My Review: James - All The Colours Of You

James - All the colours of you

There was a time when we could see them in the meadows, in the parks of a smiling, tired but never speechless Manchester.

Now they fly overhead, all we have to do is raise our heads and thousands of daisies offer us their petals as rays of much-needed energy so we can have at least one romantic reason not to give up. Some of them are still all together: their name is James and they are also the stars that light up the city night and day.

They are back to let us hear their new flow of skill and melodies that become our new strength.

A resounding comeback for how they managed to live through the pandemic period, giving us songs that can be an incentive towards the comfortable willingness to give in.

They have put in place eleven butterflies to play the game that they will clearly win: on their side they have the class, the technique, the strategy, all aimed at scoring goals in our heart.

Jim and Mark are the main songwriters, but all the daisies have played their petals in creating a flock of butterflies that gently glide to stay. They certainly won't leave. Tim proves himself, as always, to be the sovereign God of writing with lyrics that range and delve into themes that would be suitable for rhetoric (which, by the way, also has positive aspects), not indulging, as always, in simple and above all banal composition. No: he is the striker who is able to surprise, he does not need dribbling to jump into the net of our hearts ready to take goals, because it has never been so wonderful to see the net swell.

In the end they are eleven goals that make you realise just how much James are constantly growing.

After 39 years since their formation they are as fresh as ever.

Sixteenth album and certainly this one proves to be courageous and determined, granting itself the pleasure of a conception that started in a simple way and was gradually able to create articulated and complex structures, without giving up showing the band's unmistakable style.

And having worked with a producer like Jacknife Lee has made their creative musk even more fertile and fragrant.

Tim's lyrical choices address current issues, modern imbalances, the pandemic (here considered in a completely different way than on albums that have been and are being released), relationships increasingly unable to uphold certain values and the absence of communication able to convey positive messages. 

An album so rich and surprising that it might shock a lot of their followers: time will be kind and teach them that among these grooves there is the whole essence of the band reaching levels never touched before. They have matured so much that patience will almost certainly be required before you run the risk of  getting a terrific crush.

It only remains for me to let you smell the scent of these daisies: make yourselves comfortable so that you can long for them to dwell inside you…

Zero

Tim's favourite song opens the album, the one with the most extreme length, a track as powerful as ever to introduce us to their new work. It surprises from the beginning with its structure and variations, stimulates curiosity as it becomes morbid and it is swaggering, rich, remarkable in its showing those muscles that do not just lie on the surface. The lyrics start with a brutal truth and then find, as always with Tim, the way to let the sunshine in and leave us breathless with the beauty of what we have listened to. He first invites us to leave some impediments behind, helps us to break free. Simply a crazy way to start this adventure among the colours.  The first Daisy has already stunned us. 

All The Colours of You

George Floyd and President Trump's disastrous administration. Tim denounces and does so with his unmatched class.

This song has led many people astray: it is historicised that it is difficult for many to understand much of an album, let alone an entire career where several compositions have seen Tim writing about the social situation since their first work. Many have turned up their nose, criticizing him. Not understanding the wide margin in which his writing has moved. Undoubtedly Trump's ears must be ringing! A song that in addition to being almost an invective contains a positive message in reminding us that colours are still fundamental. It moves elegantly over an electronic carpet, an enveloping, modern rhythm, a bass that is lymph, keyboards that simple and modern lead us into their arms, vocals that are steeped in medium harsh tones to the point of unexpected sensuality and Andy's trumpet which makes us fly over all the colours.

Recover 

A touching song, Tim opens his heart to talk about the death of Covid of his wife's father: yet another life lesson in how one should live through a mournful moment.  The music is a hinted caress on which the singer, with ease and delicacy, manages to transform a tear into a feather. The bass surrounds, the simple keyboards sink in, like a high and finally free breath.

Beautiful Beaches

How to turn an escape caused by the usual fires in the area where he lives near Los Angeles into a joyful dance: Tim can do it!

Electronic drums and keyboards dominate in a track that has its strong point in the pre-chorus and in the chorus itself, until the final, perhaps difficult, drumming that seems to surround the area where he has moved to protect it. A track with success already assured in the next live shows. The band here benefits, as for the rest of the album to tell the truth, from Jacknife Lee's production, skillful in giving power and compactness to a melody that is sublime in its lightness.

Wherever It Takes Us

A dream: a girl committed to defending rights that are not just her own risks death in a wild ride. The song shows how verse and refrain can be so far apart. But the refrain, full of voices and melodic propensity to embrace all fears, becomes one of the most beautiful ever for this band, which in the song demonstrates all its ability to range and captivate in phases distant from each other.

Hush

Here comes a ghost, in this tense story, softened however by a rhythm that here finds slowness, while the melody brings back some of the typical James sound that many will surely not struggle to recognise. The track, like the story told by tender Tim, crosses the swamp of fear to leave us with the gift of mystery. When James are light, despite a nightmare told with class, their music knows how to prove that it is in simplicity that songs become eternal.

Miss America 

While remaining in the zone of a music that has slowed its pace, here the story changes, the American dream is destroyed by the dream of a girl, a model, who, while trying to win the beauty contest, realises the weaknesses of a system doomed to collapse. Tender, a few notes, but incisive, here the band succeeds as always in not needing all its many members to convey the sense of chorus. Another track that will manage to warm the heart. 

Getting Myself 

How to turn a piano riff into a hit, starting with a breath and ending with a cough that will make us all happy singers. A sure hit that will put a smile on our faces. A song that clearly explains the mood of the album, in music and lyrics. When perfection does not exist it is put at risk by these inspired and fearless 60-year-olds. The last 20 years of their career summed up in one track, you will see the magic in your ears hungry for beauty.

