My review: Emily Jane White - Alluvion

 My Review 

Emily Jane White - Alluvion

No one loves secrets so much as those who have no intention of keeping them.
(Charles Caleb Colton)

Here I am, as a loyal subject of Charles Colton: telling you a secret, sweet, valid, eloquent and wonderful, that lives inside a beam of orange and cobalt blue light.

Cobalt blue is a colour discovered in 1802 and this music contained in 'Alluvion' often seems to come from far away: an exciting and sensual event that can shock for its beauty and depth.

The girl from Oakland knows how to feed the stars of our dreams, how to be a fist that has knowledge of soft ways to communicate the abundance of her arguments and needs, human and not only artistic.

The content of this work ranges like a space shuttle in perpetual motion, busy because it has so much to give and there are so many places to deposit these enchantments that we banally call songs: it is much more than a collection of songs, much more.

She is a soul that strips itself bare, that investigates, takes note, reports with sounds and words the immensity of her feeling and understanding.

There is an acuity, a refinement, an unusual way of doing things that embraces particles that she colours with harmonious life: it may be her voice (a pure diamond that explodes in the heart) or her music (a continuous gentleness, like a single endless breath) and it may be much more, but here we are inside the mystery which makes us beautiful in each of the forty-four minutes of the album.

And in her seventh seal there is also room for her personal losses, traumas and difficulties, but hers is not a gift which leads us to reject them.

On the contrary: she has transformed everything into harmony and elegance, respecting herself and the listener by giving us her process of transformation.

She started off with folk music, but over the years she has gradually managed to bring together the need to add other elements in her sensitivity and artistic planning. 

And so the electronic part, pop, Dreampop and Shoegaze enter the grooves of "Alluvion".

The delicacy of her electropop is a masterpiece: it allows non-stop imaginative flights and smiles that convince the mind to grow.

What remains intact, as the lowest common denominator of her past, is her ability to be inclined to an intimacy that enables us to notice her, but without hurting her.

Because in Emily, strength and fragility coexist perfectly, like an enchantment that stuns and generates beautiful reactions.

In the record there is also room for death, covid, police violence and murdered women. Since there is also her wisdom and willingness to talk about the dark side of humanity: and he does it perfectly.

Now I am going to describe each of the songs included in this excellent stream of dense songs.

At the moment this is my favourite album of 2022. No doubt about it.

Song by song

Show me the war

It is war, with its streams of blood invading the breaths of those who remain alive, that opens the album: an elegant funeral march, between electronic music and a lump in the throat and vocals that are a beautiful bullet...

Crepuscule 

About the loss of someone, the second song shows how pain can be sung using a short melody, with the guitar capturing the sense of grief in a few notes, and then off to a refrain that opens the arms of solidarity.

Heresy (feat. DARKSHER)

A piano, then chords that get heavier, preceding the view of what is wrong, with a successful attempt to keep the drama in the short chorus. The song is like a gospel without a future, with an alarm siren of our conscience keeping us alert, while outside the cruelty continues and the piano, sadly, fascinates us...

Poisoned

With a folk start in the style of Amy Macdonald, Emily takes note of the pain of her surroundings but, as her great peculiarity, she leaves traces of drama in the music with a slight relief. She doesn't want to fatally wound us, she keeps us alive with a song that apparently seems to live within a vivacity that, given the lyrics, seems a forced act, for a beautiful window.

Body Against The Gun

A neofolk with the mask of a shiny carnival leads us to listen to a song that seems to move very well up to sparks of Heather Nova and Tori Amos, in a view where death shows us cold bodies and the silence is lit by an untiring piano.

The Hands Above Me

If the Cure were still melancholic they would have these guitars, while the doubled vocals tell of a held breath, of betrayals. As if Coldwave could meet sweetness, echoes of Darkwave held down with a pillow, while Emily addresses her America with a voice that is at once trembling and strong, with guitars that take joy away and leave it in the sky.

Mute Swan

Identities that change, questions that suddenly arise and here we are in Mute Swan, a subtle mantra with powerful and deep keyboards, narcotizing the sense of loss, with echoes of electronic music seducing the breath. Emily raises her voice register to the sky, while everything scratches the thoughts which become black boxes that would like to melt. And a knife sticks around with the support of this music like an elegant hypnosis...

