La mia Recensione: Umberto Maria Giardini - La dieta dell'imperatrice

 

La mia Recensione:

Umberto Maria Giardini - La dieta dell’imperatrice 

Non rimpiango le persone che ho perso col tempo, ma rimpiango il tempo che ho perso con certe persone, perché le persone non mi appartenevano, gli anni sì.
(Carl Gustav Jung)

Prendi una donna nel cuore e fatti guidare verso la ricerca interiore, e con la penna piena di stile scrivi la storia di un uomo fuori da certe strutture.

Lei è Anna Calvi, colei che in qualche modo stimola Umberto a inventare un nome nuovo nella sua carriera, senza perdere tutte le caratteristiche di uno degli autori di maggior talento di questa Italia musicale sempre confusa e non capace di produrre qualità nella quantità. Se non una musa sicuramente un punto di riferimento. Infatti sarà Antonio Cooper Copertino, produttore eccelso al lavoro proprio con Anna e Pj Harvey, a sedersi in studio con lui per co-produrre il ritorno discografico del più sensibile tra i musicisti dello Stivale.

C’è da perdere peso in questa abbondante proposta di album e artisti, c’è da ritrovare l’infinita intimità che meglio li protegge dall’esibire qualità forse non del tutto centrate.

Con un sentire psichedelico, senza per forza essere musica con quelle caratteristiche, Giardini scrive dieci fiamme avvolte in un cuscino, dove il calore trova la sua comodità: sono canzoni che scaldano il cuore ma allo stesso tempo incendiano la mente, perché si rimane oltre che commossi sicuramente stimolati a capire il tempo corrente. 

Tutto graffia accarezzando, un quasi ossimoro che è inevitabile constatare quando si parla dell’autore marchigiano, bolognese di adozione, vista la propensione a mettere inchiostro dentro pensieri vellutati, ma anche con il dovere di posare una mano su pensieri che non potevano rimanere nascosti. Ecco che l’amato Post-Rock ben si presta in modo evidente in un paio di tracce, restando sempre presente con una maschera dai colori tenui.

Riuscire a collegare l’anima cantautorale ad altre miscele è la dote maggiore di Umberto, spaziando tra generi musicali che con le sue composizioni conoscono nuovo ossigeno, stimoli e direzioni diverse. Questo accade in un album che infetta i respiri di bellezza, in un mondo che ha perso la capacità di riconoscerla. La testa ogni tanto si piega verso il basso, ma senza essere afflitta da atteggiamenti vittimistici. Semplicemente questo autore sa come mostrare la realtà, i sogni, la parte di noi che disegna momenti improbabili in storie reali. Ed è la sua cultura personale a guidarlo con saggezza dentro scelte liriche e musicali che fanno l’amore lasciando a noi l’orgasmo, il piacere di ascolti prelibati, da conservare con preziosa attitudine. L’uomo Umberto vince la sua personale gara con la parte artistica, lasciando al passato la dicitura Moltheni e rimpicciolendo di molto i confini della sua dilatata e nota propensione a essere capace di scrivere bene qualsiasi cosa.

In questo album lui si raggomitola, con i suoi bisogni rivisti e liberi, per accendere una candela nel suo percorso umano e, una volta frullato, tutto si rivela con una intensità mai esibita prima.

In questa dieta Giardini nel suo menu mette fiori che aprono le porte del suo garage interiore, in una narrativa che scuote e innalza lo spirito per inebriarci di umori, pensieri, vicende che hanno addosso il respiro intellettuale del generoso artista che si spoglia e veste la nostra anima, bisognosa di essere educata nuovamente alla consapevolezza.

La lentezza ritmica consente la perdita di ogni esigenza frenetica per meglio fissare la grande quantità di concetti che sono all’interno di queste composizioni votate alla introspezione, in modo elegante sebbene esistano condizioni di paura e smarrimento innanzi a cotanta lucidità. Siamo permeati da concentriche esibizioni di talento che, grazie ad atmosfere dilatate, meglio consentono la comprensione con momenti di un progressive più mentale che musicale, sebbene non manchino episodi nei quali il sentire di quello stile si concretizza, seppur in modo misurato.

La chitarra disegna i volteggi delle parole, le bacia e si prende il giusto spazio per esibire talento e prolifica predisposizione a essere lo strumento su cui si sviluppano le trame. Le stagioni dell’esistenza in questo album paiono davanti al crepuscolo, davanti a giochi per adulti senza volontà di sprecare del tempo, in cui immacolata è la sensazione di un riposo della frenesia, conferendo alle canzoni il ruolo di un mantra interiore. Ed ecco che la sei corde risulta essere lo strumento migliore, la chiave di violino dove tutto si accorda per stabilire i fianchi di un percorso consapevole che l’agilità non sarà la prerogativa su cui tutto avrà modo di esistere. 

Il coraggio di tornare in territori che l’hanno in qualche modo non accolto adeguatamente ci svela il suo coraggio, la flemma inglese che è nel suo DNA, uomo ostinato che riesce a sbarazzarsi degli ostacoli e a vincere un’ipotesi sfida con un’industria musicale mai troppa avvezza a riconoscere il suo talento. Mettere a dieta la musica gonfia e tronfia è la vera impresa di questo lavoro, che seguendo l’etimologia sa offrire modi di vita diversi, per innaffiare lo stile di incredibile profondità, sbaragliando la concorrenza. Come un’anima che non necessita una mutazione ma il coordinarsi con i propri antichi movimenti, Umberto, con la sua voce sottile, obliqua, che il mistero ha preso sottobraccio per conservarne l’intensità, arriva lentamente ad aprire il varco delle nostre distrazioni, delle incertezze, con un fare sognante che invece di cullarci e favorirci il sonno, sveglia le nostre pulsioni, sia attraverso arpeggi, sia mediante giri armonici che si appiccicano alla nostra dipendenza, sia con chitarre lente e con schitarrate che non hanno bisogno di grandi distorsioni per immobilizzarci. La canzone viene sostenuta da un impianto rock onirico, come i suoi testi, che sono mattoni ricoperti di gladioli.

