My Review: Cranes - Loved

Cranes - Loved

"Magic is a bridge that allows you to pass from the visible world to the invisible one" Paulo Coelho

The Old Scribe, looking forward to listening to this work again, finds himself erubescent, pierced by daring emotions that bypass comprehension, as the trio, led by the two members of the Shaw family (Alison and Jim), finds Loved continues the nomadic path of a hyaline sampler, capable of whipping up joy within a perimeter in which the band's greatest desire is to postpone, not to remain anchored to the expressive modes of the past. The experimentation in treading artistic waters continues, experimenting with the effects of the glow within the magnetic sphere of depression, but only apparent. Everything navigates, in these slow oil-filled tracks, in achieving the exposure of the initial project, taming it, making it obedient in order to churn out powerful sonic incandescences. One is subjugated by a visceral, disturbing magic, with compositions that reach the place of harshness, seemingly abstruse, pushing our souls to an almost spectral inner turmoil. The primary sensation is one of amazement at the marked need to listen to the songs with an odorous aroma, because the songs truly intoxicate, they know how to attract like the enchanting Alpine sunset. The circumstances that spawned this work are within a cruet covered with secrets and wiles: Alison has never been an ambassador of the band's strategies and tasks, rather an armed queen of the silent modus operandi, the one that reaps victims without a blow. A concept album penned with guitar bundles prone to psychedelic substrates, without leaving behind the sweetish flavour of acoustic guitars that have the task of making the numerous reversals that make each individual episode the key to surprise and enchantment more approachable. Elegance, when twilight, never leads to screaming but rather to governing the cavern of secret considerations that tend to envelop the whole without it taking the road to success.

The sound scrapes, captures, makes you melancholic, establishes contact with frustration that becomes an assured orgasm, although one can never detach oneself from the concern that LOVED is not only a necessity and an expression governed by art, but that it is prone to host fragments of a reality perhaps contrary to the conviction that serenity can exist. The music, like Alison's voice, is a continuous icastic event, which not even a good film can sometimes convey. When you manage to coordinate routes of different styles and genres within a dusty cylinder of mystery, it means that being multifaceted is not just a structural fact. And they had already demonstrated this in the previous three long-distance moments. The fourth episode has a more disconcerting and disorienting approach: dissonances, progressions, and moody departures are joined by new instruments and consequently new possibilities in the writing of what increasingly resemble souls caged in a stormy day. The dreamlike scenery is not lacking, given not only by the singer's childlike voice, but by the continuous, flowing circle of brushstrokes that suggest their delicacy. There are imprints of glaciations, of soaring moods, of polite but still corrosive tribal rhythms, like a magnet carrying all the required treasure. The propensity to create apocalyptic scenarios remains and is an unceasing throb that gives uniqueness to the listener, who finds himself privileged by a work that has no equal.  Concentrated, intense, it never squanders intensity although it is mainly in the B-side that everything is filled with mystery, in the catharsis that needs calm and dexterity. In fact, after the first three sturdy songs, the three members concentrate on spreading the flames, educating the young compositions to study history, including musical history, and it is at that moment that the centre of gravity shifts, delighting and at the same time making us lose all expectation for the subsequent sound settings. When the moody breakdown appears in the vicinity of our pulmonary alveoli, one feels as if barricaded inside a nomadic camp, with dirty silver in our hands...

There is no shortage of Gothic stereotypes (DNA cannot be disobeyed), but it is not those that generate a leaden and craggy imprinting, because the amalgamation between non-similar periods and styles is the crowning glory of their evident maturity. The ideas are so clear that the sonic kaleidoscope becomes an impressionist painting, not to mention the album cover, in which three figures gaze in different directions within a light-coloured mudscape prone to emotional torpor. The dusk, the weary seasons, the ache of living find a convincing mode of tenancy, and, through Alison's anxious vocalisations full of tenderness, an embrace with a fulfilment that leaves one stunned: an artistic parental globe from which procreating a future seems inevitable. And so it did...

