My Review: White Rose Transmission - White Rose Transmission

White Rose Transmission - White Rose Transmission

I dedicate this review to the ever precious soul of Adrian, to the generous talent and great humanity of Carlo, and to two friends of mine, Marco Sabatini and Henry Verger.

A sempervirens wanders far from its home on the north coast of a hot and sleepy California, making a stop in the heart of Europe, wandering until it embraces two dishevelled and hard-working souls. Concrete atoms of a miserable attitude allow for a greater appreciation of what has already been created: the new here does not advance, if we refer to musical genres, and that is ultimately a good thing. There is a need for historicised formulas that welcome and coexist with the newness of the literary fabric. On the album, there are never any eristic words, the language used is simple but complex only because of the abundant emotional scouring that is felt. Carlo and Adrian are nocturnal archers, with words that come out of the trees and fall on hearts, subdued and mute, like a flash of lightning that needs no sound to bewitch. A lucullian work, difficult to manage, as it touches leaden thoughts without using the electricity of a musical formula that would anaesthetise the intimate nature, to deliver the certainty that the couple has oiled the talent machine since the dawn of time.

Nothing in this bundle of songs can obscure our amazement: there are guts that will weep before these gems that know no smudge with the years. They were born to give life a 'thou', in a coexistence that only exhausts the stupid, nourishing instead the curious and attentive souls.

Mixtures and temples, containers of absolutes with a long scar, pulsate and stretch, like magmatic star falls, to convince us that there are unquestionable jewels that desire the listening and contribution of our reflections. The whole, what you don't expect from someone who had failed to get the deserved popular tribute with his The Sound, seems a pure strategic essence: Adrian here is a noble comprimario of his best friend's writing, capable and certainly willing of a past to be suspended if not forgotten. Because there are so many novelties compared to the London combo, for a construct that aims to inhabit other zones of the human soul, with a minority measure of lament and a superior measure of lyrics that capture without offering figures of unbearable pain.

Carlo's pen is equally loose, full of romanticism and melancholy, perfectly salubrious and intent on supporting that of the unfortunate Jeopardy band leader. Hamletic lanes, sensory highways, crossroads of light in the night without hands glue themselves to the simple musical composition, intent on cooling the boils of Post-Punk, to approach Neo-Folk, Baroque and Classical, to mask the disappointment of careers that until then had not known mass consensus. Progress is born from the consummation of common experiences, a circle within Adrian's ordeal, a turbulent soul who, with Carlo, finds the calm and an examination of his moody zig-zag to channel it into the benefit, a place unknown to him until then. Here, the noblest and most powerful sentiment structures the blond Londoner's sweet but bitter smile towards the conquest of a different joy, perhaps one he had never imagined. The elements to write together descended from their drinking, laughter, from gestures like nests of unpredictable enchantments.

A cosmic drama is perennially disobedient and getting it into the creative circuits is an enterprise that needs a strong dose of hypnosis: it can all be grasped in these vibrant perspective planes, articulated to exalt the greyish colours of the human condition. Epic, melancholic dances, ballads with a cork to make one feel the thrill of emotion, are stamped on the listener, in a crash where banality dies and the crystalline class of the two survives. The vitriol briefly enters into well-educated electric guitars, to hollow out a decadent funnel that is impeccable and intentional. A partnership that before becoming art is the prerequisite of their climax, of their dreams that here experience the possibility of recording reality to adorn it, for a deception that is more necessary than ever. The few drums are precious leaps into the belly of a half-hidden tribality, while the keyboards, piano and bass are a trained team, glued to tenderness less prone to explosion, but rather serving as fuel for those guitar chords that alone fill the sky with a constant rainbow.

The two voices, never equipped for the display of timbres, are the servants of the beauty that presents itself compactly throughout the thirteen compositions. They are breaths that do not seek glory, at times so similar as to be unrecognisable, in an embrace that stuns, by uniqueness, making the skin livid.