Hold Them Alive

A song with bandages, shreds of trust that no longer scream, a walk started by a piano that meets a guitar that, terse and essential, explodes the anger slowly: there is no need for distortions because everything is already deposited in the lyrics. And only Nature remains to console us, to give us morsels of beauty. And this voice which flies in the heart like a pin that stings in a different way. But the end offers flashes of baroque music in a modern dress: here we can see how sadness can become attractive and beautiful!

Hollow Hearth

Micheal Nyman and Lorena McKennitt seem to embrace each other convinced that Emily is the right voice to sing this song, which is a list of generosity with a decadent breath, where the future dies almost immediately, using the softness of a melody that is a witch hidden in the Oakland bay.

I Spent the Years Frozen

The fire descends from the sky as if it were a bundle of violins and harpsichords with a renewed sound to be faced with an icy view in which to experience the daze of the senses. And it is a drama that the music, wisely, seems to conceal with its melodic variations. But you cannot always avoid holding back what is dramatic and so Emily gives her voice the role of opening our eyes.

Battle Call

The last track sounds like a shower to hide the drama of this world, knowing that in modern life there is nothing that can really cleanse the tragedies of this cruel existence. Drums and rich guitars ally themselves to a piano that flexes inside high notes, in a farewell march to the planet that reveals all the despondency that runs through our ignorance. A sumptuous and vehement way to say goodbye.

A definitely gothic album, intense, full of a conscience that frightens those who believe that the world is still a beautiful place and life an easy affair. Emily is a fairy who brings uncomfortable truths and does so with the ability to give music that knows how to mix drama and flowers of poetry. Meanwhile, all around, we are left with 'Everything that I see, life's blood raining down on me, no blind divinity justifies this to me'.

A masterpiece, it really is, travelling alone: let's not abandon it...

Alex Dematteis 

Musicshockworld

Salford

27th March 2022

https://music.apple.com/gb/album/alluvion/1604228785

https://emilyjanewhite.bandcamp.com/album/alluvion

https://open.spotify.com/album/2QiW6mdBWnYY7ygqhAj6wh?si=xCcYflUsRSuyWgTBJiSm5g

La mia Recensione: Emily Jane White - Alluvion

 La mia Recensione 

Emily Jane White - Alluvion

Nessuno ama tanto i segreti quanto chi non ha intenzione di mantenerli.
(Charles Caleb Colton)

Eccomi, come fedele suddito di Charles Colton: vi racconto un segreto, dolcissimo, valido, eloquente e stupendo, che vive dentro un fascio di luce arancione e blu cobalto.

Il blu cobalto è un colore scoperto nel 1802 e questa musica contenuta dentro “Alluvion” pare provenire spesso proprio da molto lontano: una vicenda entusiasmante e sensuale che può scioccare per bellezza e profondità.

La ragazza di Oakland sa come nutrire le stelle dei nostri sogni, come essere un pugno che conosce modi soffici per comunicare l’ampiezza delle sue argomentazioni e necessità, umane e non solo artistiche.

Il contenuto di questo lavoro spazia come navicella in perenne movimento, indaffarata perché ha tanto da donare e moltissimi sono i luoghi dove depositare questi incanti che banalmente chiamiamo canzoni: è tutto molto di più che un insieme di canzoni, molto di più.

Emily è un’anima che si spoglia, che indaga, annota, riporta con suoni e parole l’immensità del suo sentire e capire.

C’è un acume, una raffinatezza, un fare inusuale che ingloba particelle che lei colora di vita armoniosa: sarà la sua voce (diamante puro che esplode nel cuore) o la sua musica (una gentilezza continua, come un soffio unico senza fine), e sarà sicuramente anche molto altro, ma qui siamo dentro il mistero che ci fa belli in ognuno dei quarantaquattro minuti dell’album.

E nel suo settimo sigillo c’è spazio anche per le sue perdite personali, traumi e difficoltà, ma non è un regalo il suo che ci conduce a rifiutarli.

Al contrario: lei ha trasformato tutto in armonia ed eleganza, rispettando se stessa e l’ascoltatore dandoci il suo processo di trasformazione.

Partita dal folk, mano a mano col passare degli anni ha saputo far confluire nella sua sensibilità e progettualità artistica il bisogno di aggiungere altri elementi. 

Ed ecco che la parte elettronica, il pop, il Dreampop e lo Shoegaze entrano nei solchi di “Alluvion”.

La delicatezza del suo electropop è un capolavoro: consente voli fantasiosi senza sosta e sorrisi che convincono la mente a crescere.