È melodia, fantasia, poesia dentro un’ampolla piena di liquidi intossicati che cercano consolazione, riguardo, considerazione e complicità: dieci incursioni dalla tonalità cupa e mite capaci di sconfiggere certe esagerazioni della luce ma, poi, in fondo, queste cellule sono in grado di restituire la giusta dose di fasci per non farci accecare.

L’equilibrio è sempre stato l’elemento che ha contraddistinto tutta la carriera di Umberto Maria Giardini: canzoni con il metronomo, il compasso, la matita sottile che penetra nei moti più surreali e complessi, il setaccio che oltre a scegliere leviga, indurisce e specifica argomenti e storie che guardano dentro il percorso folle della letteratura alla quale dà modo di prendersi cura di testi e musiche per lubrificarne il corpo.

L’artista qui adopera genio e progettualità, prendendosi la rivincita nei confronti di chi l’ha sempre sottovalutato o evitato e per vincere la sfida rimane se stesso, l’arma migliore per non vergognarsi, dimostrando la fiducia e una ostinazione meravigliosamente efficace, per approdare dove il suo impeto dalla faccia densa necessita di soggiornare.

Eccole in fila, vestite di lontananza, lampade del 1800 approdare nelle strade ancora più buie del terzo millennio, cibarsi delle proprie invenzioni, di consapevolezze che si inchiodano nei solchi per dare credibilità a un mestiere che sembra avere una data di scadenza prossima, vista l’ignoranza e la poca capacità di maneggiare l’arte della musica. 

E quella di Umberto scavalca le speranze, gonfiandoci gli occhi, concedendoci montagne da scalare e soffi da congelare per il futuro perché questo fa l’album: stimola e congela, ma non raggela, anzi scalda sempre più, come fanno le brave persone dentro un qualcosa che pare sempre non avere troppa credibilità. Lui si concede a noi, nei suoi raggi lunari, tra le sue camminate dentro le vette del suo respiro, all’interno dei suoi slanci con il gel che lucida tutto di vero, nel trionfo dei suoi occhi intensi.

Se si prende solo la musica ci si accorge della veemenza della lentezza, di acqua di lago pronta a quietare la sua indole, di non aver bisogno della parte più chiassosa del rock per generare brividi a lunga gittata. Sarà perché in queste passeggiate sonore tutto deve essere descritto perfettamente e si sa che nella velocità il rischio di perdere di vista la realtà è molto elevato. Lui non vuole, si adopera per sottolineare che in questi ritmi rallentati batte il cuore di un oceano, di un temporale in montagna con il freno a mano tirato. Musica evocativa, che gira attorno a idee illuminate di buonsenso e coperte notturne dal tessuto che si precisa, ascolto dopo ascolto, in un raso sofisticato, che lascia la nostra pelle totalmente intatta, anche se non mancano degli strattoni (Il desiderio preso per la coda), capaci di connettere il presente al passato: un elisir esaustivo e nutriente che non odora di nostalgia ma lo vedremo più tardi, nella descrizione delle canzoni.

LA DIETA DELL’IMPERATRICE è il suo album più estremo, con un raggio visivo che parte dalla natura per finire nella silenziosa esistenza di un uomo che non urla ma sussurra alla vita, usandola come una carezza dalla mano ferma e calda. Un lavoro dove la voce svetta, per intonazione, interpretazione, come una presenza che mostra la maturità, come un sottile passo sulla neve che non facendo rumore riesce a far sentire la sua poesia interiore. Le parole, molteplici e capaci di girovagare perfettamente assestate in una moltitudine di argomenti, sono il segno evidente di una centralità che non lascia dubbi su una scrittura che ha allungato la distanza rispetto a quella di tanti altri, elevandolo, elevando pure noi perché sono parte di un romanzo che sembra un trattato poetico sul chaos che Umberto ha saputo governare.

Posiamo ora i nostri passi sulle sue orme e cerchiamo di indagare in merito al motivo che fa dire al vecchio scriba che questo album è una dottrina con un mantello soffice in grado di avvilupparci con maestria…

Song by Song

L’imperatrice

Che bella l’assenza della voce, seppur miracolosa, di Umberto: il brano di apertura è la nascita di un raggio solare, tra gli scogli del vento e la brina, un tratteggio con la punta delle dita su chitarre che rimbalzano tra ritmiche e piccole note che fanno capolino, a creare suspense e ad aprire la porta a ciò che verrà. Tra Post-Rock e Vini Reilly che cercano un accordo atmosferico, tutto si dipana in mezzo a note in punta di piedi.

Anni Luce

Tra rimpianti, amarezza, desideri, tutti insieme per costruire dubbi che viaggiano solo nella verità dell’uomo e dell’artista, il brano è un riverbero del pensiero tra echi elettrici e parole di seta con una striscia nera sul cuore. La voce, un graffio degli anni settanta e che ha resistito allo scorrere  del tempo, abbraccia questo mantra psichedelico privo di luci fasulle, perché tutto è concreto e intenso nel suo essere sottile. Semplicemente perfetto.

Il trionfo dei tuoi occhi

La voce sale su per i sentieri di montagna, gli stessi che vedono due anime nel cammino di una relazione che visita sogni e velleità. Ed è fascinazione pura per la forza che rende possibile farci salire con loro, come testimoni del loro peregrinare. Chitarre avvolte tra note alte, che scivolano dentro un’anima rock dalla pelle sottile. 