An almost hidden joy walks on its toes, lightly, without disturbing great connections in which the fatigue of daily presence is expressed by lyrics that visit stories that are also capable of being ambiguous, at times not entirely perceptible, giving another, extreme, pleasure. The spirituality in the ten tracks (eleven on the CD) travels at high speed, overtaking the rhythm of several ballads, of slow-paced songs, offering another tangible sign of uncommon mastery. 

For the first time, the need for an orchestral build-up arises, conveying intensity above sound, rolling one's eyes in dreams full of classical adrenalin. Desolation becomes the witness of an authenticity that cannot be denied, but to which a gag is attached, to govern it and not leave it too much space. Subdued tones, sudden flashes of lightning, suites to elasticize extraordinary musical loops, make one cry out for a miracle as everything is organised with style, respect, leaving a crack in which wonder can breathe...

The xylophone and strings are magical axes, the gift of the Gods, who have positioned their pass within these compositions that make one shudder with tension and melancholy: let it be acknowledged that LOVED is a solo of a day destined to fade into the perpetual fading of our breaths...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

21st September 2023

https://spotify.link/EAYTkgzTgDb

La mia Recensione: Cranes - Loved

Cranes - Loved

“La magia è un ponte che ti permette di passare dal mondo visibile a quello invisibile”
 Paulo Coelho

Il Vecchio Scriba, affacciandosi nuovamente all’ascolto di questa opera, si ritrova a essere erubescente, trafitto da audaci emozioni che scavalcano la comprensione, in quanto il terzetto, capitanato dai due componenti della famiglia Shaw (Alison e Jim), con Loved continua il percorso nomade di un campionario ialino, capace di frustare la gioia all’interno di un perimetro nel quale la volontà maggiore della band è quella di postergare, di non rimanere ancorata alle modalità espressive del passato. Continua la sperimentazione nell’ingramagliare le acque artistiche, sperimentando gli effetti del bagliore dentro la sfera magnetica della depressione, ma solo apparente. Tutto naviga, in queste tracce piene di olio lento, nel raggiungere l’esposizione del progetto iniziale, domarlo, renderlo ubbidiente per poter sfornare potenti incandescenze sonore. Si è succubi di una magia viscerale, conturbante, con composizioni che raggiungono il luogo dell’asprezza, apparentemente astruse, spingendo il nostro animo a un rivoltamento interiore quasi spettrale. La sensazione primaria è di stupore innanzi alla marcata necessità di ascoltare i brani con un atteggiamento ulimoso, perché davvero le canzoni inebriano, sanno attrarre come fa l’incantevole tramonto alpino. Le circostanze che hanno generato questo lavoro sono all’interno di un'ampolla ricoperta di segreti e astuzie: Alison non è mai stata ambasciatrice delle strategie e delle incombenze della band, piuttosto una regina armata del silenzioso modus operandi, quello che miete vittime senza colpo ferire. Un concept album vergato di fasci chitarristici inclini a substrati psichedelici, senza lasciare indietro il sapore dolciastro di chitarre acustiche che hanno il compito di rendere più approcciabili i numerosi ribaltamenti che fanno di ogni singolo episodio la chiave della sorpresa e dell’incanto. L’eleganza, quando crepuscolare, non conduce mai all’urlo bensì a governare la caverna di segrete considerazioni che tendono ad avviluppare il tutto senza che prenda la strada del successo.

Il suono raschia, cattura, immalinconisce, stabilisce il contatto con la frustrazione che diventa orgasmo assicurato, sebbene non ci si possa mai staccare dalla preoccupazione che questo LOVED non sia solo una necessità e una espressione governata dall’arte, ma che sia incline a ospitare frammenti di una realtà forse contraria alla convinzione che possa esistere la serenità. La musica, come la voce di Alison, è un continuo avvenimento icastico, che nemmeno una buona pellicola a volte riesce a trasmettere. 

