My Review: Loom - Eternal Aphelium E.P.

Loom - Eternal Aphelium E.P.

The din of silence makes souls eager for warmth self-propelled, altering the direction and permanence of their needs, not allowing themselves to tergiversate, not making the best use of time.

Sweden's Loom take the sledge and head north, into the space that makes their minds a dream-embracing glow, carrying the suitcase of reality tightly in their arms and uvulas.

In all this, the new E.P. shows some changes, surprises that stun and make listening a celestial crossing swollen with visions and perceptions that warm the heart, fighting the cold and anger of living today.

Monika Axelsson returns as the band's lead vocalist, while Evelina Nicklasson has decided to take a break. In addition, in one track, we also get to hear Roland Klein singing along with guitarist Fredrik Axelsson.

We witness a mutation, an elaborate thoughtfulness aimed at giving the compositions and the sound the possibility of becoming celestial matter, a close relative of dreams, in an embrace that allows the Nordic line-up to express a seductive, bewitching talent, generous above all in making slower rhythms a stylistic mooring close to Post-Rock meteors.  But it remains essential, for the sake of the record, to recognise that shoegaze is approached here with great exploratory exigency, almost as if the four had studied possible settlements and graceful, but effective, improvements.

Succeeding.

Four new paintings and that Aphelium III released in January of this year. The territory on which the writing and expressive skills that coined an embrace out of a wicker rocking chair, with a small flask of whiskey, rests is a dune full of snow that acts as a springboard to the sky. The guitars, in this winter jewel, find a way to space out in powerful and rarefied crossovers with the other instruments, concretely engaging the possibility of compacting the various expressive individualities. As for the vocalists, there emerges a solidarity, a support, a winking, a sweet intimacy that dresses the listening with vibrant emotions, showing, compared to the rest of the group's discography, a greater and more pronounced propensity to grant them the stage, on which the light of approval establishes a generous, benevolent contact of care and sustenance.  Capable of reproducing the evident structure of the musical genre that has found in Slowdive and Low (because, really, we are witnessing the mixture of a work that includes Shoegaze, Post-Rock and Slowcore) the major point of reference in these five songs, these artists, through Henrik Viberg's careful production and also their own, paint the light effects with a frame that makes everything ethereal, as if the sensation of entering directly into their compositional process became real. One reaches across mental spaces, feelings, in a feast where sounds hold both joy and pain, making one's breath mute but filled with great vibrations.

Eternal Aphelium becomes, thus, an E.P. of concessions, a spectacular vessel between solid qualities of the past that do not disappear, but are eager to accommodate a mixture that makes the quartet pregnant, to make Loom's art the possibility of acquiring thrills and reflections.

Clouds as landing guitars, drumming as thunder in a hormonal and exploratory state and the bass as a distributor of wisdom and support, and finally a keyboard that closes the path of expression to consolidate the evocative power. 

 Song by Song

1 - Slowmotion

The emotion, quickest to manifest itself, comes from the opener track, a boulder of rock rising into the air, with shoegaze guitars towering, to then allow Monika's suave voice to caress our eyes and reach the refrain, which condenses the whole, transporting bodies to the house of dreams. Like a circular merry-go-round, the perimeter of sound grasps more than thirty years of this musical genre, polishing the medals of valour won...

2 - My Melancholy Girl 

A guitar arpeggio and a subtle keyboard force the rhythm to slow down, but the beat becomes tachycardic: first Fredrik's voice and then Monika's are the ground where sweet tears are born. A reasoned chaos, kept at bay with class, in a sunny lullaby that expresses the talent of a song as a probe, to walk in the sky, with the nakedness of sound to warm the footsteps of a poetic music as never before

3 - Trapdor

Powerful, as in numerous episodes of Adorable and Ferment's Catherine Wheel, the third track sees Fredrik and Roland singing together, amidst psychedelic shrapnel and drumming that defies the patience of the sleeping sky. Monika's countermelody also arrives in the refrain, in a compact, lunar, sweetly neurotic combo, making us dance, with the bass pushing its pulse to make it all a complex amplexus of colours and vibrations.  

4 - Aphelium III

The single that anticipated E.P. is a drug that fills the mind with visions, with the scratchy guitar but also capable of building an almost ferocious melody, while the two voices stroll in unison to create a poignant melodic line. Sparks that generate recalls, fascinations, resulting in an addiction that makes for repeated and enjoyable listening...