Quasi Nirvana

Il pathos e l’eleganza, in questa ninnananna rock dalle vene gonfie, vincono ogni opposizione: se c’era da superare l’ostacolo di una sfida, Umberto qui esce vincitore. Un giro di chitarra iniziale, che sembra provenire dal Desert Rock, viene affiancato da un altro, scivoloso e sensuale, sul quale l’amore antibiotico affitta una residenza che si preannuncia eterna. Minimalista, piena di atmosfere senza tempo, la canzone avanza nel petto per trovare il proprio senso in un quasi solo di chitarra, su cui la voce con il suo registro alto ci consegna il titolo per renderlo definitivamente impresso in noi, con l’orchestrazione finale sublime.

Il desiderio preso per la coda

Uscito dalla scena di Canterbury, quasi nei pressi di uno Space Rock rivisitato e corretto, il brano rivela tutta la capacità di accendere un fuoco interiore, dove la voce non è necessaria, per il secondo episodio strumentale, che rimane in ogni caso dentro fascinazioni Post-Rock. Chitarre che pulsano note e giri armonici intensi, con un drumming capace di fissare il tutto nella zona di un volo dalle ali potenti.

Discographia 

Una interpretazione clamorosa ci infetta, come godimento plurimo e incontrollabile, ci fa tuffare nella struttura musicale che cambia abito, si esprime, si apre verso una leggerezza con delle pause, degli stop and go perfetti, dentro il tendone di un circo sonoro che rivela quello che rimane di una certa idea della concezione della canzone alternativa degli anni 90, con tutto il suono di un battito di ali senza sosta. Clamorosa.

Saga

Questo è l’autore che conosciamo ma con un asso nella manica: una storia emblematica e autorevole, dalla scrittura concentrica e mantrica, lava dentro il jack della chitarra, note balsamiche e l’intensità di un cantato angelico tra parole che per scelta ronzano nella mente per creare depistaggi e fantasie, per un matrimonio che fa volare dentro i pianeti che aspettano la canzone come ossigeno nuovo.

Genesi e Mail 

Rime, assonanze e incandescenti divagazioni trattenute per il colletto ci fanno vedere il fango, dentro la chitarra indie per eccellenza, per un brano che odora di magia dentro un carillon. La parte musicale visita la psichedelia come il blues, con la chitarra ritmica tra Radiohead e Cranberries, mentre il cantato è puro Giardini style.

Il sentimento del tempo

Turbinio, vortice di schegge di suono, con un drumming secco che alza la polvere: ed è solo l’inizio di questo impazzito tuono che avvolge la nostra curiosità, trascinandola senza respiro sino a quando il ritmo cede e una nuova immersione data dalle chitarre mutanti e sognanti si fa beffe di noi, perché continuiamo a essere succubi di questa estasi dal fare quasi elettronico pur essendo vincolata a chitarre plasmanti. Si batte il piede per terra per poi tuffarsi nel delirio di strumenti perfettamente compattati.

L’ultimo venerdì dell’umanità 

La follia, con Umberto, è sempre educata e gentile, pregna di allucinazioni, lividi, uncinetti notturni e attrazioni multiple. Quello che chiude l’album è un brano dai petali spezzati, una ferita in una poesia senza terzine ma che affonda le radici in una visione letteraria e psicologica, un bruciore dell’anima che lui fissa in mezzo a note che si fanno carico della responsabilità di un testo clamoroso per assurdità e stile, dove la perfezione viene raggiunta attraverso accordi corsari pieni di segreti. Più di nove minuti, che sembrano giorni e giorni di una caduta senza gravità nel grembo del tempo, tra Post-Rock e la scrittura unica di un artista che conclude il suo lavoro con una gemma senza tempo, in attesa di essere adorata…

Data uscita album: 5 Ottobre 2012

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

16 Ottobre 2022 

https://open.spotify.com/album/3VIPoiC8AX4P35uY8C3KrY?si=EyAmh3ndT7COA9zveWHaKQ

My Review: E-L-R / Vexier

 My Review

E-L-R * Vexier

"The heavier the burden, the closer our life is to the earth, the more real and authentic it is. On the contrary, the absolute absence of a burden causes man to become lighter than air, to take flight upwards, to distance himself from the earth, from being earthly, to become only half-real and his movements to be as free as they are meaningless. What should we choose then? Heaviness or lightness?"
(Milan Kundera)

Something, in listening to music, seems destined for suffering, for digestion that finds its occlusion, for the fatigue of perceptions that when coupled with desire create great confusion.The sense of freedom among the notes is often the territory of deception, futility and a subsequent severe embarrassment. All this eventually combines with the heaviness of these instants.

These are moments that are remembered, we are given no choice, with taste finally dying, so dangerous and damaging, if you think about it. All that remains is for us to be extreme curiosities, perennial nomads, frenzied travellers, with places always to be found.

Bern, the federal city, the elegant and ever-active woman, that lives and unleashes its energies on an enchanting plateau, is also the beach of the Alps, where the E-L-Rs follow their mad propensity to create boulders of sound like drooling sorcerers.

Yes, really, believe me, their songs are metamorphic rocks with stunned, curving glaciers inside, flying over time and our gazes, dripping with the sweat of fear that is born and dies in these terrifying and delightful forty-six minutes. A set of passages amidst the mountains of our vibrations, with their Doommetal effectively hypnotic and heavy, to then seek and find a bit of lightness when their hands turn on the less rough side, that Doomgaze always more willing to show its possibilities of development. Without forgetting the Postrock with battling feathers and less inclined to melancholy.

The three Swiss create kilos of music that are tombstones, parasites capable of stimulating gangrene and of laughing while we find ourselves with our stomachs turned upside down. 

Two women, I-R, bassist and vocalist, S.M., guitarist and vocalist, and a man, M.K., drummer, create the concept of sound as an obscure place where escape routes from light melodies, from disengagement, from futility are made possible.

They don't joke: needle and club, beating with corrosive and diabolical textures, with rock lightning with a bleeding hand. 