Unbearable is the thought that the completion of this kind of path is capable of giving continuous bursts to the creators: you would think the opposite, but instead...

1995 is a dishonest year, draining, misleading, banal, where few albums hold a candle to the past and where visiting certainty is a wave of approximation bordering on bafflement. If, on the other hand, one listens to this work, one notices the continuous calibre of attention, the steady pulse that prevents useless and mannerist overdubs, a propensity for minimalism that gives the song form a different and certainly nobler meaning: one is particularly attentive to the desire to crystallise the harmonic line, the skilful use of arrangements that look the primordial structure in the face to give an intensity that floats at ease, in every single track.

Adrian's shyness is a sceptre that falls under the skin, without stinging or hurting, giving a castle ablaze with icy flames. And Carlo can only be the fireman who structures the future by saving its complex soul. This is how the acoustic and electric parts are citizens of a concentric core that does not let in the ostracism and guilt of Post-Punk used by Borland to attend to his inner travail.

A vesperal, misanthropic style underlines the enormity of the possessions located in the basin of their talent, machine gun with flowery bullets, white roses, indeed...

A continuous walk on the oneiric plane, to gag an opposing reality, makes the slow-moving sound gems absolute hinges, lampposts and showers of a dramatic listening but able to be benevolent, almost mystical, surely able to engulf billions of boisterous and bilious schizos.

White Rose Transmission is an encounter that closes the windows to superficial listening, renders pure the fear and desire for real, concrete beauty, with tears that never leave...

The present poetics, far from being just a poignant ride, is one of the entrances that facilitate the desire for non-stop listening, to fall joyfully into the sadness that strolls with its hands in its pockets, satisfied.

It is time to go make love to these thirteen virgins, these water-filled particles that will bathe us in a oneness that knows no disobedience...

Song by Song

1 Unkissable 

A twinkling of dark sounds injecting vocals into the play of wicked guitars, with the drum breaks coming to barricade it all in the wool and dust covered skins. An opening track that separates the past and presents the coda of Talking Heads soaked in almost muted psychedelia. Great work on a Byrdsian-flavoured guitar, floating and synthesising the nature of a composition that strolls through the last three decades.

2 Die dunkle Macht

Astonishment, genuflection, the changed ardour that bows before the rust-filled sonic martyrdom at the beginning, then moves with familiarity into the border of the leave-taking of the senses. Majestic, epic, with the East appearing with an arrangement that projects the track south of fear. The stop-and-go offers a funky guitar imprint before retreating and leaving the simple chords free to become a sting in the ice...

3 In Your Hand

The colour of softness rises on the keys of a piano trained to catch the rain and bounce in the heart. Disconcerting in beauty and depth, the voices in unison caress desire and drive emotion with the certainty that it only takes a few notes to undergo paralysis. The intoxication is provided by semi-electric inlays and strings to hold your breath, until Adrian's guitar decides to weep over the melancholic melody...

4 Sister Sweetness

The baroque music set-up establishes the first amazement, untiring through the juxtaposition of a brushstroke that allows the singing a delightful chain, capable of whipping any opposition. While everyone was looking for refrains to attract the stupid, Carlo and Adrian painted sweetness in the belly of a minimalist installation. Not noise, let alone deflagration, but delicious electric caresses...

5 Vapour

The Irish tradition seems to move to surrender some of its burdens in this shifting, mutant ballad, a delightful strip of hypnotic condensations that seem to come from a sunny Sunday in the Dublin sky. Then the drama takes over, to freeze the first part and cede the stage to a scratchy but sensual guitar...

6 Street of Flowers

The Gods are bored, looking for entertainment, babbling, but they can't be distracted: here comes a song totally eager to remind us of Ian McCullogh and his Echo & The Bunnymen's singing of Porcupine. But in this song there is a drama that bounces back, debasing the comparison and bringing the two composers to face those gods who know full well how this jewel is incapable of dying...

One can only suspend perdition on a road filled with sonorous, intense and heart-stopping flowers...