Magic Bus

Tim seems to have taken some acid to bring us into the great textures of a lively song in its disguised psychedelia.

But he didn't take it, making this lyrics even more special....

It is a tribal, haunting and sensual journey that nails and defeats us, as only the great artists know how to do, the descriptive banality of a path where drug-taking would have made it run the risk of becoming banal and similar to thousands of other songs. Curious lyrics and an equally curious music seem to perfectly make James masters in disguising papers and identities. 

Isabella

Another story of mystery and violence quickly enters the album: the protagonist arrives and shocks, throws her revenge and then rises up to find distance from her sin. Tim's interpretative imagination allows him to take full advantage of the song's changes of rhythm, which finds its majesty in the refrain. Then the two female backing vocalists lift us up with their simple but centred singing. We reach the end, between guitars and compact keyboards, Tim finds a second refrain to sink us again, waiting for the autopsy...

XYST 

We are at the end of the album: when political power would like to shut the mouths of musicians' consciences. A stunning track that concludes this work by giving us new, lucid, elegant James, capable of being adults with a young heart. The last composition is the ending I was expecting, a new surprise that fascinates and drags us into the depths of a new awareness: every song on this sixteenth album has the strange virtue of being untied but at the same time connected to all the others, there is always a mystery, a surprise that appears within the instruments. Here, too, there is no doubt whatsoever: things end well, with class, the chance has been taken to give the world the eleventh song on this palette of colours and daisies, they played  offense and won big.

Undoubtedly their best album of this millennium and among my top three of all time. Because James in 1982, just before they were the band that opened the Haçienda in my beloved Manchester, in their small, trembling dressing rooms, signed a pact with the devil: time will not bend their beauty and in time they will be able to bring all the colours of the world into your now grey beats.

I'd say that pact magically endures, and now please count these petals, rewind the craving for beauty and dive back in here, since in the meantime the palette is ready: a new round of colours for our flushed smiles...

The album will be on sale from tomorrow, 4 June 2021

Alex Dematteis 

Salford

3 June 2021

James:

Tim Booth

Lyrics, vocals, percussion, backing vocals

Jim Glennie

Bassist, percussion

Saul Davies

Guitarist, violinist, percussion, backing vocals

Mark Hunter

Keyboards, Piano, Percussion, Programming 

David Baynton-Power

Drums, percussion

Andy Diagram

Trumpet, backing vocals, percussion

Adrian Oxaal

Guitar, choirs, cello 

Chloë Alper

Choirs, percussion 

Knox-Hewson Debbie 

Choirs, percussion

https://open.spotify.com/album/5ygHCOppc7ipeiWCB8cj9M?si=1VRBmb2QTIet3r4fQkCmgQ

My collection of the album:

La mia Recensione: James - All The Colours Of You

James - All the colours of you

C’era un tempo nel quale potevamo vederle nei prati, nei parchi di una Manchester sorridente, affaticata, ma mai ammutolita.

Ora volano in alto, basta alzare la testa e migliaia di margherite ci offrono i loro petali come raggi di energia necessaria per poter avere almeno un romantico motivo per non mollare. Alcune di loro sono ancora tutte insieme: si chiamano James e sono anche le stelle che illuminano la città notte e giorno.

Sono tornate per farci sentire il loro nuovo getto di bravura e melodie che diventano la nostra nuova forza.

Un ritorno clamoroso per come siano riusciti a vivere il periodo della pandemia consegnandoci canzoni che sanno essere uno stimolo verso la comoda volontà di cedere.

Hanno messo in campo 11 farfalle per giocare la partita che vinceranno nettamente: dalla loro hanno la classe, la tecnica, gli schemi, tutti indirizzati a fare goal nella porta del nostro cuore.

Jim e Mark sono i principali compositori delle canzoni ma tutte le margherite hanno giocato i loro petali nella creazione di uno stormo di farfalle che delicatamente planano per rimanerci. Non se ne andranno di certo. Tim si rivela come sempre il Dio sovrano della scrittura con testi che spaziano e approfondiscono tematiche che si presterebbero alla retorica (cosa che tra l’altro ha anche aspetti positivi), non concedendosi, come sempre, ad una scrittura semplice e soprattutto banale. No: lui è l’attaccante che sorprende, non ha bisogno di dribbling per saltare dentro alla rete dei nostri cuori pronti ad incassare goals, perché non è mai stato così bello vedere la rete gonfiarsi.

Alla fine sono 11 goals che fanno capire quanto i James siano in costante crescita.

Dopo 39 anni dalla loro nascita sono più freschi che mai.

Sedicesimo album e sicuramente questo si rivela coraggioso e determinato, concede a se stesso il piacere di una concezione che partita in modo semplice ha progressivamente saputo creare strutture articolate e complesse, senza rinunciare nel presentare l’inconfondibile stile della band.

E aver lavorato con un produttore come Jacknife Lee ha reso il loro muschio creativo ancora più fertile e profumato.

Le scelte di Tim per quanto concerne i testi si rivolgono a tematiche correnti, agli squilibri moderni, la pandemia (qui considerata in una modalità completamente diversa rispetto ad album che sono usciti e che stanno uscendo), i rapporti sempre più incapaci di sostenere alcuni valori e l’assenza di una comunicazione che veicoli messaggi positivi. 

Un album talmente ricco e sorprendente che potrebbe scioccare parecchi seguaci della band: il tempo sarà gentile e insegnerà che tra questi solchi c’è tutta l’essenza della band  che raggiunge  livelli mai toccati prima. Sono maturati talmente tanto che occorrerà pazienza, quasi sicuramente, prima che corriate il rischio di prendere una cotta micidiale.