We enter the desert: where there is a chance to shatter even the tiniest grain of sand, they do it to become mermaids swimming in the dunes, M.K.'s hammer is a punishment that flies in our breath and the two responsible for the din and discomfort are assaulted without having to reach violent music like black metal and the like.

They grant us the dream but they stain it with feelings of guilt, they try to sink the velleities and their creations produce hives, redness on the skin of the mind.

It's a pleasant listening because their courage, the method they use to scratch mediocrity is full of candour: they sound like perpetually virgin songs, combined with a desire to explore annoyance and to soften it with sprinklings of sweetness that, when they arrive, create relief and good humour, if not also a dishevelled, neurotic, maddening joy.

It is surprising that all this can come from peaceful Switzerland, although in the past we have already had bands capable of being tough, acerbic and sanguine: The Young Gods are a good example. Here, however, the continuity goes further, the battle plans organized and executed perfectly, like surgeons trained to precision, with no possibility of imperfection. And their rocks roll in even if you would like to oppose them: this is their validity, gift, capacity, a continuous flight where the swellings received, at the end of listening to Vexier, are necessary and immediately eager to repeat this liturgical mode of fruition.

A second album that follows the path started with the equally surprising debut of "Maenad", intent however to be a corrosive and unripe ivy, with a scent that you would never expect. Within the five long compositions, we find ourselves inside decadent movies, oil-filled photographs, a theatrical performance that confuses the viewer and long, acidic walks, where the possibility of breathing peacefully is only a hypothesis that they definitely know how to sink.

I highly recommend it, because even poetry has its wrinkles, its cracks, its tiring obstacles to overcome. What you feel at the end of this journey is a sense of benefit that you would never consider and their enormous ability lies precisely in this inexplicable event.

Song by Song

Opiate the Sun

On a lunar territory waiting for the roar, the Swiss sow bullets with their protective case: the slow Opiate the Sun is a fake organ of the sky preparing the insurrection. Shy parallels, in the first minutes, with Dead Can Dance and then the detonator is activated to check if the power of the three is still oiled: mission achieved.

Three Winds

The less acerbic but still sanguine Doommetal manifests itself with a bad guitar and dizzying drumming that calls to itself the work of the bass, which is pure and heavy granite. Distant voices uncover the sky in their few seconds of excellent presence. Then Postrock claims space, everything gets darker and the blood waits for new explosions that, happily, happen.

Seeds

Adorable: lava glue in mutation, spasms of expectation with spirited voices, then feedback opens the way to the pounding display of strength and everything is intertwined, through musical genres and nerve-wracking tensions. The guitar goes round the sky, when it is absent you understand how the rhythm section consists of continuous uppercuts.

Fleurs of Decay

Desertrock moves to the moon where the three are waiting for it: tangles of metal splinters appear and it's a progression of cuts, scratches and avalanches of nightmares with a heavy breath.

Fôret

A thunderstorm lets the water fall for a few seconds and then the apocalypse comes, among drums and stabs of a bass highly eager to bend the softness that the moon requires: the four strings win and are helped by a slow and sly guitar, almost shy in arriving. But then it is sonic frenzy until reaching surprising melodic vocals like a window closed with melancholy. The double pedal is activated for a dark but powerful drumming. And it's a joy to find ourselves in this chaos where the wings break and, falling, we can put our face on the moon and smell it. The end is the breath that slows down with a celebration for a landing that has known sweetness.

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

28th April 

https://open.spotify.com/album/6WNRwaFxTc4GFX30EPINLB?si=4hjSLwPTR0GfEaynUe7aHQ

https://e-l-r.bandcamp.com/album/vexier

La mia Recensione: E-L-R / Vexier

 La mia Recensione

E-L-R * Vexier

"Quanto più il fardello è pesante, tanto più la nostra vita è vicina alla terra, tanto più è reale e autentica. Al contrario, l’assenza assoluta di un fardello fa sì che l’uomo diventi più leggero dell’aria, prenda il volo verso l’alto, si allontani dalla terra, dall’essere terreno, diventi solo a metà reale e i suoi movimenti siano tanto liberi quanto privi di significato. Che cosa dobbiamo scegliere allora? La pesantezza o la leggerezza?"
(Milan Kundera)

Qualcosa, nell’ascolto della musica, sembra destinato alla sofferenza, alla digestione che trova la sua occlusione, alla fatica di percezioni che quando si accoppiano con il desiderio creano una grande confusione. Il senso di libertà tra le note è spesso il territorio dell’inganno, dell’inutilità e di un successivo, pesante, imbarazzo. Tutto questo alla fine si coniuga alla pesantezza di questi istanti.

Sono momenti che si ricordano, non ci è concessa scelta, con il gusto che finalmente muore, così pericoloso e dannoso, se ci pensate bene. Non ci resta che essere curiosi estremi, nomadi perenni, viaggiatori forsennati, con luoghi sempre da trovare.

Berna, la città federale, la donna elegante e sempre attiva, che vive e scatena le sue energie su un altipiano incantevole, è anche la spiaggia delle Alpi, dove gli E-L-R seguono la loro folle propensione a creare massi di suono come stregoni con la bava alla bocca.

Sì, davvero, credetemi, le loro canzoni sono rocce metamorfiche con all’interno ghiacciai storditi e curvi, in volo sul tempo e sui nostri sguardi, che fanno gocciolare il sudore della paura che nasce e muore in questi terrificanti e piacevoli quarantasei minuti. Un insieme di passaggi tra le montagne delle nostre vibrazioni, con il loro Doommetal effettivamente ipnotico e pesante, per poi cercare e trovare un pò di leggerezza quando le loro mani accendono la parte meno ruvida, quel Doomgaze sempre più volenteroso di mostrare le sue possibilità di sviluppo. Senza dimenticare il Postrock dalle piume battagliere e meno incline alla malinconia.