5 - Proximity

The farewell is spectacular: Monika leaves her angelic voice on the lanes of a simple but generous arpeggio of approaches, with the bass gliding towards the chest, then leading us into the wind, a spiritual ascent towards an eternity that could really have this jewel as its soundtrack. The keyboard here is more incisive as far as it maintains its minimalism, but those few notes immerse us in the great light that the whole produces, giving the whole beauty and cuddling, to make the whole become a perfect fade-out, a slow procession with the garment of generosity to wrap a majestic work...

Out on 8th Mrach 2024

Fredrik Axelsson - Guitars, keyboards, vocals

Roland Klein - Basses, programming and backing vocals 

Eddie Wilmin - Keyboard

Monika Axelsson - Vocals

Recorded by Loom

Produced by Henrik Viberg and Loom

Mixed and Mastered by Henrik Viberg

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

7th March 2024

La mia Recensione: Sacred Legion - The Silent Lineage

 

Sacred Legion - The Silent Lineage

“Ero un bambino, cioè uno di quei mostri che gli adulti fabbricano con i loro rimpianti”

Jean-Paul Sartre

Una corsa corsara, le vie buffe di un passato che flirta con le ferite si catapulta nel groviglio nevrastenico di musiche col rossetto, perfettamente fissato al mistero che resoconta se stesso, nell’impermeabilità assordante che frattura attese e pretese.

Dalla provincia di Frosinone tre figure adulte lavorano al tornio, circondano i fianchi dei luoghi comuni che vorrebbero avere sempre la certezza che ogni definizione non possa essere scorretta. E allora la fantasia povera al potere parla di  “Death-Rock, Dark-Wave, Post-Punk”, come impeto di volgare approccio. Ma la band ciociara non ha nel repertorio la necessità di viaggiare con l’identità definita dagli altri: il terreno di manovra è assolutamente improntato su una libertà obbligatoriamente limitata perché necessaria a descrivere le derive umane, dove la consolazione e la cultura, di derivazione letteraria, favoriscono confini maggiormente precisi. Il sacro spazio temporale governa gli spasmi liturgici di composizioni che fanno arrendere ogni circolo vizioso. Sono molto distanti quei gruppi di riferimento ai quali la band di Fabiano, Mirko e Tony vengono associati. L’album è uno scatto da centometrista (data la brevità dei suoi ventiquattro minuti) ma vive della propensione del maratoneta, visto che l’ascolto, quello ripetuto attentamente, mostra l’attraversamento della storia, con la geografia che costruisce fattezze fisiche, sino a dare ai volti una luce che rivela complessità. Tutte le otto canzoni preconizzano un futuro da marchiare nei loro percorsi intellettivi. I tre puntano le proprie raffinate abbondanze stilistiche per accerchiare la realtà, frenando i postumi della sbornia stilistica di diversi generi musicali. È attesa orgasmica, è precipizio di un raffinato combo abrasivo, con le chitarre che martoriano il vascello di impulsi nati nella ricerca. Fabiano articola i pensieri con impeto luculliano, scartavetrando le banalità.

I suoni curano la strafottenza, si dipanano nella scuola di una modalità che favorisce una strana forma di “orecchiabilità”: alcuni ritornelli sembrano favorire l’espressione di “pop gotico in cerca di sbavature imprecise”, una modalità che può far avvicinare anche chi è meno avvezzo a queste inclinazioni climatiche e sensoriali, a questi testi che sondano e portano alla luce un bisogno famelico di congelare le verità.

Cinque parole si ripetono due volte, generando una planimetria degli indirizzi mentali.

Heart - Eyes - Life - Back - Dream.

Eccole, queste regine mastodontiche, che pilotano nel marasma di un lieve cut-up un ordine preciso di intenzioni.

La musica non compie panegirici, non potrebbe: rivela, rappresenta, seduce, martella, graffia, collega l’umore e gli odori di quella scrittura con cui dialoga, combatte, stabilisce patti sanguigni. Il basso di Tony, con fare querulo, riesce ad avvicinare l’apparato uditivo al martellamento con il fiato grosso. La batteria di Mirko è scaltra, usa toni di lancette impervie, caparbie, dove la fantasia di contro-ritmi, stop and go e percuotimenti indagatori stabiliscono l’effervescenza di un tutto che sembra sfuggire a se stesso. Allora si riscontra la notevole dose di spazi che si concedono i musicisti, le pause, gli ingressi e le uscite che fanno da colla alle intenzioni. 