Quando si riescono a far coordinare rotte di stili e generi diversi all’interno di un cilindro impolverato di mistero significa che l’essere poliedrici non è un fatto solo strutturale. E loro l’avevano già dimostrato nei tre precedenti momenti a lunga distanza. Il quarto episodio ha un approccio maggiormente conturbante e spiazzante: le dissonanze, le progressioni, gli abbandoni umorali vengono affiancati da nuovi strumenti e di conseguenza da nuove possibilità nella scrittura di quelle che somigliano sempre di più ad anime ingabbiate in un giorno di tempesta. Lo scenario onirico non manca, dato non solo dalla fanciullesca voce della cantante, ma dal continuo e fluente circolo di pennellate che suggeriscono la loro delicatezza. Vi sono impronte di glaciazioni, di umori che si impennano, di ritmi tribali educati ma pur sempre corrosivi, come un magnete che porta a sé tutto il tesoro richiesto. La propensione a creare scenari apocalittici rimane ed è un incessante palpito che regala unicità all’ascoltatore, il quale si ritrova a essere privilegiato da un lavoro che non ha uguali. Concentrico, intenso, non dilapida mai l’intensità sebbene sia soprattutto nel lato B che tutto si riempie di mistero, nella catarsi che necessita di calma e destrezza. Infatti, dopo le prime tre robuste canzoni, i tre membri si concentrano nella spartizione delle fiamme, educando le giovani composizioni a studiare la Storia, anche quella musicale, ed è in quel momento che il baricentro si sposta, deliziando e facendo smarrire, al contempo, ogni nostra previsione per quanto concerne le successive ambientazioni sonore. Quando il cedimento umorale si affaccia nei pressi dei nostri alveoli polmonari, ci si sente come sbarrati all’interno di un campo nomade, con l’argento sporco tra le mani…

Gli stereotipi gotici non mancano (al DNA non si può disobbedire), ma non sono quelli a generare un imprinting plumbeo e scosceso, perché l’amalgama tra periodi e stili non simili è il coronamento della loro evidente maturità. Le idee sono talmente chiare che il caleidoscopio sonoro diventa un quadro impressionista, senza dimenticare la copertina dell’album, nella quale tre figure guardano in direzioni diverse all’interno di un fango colorato di luce incline al torpore emotivo. L’imbrunire, le stagioni stanche, il male del vivere trovano una modalità di locazione convincente, e, attraverso i vocalizzi ansiosi pieni di tenerezza di Alison, si può raggiungere l’abbraccio con un compimento che lascia di stucco: un mappamondo artistico genitoriale dal quale procreare un futuro sembra inevitabile. E così è avvenuto…

Una quasi nascosta gioia cammina sulle punte, leggera, senza disturbare grandi connessioni in cui la fatica della presenza quotidiana vengono espressi da testi che visitano storie capaci di essere anche ambigue, a tratti non percepibili del tutto donando un altro, estremo, piacere. La spiritualità nelle dieci tracce (undici nel cd) viaggia ad alta velocità, sorpassando il ritmo di diverse ballads, di canzoni dal passo lento, offrendo un altro segno tangibile di una maestria non comune. 

Si presenta, per la prima volta, la necessità di un accorpamento orchestrale che veicola intensità al di sopra del suono, facendo roteare gli occhi in sogni pieni di adrenalina classica. La desolazione diventa la testimone di una autenticità che non si può negare, ma alla quale viene affiancato un bavaglio, per governarla e non lasciarle troppo spazio. Toni sommessi, lampi improvvisi, suite per elasticizzare straordinari loop musicali, fanno urlare al miracolo in quanto tutto è organizzato con stile, rispetto, lasciando una fessura nella quale la meraviglia può respirare…

Lo xilofono e gli archi sono assi magici, il regalo degli Dèi, che hanno posizionato il loro lasciapassare all’interno di queste composizioni che fanno rabbrividire per tensione e malinconia: sia riconosciuto che LOVED è un assolo di una giornata destinata a rintanarsi nel perpetuo sfiorire dei nostri respiri…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

