somebody Loved Me

Prima rosa.

Scende la nebbia, il volo dei gabbiani si riempie di liquidi amari negli occhi e il devastante piano accoglie il Theremin che, come annotiamo e notiamo sin da subito, partecipa anche nella parte musicale. Ed è innegabile che questa delicata antenna spezzi il fiato e ci porti in dono le stesse lacrime di quegli uccelli. Struggente, figlia di un abisso in caduta libera. Gaudi, supportato da eccelsi compagni di regali, dona alla canzone tutto il significato mentre Morrissey piange con noi…

Please, Please, Please, Let Me Get What I Want

Seconda rosa.

Dove tutto sembra alleggerirsi, per via dell’incredibile talento di Johnny Marr, ecco che Gaudi arricchisce la sinuosità di questa rosa con piccoli, quasi velati arrangiamenti. Il Theremin ci consegna la voce di Morrissey, senza corde vocali ma con le vene piene di un sangue, che cammina sulla rugiada di un desiderio che vuole compiersi. Le oscillazioni sono semplicemente stati emotivi in fervida esibizione.

I Know It’s Over 

Terza rosa.

La Regina della emarginazione, dell’incomprensione, della solitudine più feroce diventa con questo regalo un’onda che sale nel cielo, un turbinio devastante. Gaudi ne ha colto la profondità, non ha attenuato di un grammo la sua intensità e ci concede la bellezza di un abbraccio bagnato di dolore e petali in caduta libera. Il Theremin, che sostituisce il cantato di Morrissey, adopera qui il battito delle ali di quelle gocce in volo per fermarci il cuore…

Asleep

Quarta rosa.

Il groppo in gola sotterra ogni tentativo di felicità: Gaudi tra le sue dita mette quarant’anni di devozione e tutto ciò ci conduce nella polvere notturna di battiti di ciglia nervose ed egoiste. La canzone degli Smiths qui esalta la parte del testo e fa della musica una coperta di lana merinos attenta a non farci avvertire cambi di temperatura in un cuore impegnato a tremare.

Well I Wonder

Quinta rosa.

Portate ossigeno e coraggio di vivere: Well I Wonder, in mano al Theremin, è un infarto portatile che attraversa il corpo per paralizzarlo. Non è più un’antenna, non sono più i palmi e le dita di Gaudi a tradurre ma a rendere reale l’annaspare con l’aria che ci abbandona, ci frantuma, ci indica la via di uscita da questa esistenza. 

Il talento qui diventa incontrollabile e queste onde sonore vanno oltre la comprensione umana: dilatano i passi ed è impossibile non ricordarsi di questa rosa che, mentre camminiamo, sotterra la nostra forza perché le gambe cedono.

E l’atto finale di ciò che siamo è l’ascolto di un fiore che il 20 maggio 1982 nacque e che quarant’anni dopo ancora vive, in quanto quella sua luce non se ne andrà mai…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

15 Maggio 2022

https://gaudimusic.bandcamp.com/album/theremin-tribute-to-the-smiths?fbclid=IwAR2qrsX5HUb9TidjAtiVGLUm2U3Le-hUrhPB99s7aS9JMXi-pqNQZGdqwnk