The Silent Lineage non segue il pellegrinaggio di band vedove del passato, non torna indietro a rovistare tra le stelle e i rifiuti, né tantomeno salta nel futuro come un canguro ubriaco. Definisce l’immediatezza, documenta, sapendo molto bene che gli stupidi cercano riferimenti, impedendo di individuare la verità e la realtà.

Ed è qui che la band evidenzia la propria lealtà, la capacità di cadere nell’imbuto restrittivo dei generi musicali, preferendo  adottare il sudore, il silenzio, il caos che unisce le anime nei territori famelici delle sessioni di prova. Assistiamo, dunque, all’uscita del seme della loro grandezza, quella unicità che collega la ricerca e che sodomizza l’indifferenza. 

La brevità delle composizioni offre la possibilità di meglio storicizzare i graffi, gli urti, gli inchini ai sogni, fraudolenti, tiepidi, che si tuffano nella vita con poco fiato.

Giocano, dipingono, pastrocchiano con la storia indirizzandosi verso una modalità restrittiva: non abbisognano di ridondanze, di effetti boriosi ad annullare i sentimenti. Ecco, sottolinerei che la compattezza nasce dal cancellare l’ipotesi che la loro musica sia una passeggiata sonora, come abiti in cerca di applausi.

Assolutamente no: chi ascolta queste otto canzoni vede pochi raggi, ma nella loro potenza la verità viene colta ed esposta alle torture, che sono magie (non bianche, tantomeno nere), permettendo all’apparato artistico di essere una profilassi precisa di una ricerca che cura il dolore.

Quando ciò che si sperimenta è privo di istruzioni lo sbandamento diventa la gioia più sublime: perdersi diventa una risorsa e i Sacred Legion sanno come raggruppare i sensi, nel disarmonico e meraviglioso peregrinare notturno,  con sottili ma potenti intuizioni. L’album interroga, esorta, non pretende, offre sciamaniche propensioni al rifiuto della storia nella sua manifesta violenza e per meglio indicizzare l’ascolto struttura la musica nei pressi di stagioni che miscelandosi, cadendo, diventano irriconoscibili. L’inverno è la stagione di queste perlustrazioni. Andiamo ora a seguire le loro impronte e le spine, una ad una…

Song by Song

1 - Flower Phantoms 

L’ingresso di questo vulcanico processo è lento (il brano con il minutaggio maggiore), come una strategica mossa nucleare, incanta con un arpeggio della chitarra e una marcia marziale della batteria, per ossequiare il suono nei tintinnii che circondano le percezioni. Poi, come una scimitarra che scivola nelle vene, si assiste all'accelerazione ed è un salto nel ventre. Si gettano i semi, nel ritornello, di una modalità che prevede due voci nel canto, quasi a gonfiare l’ascolto per una migliore accoglienza. Pilastro, piombo, indice di una direzione che amplierà la propria energica propensione ai suoni roventi.

2 - Back to Nowhere

I tre diventano corsari, la chitarra e il basso sposano l’elettrica danza, con il tappeto ritmico che riduce le rullate e offre battiti potenti e secchi. Sono graffi epidermici che creano una collisione, frantumando lo spazio cognitivo, tornando, alla fine, in un luogo capace di disperdere ogni punto cardinale.

3 - Purify

La ricerca melodica, iniziale, presenta un avvicinamento alla cortesia, alla facilità di chi patisce questo tipo di propensioni sonore. Ma la band si rifiuta di risultare semplicistica e scaraventa via l’inizio nel turbinio di suoni famelici, feriti, mentre perdono la gravità. Proprio qui, in questi pochi secondi, il drumming torce i passi del ritmo e diventa il sovrano che governa la chitarra e il basso. Il cantato conosce la discrezione, si tuffa nella disgrazia con eleganza, senza urlare, seguendo il piombo delle parole…

4 - Dig Me No Grave

Centimetri e metri di glam rock precedono la progressione, consentono al basso di struggersi in una distorsione epica e poi via, come in un giorno di dolore senza termometro, nei confini esponenziali di un rock orrorifico che martella le caviglie.

5 - A Taste of Turmoil

Scivola la gravità, il brano diventa una recita post-mortem, un calvario di sbalzi, che portano alla memoria i graffiti del secondo album dei Killing Joke e i primi vagiti dei Southern Death Cult, ma niente si stabilizza in quei pesanti macigni e, come scelta obbligata, i tre marinai decidono di inventare onde sonore che li conducano nel sottosuolo terrestre: la velocità, che pare il pilota di questo naufragio, in realtà è data dalla scrittura di un testo pieno di miracoli radioattivi.