Rimane intatta, come minimo comune denominatore del suo passato, la sua capacità di essere propensa a una intimità che ci permette di notarla, senza farle però del male.

Perché in Emily convivono perfettamente la forza e la fragilità, come un incanto che stordisce e genera reazioni bellissime.

E nel disco trovano spazio anche la morte, il covid, la violenza della Polizia, le donne ammazzate. Perché esiste anche la sua saggezza e volontà di parlare del lato oscuro umano: e lo fa perfettamente.

Ora mi accingo a descrivere ognuna delle canzoni comprese in questo eccellente fiume di dense canzoni.

E al momento questo è il mio album preferito del 2022. Senza dubbi.

Song by song

Show me the war

È la guerra con i suoi flussi di sangue che invade i respiri di chi rimane in vita ad aprire l’album: una marcia funebre elegante, tra elettronica e groppo in gola ed un cantato che è una pallottola bellissima…

Crepuscule 

E sulla perdita di qualcuno la seconda canzone mostra come si possa cantare il dolore utilizzando una melodia breve, con la chitarra che con poche note cattura il senso del lutto e poi via per un ritornello che apre le braccia della solidarietà.

Heresy (feat. DARKSHER)

Un pianoforte, poi accordi che si appesantiscono, precedono lo sguardo di ciò che è sbagliato, con il tentativo riuscito di mantenere il dramma nel breve ritornello. La canzone è come un gospel senza futuro, con una sirena d’allarme della nostra coscienza a tenerci vigili, mentre fuori la crudeltà continua ed il piano, tristemente, ci affascina…

Poisoned

Con un attacco folk alla Amy Macdonald, Emily annota il dolore del circostante, ma come sua grande peculiarità lascia alla musica tracce di dramma con un leggero sollievo, non vuole ferirci a morte, ci tiene in vita con una canzone che apparentemente sembra vivere dentro una vivacità che, visto il testo, pare un atto forzato, per una finestra bellissima.

Body Against The Gun

Un neofolk con la maschera del carnevale più lucido conduce all’ascolto di un brano che sembra muoversi così bene fino a regalarci scintille di Heather Nova e Tori Amos, in uno scenario dove la morte ci mostra corpi freddi ed il silenzio è acceso da un pianoforte instancabile.

The Hands Above Me

Se i Cure fossero ancora malinconici avrebbero queste chitarre, mentre le voci raddoppiate raccontano di un fiato trattenuto, di tradimenti. Come se la Coldwave potesse incontrare la dolcezza, echi di Darkwave tenuta ferma con il cuscino, mentre Emily si rivolge alla sua America con voce tremante e forte al contempo, con le chitarre che portano via la gioia e la lasciano nel cielo.

Mute Swan

Identità che cambiano, domande che nascono all’improvviso ed eccoci dentro Mute Swan, un mantra sottile dalla tastiera possente e profonda, a narcotizzare il senso di smarrimento, con echi di elettronica a sedurre il respiro. Emily fa salire il suo registro di voce verso il cielo, mentre tutto graffia i pensieri che diventano scatole nere che vorrebbero sciogliersi. Ed un coltello rimane nei paraggi con il supporto di questa musica come una ipnosi elegante…

Hold Them Alive

Una canzone con le bende, brandelli di fiducia che non urlano più, una passeggiata iniziata da un piano che incontra una chitarra che secca ed essenziale fa esplodere la rabbia lentamente: non c’è bisogno di distorsioni perché è già tutto depositato nel testo. E non rimane che la Natura a consolarci, a donarci briciole di bellezza. E questa voce che vola nel cuore come uno spillo che sa pungere in modo diverso. Ma il finale regala lampi di musica barocca con un vestito moderno: quando la tristezza può divenire attraente e bellissima!

Hollow Hearth

Micheal Nyman e Lorena McKennitt sembrano abbracciarsi convinti che Emily sia la voce giusta per cantare questo brano,  che è un elenco di generosità con il respiro decadente, dove il futuro muore quasi subito, utilizzando la morbidezza di una melodia che è una strega nascosta nella baia di Oakland.

I Spent the Years Frozen

Il fuoco scende dal cielo come se fosse un fascio di violìni e clavicembali con un suono rinnovato per trovarsi di fronte uno scenario ghiacciato nel quale vivere lo stordimento dei sensi. Ed è un dramma che la musica, saggiamente, pare nascondere, con le sue variazioni melodiche. Però ciò che è drammatico non puoi evitare sempre di trattenerlo e allora ecco che Emily dà alla sua voce il ruolo di aprirci gli occhi.