21 Settembre 2023

https://spotify.link/8N590QDTgDb

La mia Recensione: The Sound - Jeopardy

The Sound - Jeopardy

“È sufficiente l'impatto di un verso per far esplodere i detriti che seppelliscono l'anima.“

Nicolas Gomez Davila

L’amore non conosce la sconfitta, anche se vive in un granello di lucide ferite, perché il suo senso è in ogni caso una vittoria, spesso portentosa, a volte meno, ma non in grado di perdere.

Nel 1979 nacque la casa discografica Korova, lo fece a Londra e la prima band a firmare fu quella degli Echo & The Bunnymen, provenienti da Liverpool. Poi una di Wimbledon, attiva sin da prima del gruppo di The Killing Moon, che recitava il suo tentativo di ammissione al mondo musicale con un altro nome.

The Sound.

Il sentire comune viveva alla fine degli anni Settanta una fase purtroppo convinta di un approccio stolido, che non consentiva di affermare la dinamica dello sfacelo. Pochi canali di ingresso e la sensazione dell’inizio del disinteresse nei confronti del circostante che agli inizi del decennio successivo dichiarò lo smarrimento nei confronti dell’impegno. La musica non ne  è stata immune. Ma il gruppo di Borland aveva altre priorità e si distanziò. Emersero qualità pressoché uniche e ben amalgamate con in più le stigmate di un fuoriclasse dalla mente lucida, seppur già sanguinante.

L’anima strappata che si fa urlante e al contempo moderata plana su ogni solco dell’album. Vengono messi a disposizione e in esposizione fiumi di correnti come edera volante nei cuori, dove le unghie trattengono il respiro e il contenuto scosceso di pensieri in stato di assedio. La bellezza è sita anche nell’eruzione complessa di un vulcano che conosce il metodo per presenziare con lentezza e velocità, in una danza avvolgente di fumo e calore.

La grazia della scrittura avvolge la disgrazia dello stato dell’essere umano, qui non negoziabile ma messo in condizione di divenire un peso da bilanciare con dosi necessarie di istinto ed equilibrio.

Jeopardy è una graticola di chiaroscuri girovaghi, in apnea e in fase di slancio, come una metamorfosi continua per abbellire la fatica e la condensa di pensieri che diventano operosi attraverso i canali musicali assestati per tritare il tutto. C’è uno spirito che non si pente, seppur sofferente, e che staziona nelle canzoni come uno specchio obliquo e timoroso, per vascelli di note che aspettano la cortesia di un approccio attento: ogni sequestro ha un luogo blindato e chiuso, ma l’ascolto del lavoro di esordio dei quattro regala la possibilità di comprendere una precisa traiettoria, senza divagazioni. Quello che si trova è una magia grigiastra che istruisce e contempla zone fumogene, come pergamene sonore brillantemente appiccicate alla realtà di questi ragazzi, terremotati nell’affetto e che inducono le nostre curiosità a un abbraccio definitivo. 

Arrovellato sulle rocce apparenti di un Post-Punk sanguigno, il puzzle rivela invece altre maestrali locazioni stilistiche, un solido che riempie i liquidi delle nostre giornate assetate di mistero e della bellezza con l’abito notturno.

L’energia profusa non profuma di freschezza, nulla di davvero adolescenziale viene inciso, in quanto solo agli adulti è concesso di fuggire da se stessi e di perdersi, per sprecare dignitosamente il proprio tempo. Ma i Sound anche qui prendono le distanze: confezionano canzoni come spine con la bava alla bocca, incapaci di seccare perché la cupa poesia esistenziale, una volta che si trasforma in composizione sonora, incontra l’infinito e l’eternità è un amaro destino da consumare.