I tre svizzeri creano chili di musica che sono lapidi, parassiti capaci di stimolare la cancrena e di ridere mentre noi ci ritroviamo con lo stomaco ribaltato. 

Due donne, I-R, bassista e cantante, S.M. chitarrista e cantante, e un uomo,  M.K., batterista, creano il concetto del suono come un luogo oscuro in cui rendere possibile le vie di fuga da melodie leggere, dal disimpegno, dalla futilità.

Loro non scherzano: ago e clava, a picchiare con trame corrosive e diaboliche, con fulmini rock con la mano sanguinante. 

Si entra nel deserto: dove esiste una possibilità di frantumare anche il minuscolo granello di sabbia loro lo fanno per diventare sirene che nuotano tra le dune, il martello di M.K. è una punizione che vola dentro il nostro respiro e le due responsabili del fragore e del disagio sono assatanate senza dover arrivare a musiche violente come il black metal e affini.

Loro ci concedono il sogno ma lo macchiano di sensi di colpe, cercano di affondare le velleità e le loro creazioni producono orticaria, rossore sulla cute della mente.

E’ un ascolto che è piacevole in quanto il loro coraggio, il  metodo usato per graffiare la mediocrità è pieno di candore: sembrano canzoni perennemente vergini, congiunte al desiderio di esplorare il fastidio e di ingentilirlo con spruzzate di dolcezza che quando arrivano creano sollievo e buonumore, se non anche una allegria scomposta, nevrotica, folle.

Stupisce che tutto ciò possa giungere dalla pacifica Svizzera, per quanto già in passato abbiamo avuto band capaci di essere dure, acerbe, sanguigne: valga l’esempio degli Young Gods. Qui però si va oltre per la continuità, i piani di battaglia programmati ed eseguiti perfettamente, come chirurghi allenati alla precisione, senza possibilità di sbavature. E le loro rocce rotolano dentro anche se vorresti opporti: è questa la loro validità, dono, capacità, un volo continuo dove le tumefazioni ricevute, alla fine dell’ascolto di Vexier, sono necessarie e subito desiderose di ripetere la liturgica modalità di fruizione.

Un secondo album che segue il percorso incominciato con l’altrettanto sorprendente esordio di “Maenad”, intento però ad essere edera corrosiva e acerba, con un profumo che non ti aspetteresti mai. All’interno delle cinque, lunghe composizioni, ci ritroviamo dentro film decadenti,  fotografie piene di olio, uno spettacolo teatrale che confonde lo spettatore e lunghe camminate acide, dove la possibilità di respirare serenamente è solo una ipotesi che loro sanno definitivamente affondare.

Lo consiglio vivamente perché anche la poesia ha le sue rogne, le sue crepe, i suoi ostacoli faticosi da superare. Quello che si prova alla fine di questo percorso è un senso di beneficio che non considereresti mai e la loro mastodontica capacità risiede proprio in questo inspiegabile evento.

Canzone per Canzone

Opiate the Sun

Su un territorio lunare che attende il fragore gli svizzeri seminano proiettili con la custodia: la lenta Opiate the Sun è un finto organo del cielo che prepara l’insurrezione. Timidi parallelismi, nei primi minuti, con i Dead Can Dance e poi il detonatore viene attivato per verificare se la potenza dei tre è ancora oliata: missione raggiunta.

Three Winds

Il Doommetal meno acerbo ma sempre sanguigno si manifesta con chitarra bastarda e il drumming vertiginoso che chiama a sé il lavoro del basso che è granito puro e pesante. Voci lontane scoperchiano il cielo nei loro pochi secondi di presenza sopraffina. Poi il Postrock reclama spazio, tutto si fa più cupo ed il sangue aspetta nuove esplosioni che, felicemente, accadono.

Seeds

Deliziosa: colla lavica in mutazione, spasmi di attesa con voci spiritate e poi il feedback apre la strada alla martellante esibizione di forza e tutto si incrocia, tra generi musicali e tensioni snervanti. La chitarra fa il giro del cielo, quando si assenta capisci come la sezione ritmica sia costituito da uppercut continui.

Fleurs of Decay

Il Desertrock si sposta sulla Luna dove i tre lo aspettano: grovigli di schegge metalliche dal fiato pesante si affacciano ed è una progressione di tagli, graffi e slavine di incubi dal respiro greve.

Fôret

Un temporale lascia l’acqua cadere per pochi secondi e poi entra l’apocalisse, tra tamburi e stilettate di un basso fortemente desideroso di piegare la morbidezza che la Luna richiede: le quattro corde vincono e si fanno aiutare da una chitarra lenta e sorniona, quasi timida nell’arrivare. Ma poi è delirio sonico sino ad un sorprendente cantato melodico come una finestra chiusa con malinconia. Il doppio pedale è attivato per un drumming cupo ma possente. Ed è gioia ritrovarsi in questo caos dove le ali si spezzano e cadendo possiamo mettere la faccia sulla Luna e annusarla. Il finale è il respiro che rallenta con annessa la celebrazione per un atterraggio che ha conosciuto la dolcezza.

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

28 Aprile 

https://e-l-r.bandcamp.com/album/vexier

https://open.spotify.com/album/6WNRwaFxTc4GFX30EPINLB?si=4hjSLwPTR0GfEaynUe7aHQ

My Review: Abrasive Tree - Moulding Heaven With Heart

 My Review:

Abrasive Trees - Moulding Heaven With Heart

There is a mysterious wave that keeps its identity without allowing an analysis that could make it visible.

It often happens in music because it is part of its path, like a duty that cannot be avoided, a way that may seem irreverent but necessary.

From a Scotland always capable of creating talents and artists endowed with sensitivity, beauty and immense writing skills, here comes Matthew Rochford with a single, two songs to expand the sense of benefit through a deep, essential modality, like a cloud that rides the sky to colour it with dew and to give it that thrill which keeps it alive.