Battle Call

Ed ecco che l’ultimo brano sembra una doccia per nascondere il dramma di questo mondo, sapendo che nella vita moderna non c’è nulla che possa purificare davvero le tragedie di queste esistenza crudele. Tamburi e chitarre grasse si alleano ad un pianoforte che si flette dentro note alte, in una marcia di addio al pianeta che rivela tutto lo sconforto che attraversa la nostra ignoranza. Un modo sontuoso e veemente per congedarsi.

Un album decisamente gotico, intenso, pregno di una coscienza che spaventa chi crede che il mondo sia ancora un luogo bello e la vita una vicenda facile. Emily è una fata che porta verità scomode e lo fa con la capacità di regalare musiche che sanno miscelare drammaticità e fiori di poesia. Intanto, attorno, noi ci ritroviamo con “Everything that I see, life’s blood raining down on me, no blind divinity justifies this to me”.

Un Capolavoro, lo è per davvero, che viaggia da solo: non abbandoniamolo…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

27 Marzo 2022

https://emilyjanewhite.bandcamp.com/album/alluvion

https://open.spotify.com/album/2QiW6mdBWnYY7ygqhAj6wh?si=57O3DbAaQBayBARPV1_NTg

La mia Recensione: La Grazia Obliqua - Canzoni d'amore e morte e altri eventi accidentali

 La mia Recensione 

La Grazia Obliqua - Canzoni d'amore e morte e altri eventi accidentali

Roma, la Divina pigra dai gioielli sempre capaci di uscire dal suo ventre.

Roma, guardatela bene: lì il fato incide sulla volontà e combatte il silenzio con la sua propria luce cupa.

Roma, che spruzza acqua dentro i crateri neri del mondo che ruota attorno alla tragedia, sa ancora partorire angeli dai vestiti scuri senza per questo essere carnefici.

Dagli alberi pieni di ossigeno antico arriva La Grazia Obliqua, un combo che entra a contatto con la drammaticità e l’intelligenza portando a sé personaggi colmi di bellezza e valore, per poter percorrere le catacombe della superficie romana, spostando spesso anche i confini di questa volontà.

La loro musica è uno splendido stratagemma: come Maestri di parole e pensieri disposti ad essere lame di luce, si tuffano in suoni che partendo dal neo-folk rivisitato e corretto, galleggiano nell’art wave che seduce e la Darkwave che supporta quelle pesantezze inevitabili che devono emergere.

L’atmosfera permea il fiato di stupore e un’allegria che fanno i conti con la gravità del tempo, ma tutto è sostenibile perché streghe e maghi convivono lasciandosi in vita: è magia quella che sentiamo e che vediamo, come una cascata che prima di tutto pulisce le ferite e poi regala sogni.

E come i lasciti di una antica pergamena, i ragazzi romani raccolgono i silenzi ed i loro segreti per usare le mani come abili sirene che sanno uccidere la morte al fine di sedurre per l’eternità.

Michael Nyman, Philip Glass, Brian Eno sembrano i guardiani del loro suono, uniti nel consenso: la band ha una spiccata personalità che permette loro di navigare tra i generi musicali senza però lasciare orme evidenti, come ladri legalizzati solo per pochi attimi perché poi nel loro granaio la farina è prodotta da loro.

Canzoni come rifugio cristallino di un ritmo che si coniuga alla melodia con sapienza, dove la qualità regna indisturbata: non vi è rumore bensì luce che irradia forze deboli tremanti, come se tutto venisse messo su un palco e ad illuminarlo fosse il mistero della neve che canta parole cariche di sabbia africana.

La crescente oscurità che invece di terrorizzare consola, laddove l’intimità diventa la dolcezza di tragedie che mostrano il fianco, fa di questo album un rosario senza spine sul capo ma nello spazio sconfinato dei pensieri possiamo trovare tutto il dolore.

La forza espressiva raggiunge vette strazianti e si può toccare con mano ciò che è leggiadro e onirico, come se le melodie e le impalcature sonore fossero alleati per portare il sentimento di perdita che è francobollato sulla pelle di questo album.

Un’opera eclettica, fluida, peccaminosa e vorticosa, che si espande e offre mazzi di fiori dai petali dorati, usando la lentezza come il bacio ingannevole di un’epoca che da sempre soffia sulla capitale.