Drammatico, intenso, nebuloso, denso di incidenti morali (dati da una scrittura acerba ma consapevole, aspetto che sia il Punk che il Post-Punk non sapevano creare), questo esordio stabilisce il punto di inizio della confusione degli addetti ai lavori, del pubblico e dell’industria musicale. Privi di immagini, proprio all’inizio della svolta totale fatta di bassi contenuti culturali a favore del disimpegno e del nascente motore distruttivo del look, i paladini della diversità dimostrano non solo una volontà anacronistica, ma anche quella dose di menefreghismo che li ha resi invisi ai più.  

C’era l’amore da vivere, il mondo da scoprire, il pitturare note come una scossa adrenalinica con un robusto freno a mano e l’incoscienza non ribelle a guidare i ragazzi nell’Olimpo, quello oscuro, perché quello visibile era preso d’assalto da gruppi che mordevano le caviglie pur di stazionare in quel luogo. 

Ma Adrian, Michael, Graham e Bi erano sordi, muti, non inclini a piegare la schiena morale del loro bisogno: cercavano l’altrui sincerità e verità, ricevendo in cambio l’esclusione “dai quartieri alti” di un carrozzone che ha dimostrato come nemmeno nella Musica esista la giustizia. La disperazione, la tensione della responsabilità di un combo non voglioso di definizioni ma di mani libere, condusse a una scrittura altamente acerba, diritta, dove il suono veniva prima dell’idea di una qualsiasi successione di accordi e melodie: bisognava posizionare il senso in un qualcosa di riconoscibile e cosa c’era di meglio se non quello contenuto nel nome stesso della band? 

La frenesia spezzata e spossata da un cambio ritmo, nell’economia di una scaletta che è composta da undici canzoni, fa sì che non sia l’equilibrio a bilanciare il peso specifico del lavoro, bensì una determinante voluta con capriccio e capacità di imposizione. Tutto scorre nello schianto di un sentire unico: a nulla valgono i paragoni e i riferimenti con cui i quattro hanno spesso dovuto convivere. L’unicità è dentro i nostri apparati uditivi, se quelli sensoriali ed emotivi sono stati sgomberati dall’imbecillità del confronto. 

Le tensioni politiche, i luoghi svuotati di pennelli atti a esporre la volontà del vivere, le ambasce di un tempo (quello della capitale inglese) che erano divenute casse di ridondanza ma prive di qualità e contenuto, conferiscono a questo album il ruolo di uno specchio spesso coperto. Ad altri toccava esibire finzioni, ai Sound interessava indagare, far emergere e sottolineare le astruse incapacità umane.

Jeopardy è, così e senza dubbi, un unicum feroce, nel quale lo stordimento rapisce il cuore e lo congeda, per far mancare il fiato pure ai sogni. I testi, ancora legati a soggetti di cui molti volevano parlare, dimostrano ferocia e una grande ironia, uno spirito battagliero ma già contaminato dalla sensazione che valesse poco manifestare idee diverse e opposte. I fighetti, i bambinoni irresponsabili, gli arrivisti, le aquile assetate di potere avevano altre mire. Si salvavano solo  i Joy Division in quell’anno, non il cantante, caduto nella disperazione.

Tutte le altre band (Police, The Cure, Bauhaus, Siouxsie & The Banshees) avevano altri lidi da raggiungere.

Adrian voleva amore. Darlo.

Punto.

Non sono arrivati in anticipo con questo stratosferico grappolo di canzoni, né in ritardo: semplicemente non esisteva il tempo favorevole per la loro supremazia. Nell’ascolto il cuore e le gambe si piegano in uno sconforto definitivo.

Le undici scintille sono luoghi abitati da una frenesia che non conosce la moviola, tantomeno le persone che camminano e corrono in quegli spazi vorticosi, in quanto tutto il limite del pensiero viene verniciato da composizioni crude, veritiere, insopportabili, anche quando sono trascinanti. Tutto ferisce, la voglia di credere perisce, lasciando a questa quasi ora di musica l’impressione che si potrebbe benissimo confinare in un ascolto ripetuto, senza desiderare altro. È tutto qui. Tutto.