Non mi resta che farvi sentire il profumo di queste margherite: mettetevi comodi che avrete modo di desiderarle per davvero dentro di voi...

Zero

La canzone preferita da Tim apre l’album, quella con il minutaggio piu estremo, una canzone potente come non mai per introdurci in un loro nuovo lavoro. Spiazza sin da subito, per la struttura e le varianti, stimola la curiosità nel farsi morbosa ed é spavalda, ricca, notevole nel suo mostrare quei muscoli che non stanno solamente in superficie. Il testo parte con una cruda verità per poi trovare, come sempre con Tim, la via dove far entrare il sole e lasciarci senza fiato per la bellezza di quello che abbiamo sentito. Lui per primo ci invita a lasciare alcuni impedimenti, ci aiuta a divincolarci. Semplicemente un modo pazzesco per iniziare questa avventura tra i colori.  La prima Margherita ci ha già storditi. 

All The Colours of You

George Floyd e la pessima amministrazione del Presidente Trump. Tim denuncia e lo fa con la sua inarrivabile classe.

Questa canzone ha condotto molte persone fuori strada: è storicizzata la nota  difficoltà di molti di capire poco un album, figuriamoci una carriera intera dove diverse canzoni hanno visto Tim scrivere della situazione sociale sin dal loro primo lavoro.  Molti hanno storto il naso criticandolo. Non avendo capito il margine ampio nel quale si è mossa la sua scrittura. Certo: a Trump saranno fischiate le orecchie! Una canzone che oltre ad essere quasi una invettiva contiene un messaggio positivo e nel ricordarci che i colori sono ancora fondamentali. Si muove elegantemente su un tappeto elettronico, un ritmo avvolgente, moderno, un basso che è linfa, la tastiera che semplice e moderna ci conduce tra le sue braccia, il cantato che è intriso di toni medio aspri sino a giungere alla sensualità inaspettata e la tromba di Andy a farci volare sopra tutti i colori.

Recover 

Una canzone toccante, Tim apre il suo cuore per parlare della morte del padre di sua moglie per Covid: ennesima lezione di vita di come si dovrebbe vivere un momento luttuoso.  La musica è una carezza accennata su cui il cantante, con agio e delicatezza, riesce a fare di una lacrima una piuma. Il basso circonda, la semplice tastiera affonda, come un respiro alto e finalmente libero.

Beautiful Beaches

Come trasformare una fuga causata dai soliti incendi nella zona dove vive vicino a Los Angeles in una danza gioiosa: Tim può!

La batteria elettronica e le tastiere la fanno da padroni in un brano che ha nel pre ritornello e nel ritornello stesso il punto di forza sino ad arrivare al finale, forse ostico, di un drumming che sembra circondare la zona dove si è trasferito per proteggerlo. Un brano dal successo già assicurato nei prossimi live. La band qui si giova, come per il resto dell’album a dir la verità, della produzione di  Jacknife Lee, abile nel dare potenza e compattezza in una melodia che è sublime per leggerezza.

Wherever It Takes Us

Un sogno: una ragazza impegnata nella difesa di diritti che non sono solo i suoi, rischia la morte in una corsa selvaggia. La canzone mostra come strofa e ritornello possano essere lontanissimi tra di loro. Ma il ritornello, pieno di voci e melodica propensione ad abbracciare ogni paura, diventa uno dei più belli di sempre per questa band che nel brano dimostra tutta la sua capacità di spaziare e coinvolgere in fasi distanti tra di loro.

Hush

Arriva un fantasma, in questa storia tesa ma resa morbida da un ritmo che qui trova lentezza e la melodia ci riporta parte del suono tipico dei James che molti sicuramente non faticheranno a riconoscere. Il brano, come la storia raccontata dal tenero Tim, attraversa la palude della paura per lasciarci in dono il mistero. Quando i James sono leggeri, malgrado un incubo raccontato con classe, la loro musica sa come dimostrare che è nella semplicità che le canzoni diventano eterne.

Miss America 

Pur rimanendo nella zona di una musica che ha rallentato il suo ritmo, qui la storia cambia, il sogno Americano viene distrutto dal sogno di una ragazza, modella, che mentre prova a vincere il concorso di bellezza, realizza i punti deboli di un sistema votato al collasso.  Tenera, poche note, ma che incidono, ecco la band riuscire come sempre nel non necessitare di tutti i numerosi membri che la compongono per dare il senso di coralità. Un altro brano che riuscirà a scaldare il cuore. 

Getting Myself 

Come fare di un giro di piano una hit, partire da un respiro per arrivare ad un colpo di tosse che ci renderà tutti cantanti felici. Una sicura hit che ci sorriderà di sicuro. Una canzone che spiega nettamente il clima dell’album, nella musica e nel testo. Quando la perfezione non esiste viene messa in pericolo da questi sessantenni ispirati e impavidi. Gli ultimi 20 anni di carriera riassunti in una canzone, la magia la vedrete nelle vostre orecchie affamate di bellezza.

Magic Bus

Tim sembra aver preso un acido per portarci nelle gran trame di una canzone vivace nella sua psichedelia mascherata.

Ma non l’ha preso rendendo questo testo ancora più speciale...

È un viaggio tribale, accennato, ammaliante e sensuale, che inchioda e sconfigge, come solo i grandi sanno fare, la banalità descrittiva di un percorso dove l’assunzione di droga avrebbe corso il rischio di divenire banale e simili a migliaia di altre canzoni. Un testo curioso ed una altrettanta musica sembrano perfettamente rendere i James maestri nel camuffare carte e identità. 