6 - Black Sun Ritual

Echi di Punk Islam dei CCCP aprono le danze, mettendo distanze tra loro e la band emiliana. Tutto diventa mistero, il sangue esce scosso, la lentezza, il crescendo sonoro stabilisce un piano strategico: tutto deve arrivare come un’ipotesi e divenire preciso come una forma di preghiera. Un sibilo pilota il fare impetuoso e la rarefazione sonora scende sino a incontrare il basso che scoperchia il passato di questo impeto sonoro. Invece della chitarra, a essere grattuggiato è proprio lo strumento di Tony che marchia la pelle. Come una sfida, per essere decisiva, la canzone offre ampie sfide musicali, con il cantato di Fabiano che scompare verso la fine, come risucchiato in uno strano e mefistofelico rituale.

7 - Hole In The Heart

Il botto sopra il cielo di Frosinone: con l’attitudine di un grappolo di centimetri hard-core, il brano presenta la coesistenze tra l’ardore e il rifiuto, con i suoni che circoscrivono perfettamente le parole. Nella ricerca stilistica, si noti come il brano si autosospenda, per tornare al graffio del giro armonico iniziale sino a ospitare una brillante voce femminile che spiazza e conquista.

8 - Shards

Si giunge alla fine di questo affresco maledetto in stato di grazia con la canzone che offre i propri fianchi a diversi, probabili e scontati accostamenti, ma il Vecchio Scriba li rifiuta. I tre non cercano originalità, vette dalle quali guardare con boria eventuali colleghi sconfitti. Si gettano, invece, nel labirinto lavico per lasciare la scia di ruvidità sibilanti, per stordire, non di certo per ammaliare conferendo così alla composizione un brillio, che la distingue dalle altre. Esperimenta, coglie la chance di un divenire e scrive il futuro di questa band che ha esordito facendo tremare la notte…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

6 Marzo 2024

https://batcaveproductions.bandcamp.com/album/the-silent-lineage

My Review: Sacred Legion - The Silent Lineage

Sacred Legion - The Silent Lineage

"I was a child, that is, one of those monsters that adults fabricate with their regrets"

Jean-Paul Sartre

A corsair race, the funny ways of a past that flirts with wounds catapults itself into the neurasthenic tangle of lipstick music, perfectly fixed to the mystery that accounts for itself, in the deafening impermeability that fractures expectations and pretensions.

From the province of Frosinone, three adult figures work at the lathe, encircling the flanks of the clichés that would always like to be certain that every definition cannot be incorrect. And so the poor fantasy in power speaks of 'Death-Rock, Dark-Wave, Post-Punk', as the impetus of a vulgar approach.   But the band from Ciociaria does not have in its repertoire the need to travel with an identity defined by others: the terrain of manoeuvre is absolutely marked by a freedom that is obligatorily limited because it is necessary to describe human drifts, where consolation and culture, of literary derivation, favour more precise boundaries. The sacred temporal space governs the liturgical spasms of compositions that make every vicious circle surrender. They are far removed from those reference groups with which Fabiano, Mirko and Tony's band are associated. The album is a hundred-metre runner's sprint (given the brevity of its twenty-four minutes), but it lives with the propensity of the marathon runner, since listening, the carefully repeated one, shows the crossing of history, with geography constructing physical features, to the point of giving faces a light that reveals complexity. All eight songs foreshadow a future to be marked in their intellectual paths.  The three aim their refined stylistic abundance to encircle reality, curbing the stylistic hangover of different musical genres. It is orgasmic anticipation, it is the precipice of a refined abrasive combo, with guitars battering the vessel of impulses born in research. Fabiano articulates thoughts with luculent impetus, scraping away banality.

The sounds curate the overkill, unravelling in the school of a mode that favours a strange form of 'catchiness': some refrains seem to favour the expression of 'gothic pop in search of imprecise smears', a mode that can bring even those less accustomed to these climatic and sensory inclinations closer to these lyrics that probe and bring to light a ravenous need to freeze truths.

Five words are repeated twice, generating a planimetry of mental addresses.

Heart - Eyes - Life - Back - Dream.

Here they are, these mammoth queens, piloting a precise order of intentions in the chaos of a slight cut-up.

The music does not perform panegyrics, it could not: it reveals, represents, seduces, hammers, scratches, connects the mood and smells of that writing with which it dialogues, fights, establishes blood pacts. Tony's querulous bass guitar manages to bring the auditory apparatus closer to the hammering with big breath. Mirko's drums are sly, using impervious, stubborn hand tones, where imaginative counter-rhythms, stop-and-go and probing percussions establish the effervescence of a whole that seems to escape itself. Then there is the considerable amount of space that the musicians allow themselves, the pauses, the entrances and exits that act as glue to the intentions. 