7 Allein

The ears squeal, the guitars are needles and the bass an unknown banner of hypnotic propulsion, and the body is freed in a dance that circumnavigates the cantato, a true emblem of a penchant for teasing smiles, although the lyrics drive the thought into a small grimace. A subtle electronic circuit pushes the guitar to be industrious with a few notes, managing to establish contact between the poetry of the belly and the desire to enjoy. David Bowie would have loved this exercise in enchantment, no doubt about it. The first track where musical residency cannot be established, but rather the decision is made to lean towards the need to sing. The two voices in the finale are gentle brushes to light up the sky...

8 Thorn of a Rose

Borland's synthesis knows and meets the amniotic fluid of Carlo's writing. The cataracts of the sky mist up in Adrian's breaths, the guitars arouse memories, the Psychedelic Furs India clap, while we have the feeling that in this track lives all the magic of an intuition: in the nocturnal solitude the thorns are the kiss of a pain in search of space. Short, dying of astonishment, it needs no frills because every lonely rock has won the applause of heaven...

9 Silver Age

Violins and travelling motions open the listening and then it's Neo-Folk, tamed by the semi-acoustic guitar in the odour of Nada, but the singing is a dry lash, brief, to concede more seconds to the music that is a cavern that reminds us how the Sound, in slowed-down systems, were inimitable. Here, perhaps, it is even better.

In as much as the tension-filled part leaves no room for concession: Silver Age is a tense, exhausting, endless arc...

10 Indian Summer

The Doors, Velvet Underground: both American bands facing and interested in this hypnotic cradle, where crooning rises up and becomes a flight with spiritual features, until everything seems a carousel of fearless styles...

11 The Hell of It

Sounds like dumps, notes like uncontrolled marasmus, in a vertical, hypnotic, psychedelic jubilation, where a story exercises abandon and guitars only need a few seconds to be a seizure. Full of clouds, gloomy, devastating, short, slow, it then launches into an emotional sweep that gives us the keys to cross a bridge: that of the early seventies, the American shore

12 The Sea Never Dies

The real miracle arrives almost at the end of the album: if we had the desire, the impression that everything was beautiful, useful, important, here we find ourselves inside the summa of an unrepeatable union of tragedies mastered by the talent of the two that here really exaggerates because of a caress that hurts more than a series of kicks, because the song has the ability to drag us further and further into a kneeling full of fear and devotion. Poignant, upright, an obvious gift in reminding us how many songs have failed when attempting to address the subject of lyrics. And then the music: a ballad that seems to come out of thunder, breathless but unwavering...

13 Kugel der Einsamkeit

Roses have withered, lost their colour, their exhausted sinews have granted death, and to do so they invent a harrowing magnet to conclude a simply perfect, painful and stinging album. The piano is a gloomy fist, a theatrical performance that plays with pauses, with the entry of sounds that screech over the heart and dry out the baritone voice that is swallowed up by the apocalyptic sphere, by the distant wind that can be heard coming as if everything were a farewell. It is fear that injects the black keys of the piano with the need to make us weep, while thanking the true friendship of two boiling souls for giving birth to this jewel with infinite carats...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

14th September 2023

https://open.spotify.com/album/3pRW2k3FzpSLdQCRMxO7fb?si=DMzkiBTiSoa7bJ_Y6OpxnA

La mia Recensione: White Rose Transmission - White Rose Transmission

White Rose Transmission - White Rose Transmission

Questa recensione la dedico all'anima sempre preziosa di Adrian, al generoso talento e grande umanità di Carlo, e a due miei amici, Marco Sabatini e Henry Verger.