L’estro creativo esplode senza sosta, come se il computer del futuro prevedesse che l’unicità passasse solo nella sconfinata sensibilità di Adrian e compagnia. 

La fantasia supporta una grave difficoltà: non avere a disposizione un budget dignitoso (poche sterline e la fretta urlata in faccia ai quattro), e poi il talento, inarrivabile, che gela e pietrifica un mondo che non si aspettava questo risultato. Il contenuto non è un urlo o una morte che cammina, bensì la classe di una maturità vissuta in modo potente, mai prepotente. Non c’era spazio per questi missili, questi fiori di luce che hanno reso Jeopardy il momento più spiazzante dopo Closer. 

Ora ci si tuffa nella bellezza reale del turbinio dei quattro Londinesi: dove non è concesso sprecare nemmeno un’oncia della sua strepitosa epicità…

Song by Song 

Side A

1 - I Can’t Escape Myself

“All my problems

Loom larger than life

    I can't swallow

    Another slice”

Il fade-in della chitarra è già una esplosione di stupore, un timido presenziare che espone gli strumenti in gentile coabitazione, dove il synth di Bi necessita di una sola nota per condensare lo scheletro di un brano che non desidera spruzzate adrenaliniche per ottundere, ferire, coinvolgere e sconvolgere. Il basso è ossessivo, la chitarra un bisturi, il drumming un malinconico e cupo estendersi nel percuotere la slavina razionale del protagonista del testo…

2 - Heartland

“A chemistry of commotion and style

You're thrown in

You've got to lose yourself before you find yourself

Back in exile”

Il big bang arriva nel secondo episodio: radiazioni Post-Punk flirtano con una melodia ben più storicizzata. L’armonia sconvolge la prassi del genere musicale e si passa, attraverso la tastiera, a esaltare il basso che pare una fuga posticipata dei Joy Division, ma con maggior impatto seduttivo. La voce di Adrian è una lepre che cerca cibo, trovando nelle sue corde vocali la giusta dose di petrolio. Esiziale, manifesta il potere della chitarra che sa incrociare le malinconie del cielo nel suo assolo potente ma con una venatura romantica impressionante… 

3 - Hour of Need

“I hate the quiet times

I need some company

I miss the noise of life

The silence deafens me”

Una feroce dimostrazione contemplativa assesta il colpo: intima, sfuggente, con cambi ritmo che ne accentuano la possenza, la canzone mantiene lontano ogni tipo di comparazione. Tutto palesa una intensità che sembra chiudere le brevi note della chitarra lasciando spazio al basso e alla batteria, adottando il sistema di due voci a cantare la strofa. Ridondante, cupa, gioca con l’umore e con un testo dove l’odio viene messo sui banchi di scuola di un comportamento da sviluppare col tempo…

4 - Words Fail Me

“My need gnaws at me

My need claws at me

My need lurks inside

It won't be pacified”

Dove i Police avevano fallito, i Sound invece vincono a piene mani: il cantato che ricorda gli Ultravox di John Foxx è il lampione che illumina la corsa veloce di una struttura che si sgancia dal Post-Punk e si affaccia verso un Pop ben strutturato, per conquistare il fragoroso applauso con pochi soffi di sax, ripetuti poi dalla chitarra sanguigna di Adrian…

5 - Missiles 

“Missiles cause damage

And make an eerie sound

Missiles leave carnage

Where there once was a town”

Si può gridare la pace di fronte al potere dell’egoismo, di una classe sociale che sequestra il benessere e l’armonia? Sì, se sei Adrian Borland con il lutto e la rabbia nell’anima e nell’ugola. Missiles è un affronto sincero, che si lancia con un synth dalla bellezza scandalosa (il suono, capito, il suono!), per accodarsi alla paura e allo sconforto: raggiunto il ritornello tutto si fa incendio, un fuoco che piega gli occhi dentro lacrime generose, mentre si balla la danza della concessione alla lotta. La guerra fredda, che viveva in quegli anni il secondo tempo, dimostra come la giovane età di Adrian non significasse disinteresse. Tutto il brano è una enorme sirena che invoca a prendere posizione e ad abbracciare un desiderio sotto forma di domanda.