Isabella

Un’altra storia di mistero e violenza entra velocemente nell’album: la protagonista arriva e sconvolge, affonda la sua vendetta per poi salire in alto per trovare la distanza dal suo peccato.  La fantasia interpretativa di Tim gli concede di sfruttare pienamente dei cambi di ritmo della canzone che trova nel ritornello la sua maestosità. Poi le due coriste ci alzano lo sguardo con il loro vocalizzo semplice ma centrato. Si giunge al finale, tra chitarre e tastiere compatte, Tim trova un secondo ritornello per farci affondare di nuovo, nell’attesa dell’autopsia...

XYST 

Siamo alla fine dell’album: quando il potere politico vorrebbe tappare la bocca alla coscienza dei musicisti. Brano strepitoso che conclude l’album consegnandoci dei James nuovi, lucidi, eleganti, capaci di essere adulti con un cuore giovane. L’ultimo brano è la chiosa che mi aspettavo, una nuova sorpresa che affascina e trascina nella profondità di una nuova consapevolezza: ogni canzone di questo sedicesimo album ha la strana virtù di essere slegata ma allo stesso tempo connessa a tutte le altre, c’è sempre un mistero, una sorpresa che si affaccia dentro gli strumenti. Anche qui non vi è dubbio alcuno: le cose finiscono bene, con classe, si è giocata la possibilità di dare al mondo l’undicesima canzone di questa tavolozza di colori e di margherite, si è giocato all’attacco e si è vinto alla grande.

Senza dubbio il loro miglior album di questo millennio e tra i miei primi tre di sempre. Perché i James nel 1982, poco prima di essere la band che inaugurò l’Haçienda della mia amata Manchester, nei camerini piccoli e tremanti, ha firmato un patto con il diavolo: non sarà il tempo a piegare la loro bellezza e con il tempo saranno capaci di portare tutti i colori del mondo dentro i vostri battiti ormai grigi.

Direi che quel patto resiste magicamente, e ora contate questi petali, riavvolgete la voglia di bellezza e tornate a tuffarvi qui dentro, che intanto la tavolozza è pronta: nuovo giro di colori per i nostri sorrisi accaldati...

L’album sarà in vendita da domani, 4 giugno 2021

Alex Dematteis 

Salford

3 Giugno 2021

James:

Tim Booth

Testi, cantante, percussioni, cori

Jim Glennie

Bassista, percussioni

Saul Davies

Chitarrista, violinista, percussioni, cori

Mark Hunter

Tastiere, Piano, percussioni, programmazioni 

David Baynton-Power

Batteria, percussioni

Andy Diagram

Tromba, cori, percussioni

Adrian Oxaal

Chitarra, cori, violoncello 

Chloë Alper

Cori, percussioni 

Knox -Hewson Debbie 

Cori, percussioni

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La mia collezione dell'album:

La mia Recensione: Umberto Maria Giardini - La dieta dell'imperatrice

 

La mia Recensione:

Umberto Maria Giardini - La dieta dell’imperatrice 

Non rimpiango le persone che ho perso col tempo, ma rimpiango il tempo che ho perso con certe persone, perché le persone non mi appartenevano, gli anni sì.
(Carl Gustav Jung)

Prendi una donna nel cuore e fatti guidare verso la ricerca interiore, e con la penna piena di stile scrivi la storia di un uomo fuori da certe strutture.

Lei è Anna Calvi, colei che in qualche modo stimola Umberto a inventare un nome nuovo nella sua carriera, senza perdere tutte le caratteristiche di uno degli autori di maggior talento di questa Italia musicale sempre confusa e non capace di produrre qualità nella quantità. Se non una musa sicuramente un punto di riferimento. Infatti sarà Antonio Cooper Copertino, produttore eccelso al lavoro proprio con Anna e Pj Harvey, a sedersi in studio con lui per co-produrre il ritorno discografico del più sensibile tra i musicisti dello Stivale.

C’è da perdere peso in questa abbondante proposta di album e artisti, c’è da ritrovare l’infinita intimità che meglio li protegge dall’esibire qualità forse non del tutto centrate.

Con un sentire psichedelico, senza per forza essere musica con quelle caratteristiche, Giardini scrive dieci fiamme avvolte in un cuscino, dove il calore trova la sua comodità: sono canzoni che scaldano il cuore ma allo stesso tempo incendiano la mente, perché si rimane oltre che commossi sicuramente stimolati a capire il tempo corrente. 

Tutto graffia accarezzando, un quasi ossimoro che è inevitabile constatare quando si parla dell’autore marchigiano, bolognese di adozione, vista la propensione a mettere inchiostro dentro pensieri vellutati, ma anche con il dovere di posare una mano su pensieri che non potevano rimanere nascosti. Ecco che l’amato Post-Rock ben si presta in modo evidente in un paio di tracce, restando sempre presente con una maschera dai colori tenui.

Riuscire a collegare l’anima cantautorale ad altre miscele è la dote maggiore di Umberto, spaziando tra generi musicali che con le sue composizioni conoscono nuovo ossigeno, stimoli e direzioni diverse. Questo accade in un album che infetta i respiri di bellezza, in un mondo che ha perso la capacità di riconoscerla. La testa ogni tanto si piega verso il basso, ma senza essere afflitta da atteggiamenti vittimistici. Semplicemente questo autore sa come mostrare la realtà, i sogni, la parte di noi che disegna momenti improbabili in storie reali. Ed è la sua cultura personale a guidarlo con saggezza dentro scelte liriche e musicali che fanno l’amore lasciando a noi l’orgasmo, il piacere di ascolti prelibati, da conservare con preziosa attitudine. L’uomo Umberto vince la sua personale gara con la parte artistica, lasciando al passato la dicitura Moltheni e rimpicciolendo di molto i confini della sua dilatata e nota propensione a essere capace di scrivere bene qualsiasi cosa.