Andiamo ora ad aprire la pergamena, saremo Patrizi e Plebei con disagi moderni. Un po’ d’uva sulle mani e poi via: si va a mangiare la bellezza…

Canzone per canzone

Antro/ The meeting room

Come una fiaba musicale eseguita da Douglas Pierce (che troveremo più avanti), con il recitativo di Alessandro Bellotta (potrebbe starci il paragone con Emidio Clementi dei Massimo Volume, ma si rivela subito inappropriato) tutto vibra per poter essere sbalzato via da Alessandra Trinity Bersiani. Con il suo ingresso la musica cambia e tutto si fa lunare, sospeso e sensuale. E questo incrocio tra le due parti scivola via con un sottofondo elettronico sublime. Come una puntura a calmare le paure, il brano apre in modo sinuoso le telluriche ma lente danze.

L’ultimo sipario 

La Germania si impone: Kraftwerk e Daf, con il mistero degli altrettanto seminali NamNamBulu, e i Rammstein più melodici fanno da padrini a questa guerra, con il cielo che viene colpito a sangue da un testo magnifico per immagini, grondante silenzi che quietano ogni impeto. Il solo finale di chitarra ci porta il rock progressive dei Gonge alla mente e lo Space Rock per indurire il tutto in generosa abbondanza.

Landscapes (reanimated)

Roma si alza per andare a ballare: le vesti sono composte di seta color piombo, passi pesanti, la scia di suono che segue la scena per fare di questo brano l’eco lontano dei Camouflage inzuppati di inquietudine, tra beat elettronici e aperture improvvise nel ritornello. Qualcosa di soffice avanza, ma c’è sempre questa piacevole sensazione di una canzone che vuole inchiodare, lentamente, la disgrazia del mondo sulla croce. Il Synthpop pare timido, ma riesce ad ossigenare le vesti e a condurre il tutto verso la nebbia che protegge il groppo in gola.

Fall Apart 

I ragazzi romani sono coraggiosi: sfidano la sacra terra dei Death in June con una versione di Fall Apart. Operazione che mi lascia intellettualmente non d’accordo: avrei preferito un altro loro brano.

Però apprezzo la capacità di farle indossare una veste meno sacra e più intima, sospesa sin dall’inizio dall’elettronica che crea pathos e toglie alla chitarra acustica quella tensione che era la peculiarità del brano, insieme al testo. Qui invece musicalmente tutto si fa più complesso risultando interessante e le voci sono due che saltuariamente si accavallano creando una malinconica suggestione.

Prima del diluvio

La bellezza di un piano che sembra suonato dalle dita di un Paolo Conte di buon umore e che attraversa le notti ed il fumo di una bisca clandestina di Detroit lascia velocemente spazio ad un fare più robusto sul quale Andrea Chimenti, sul testo voluttuoso di Alessandro Bellotta, deposita la sua voce calda e ipnotica in un brano stupefacente e sorprendente. Tutto si gonfia di ombre con luci negli occhi. Ed è vitamina per il cuore che, robusto, spande calore intenso.

La figlia di Iorio

Di stupore in stupore: con l’inizio che ricorda in parte American Wheeze dei 16 Horsepower, siamo qui nell’equinozio di primavera dove tutto ha il coraggio di uscire, sebbene compaia una strega a complicare il tutto. Ma la band di Roma ha gli arnesi pronti per far vincere il bene nella storia feroce piena di cenere. Quando il neo-folk si accoppia al Dark-noir come in questo caso non può che scaturirne una sfera di luce che genera vita. E il recitato femminile nel finale regala una ulteriore sorpresa con la suspence che ci stringe piacevolmente coinvolti.

L’eterno era notte

Con un sentore di temporale in arrivo nei primi decimi di secondo del brano, ecco che appaiono i Cure di Disintegration a costruire la base musicale su cui le due voci, accostate, ci portano invece Franco Battiato nel testo e nella modalità del canto. Ma vi è spazio per sentire nelle vene di questo gioiello armonie proprie della band che senza vergogna le tiene quasi nascoste. Si deposita nella testa e diventa tutto un mantra pieno di seduzione, che nella parte in cui la chitarra prende lo spazio ci porta rose dipinte di viola. Meravigliosa!