Una sempervirens si aggira lontano da casa sua, nella costa settentrionale di una California accaldata e assonnata, facendo tappa nel cuore dell’Europa, vagabondando sino ad abbracciare due anime spettinate e laboriose. Atomi concreti di un atteggiamento misoneista consentono di valorizzare maggiormente ciò che già è stato creato: il nuovo qui non avanza, se lo riferiamo ai generi musicali, ed è alla fine un bene. C’è la necessità di formule storicizzate che diano il benvenuto e che convivano con la novità del tessuto letterario. Nell’album non ci sono mai parole eristiche, il linguaggio usato è semplice ma complesso solo per una abbondante perlustrazione emotiva che viene avvertita. Carlo e Adrian sono arcieri notturni, con vocaboli che escono dagli alberi e cadono sui cuori, soggiogati e muti, come un lampo che non necessita di un suono per ammaliare. Un lavoro luculliano, di difficile gestione, in quanto sfiora pensieri di piombo senza usare l’elettricità di una formula musicale che anestetizzerebbe l’indole intima, per consegnare la certezza che la coppia abbia oliato la macchina del talento dalla notte dei tempi. Nulla in questo fascio di canzoni può obnubilare il nostro stupore: ci sono budella che si inclineranno al pianto innanzi a queste gemme che non conoscono sbavatura con gli anni. Sono nate per dare alla vita del tu, in una convivenza che spossa solo gli stupidi, nutrendo invece le anime curiose e attente.

Miscele e templi, contenitori di assoluti dalla cicatrice lunga, pulsano e si stendono, come magmatiche cadute stellari, per convincerci che esistono insindacabili gioielli che desiderano l’ascolto e l’apporto delle nostre riflessioni. Il tutto, quello che non ti aspetti da chi non era riuscito ad avere il  meritato tributo  popolare con i suoi Sound, pare una pura essenza strategica: Adrian qui è un comprimario nobilissimo della scrittura del suo migliore amico, in grado e sicuramente volenteroso di un passato da sospendere se non addirittura da dimenticare. Perché tante sono le novità rispetto al combo Londinese, per un costrutto che mira ad abitare altre zone dell’animo umano, con una misura minoritaria del lamento e una superiore di testi che captano senza offrire cifre di dolori insostenibili. La penna di Carlo è altrettanto sciolta, pregna di romanticismo e malinconia, perfettamente salubre e intenta a sostenere quella dello sfortunato leader della band di Jeopardy. Corsie amletiche, autostrade sensoriali, incroci di luce nella notte senza lancette si incollano alla semplice composizione musicale, intenta a raffreddare i bollori del Post-Punk, per approcciarsi al Neo-Folk, al Barocco e alla Classica, per mascherare la delusione di carriere che sino a quel momento non avevano conosciuto il consenso di massa. I progressi nascono dal consumare esperienze comuni, un circondario dentro il calvario di Adrian, anima turbolenta che con Carlo trova la quiete e una disamina del suo zig-zag umorale per incanalarlo all’interno del beneficio, luogo a lui sconosciuto sino a quel momento. Ecco che il sentimento più nobile e potente struttura il sorriso dolcissimo ma amaro del biondo londinese verso la conquista di una gioia diversa, forse mai ipotizzata. Gli elementi per scrivere insieme scendevano dalle loro bevute, risate, da gestualità come nidi di incanti imprevedibili.

Un dramma cosmico è perennemente disubbidiente e farlo entrare nei circuiti creativi è una impresa che abbisogna di una forte dosi di ipnosi: lo si può cogliere tutto in questi vibranti piani prospettici, articolati per esaltare i colori grigiastri della condizione umana. Danze epiche, melanconiche, ballate col tappo di sughero per far sentire il brivido della commozione, si stampano nell’ascolto, in un incidente dove a morire è la banalità e a sopravvivere la classe cristallina dei due. Il vetriolo entra brevemente in chitarre elettriche istruite a dovere, per ghermire un imbuto decadente ineccepibile e voluto. Un sodalizio che prima di divenire arte è il presupposto del loro climax, dei loro sogni che qui vivono la possibilità di registrare la realtà per addobbarla, per un inganno più che mai necessario. I pochi tamburi sono preziosi slanci nel ventre di una tribalità seminascosta, mentre le tastiere, il piano e il basso sono una equipe ammaestrata, incollata alla tenerezza meno incline alla esplosione, ma che funge piuttosto da carburante per quegli accordi di chitarra che da soli riempiono il cielo di un arcobaleno costante. Le due voci, mai attrezzate alla esibizione delle timbriche, sono i servitori della bellezza che si presenta compatta per tutte e tredici le composizioni. Sono respiri che non cercano la gloria, a volte talmente simili da essere irriconoscibili, in un abbraccio che stordisce, per unicità, rendendo livida la pelle.