In questo album lui si raggomitola, con i suoi bisogni rivisti e liberi, per accendere una candela nel suo percorso umano e, una volta frullato, tutto si rivela con una intensità mai esibita prima.

In questa dieta Giardini nel suo menu mette fiori che aprono le porte del suo garage interiore, in una narrativa che scuote e innalza lo spirito per inebriarci di umori, pensieri, vicende che hanno addosso il respiro intellettuale del generoso artista che si spoglia e veste la nostra anima, bisognosa di essere educata nuovamente alla consapevolezza.

La lentezza ritmica consente la perdita di ogni esigenza frenetica per meglio fissare la grande quantità di concetti che sono all’interno di queste composizioni votate alla introspezione, in modo elegante sebbene esistano condizioni di paura e smarrimento innanzi a cotanta lucidità. Siamo permeati da concentriche esibizioni di talento che, grazie ad atmosfere dilatate, meglio consentono la comprensione con momenti di un progressive più mentale che musicale, sebbene non manchino episodi nei quali il sentire di quello stile si concretizza, seppur in modo misurato.

La chitarra disegna i volteggi delle parole, le bacia e si prende il giusto spazio per esibire talento e prolifica predisposizione a essere lo strumento su cui si sviluppano le trame. Le stagioni dell’esistenza in questo album paiono davanti al crepuscolo, davanti a giochi per adulti senza volontà di sprecare del tempo, in cui immacolata è la sensazione di un riposo della frenesia, conferendo alle canzoni il ruolo di un mantra interiore. Ed ecco che la sei corde risulta essere lo strumento migliore, la chiave di violino dove tutto si accorda per stabilire i fianchi di un percorso consapevole che l’agilità non sarà la prerogativa su cui tutto avrà modo di esistere. 

Il coraggio di tornare in territori che l’hanno in qualche modo non accolto adeguatamente ci svela il suo coraggio, la flemma inglese che è nel suo DNA, uomo ostinato che riesce a sbarazzarsi degli ostacoli e a vincere un’ipotesi sfida con un’industria musicale mai troppa avvezza a riconoscere il suo talento. Mettere a dieta la musica gonfia e tronfia è la vera impresa di questo lavoro, che seguendo l’etimologia sa offrire modi di vita diversi, per innaffiare lo stile di incredibile profondità, sbaragliando la concorrenza. Come un’anima che non necessita una mutazione ma il coordinarsi con i propri antichi movimenti, Umberto, con la sua voce sottile, obliqua, che il mistero ha preso sottobraccio per conservarne l’intensità, arriva lentamente ad aprire il varco delle nostre distrazioni, delle incertezze, con un fare sognante che invece di cullarci e favorirci il sonno, sveglia le nostre pulsioni, sia attraverso arpeggi, sia mediante giri armonici che si appiccicano alla nostra dipendenza, sia con chitarre lente e con schitarrate che non hanno bisogno di grandi distorsioni per immobilizzarci. La canzone viene sostenuta da un impianto rock onirico, come i suoi testi, che sono mattoni ricoperti di gladioli.

È melodia, fantasia, poesia dentro un’ampolla piena di liquidi intossicati che cercano consolazione, riguardo, considerazione e complicità: dieci incursioni dalla tonalità cupa e mite capaci di sconfiggere certe esagerazioni della luce ma, poi, in fondo, queste cellule sono in grado di restituire la giusta dose di fasci per non farci accecare.

L’equilibrio è sempre stato l’elemento che ha contraddistinto tutta la carriera di Umberto Maria Giardini: canzoni con il metronomo, il compasso, la matita sottile che penetra nei moti più surreali e complessi, il setaccio che oltre a scegliere leviga, indurisce e specifica argomenti e storie che guardano dentro il percorso folle della letteratura alla quale dà modo di prendersi cura di testi e musiche per lubrificarne il corpo.

L’artista qui adopera genio e progettualità, prendendosi la rivincita nei confronti di chi l’ha sempre sottovalutato o evitato e per vincere la sfida rimane se stesso, l’arma migliore per non vergognarsi, dimostrando la fiducia e una ostinazione meravigliosamente efficace, per approdare dove il suo impeto dalla faccia densa necessita di soggiornare.

Eccole in fila, vestite di lontananza, lampade del 1800 approdare nelle strade ancora più buie del terzo millennio, cibarsi delle proprie invenzioni, di consapevolezze che si inchiodano nei solchi per dare credibilità a un mestiere che sembra avere una data di scadenza prossima, vista l’ignoranza e la poca capacità di maneggiare l’arte della musica. 

E quella di Umberto scavalca le speranze, gonfiandoci gli occhi, concedendoci montagne da scalare e soffi da congelare per il futuro perché questo fa l’album: stimola e congela, ma non raggela, anzi scalda sempre più, come fanno le brave persone dentro un qualcosa che pare sempre non avere troppa credibilità. Lui si concede a noi, nei suoi raggi lunari, tra le sue camminate dentro le vette del suo respiro, all’interno dei suoi slanci con il gel che lucida tutto di vero, nel trionfo dei suoi occhi intensi.