Irraggiungibile…

Side B

1 - Heyday

“Find yourself all at sea

Never thought they'd let you drown”

Il secondo lato è uno spazio pieno di strazio e appelli, di rifugi illuminati dall’intelligenza di quattro anime battagliere.

Inizia il lotto Heyday, diamante sotto pressione, in cui Adrian riesce a duellare con il basso, e dove la batteria e la tastiera si stringono nella velocità trascinante di una pietra che non rotola, bensì si frantuma e, quando arriva l’assolo, il glam rock strizza l'occhio…

2 - Jeopardy

“We are young

But are we strong?

We've held out

For so long”

Sorniona, come una donna che con furbizia ruba nei negozi colmi di bottiglie di vetro, il brano è un gioiello di semi-luce, che protegge, con il suo incedere nei pressi della paura. Come se l’apnea vivesse dentro un raggio di luce notturno, mette in evidenza una teatralità musicale che non avrà più modo di ripresentarsi, stabilendo la sua unicità…

3 - Night Versus Day

“A switch is snapped, and the borderline

Between night and day is gone”

L’etichetta musicale prese il nome da Arancia Meccanica di Kubrick. Ed ecco che proprio in questi minuti si avvertono gli spigoli di una violenza accennata, misurata, custodita, non ancora bisognosa di schiantarsi nel fragore. Ma se ne avvertono i sintomi, in un delicato scintillio sonoro…

4 - Resistance

“Half-dead, but I hope it's not too late

To take some action and change my fate”

Ecco la rincorsa, il bisogno di difendere attaccando, con versi e note camaleontiche, spigliate: la melodia, vivace e quasi allegra, è invece un pugno nello stomaco sferrato dalla band per sbarazzare la concorrenza con una violenza addolcita ma capace di ferire. I Mancuniani Magazine e gli stessi Joy Division non avrebbero potuto fare di meglio rispetto a questo missile terra-aria…

5 - Unwritten Law

“We could go anywhere

It would still be the same

A change of climate, a change of air

All the pressure would remain”

Il testo è uno squarcio impressionante, una bomba atomica che adotta il poco rumore per meglio ingannare e sorprendere.  Malinconica, audace, struggente, parsimoniosa, la canzone è pure elegante nella sua volontà di rispettare l’ignorante che faticherà a comprendere la genialità di Adrian, qui sullo scettro ma senza potere, perché la sua anima in questa circostanza si fa acida e prudente…

6 - Desire

“Keep in touch, keep in track

Of this thing called desire

There'll be times when we'll do

Anything for desire”

Sia data la luce alla No-Wave, si conceda spazio alla freddezza. No, non siamo dentro il canale Irwell dei Joy Division, bensì dentro il Tamigi, pronto a vedere congelata la vita, a veder repressa ogni fuga dalla crudeltà del vivere. Lugubre e assassina, porta in grembo materiale nucleare da depositare, attraverso liriche amare e stordenti, nel minutaggio di una composizione che pare uscita dal circolo polare artico. Si congedano i quattro con una soluzione inaspettata, per togliere definitivamente ogni dubbio: abbiamo ascoltato un album non degno di essere vissuto senza commozione e riflessione continua.

Si aggiunga al tutto una considerazione doverosa: senza Jeopardy il  mondo avrebbe avuto del tutto via libera per esprimere il vuoto…

Adrian Borland - vocals, guitar, production

Bi Marshall - keyboard, production

Graham Green - bass guitar, production

Michael Dudley - drums, production

Nick Robbins – production

Label - Korova

Year - 1980

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

18 Settembre 2023

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