Insostenibile è il pensiero che il compimento di questo tipo di percorso sia in grado di regalare scoppiettii continui agli artefici: penseresti il contrario, e invece…

Il 1995 è un anno disonesto, scarico, fuorviante, banale, dove pochi album reggono il confronto con il passato e dove a visitare la certezza è un’ondata di approssimazione al limite dello sconcerto. Se si ascolta invece questa opera si nota il calibro continuo dell’attenzione, il polso fermo che impedisce sovraincisioni inutili e manieristiche, una propensione al minimalismo che dà alla forma canzone un significato diverso e sicuramente più nobile: si stia attenti, particolarmente, alla volontà di cristallizzare la linea armonica, l’uso sapiente di arrangiamenti che guardano in faccia la struttura primordiale per regalare una intensità che galleggia a proprio agio, in ogni singolo brano.

La timidezza di Adrian è uno scettro che cade sotto la pelle, senza pungere o ferire, regalando un castello infuocato con fiamme ghiacciate. E Carlo non può che essere il pompiere che struttura il futuro salvando la sua anima complessa. Ecco come la parte acustica e quella elettrica sono cittadini di un nucleo concentrico che non fa entrare l’ostracismo e il senso di colpa del Post-Punk usato da Borland per presenziare al suo travaglio interiore.

Uno stile vesperale, misantropico, sottolinea l’enormità degli averi situati nel bacino del loro talento, mitragliatrice con pallottole fiorate, rose bianche, appunto…

Un camminamento continuo sul piano onirico, per mettere il bavaglio a una realtà contraria, fa sì che le gemme sonore dal fare lento, siano cardini assoluti, lampioni e docce di un ascolto drammatico ma in grado di essere benevolente, quasi mistico, sicuramente abile nel fagocitare miliardi di schi bolsi e boriosi.

White Rose Transmission è un incontro che chiude le finestre agli ascolti superficiali, rende pura la paura e la voglia di bellezza reale e concreta, con le lacrime che non si congedano mai…

La poetica presente, lungi dall’essere solo una cavalcata struggente, è uno degli ingressi che facilitano il desiderio di ascolti senza soste, per cadere gioiosamente nella tristezza che passeggia con le mani in tasca, soddisfatta.

È tempo di andare a fare l’amore con queste tredici vergini, queste particelle piene di acqua che ci faranno fare il bagno dentro una unicità che non conosce disobbedienza…

Song by Song

1 Unkissable 

Uno scintillio tra suoni cupi che iniettano le voci nel gioco di chitarre perfide, con gli stacchi della batteria che arrivano a barricare il tutto nelle pelli ricoperte di lana e polvere. Una traccia d’apertura che separa il passato e presenta la coda dei Talking Heads imbevuti di psichedelia quasi muta. Gran lavoro su una chitarra dal sapore Byrdsiano, che fluttua e sintetizza la natura di una composizione che passeggia tra le ultime tre decadi.