Se si prende solo la musica ci si accorge della veemenza della lentezza, di acqua di lago pronta a quietare la sua indole, di non aver bisogno della parte più chiassosa del rock per generare brividi a lunga gittata. Sarà perché in queste passeggiate sonore tutto deve essere descritto perfettamente e si sa che nella velocità il rischio di perdere di vista la realtà è molto elevato. Lui non vuole, si adopera per sottolineare che in questi ritmi rallentati batte il cuore di un oceano, di un temporale in montagna con il freno a mano tirato. Musica evocativa, che gira attorno a idee illuminate di buonsenso e coperte notturne dal tessuto che si precisa, ascolto dopo ascolto, in un raso sofisticato, che lascia la nostra pelle totalmente intatta, anche se non mancano degli strattoni (Il desiderio preso per la coda), capaci di connettere il presente al passato: un elisir esaustivo e nutriente che non odora di nostalgia ma lo vedremo più tardi, nella descrizione delle canzoni.

LA DIETA DELL’IMPERATRICE è il suo album più estremo, con un raggio visivo che parte dalla natura per finire nella silenziosa esistenza di un uomo che non urla ma sussurra alla vita, usandola come una carezza dalla mano ferma e calda. Un lavoro dove la voce svetta, per intonazione, interpretazione, come una presenza che mostra la maturità, come un sottile passo sulla neve che non facendo rumore riesce a far sentire la sua poesia interiore. Le parole, molteplici e capaci di girovagare perfettamente assestate in una moltitudine di argomenti, sono il segno evidente di una centralità che non lascia dubbi su una scrittura che ha allungato la distanza rispetto a quella di tanti altri, elevandolo, elevando pure noi perché sono parte di un romanzo che sembra un trattato poetico sul chaos che Umberto ha saputo governare.

Posiamo ora i nostri passi sulle sue orme e cerchiamo di indagare in merito al motivo che fa dire al vecchio scriba che questo album è una dottrina con un mantello soffice in grado di avvilupparci con maestria…

Song by Song

L’imperatrice

Che bella l’assenza della voce, seppur miracolosa, di Umberto: il brano di apertura è la nascita di un raggio solare, tra gli scogli del vento e la brina, un tratteggio con la punta delle dita su chitarre che rimbalzano tra ritmiche e piccole note che fanno capolino, a creare suspense e ad aprire la porta a ciò che verrà. Tra Post-Rock e Vini Reilly che cercano un accordo atmosferico, tutto si dipana in mezzo a note in punta di piedi.

Anni Luce

Tra rimpianti, amarezza, desideri, tutti insieme per costruire dubbi che viaggiano solo nella verità dell’uomo e dell’artista, il brano è un riverbero del pensiero tra echi elettrici e parole di seta con una striscia nera sul cuore. La voce, un graffio degli anni settanta e che ha resistito allo scorrere  del tempo, abbraccia questo mantra psichedelico privo di luci fasulle, perché tutto è concreto e intenso nel suo essere sottile. Semplicemente perfetto.

Il trionfo dei tuoi occhi

La voce sale su per i sentieri di montagna, gli stessi che vedono due anime nel cammino di una relazione che visita sogni e velleità. Ed è fascinazione pura per la forza che rende possibile farci salire con loro, come testimoni del loro peregrinare. Chitarre avvolte tra note alte, che scivolano dentro un’anima rock dalla pelle sottile. 

Quasi Nirvana

Il pathos e l’eleganza, in questa ninnananna rock dalle vene gonfie, vincono ogni opposizione: se c’era da superare l’ostacolo di una sfida, Umberto qui esce vincitore. Un giro di chitarra iniziale, che sembra provenire dal Desert Rock, viene affiancato da un altro, scivoloso e sensuale, sul quale l’amore antibiotico affitta una residenza che si preannuncia eterna. Minimalista, piena di atmosfere senza tempo, la canzone avanza nel petto per trovare il proprio senso in un quasi solo di chitarra, su cui la voce con il suo registro alto ci consegna il titolo per renderlo definitivamente impresso in noi, con l’orchestrazione finale sublime.

Il desiderio preso per la coda

Uscito dalla scena di Canterbury, quasi nei pressi di uno Space Rock rivisitato e corretto, il brano rivela tutta la capacità di accendere un fuoco interiore, dove la voce non è necessaria, per il secondo episodio strumentale, che rimane in ogni caso dentro fascinazioni Post-Rock. Chitarre che pulsano note e giri armonici intensi, con un drumming capace di fissare il tutto nella zona di un volo dalle ali potenti.

Discographia 

Una interpretazione clamorosa ci infetta, come godimento plurimo e incontrollabile, ci fa tuffare nella struttura musicale che cambia abito, si esprime, si apre verso una leggerezza con delle pause, degli stop and go perfetti, dentro il tendone di un circo sonoro che rivela quello che rimane di una certa idea della concezione della canzone alternativa degli anni 90, con tutto il suono di un battito di ali senza sosta. Clamorosa.

Saga

Questo è l’autore che conosciamo ma con un asso nella manica: una storia emblematica e autorevole, dalla scrittura concentrica e mantrica, lava dentro il jack della chitarra, note balsamiche e l’intensità di un cantato angelico tra parole che per scelta ronzano nella mente per creare depistaggi e fantasie, per un matrimonio che fa volare dentro i pianeti che aspettano la canzone come ossigeno nuovo.

Genesi e Mail 

Rime, assonanze e incandescenti divagazioni trattenute per il colletto ci fanno vedere il fango, dentro la chitarra indie per eccellenza, per un brano che odora di magia dentro un carillon. La parte musicale visita la psichedelia come il blues, con la chitarra ritmica tra Radiohead e Cranberries, mentre il cantato è puro Giardini style.