Mishima

E non finisce la brezza che ossigena la pelle del cuore: Mishima è una nuova scintilla che musicalmente sorprende perché visita nuovi ulteriori territori e come un terremoto dei sensi svela la gentilezza che accoglie questi talenti che invocano i nostri ascolti.

Tonalità soul in evidenza controllata, l’electro-pop che manda baci ad un trip-hop mascherato e qualcosa di jazzy aleggia facendo del brano una passeggiata sonora sulla superficie lunare. Il tutto è rarefatto e ben confezionato, per lanciare Roma nel futuro, in un silenzio maggiormente sostenuto da fondamenta moderne. 

Se avevano ipotizzato un tentativo per non farsi sconfiggere dalle tenebre ci sono perfettamente riusciti.

R/ESistere

Non neghiamolo: quest’album è un crescendo di gentili abbracci che conducono alla fame di bellezza.

E il tutto trova la fine con questo ennesimo impianto sonoro che commuove all’inizio per ciò che evoca, come la conclusione di una guerra medievale.

Poi, nel cantato che unisce Douglas Pierce a Cristiano De André (una ipotesi assurda, ma che si concretizza con un risultato immenso), si fa spazio una versione apocalittica della vita che trova nella musica la sua fedele compagna. Questo sì che è un viaggio: si parte dalla città eterna per planare nel futuro fatto di lampi e tamburi che cercano e trovano nelle nuove macchine sonore un connubio perfetto, trasportando il tutto nella dimensione dell’inquietudine senza governabilità. E si esisterà continuando a resistere, perché lavori come questi saranno elementi di saggezza da considerare e non solo uno spazio riempitivo del suono.

Album altamente consigliato a tutti!

L'album uscirà il 31 Marzo 2022

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

26 Marzo 2022

My Review: La Grazia Obliqua -

 My Review 

La Grazia Obliqua - Canzoni d'amore e morte e altri eventi accidentali

Rome, the lazy Divine always able to bring out some jewels from its belly. 

Rome, take a good look at it: there fate affects the will and fights silence with its own dark light.

Rome, which sprays water into the black craters of the world revolving around tragedy, can still give birth to angels in dark clothes, without it making them  executioners.

From the trees full of ancient oxygen comes La Grazia Obliqua, a combo that gets in contact with drama and intelligence by bringing characters full of beauty and value, in order to walk through the catacombs of the Roman surface, often shifting the boundaries of this will.

Their music is a splendid stratagem: as masters of words and thoughts willing to be blades of light, they plunge into sounds that starting from revisited and corrected neo-folk, float in art wave which seduces us and Darkwave which supports those inevitable heaviness that have to emerge.

The atmosphere permeates the breath with astonishment and a cheerfulness that reckon with the seriousness of time, but everything is bearable since witches and wizards live together, leaving each other alive: what we hear and see is magic, like a waterfall that first cleans wounds and then gives dreams.

And like the legacies of an ancient parchment, these Roman guys collect the silences and their secrets to use their hands as skilful sirens that know how to kill death in order to seduce for eternity.

Michael Nyman, Philip Glass and Brian Eno, united in consensus, seem to be the guardians of their sound: the band has a distinct personality that allows them to sail through musical genres without leaving obvious traces, like thieves legalised only for a few moments because in their granary the flour is produced by them.

Songs as a crystal-clear refuge of a rhythm that skilfully combines with melody, where quality reigns undisturbed: there is no noise but light that shines upon trembling weak forces, as if everything was put on a stage and to illuminate it was the mystery of the snow that sings words full of African sand.

The growing darkness that instead of terrorising is able to console, where intimacy becomes the sweetness of tragedies that show their side, makes this album a rosary without thorns on its head but in the boundless space of thoughts we can find all the pain.

The expressive force reaches heartbreaking peaks and we can see first-hand what is graceful and dreamlike, as if the melodies and the sound structures were allied to convey the feeling of loss that is stamped on the skin of this album.

An eclectic, fluid, sinful and swirling work which expands and offers bouquets of flowers with golden petals, using slowness as the deceptive kiss of an era that has always blown on the capital.

Let us now open the parchment, we will be Patricians and Plebeians with modern discomforts. A little grape in our hands and off we go: we’re about to eat the beauty....

Song by song

Antro/ The meeting room

Like a musical fairy tale performed by Douglas Pierce (whom we will find later), with Alessandro Bellotta's recitative (a comparison with Massimo Volume's Emidio Clementi can be expected, but it immediately proves to be inappropriate) everything vibrates to be thrown away by Alessandra Trinity Bersiani. With her entrance the music changes and everything becomes lunar, suspended and sensual. And this crossover between the two parts slips away with a sublime electronic background. Like an injection to calm fears, the track sinuously opens the telluric but slow dance.