2 Die dunkle Macht

Stupore, genuflessione, l’ardire mutato che si inchina davanti al martirio sonoro pieno di ruggine, all’inizio, per poi trasferirsi con dimestichezza nel confine del congedo dei sensi. Maestoso, epico, con l’Oriente che si affaccia con un arrangiamento che proietta il brano a sud della paura. Lo stop and go offre una chitarra dalle impronte funky per poi ritirarsi e lasciare i semplici accordi, liberi di divenire una puntura nel ghiaccio…

3 In Your Hand

Il colore della cedevolezza sale sui tasti di un piano ammaestrato a catturare la pioggia e a rimbalzare nel cuore. Episodio sconcertante per bellezza e profondità, le voci all’unisono accarezzano il desiderio e pilotano l’emozione con la certezza che bastino poche note per subire una paralisi. L’ebbrezza è data da intarsi semi-elettrici e da archi a trattenere il fiato, sino a quando la chitarra di Adrian decide di piangere sulla melanconica melodia…

4 Sister Sweetness

L’impianto di musica barocca stabilisce il primo stupore, instancabile attraverso l’accostamento di una pennata che consente al canto una catena deliziosa, in grado di frustare ogni opposizione. Mentre tutti cercavano ritornelli per attirare gli stupidi, Carlo e Adrian dipingevano la dolcezza nel ventre di un impianto minimalista. Non rumore, tantomeno deflagrazione, ma deliziose carezze elettriche…

5  Vapour

La tradizione Irlandese pare trasferirsi per cedere alcuni dei suoi fardelli in questa ballad mutevole, mutante, deliziosa striscia di condense ipnotiche che sembrano giungere da una domenica solare del cielo di Dublino. Poi la drammaticità subentra, per congelare la prima parte e cedere il palcoscenico a una chitarra graffiante ma sensuale…

6 Street of Flowers

Gli Dèi si annoiano, cercano svago, blaterano, ma non possono distrarsi: arriva un brano totalmente desideroso di ricordarci il cantato di Ian McCullogh e dei suoi Echo & The Bunnymen di Porcupine. Ma in questa canzone vi è una drammaticità che rimbalza indietro, svilendo il confronto e portando i due compositori a guardare in faccia quelle divinità che sanno bene come questo gioiello sia incapace di morire…

Si può sospendere la perdizione solo su una strada pieni di fiori sonori, intensi e in grado di strozzare il cuore…

7 Allein

Stridono le orecchie, le chitarre sono aghi e il basso un ignoto vessillo di ipnotica propulsione, e si libera il corpo in una danza che circumnaviga il cantato, vero emblema di una inclinazione a stuzzicare i sorrisi, sebbene il testo piloti il pensiero in una piccola smorfia. Un circuito sottile elettronico spinge la chitarra a essere operosa con poche note, riuscendo a stabilire il contatto tra la poesia del ventre e la voglia di godere. David Bowie avrebbe amato questo esercizio di incanto, senza dubbio alcuno. Primo brano dove non si può stabilire la residenza musicale, bensì si decide di propendere verso la necessità di cantare. Le due voci nel finale sono spazzole gentili per rischiarare il cielo…

8  Thorn of a Rose

La sintesi di Borland conosce e incontra il liquido amniotico della scrittura di Carlo. Le cataratte del cielo si appannano nei respiri di Adrian, le chitarre suscitano ricordi, gli Psychedelic Furs di India applaudono, mentre abbiamo la sensazione che in questo brano viva tutta la magia di una intuizione: nella solitudine notturna le spine sono il bacio di un dolore in cerca di spazio. Breve, morente di stupori, non necessita di orpelli perché ogni roccia solitaria ha vinto l’applauso del cielo…

9 Silver Age

Violini e moti in viaggio aprono l’ascolto e poi è Neo-Folk, addomesticato dalla chitarra semiacustica in odor di Nada, ma il cantato è una secca frustata, breve, per concedere più secondi alla musica che è una caverna che ci ricorda come i Sound, negli impianti rallentati, siano stati inimitabili. Qui, forse, si fa addirittura meglio.