The impression that comes from listening to these tracks is that of seeing sweetness and bitterness in perfect harmony on the expressive side.

You dream while your eyes experience liquid movements in their edges, you dance slowly like a yellow Colias, a beautiful butterfly thirsty for flowers.

Because this is what the two songs are: flying animals hungry for beauty and food which know how to be generous, because you only have to see them to be happy.

I don't know if it is useful to define the musical genre: it would seem as always limiting and perhaps even useless, because it would reduce the ability to deepen the sensation of sonic drops imbued not only with beauty and mystery, but also with that sense of an identity that could be offended by the attribution of meaningless words.

Whether it is Post-Rock, Post-Punk, Ambient, a more delicate Dreampop  than usual or Experimental Rock, there's little need to say it or to know it: where there is the ability to achieve uniqueness, every addition becomes superfluous.

It's thrill, shaking, provision, flight, seriousness tinged with positivity, for a beating of wings as a form of enjoyment and survival.

Moulding Heaven With Earth is a slow pastel-coloured ride, guitars working in the introduction with a charming and engaging spoken word, then growing in the song form. It is Scotland with its most extreme beauty that the butterfly takes us to admire, with the guitar drawing a circle in which to feel secure, for a melody that is explosive in its almost melancholic stillness. 

If you really want to define it in a musical genre it is Post-Rock of remarkable workmanship, a rolling on the meadows in the midst of wind and lightning: something short lives in the melancholy of this guitar that seems a melodic killer.

Then it's Kali that nails us to the emotion again: Vini Really, Jeff Buckley and Robert Smith seem intent on drawing dense poetry inside these magnetic guitars, while the voice shows a pungent singing, full of power and sadness. We go up with the wind to examine the leaden areas of the sky, we become a drop to gently explode without making too much noise, because in that part of the world there is still a need for a respectful silence. 

The Ep ends with the Rothko remix version of Moulding Heaven With Heart and everything becomes even more dilated and gloomy.

In conclusion: you will be charmed and surely conquered by these compositions rich in poetry with a sense of alarm on their skin.

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

23 April 2022

The EP will be available from the 28th of April. You can currently find the song Moulding Heaven With Earth on Bandcamp.

https://abrasivetrees.bandcamp.com/album/moulding-heaven-with-earth-kali-sends-sunflowers

La mia Recensione: Luca Fucci - Unsolved

La mia Recensione 

Luca Fucci - Unsolved

L’estinzione è la regola. È la sopravvivenza a costituire l’eccezione.
(Carl Sagan)

Anni fa vidi un film “Il giorno dopo”.

Poi la serie televisiva “The Walking Dead”.

Entrambi capaci di mostrare la dannazione del mondo dopo atti di cattiveria e alienazione. Efficaci nello scuotere senza però consolarci: alcune verità sono indiscutibili e inattaccabili. E gli scenari che si presentano davanti agli occhi hanno l’amaro destino di rimanere per sempre. Siamo però fortunati ad avere accesso alla dolcezza e alla tenerezza che non sono atti di consolazione bensì supporti efficaci che non dobbiamo assolutamente lasciare soli.

In tutto questo arriva Luca Fucci, un talento di Firenze che entra dentro di noi con musiche capaci di avvolgere la nostra fatica con dipinti sonori che alla fine veicolano sostegno e poesia.

La scelta di fare musica strumentale in Italia non sempre viene accolta bene, ma questa volta ci sbaglieremmo di molto: ciò che accade dentro UNSOLVED è uno spettacolo di luci, di fiumi in generoso movimento, di sensazioni che con il passare dei minuti diventano una forza inimmaginabile.

Sono dodici candelabri, dodici conchiglie, dodici mantelli, dodici battiti di ciglia che contengono sapientemente gli umori invernali dei nostri pensieri, con la loro devastante necessità di accerchiare il dolore definendolo, senza utilizzare una sola parola, tutto ciò è un miracolo assoluto.

E, come un film muto di inizio del secolo scorso, capisci quanto certe immagini siano boati, flussi roboanti in discesa velocissima.

Luca fotografa l’umore dell’esistenza con tratti di assoluta maestria perché riesce a penetrare il tutto lasciandoci sempre delle energie nuove, sebbene l’umore conosca spesso il colore della malinconia.

Un post-rock che si nutre di elettronica, con fiammate di trip-hop, andamenti post-punk a salutare spesso con chitarre che ci rimandano ai The Cure di Faith e Carnage Visors nella splendidamente buia Flowing Gold, una carezza dal vestito settecentesco, un diamante a strutturare la tristezza verso la nebbia.

Nell’iniziale When We Met realizziamo subito che nella lentezza di un pianoforte dal sorriso basso si può sentire beneficio. E in quel gioco serio fatto di riverbero ed echi troviamo la nostra testa bassa. Poi le note finali ce la fanno rialzare perché è in quello stesso giro di note che si può trovare sollievo.

Shining Tide ci porta nella seconda ondata del post-rock inglese e svizzero dove non è la chitarra ad essere al centro, ma sembrano esserlo tutti gli strumenti utilizzati in un ballo di similitudini denso e fluido. Come se Nyman ed Einaudi avessero deciso di dare a Luca il lasciapassare per questi luoghi magici e al contempo tesi.

Un album che sa essere osceno per bellezza eccessiva: dobbiamo solo chiudere gli occhi ed una navicella del tempo ci porta nei luoghi che Luca fa nascere come se fosse un Harry Potter in prestito nei nostri sogni.

Ed è medioevo, è futuro, è un disco che vince il tempo perché lo circonda di uno spettacolo teatrale come la magnetica Suspended Animation, dal climax estivo e temporalesco.