Il sentimento del tempo

Turbinio, vortice di schegge di suono, con un drumming secco che alza la polvere: ed è solo l’inizio di questo impazzito tuono che avvolge la nostra curiosità, trascinandola senza respiro sino a quando il ritmo cede e una nuova immersione data dalle chitarre mutanti e sognanti si fa beffe di noi, perché continuiamo a essere succubi di questa estasi dal fare quasi elettronico pur essendo vincolata a chitarre plasmanti. Si batte il piede per terra per poi tuffarsi nel delirio di strumenti perfettamente compattati.

L’ultimo venerdì dell’umanità 

La follia, con Umberto, è sempre educata e gentile, pregna di allucinazioni, lividi, uncinetti notturni e attrazioni multiple. Quello che chiude l’album è un brano dai petali spezzati, una ferita in una poesia senza terzine ma che affonda le radici in una visione letteraria e psicologica, un bruciore dell’anima che lui fissa in mezzo a note che si fanno carico della responsabilità di un testo clamoroso per assurdità e stile, dove la perfezione viene raggiunta attraverso accordi corsari pieni di segreti. Più di nove minuti, che sembrano giorni e giorni di una caduta senza gravità nel grembo del tempo, tra Post-Rock e la scrittura unica di un artista che conclude il suo lavoro con una gemma senza tempo, in attesa di essere adorata…

Data uscita album: 5 Ottobre 2012

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

16 Ottobre 2022 

https://open.spotify.com/album/3VIPoiC8AX4P35uY8C3KrY?si=EyAmh3ndT7COA9zveWHaKQ

My Review: Submotile - One Final Summit Before The Fall

 Submotile - One Final Summit Before The Fall

"Tension is who you think you should be. Peace is who you are."

Chinese proverb

The beauty of being able to arrive at inner peace through listening to music is something rare, a privileged propensity, an event that smooths the accumulations of toxins that every experience of this life normally offers.

In the world of continuous and exaggerated music production, the reality that emerges, in all its seriousness, is that of the unwillingness to take the time to study, to recognize, to evaluate and weigh what we listened to.

But in doing so we should always keep in mind that this is a type of knowledge that needs method and respect.

The risk is to accumulate songs and albums in the place where awareness gets stuck and does not allow the fluidity of received impulses in order to historicize them for their real value.

In this October of the year 2022 comes a rose garden that glows with freshness and where the colours of emotion and curiosity are intact and capable of swelling our eyes in a joy that amazes and knows no addiction.

The authors of this secular miracle are Submotile, a combo of two souls devoted to rhythmic poetry, angels who develop melodies that enter our veins releasing the oxygen which fortifies the breath of enchantment.

The third album is a soft pyramid that unsettles the heart by enveloping it in rhythmic arms, devoted to melodic impact that defeats all reaction: a work that smells of untouchability, making us beings kneeling in adoration.

Listening to these new songs is a journey into astonishment that materializes in the place of unwavering embrace, in the midst of polite broadsides and brushstrokes of sonic craters that unveil the light of our beats inclined to dream. A nine-chapter story that is neither fable nor novel, but a continuous breath of episodes like sheets of paper that absorb their natural gifts of being spellbinders and soft rulers of the realm of a modern Atlantis, where the impossible travels among the notes and not on the sea.

Like a modern Poseidon and Plato, they have the life-and-death power of their souls hiding their creature's latitude from us while showing the myth of the depth.

A remarkable step forward from the previous two works: a sense of compactness and research to develop structures that are not tied to a specific genre. To be able to communicate new languages that give the two  of them a way to have more arrows in their bow, taut and capable of making music cover long and precise distances.

What reigns is the certainty that the two artists have found a balance, the maturity necessary to defeat the feeling that it is only a state of grace that rewards our lucky listening: repeating them confirms this reasoning, revealing how much of the future is already evident in this album which is the first breath of their new vitality, giving Daniela Angione and Michael Farren the outfit that will protect them later on. This album shows their artistic condition in perfect health, confirming their propensity to truly experience music as a project of growth. Here the songs are bricks, concrete and all that is needed to make their house solid.

It seems more than three years have passed since their brilliant debut with Ghosts Fade On Skylines, which had connected the scribe to the Italian/Irish duo. A work in which a feathery impetuosity won, while in the second Sonic Day Codas the melody of vocals and a more dreamy inclination made us be listeners benefited by songs that also reiterated how shoegaze was changing skin. In this third album everything is confirmed, but adding more freedom to the creation. Through it all, the second consecutive production by Simon Scott, the Cambridge drummer of Slowdive, reveals that their union is capable of raising the bar of their wills, of making their compositions a confidence-filled gaze toward an increasingly astonished and amazed sky.

The watts at their disposal are many, embedded in Daniela's tiara and Michael's diadem: these symbols of power are rightly above the heads of the artistic couple, which brings forth in us humble listeners the joy of knowing that we are ruled by songs that turn us into sovereigns of pleasure and unfettered fortune. Music and words, the beautiful cover that makes us fly over the peaks of the world: everything, in this third step of their splendid career, finds a way to be beauty without an expiration date.

Daniela's lyrics have taken care to possess the ability to transcend the belief that love, loneliness, memory, trust, redemption, awareness of the power of the mind and the experience of life are not important in these genres of music: all these topics are visited by the gentle soul of this Italian who combines her descriptive maturity with the beauty of her singing, always convincing, free of hesitation.

For his part, Michael leaves nothing to chance: his fingertips, his pedals are a pact for eternity where everything exists powerfully, the sense of rhythm resting on notes nailed by their own beauty to live and die with our listening. The sound is sullen, resolute, dynamic, steeped in moments where everything reaches the heights represented by the cover of this record. And the stratospheric Blood Loss confirms his ability not to be oblivious to semi-acoustic flavored windings before diving, lightly, into a slightly more powerful sound, but we will see all this better in the Song by Song analysis.