In quanto la parte colma di tensione non lascia spazio a nessuna concessione: Silver Age è un arco teso, sfibrante, infinito…

10 Indian Summer

The Doors, Velvet Underground: entrambe le band americane affacciate e interessate a questa culla ipnotica, dove il crooning si alza e diventa un volo con fattezze spirituali, sino a quando tutto pare una giostra di stili senza paura…

11 The Hell of It

Suoni come discariche, note come marasma senza controllo, in un tripudio verticale, ipnotico, psichedelico, dove una storia esercita l’abbandono e alle chitarre bastano pochi secondi per essere un sequestro. Piena di nuvole, tetra, devastante, breve, lenta, si lancia poi in una perlustrazione emotiva che ci consegna le chiavi per attraversare un ponte: quello dei primi anni Settanta, sponda americana…

12 The Sea Never Dies

Il miracolo vero giunge quasi ad album concluso: se si aveva il desiderio, l’impressione che tutto fosse bello, utile, importante, ecco che ci troviamo dentro la summa di un’unione irripetibile di tragedie ammaestrate dal talento dei due che qui davvero esagera per via di una carezza che fa male più di una serie di calci, perché il brano ha la capacità di trascinarci sempre di più in un inginocchiamento colmo di spavento e devozione. Struggente, verticale, una evidente dote nel ricordarci quante canzoni abbiano fallito quando tentavano di affrontare l’argomento del testo. E poi la musica: una ballad che pare uscita dal tuono, senza fiato ma incrollabile…

13 Kugel der Einsamkeit

Le rose sono appassite, hanno perso il colore, il nerbo esausto ha concesso la morte e per farlo si inventa un magnete straziante per concludere un album semplicemente perfetto, doloroso e urticante. Il piano è un pugno tetro, una rappresentazione teatrale che gioca con le pause, con l’ingresso di suoni che stridono sul cuore e asciugano la voce baritonale che si fa inghiottire dalla sfera apocalittica, dal vento lontano che si sente giungere come se tutto fosse un congedo. È la paura che inietta nei tasti neri del piano il bisogno di farci piangere, mentre si ringrazia la vera amicizia di due anime bollenti per aver partorito questo gioiello dai carati infiniti…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

14 settembre 2023

https://open.spotify.com/album/3pRW2k3FzpSLdQCRMxO7fb?si=DMzkiBTiSoa7bJ_Y6OpxnA

La mia Recensione: Graveyard Train - Hollow

Graveyard Train - Hollow

Scena: un bambino con gli occhi appiccicati al suo oceano lancia lo sguardo e insieme a esso la voce e il tempo, per ingrassare il sogno di un delirio cupo. Quella che ascoltate è una musica che scende nelle viscere per trovare un covo di vipere in manifesta attitudine di bave raccolte nei secondi precedenti un attacco. Quattro, cinque, sei corde e pelli piene di catrame, una miriade di strumenti assemblati per far correre quel gesto del bambino tramite i sei musicisti di Melbourne, che stanno dalla parte sbagliata della città. 

Le storie raccontate sono sciabolate di demoni dal ghigno metallico, gonfio, affacciate dentro il dolore di un disagio che accoglie chilometri di romanzi, dove la pazzia è forse il sorriso di Dio… Un album pieno di segreti, di tormenti, di tensione manifeste, di ossessioni con il riverbero, con il blues che accarezza la chitarra slide in procinto di confermare la commistione tra l’alt-rock, il country più maligno e il lato più oscuro di un arsenale che conosce forme, modalità, tossicità e alcol senza il tappo, nel salto carpiato verso un ventre inebetito. Capire cosa avviene nel deserto lunare e notturno di Melbourne è estremamente complesso: tra gli sbandati, le anime appese a un ago, una bottiglia, o chiuse in una desolante meditazione solitaria, a fare la differenza è il binocolo senza peli sulla lingua del gruppo australiano, che srotola la vergogna, il timore, e li inchioda tra solchi pregni di polvere e anime grattugiate.

Lo schema di scrittura prevede chitarre potenti e voci che siano rappresentanti del lato più tenebroso di quelle corde che scavano dentro il lato sud-ovest degli Usa, filtrando, dilatando, per poter mettere il timbro che non consenta insicurezze: le undici composizioni provengono dalla terra dei koala, non v'è dubbio alcuno. Inutile, dannoso, alquanto banale e stupido citare Nick Cave: siamo molto lontani da quella pazzia meravigliosa, sragionata e adolescenziale del cantante che poi si è ritrovato l’epicentro di tante nuove anime.