Tutta la polvere del giorno dopo uno scoppio nucleare arriva con The Lightkeeper: mastodontica gemma di sale nero piena di artigli, con un piano che ci ricorda il Battiato degli anni 90 per una danza mesta senza nessuna festa, con una propensione elettronica che seduce il respiro senza sosta, come un lampo che non basta mai al nostro sguardo. Incanto dal sorriso nero, brano immenso.

Outway è il grasso in eccesso che fatica a camminare e diventa un suono obliquo, una corsa senza ritmo che ci fa danzare come se fossimo oppressi dalla paura.

Con Gateway siamo in un rifugio dei pensieri che subiscono assalti tremendi, il senso di paura ci circonda ed il futuro pare una allucinazione. L’elettronica figlia degli Orb miscelati ai Transglobal Underground diventa un guerriero quasi industriale per un brano davvero apocalittico.

La marcia elettronica militare di Repetition Compulsion ci riporta a quel Brian Eno e a quel Peter Gabriel sperimentali con in aggiunta pizzichi di House rivisitata e tagliata a pezzetti per un volo magnetico, lento e pesante: si può gioire anche con il dolore…

E infatti a ribadire questo concetto arriva la breve Comfortable Pain: sciabolata dalla pelle prog che si posiziona dentro i confini delle nostre paure vestite di graffi.

Luca è generoso e preciso nel dare continuità nella parte finale dell’album con la magnetica Gazing Into The Abyss: partendo dall’attitudine dei Leech e dei Spoiwo riesce a spogliare il post-rock e immergerlo dentro una miscela di acidi e anfetamine dal sapore di menta. Il pezzo è fresco ma allucinato e devastante, un placebo per ingannare la nostra richiesta di aiuto. Assolutamente una manifestazione della classe che non teme di essere distrutta, qui Luca si supera e ci conforta.

Knot è stupore magmatico, veloce, cellula impazzita che prende i Cat Rapes Dog, gli Einstürzende Neubauten e gli Alien Sex Fiend e li porta nella corsa del sogno che tenta il suicidio.

Tutto sembra finire con l’ultima esibizione di classe che è When You Left: un lutto che mostra la sua profondità con note nere e sospese, turbinio dal fare enigmatico che sembra uscire da una seduta spiritica presieduta da Tony Banks mentre cerca di sedurre l’inferno.

Assolutamente indispensabile l’ascolto di questo album per poter avere un elmetto nel cuore e fuori nella nostra mente: Luca Fucci è un artista sublime che dobbiamo coccolare senza dubbi.

Il mio Maestro diceva di un album “Ed è la gioia” ed io all’immenso Alessandro Calovolo dico: “La gioia è tornata ed è sublime nell’essere complicata in queste piume che si chiamano Unsolved”…

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

5 Aprile 2022

L'album uscirà il 22 di Aprile 2022

https://lucafucci.bandcamp.com/album/unsolved?fbclid=IwAR2h4FbyfkshMsT6vY3PCVa8TOYfTJW3s39bK3ztb7EIY7-6hQ_581HERJk

 

My Review: SECRETARY - Parallels

 My Review 

Secretary - Parallels

Since the beginning of man's presence on this planet there has been a need for protection. No matter how we have built things and situations of comfort, there has always been an avalanche of elements that have made us feel, and still do, that without protection we are afraid, we feel uncomfortable and vulnerable. And since art has existed, with its various forms, perfect zones have been created to preserve ease and discomfort for eternity, hoping that the first was and is the winner.

Then there are those who, with an album of songs, present both situations at the same time, and you cannot help but find yourself stunned by this intensity. Perhaps it is because of the opposites in this coexistence, or because of the inability to resist the beauty of pain that tries to smile by telling its story.

The result, in any case, is a listening with the heart which is like an earthquake that, while on the one hand destroys, on the other shows what it does in secret, and it is still a joy that offers the strength to rebuild.

These tears are the tenderness that bumps into loneliness at the traffic light, smiles at it and carries it around for new dreams to be made, waiting for better times to come.

In front of this intention one must be very careful: Ellison Wolf and Em Maslich, with the project SECRETARY, are capable of shattering, gently, every refuge because their intensity actually shows us how theirs is indestructible.

Whether it's the music, the words, the voices, everything becomes a constant disintegration because nothing stuns more than intensity, the ability to colour the darkness by bringing it inside us. You have no possibility of escape.

You cannot handle the river, however beautiful it is, because in these forty-seven minutes it has enveloped you in its motion.

In these nine tracks every second is a fist which caresses and combs your soul, to destabilize and comfort at the same time. 

We have experienced all this before, in the most devastating songs of Radiohead (with whom there are points of contact musically speaking) and The Postal Service: of the latter we can feel the common will not to stop the planning of a pain that wants to live in order to kill it.

These songs are sparks that make us understand how intensity can be contemplated and desired and how they become melodic swords that enter from the tip to sink to the handle.

The nineties at their very best, with that attitude of exploding. With the sound of the 2000s.

The whole thing without distortions, but with that suffocating feeling which in its being unmanageable attracts and fascinates.

The guitars, the Rhodes, the indie drumming, the leaden bass, the voices like pearls in the dark, are all programmed to be vehicles that continually clash against that desire for protection I mentioned at the beginning: everything becomes the season that does not exist, the sum of the real ones, and there is no word that can define the essence if not the effect, which is a crash.

A sweet and bitter crash, consequential.

Love, in this album, is a contemplative and magnetic syllable, where the eternal is already present, as a surprise with a lump in the throat, and the lips, clinging to the jumble that moves, sit between the notes waiting for the beating of the angels' wings to die peacefully...

Song by song 

When you know, you know 

A prayer.

The beginning of the album in its very first seconds is exactly that.

A prayer that quickly combines with an electronic approach to freeze the soul, to convey a psychedelic sense of the need to rise.

The voice, on a hazy but diamond pattern, seizes our altruistic impulses and makes us selfish: how beautiful it is to depend on these vocals that make painting its most respectful dress and lead us to desire it. 