L'ultimo Sipario

Germany imposes itself: Kraftwerk and Daf, with the mystery of the equally seminal NamNamBulu, and the most melodic Rammstein are the godfathers of this war, with the sky being struck violently by lyrics that are magnificent in their images, dripping with silences that calm any impetus. The final guitar solo brings to mind Gonge's progressive rock and space rock to harden the whole in generous abundance.

Landscapes (reanimated)

Rome gets up to go dancing: the clothes are made of lead-coloured silk, heavy steps, the trail of sound that follows the scene to make this track the distant echo of Camouflage drenched in restlessness, among electronic beats and sudden openings in the refrain. Something soft advances, but there is always this pleasant feeling of a song that wants to slowly nail the world's misfortune to the cross. The Synthpop seems shy, but manages to oxygenate the clothes and lead the whole thing towards the fog that protects the lump in the throat.

Fall Apart 

The Roman guys are brave: they challenge the sacred land of Death in June with a version of Fall Apart. An operation that leaves me intellectually in disagreement: I would have preferred another of their songs.

But I appreciate the ability to make it wear a less sacred and more intimate dress, suspended from the beginning by the electronic music that creates pathos and takes away from the acoustic guitar that tension which was the peculiarity of the song, together with the lyrics. Here, however, musically everything becomes more complex and interesting and the two voices occasionally overlap creating a melancholic suggestion.

Prima del Diluvio

The beauty of a piano that seems to have been played by the fingers of a Paolo Conte in a good mood and that crosses the nights and the smoke of a clandestine gambling club in Detroit quickly gives way to a more robust approach on which Andrea Chimenti, with the sensual lyrics by Alessandro Bellotta, puts his warm and hypnotic voice in an amazing and surprising track. Everything swells with shadows and light in the eyes. And it is vitamin for the heart which, strong, spreads intense heat.

La Figlia di Iorio

From one astonishment to another: with the beginning partly reminiscent of 16 Horsepower's American Wheeze, here we are in the spring equinox in which everything has the courage to come out, although a witch appears to complicate everything. But the band from Rome has the tools ready to let good win in the fierce ash-filled history. When neo-folk is coupled with dark-noir, as in this case, a sphere of light that generates life cannot fail to emerge. And the female recitation in the end provides a further surprise with the suspense that keeps us pleasantly involved.

L'eterno era notte

With an inkling of a thunderstorm coming in the first tenths of a second of the track, The Cure of Disintegration appear to build the musical base on which the two voices, placed side by side, bring us Franco Battiato in the lyrics and in the way of singing. But there is room to hear the band's own harmonies in the veins of this gem, that they shamelessly keep almost hidden. It settles in our head and becomes a mantra full of seduction, which in the part where the guitar takes space brings us violet-painted roses. Wonderful!

Mishima

There is no end to the breeze that oxygenates the skin of the heart: Mishima is a new spark that musically surprises because it visits additional new territories and like an earthquake of the senses reveals the kindness that welcomes these talents which invoke our listening.

Controlled soul tones in evidence, electro-pop that sends kisses to a disguised trip-hop and something jazzy hovers, making the track a sonic walk on the lunar surface. The whole thing is rarefied and well-packaged, launching Rome into the future, in a silence more supported by modern foundations. 

If they had envisaged an attempt in order  not to be defeated by darkness, they have succeeded perfectly.

R/ESistere

Let's not deny it: this album is a crescendo of gentle embraces that lead to a hunger for beauty.

And it all comes to an end with this umpteenth sound system which moves at first for what it evokes, like the conclusion of a medieval war.

Then, in the vocals that unite Douglas Pierce with Cristiano De André (an absurd hypothesis, but one that materialises with an immense result), an apocalyptic version of life makes its way in which music is its faithful companion. This is really a journey: it starts in the eternal city and glides into the future made of lightning and drums that seek and find a perfect union in the new sound machines, transporting everything into the dimension of ungovernable restlessness. And it will exist by continuing to resist, because works like these will be elements of wisdom to be considered and not just a filling space of  sound.

Highly recommended album for everyone!