No, questi non sono bardi, lupi della notte, nemmeno una sfilza di crudeli nubifragi comportamentali. I Graveyard Train (con questo insieme sonoro finalmente decisi ad avere un batterista a tempo pieno) sono dal lato opposto di ogni conclamata sicurezza: descriverli è come lanciare una manciata di sabbia cruda sulle onde dell’oceano. Le coordinate sono letterarie prima di tutto, con la sfiducia nei confronti dell’essere umano, finendo per mostrare paralisi continue. La parte strumentale è un combo nocivo, una grattugia di oggetti presi a schiaffi, per produrre la schiuma e cristallizzare la sofferenza, non come richiesta di aiuto bensì come una lastra che mostra il cancro comportamentale di una umanità ormai inchiodata con i suoi libri. E allora, in questo epidermico contesto cristallino dai guaiti continui, si afferma un legame fiduciario con la depressione e il vizio conclamato, si invita a bere per ricordare come sotto il cielo di Melbourne ci sia un bambino che, ipnotizzato e imbambolato sotto l’effetto di incubi senza fine, non ha un passato e tantomeno un futuro. I cori, così dichiaratamente legati all’opzione rockabilly americana degli anni Cinquanta, fanno rimbombare versi che escono dichiaratamente da letture di libri tenuti di nascosto negli scantinati, negando loro la possibilità di offrire se stessi alla consapevolezza di un mondo disinteressato a fare ciò. Adem Johansen è un ipotetico filo spinato, con i petali di dolcezza che sanno comparire nei pochi momenti nei quali la ballad sospende la processione sonora così incline alla psichedelia tedesca, per un salto nello spazio davvero impressionante. La slide guitar in quelle poche occasioni sale in cattedra, toglie il nero e inserisce un blu malinconico ma sognante. In quelle canzoni la band perde l’impatto concentrico per nutrire il fabbisogno dell’anima di quel fanciullo…

La chiarezza del suono serve per esaltare il lato oscuro di una città sempre più vittima del progresso, sempre abile a emarginare il debole, e in tutto ciò il senso di inquietudine pare un amico in stato di grazia. Un fascio di particelle sonore per un cammino nel piacere di un vizio che tolga la dimensione della comprensione e della consapevolezza. Storie squallide, crude, pruriginose, insopportabili avevano bisogno di un cavo elettrico, di ritmi senza esitazioni, un peso uguale a quello di testi imbevuti di petrolio. La ballata da pub come la danza scatenata sui bordi di una notte sbagliata si incontrano nel luogo di queste canzoni che spesso richiamano le pellicole dei festini pieni di cocaina, per dei sogni con un incubo ricorrente…

Spaventosamente credibile, il tappeto sonoro è una terapia d’urto, nelle paludi di un futuro che qui si rivolge a dischi pieni di polvere. Spesso la voce sembra la conseguenza del diavolo che mette le dita nella presa di un egoismo: sclerata, senza ossigeno, l’ugola di Adem non offre dubbi perché la normalità esiste e non abita qui!

Un lungo fuoco fatuo attraversa il tempo, inchioda la speranza sulla croce dell’eternità con queste frammentazioni continue, nei saliscendi tenebrosi di un lavoro che consente ai sei la possibilità di essere odiati bene, quasi con amore: a loro non manca il coraggio di asfaltare le bugie, le idiozie, di schierarsi contro il mercato, figli di quella sinistra australiana che non usa il megafono ma brani come letame, per coprire le altrui incapacità.

Concludono il tutto con un tuffo nel petardo che fa terminare il mondo: dove c’è obiettività l’unica resa consta di una scrittura musicale che verrà ricordata nel prossimo bing bang…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

11 Settembre 2023

https://graveyardtrain.bandcamp.com/album/hollow