It overwhelms the sense of absolute ability to take their musical journey to the inner mountain of their sensibility, conspicuous and infectious, to make us wandering particles, as an obligatory stop toward a friendly destiny: music can rarely do this, it is necessary to give them credit. The style, the sense of belonging towards their roots avoid comparisons, there is no need to give them a positive evaluation because there are references in which to feel comfortable: what suffocates any musical genre is precisely this condition and their talent lies also in this aspect, because they are able to travel inside Noise, Shoegaze, Dreampop and an often disguised Alternative, with great elegance, as well as with remarkable skills, to find their own uniqueness.

These are songs that give the certainty that loneliness and social sharing can coexist, without disorientation or impossibility: personal intimacy and the desire to dance with other people live together in a love story with skin that changes like these stars, smooth and soft but also rough, inside a ring where the tiara and diadem fit perfectly, giving us magic and daydreams.

One Final Summit Before The Fall is the transiting universe of two souls who, in perfect health and union of purpose, show their curiosity and ability to observe dynamics that can still be explored and analyzed, in a continuous beam of light that allows us to see their trajectories limpidly, even when their wall of sound would theoretically seem to obscure the clarity that is instead inherent in their compositions: just listen to everything with depth and all is revealed in a golden scroll full of value…

Song by Song

From First Light Until Our Final Sleep

With the first seconds, characterized by guitars in the orbit of The Cure, the impression that the band's sound and attitude has changed is confirmed when continuing the song it takes us to the clear evolution of the rhythmic aspect, with 90's drumming, joyful but wrinkle-filled guitars, until the stop-and-go at minute three and fifty-eight seconds: everything becomes magmatic rock for a shimmer of splinters revealing a majestic presence. Thunder and noise united in the poetry of a revitalized shoegaze.

Resonica

The rhythm rises, guitars grate dust, psychedelia swaggering in for a track that drags with its ability to immediately explode, only to allow Daniela's voice to caress our hearts. Guitars like windmills until the refrain where everything becomes definitive, impetuous and cathartic. Can rhythm be given to the ethereal feeling? Certainly: Resonica is a dream with the muscles of a thoroughbred horse.

Hit This Summer

Scents of late '80s Dreampop conquer the first few seconds and then everything continues in the gentle frenzy of pulsing guitars perfectly embraced by drumming that paints impeccable trajectories to drive our legs crazy. A long pleasant sonic contortion leads us to realize that it is not a journey what we are taking with this song and album, but living in our home where we already have everything, without having to pack our bags. Hit This Summer is the duo's breeze watering our absinthe-filled veins.

Foreshadowing

The first single from this album is a petal in flight over memories, with many reminders that are anesthetized by a perfect production, precise and careful and capable of enhancing the music/vocals pair, enabling the Italian-Irish duo to write a jewel that, with incendiary guitars, removes the blanket from dreams to return the beauty of living, extinguishing the shadows.

Blood Loss

If there is a primordial cell of this album, it is Blood Loss, the Divine, the one that indicates the continuation of the band's artistic journey: the past is held under arm, the present, established by changes of rhythm and guitars that know how to play in the alternation of their dress intertwined with melodies, is a reality that transforms the desire to diversify it into a resounding fact. It is syncopated poetry that meets relief, through the academic kiss of a miraculous performance.

Hope In Sound

A celestial arpeggio immediately delivers a complex structure in which the bass engages the drumming and pushes it to wrap around the guitar. For her part, Daniela sings sinuously and everything becomes a controlled frenzy in a chorus with a pop matrix, which conquers and stimulates us to notice how the band has the ability to reach into different expressive terrains. Even without distortion one is swept away and attracted by this little siren that waters our skin with hypnotic summertime ecstasy, where fragrances are completely released.

Drop To Eternity

The most surprising song comes with its very first seconds: as if we were entering the room of their intimacy, the band unleashes a lively, tender jewel devoted to eternity because with them beauty does not age. One can stay young without being Dorian Grey, and with this new gem the devil surrenders: what we see is a clean ocean free to advance in the heart. Everything is choral, compact, incisive, in a clear demonstration that with them we can also listen to an acoustic part that, if drawn by their fingers, can comfortably enter us.

Ataraxia

Lightning, thunder, a story that becomes a cascade with twists and turns, changes of rhythm, rich but disciplined guitars, vocals in the backline but evocative, capable of dumbfounding us for miles and miles of pure sonic joy. Though devoid of copious doses of feedback and distortion, the penultimate track turns out to be powerful and magnetic.

Farewell Aquarius (And We Thank You).

The longest song of their entire career is a melancholy-tinged novel, a dutiful sieve of existence in the proximity of an epilogue shrouded in mystery. A lonely cloud drifts through the fog giving us a chance to notice  a remarkable work of the bass, which rides harmoniously on the trails of nostalgic guitars, close to Catherine Wheel, while the sidereal atmospheres allow Daniela to make her vocal chords magical, like cotton candy, and to be surrounded, in the central part of the track, by avalanches of sounds drunk with light. Then it's a long leave that makes us astonished and true to their clearly shoegaze approach, with fine strands of noise creating a perfect conclusion to a work that, without a doubt, is the Shoegaze album of 2022 for the scribe.

It is we who thank the band for this visit inside their majestic beats...

Date Release

21st October 2022

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

14th October 2022

https://submotile.com/album/one-final-summit-before-the-fall