The Album will be released on March 31, 2022

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

26th March 2022

La mia Recensione: Lital Hagayan - Like I Remember You

 La mia Recensione 

Lital Hagayan  - Like I remember You

Le distanze nel cuore sono viali che raccolgono ferite, sorrisi, ricordi.

Quando vorresti avere le persone accanto e vivi invece di impedimenti ecco che la memoria offre il suo palmo gentile, bianco, caldo.

Terzo singolo per la ragazza di Tel Aviv che conferma le sue qualità di saper miscelare dolcezza e profondità, portandoci nel suo nido interiore abitato da immagini e delicatezze perfettamente compattate.

Con un brano che spazia nei generi e nei riferimenti, tutto pare essere nato per potersi far ricordare con semplicità e desiderio di riascolto.

La musica è generosa: contempla la modalità di pennellate che Vini Reilly apprezzerebbe moltissimo, un dolore evidente che attraverso le note rende visibile il processo di accoglienza e di sviluppo di questa situazione. E lei il dolore lo trasforma in poesia con un velo che rivela tutta la sua maturità. 

Siamo accolti da parole e suoni che aprono le braccia mentre raccontano di come ci sia sempre il desiderio di guarire. A volte appaiono i Pink Floyd nel cantato, ma con rispetto e non per plagio. Si finisce inevitabilmente per sentire tutta la classe di questa donna, che mostra la sua forza e la sua fragilità con voli di piume senza sosta. 

Se il dolore va lavato ecco che nel cuore di Lital la musica sembra farlo in modo incantevole.

Tre anni fa l’Università di Tel Aviv scoprì che anche le piante soffrono. E Lital è una di loro, mentre guarisce creando la sua musica celestiale.

E se esistono zone fragili lei le conduce alla vittoria: questo brano è una culla dolorosa, ma che porta ad addormentare tutto ciò che è contrario al benessere con la capacità di trasformazione che deve esserle costato molto.

Si sogna ad ogni modo, si può ballare la canzone trasportati da un vento gentile; si può piangere con dignità quando queste betulle sonore sono cariche di luci invernali, con la voce che sembra arrivare sulla coda del vento per non spaventarci.

Un’altra ala piena di classe ci avvolge: la ragazza di Tel Aviv saprà ammaliare con il suo album chi ha la gentilezza nel cuore.

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

25 Marzo 2022

https://litalhagayan.bandcamp.com/track/like-i-remember-you

https://open.spotify.com/track/0BsWiHJECpnrsOlOvcldmF?si=dWaZVn-uRs66QcbYqmJOgw

My Review: Lital Hagayan - Like I Remember You

 My Review 

Lital Hagayan - Like I Remember You

Distances in the heart are avenues that gather wounds, smiles, memories.

When you would like to have people near you but you live of impediments, here is where memory offers its gentle, white, warm palm.

This is the third single for the girl from Tel Aviv, who confirms her ability to mix sweetness and depth, taking us into her inner nest inhabited by perfectly compacted images and sensitivity.

With a track that ranges through genres and references, everything seems to have been created to be remembered with simplicity and a desire to listen to it again.

The music is generous: it contemplates the kind of brushstrokes that Vini Reilly would greatly appreciate, an evident pain that through the notes makes visible the process of acceptance and development of this situation. And she turns pain into poetry with a veil that reveals all her maturity. 

We are greeted by words and sounds that open our arms as they tell of how there is always a desire to heal. Sometimes Pink Floyd appear in the vocals, but with respect and not as plagiarism. One inevitably ends up listening to all the class of this woman, who shows her strength and fragility with non-stop feather flights. 

If pain has to be washed, then in Lital's heart music seems to do it charmingly.

Three years ago, Tel Aviv University discovered that plants also suffer. And Lital is one of them, healing by creating her heavenly music.

And if there are fragile areas, she leads them to victory: this song is a painful cradle, but one that brings to sleep all that is contrary to well-being, with the capacity for transformation that must have taken a lot out of her.

You can dream anyway, you can dance to the track carried by a gentle wind; you can cry with dignity when these sonorous birches are loaded with winter lights, with the voice that seems to come on the tail of the wind so as not to frighten us.

Another wing full of class envelops us: the girl from Tel Aviv will know how to bewitch with her album those who have kindness in their hearts.

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

25 March 2022

https://litalhagayan.bandcamp.com/track/like-i-remember-you

https://open.spotify.com/track/0BsWiHJECpnrsOlOvcldmF?si=dWaZVn-uRs66QcbYqmJOgw