The guitar strings are walks that start at the altar and bring us on the streets with electronic music illuminating the threads of our inner tension.

Words

Is it possible to combine trip-hop, funk, electronic music of the 60s, the night with its mystery and the feeling that the purest psychedelia lives in the lightness of small, veiled but gently overbearing instincts?

Yes, Words is here to prove it, with its sly manner, its physical form consisting of short and rarefied guitars, of keyboards like water in a short continuous jet but already capable of wetting our faces with tears. And when the guitar appears, everything becomes an embrace and sweat, while the high notes with delay are nothing but the initial prayer that has not finished its journey...

Wave

How fast is the pruning, violent. How slow is the growth of branches, peaceful.

That's it: in this track we start from the cut branches and with the passing of the minutes we find ourselves in front of the majesty of an elegant tree scented with autumn frost.

Because everything grows: starting from the semi-acoustic guitar, to the voice, to the electric one and to the whole that embraces warmly in the refrain with the scent of life in the phase of farewell.

Then comes the change of pace, the guitars bumping into each other to become reflections of Felt and Television, with the bass insisting and leaving bruises of post-punk memory.

The rhythm of the music grows with this voice that sticks to your heart.

You can't stay cold in front of the black sun that invades your skin with those intense interactions of notes and voices (with counter-songs and falsettos which are your tears that are mirrored), that make you, at the end, when even the rhythm gives way, a rag to reflect on...

Retroacting 

Almost as if it were a modern Gregorian chant, the track throws itself on an ancient folk that cleverly mixes with modern music and Radiohead are there, as guardians of this enchantment, with a sad face.

Like carnality at rest, the song, in its slow drama, offers to remove our now soaked, throw-away skin.

The title of the track, when sung, is already the shot that shatters the silence of the night. The guitar and the Rhodes deceive us, everything comes down to make our belly a dump. The melody brings us back to the heartbreaking work of Saybia, the Norwegian band who is queen in this particular condition in making us dumb. The Secretaries are on the same level.

Then the challenge is to the note that can make us fall faster.

With its irresistible charm, this tune is the acid that will make us swoon at the moment. There will be more coming.

In the meantime, you can find tissues to caress your melancholy that is making love to sadness, where the real orgasm is our listening.

I know It's Wrong

Jeff Buckley, from the second album, arrives at the beginning of the track, with a drumming and a bass that are corsairs stealing our strength. But then vocals shock us even more, with their delicate movement, taking us to the marmots' shelter where the whistles become the keyboards that warn us that at night emotions are naked. The drumming, articulated and lively, stops at a certain point, giving the voice and the bass, and then keyboards, the task of offering the heart the seductive rhythm of fear: how much beauty is shown!

And echoes of Sophia of Mr. Robin Proper-Sheppard appear in vocals, poignant and sweet at the same time, adding pathos to those millimeters of warmth that can be needed at any time.

Too Far, Too Late

The heart as a warehouse from which to steal the secrets of its propensity to dream. In this spectacular molecular ensemble of enchantment and vitaminic impulses, the song we are listening to is perhaps the most successful in highlighting how progressions, changes, are the shutters of their talent which, when opened, show themselves without shadows. The guitars, two perfect ones, like sea acrobats, dive into the empty air, free of friction, to fly over the water of this incandescent mode. If this is not the song that best shows that their deck is made up of 336 cards, the number of seconds they need to stun us, then I don't know what other track can convince you that Secretary is the charm of modernity that casts its nets to entrap us. How wonderful it is to feel defeated before this procession of brushes dipped in the sacred oil of perfection.

Tramadol

The bass is an earthquake, the keyboards its squire, the voice the consciousness that loses itself in the reverberation, where everything scratches with sweetness, with the celestial falsetto, on electronic music which is minimalistic but of immense impact.

This is the structure of a duo that amplifies the direction started by Radiohead in the early 90s, to personalise the mystery towards a more conscious theatricality, in the sweet and surreal din that we are forced to live. 

And the last fifty-two seconds are the farewell we didn't even dream of. And yet...

And yet we are blessed by this cadenced sacredness that is able to annihilate.

When the musical genre becomes what it really is: something useless in front of the majesty of artists capable of dethroning the most erroneous concepts.

Fires 

What happens?

An almost Fado, an almost heart attack delivered by a guitar with a warm red dress, surprises us, Ellison's voice becomes a sad and blissful nettle in its walk, red like the guitar, on our skin which, giving way, turns white.

And then off, everything accelerates, pushing like an angry animal, with vocals kept a little far away to give space to the angelic orchestration of a boiling fabric. And everything comes to be a torture to be worn in order to run away from the world.

Wisdom

As the last dish, the ninth, they bring us a fruit salad: Mazzy Star, The Postal Service, Alt-J, Radiohead, The Doors, Can, in a ballet of references and suggestions, in the slow mixture of comets and debris, of beats and electronic music half-hidden by the fires of a piano stuck on a few notes, to establish our wisest sense of enjoyment: now we know we have heard a perfect Rite.

And it is praise to the horizon, to the bodies waiting to catch their breath, to the feeling that everything makes sense in the final act of this forest full of splendid shadows, where the mould dances slowly, happily.

And it is the Lord of Wisdom, the bass, which drives the melody and the strength of this Goddess, with the right notes, to the farewell, sure that everything will become inevitable and we will go right back to the hors d'oeuvre of When You Know because the misery of our ignorance deserves to commit the only right sin: to eat again this apple called Parallels…

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

March 1 2022

https://secretaryband.bandcamp.com/album/parallels-2

https://open.spotify.com/album/6SLwm8OqURTkEe5VYn1XCB?si=i2N4Bpv5T8KFQ9Qu4prXng

https://music.apple.com/gb/album/parallels/1334522196