The Silent Lineage does not follow the pilgrimage of widowed bands of the past, nor does it go back to rummaging through the stars and rubbish, nor does it leap into the future like a drunken kangaroo. It defines immediacy, it documents, knowing full well that fools seek out references, preventing them from identifying truth and reality.  And it is here that the band shows its loyalty, its ability to fall into the restrictive funnel of musical genres, preferring to adopt the sweat, the silence, the chaos that unites souls in the ravenous territories of rehearsal sessions. We witness, therefore, the release of the seed of their greatness, that uniqueness that links research and sodomises indifference. 

The brevity of the compositions offers the possibility of better historicising the scratches, the bumps, the bows to dreams, fraudulent, lukewarm, diving into life with little breath.

They play, they paint, they mess around with history by addressing themselves to a restrictive mode: they do not need redundancies, bumpy effects to nullify feelings. Here, I would emphasise that the compactness stems from erasing the assumption that their music is a sonic promenade, like clothes in search of applause.

Absolutely not: whoever listens to these eight songs sees a few rays, but in their power the truth is grasped and exposed to torture, which is magic (not white, let alone black), allowing the artistic apparatus to be a precise prophylaxis of a search that cures pain.  When what is experienced is without instructions, disorientation becomes the most sublime joy: getting lost becomes a resource and Sacred Legion know how to regroup the senses, in the disharmonic and marvellous nocturnal wanderings, with subtle but powerful insights. The album interrogates, it exhorts, it does not pretend, it offers shamanic propensities to the rejection of history in its manifest violence and, to better index the listening, it structures the music around seasons that, as they mix, fall, become unrecognisable. Winter is the season of these perceptions. Let us now follow their footprints and thorns, one by one...

Song by Song

1 - Flower Phantoms 

The entrance of this volcanic process is slow (the song with the longest minute count), like a strategic nuclear move, it enchants with a guitar arpeggio and a martial march of the drums, to obsequious sound in the tinkles that surround the perceptions. Then, like a scimitar slipping through the veins, the acceleration is witnessed and it is a leap into the belly. The seeds are sown, in the refrain, of a modality that envisages two voices in the song, as if to swell the listening for a better reception. Pillar, lead, indicative of a direction that will expand its energetic propensity for scorching sounds.

2 - Back to Nowhere

The three become privateers, the guitar and bass marry the electric dance, with the rhythmic carpet reducing the snares and offering powerful, dry beats. These are epidermal scratches that create a collision, shattering cognitive space, returning, in the end, to a place capable of dispersing every cardinal point.

3 - Purify

The melodic, initial search presents an approach to courtesy, to the ease of those who suffer this kind of sonic propensity. But the band refuses to be simplistic and tosses off the beginning in the swirl of ravenous, wounded sounds as they lose gravity. Right here, in these few seconds, the drumming twists the steps of the rhythm and becomes the sovereign ruler over the guitar and bass. The singing knows discretion, diving into the misfortune with elegance, without screaming, following the lead of the words...

4 - Dig Me No Grave

Centimetres and metres of glam rock precede the progression, allow the bass to pine away in an epic distortion and then away, as in a day of pain without a thermometer, into the exponential confines of an ankle-hammering horror rock.

5 - A Taste of Turmoil

Gravity slips, the track becomes a post-mortem recital, an ordeal of jolts, bringing to mind the graffiti of Killing Joke's second album and the first vague sounds of Southern Death Cult, but nothing settles in those heavy boulders and, as a forced choice, the three sailors decide to invent sound waves that lead them into the earth's subsoil: speed, which seems to be the pilot of this shipwreck, is actually given by the writing of a lyric full of radioactive miracles.

6 - Black Sun Ritual

Echoes of CCCP's Punk Islam open the dances, putting distance between them and the Emilian band. Everything becomes mystery, the blood comes out, the slowness, the sonic crescendo establishes a strategic plan: everything must arrive like a hypothesis and become precise like a form of prayer. A hiss pilots the impetuous action and the sonic rarefaction descends to meet the bass that uncovers the past of this sonic rush. Instead of the guitar, it is Tony's instrument that is grating. As a challenge, to be decisive, the song offers ample musical challenges, with Fabiano's vocals disappearing towards the end, as if sucked into a strange, mephistophelian ritual.

7 - Hole In The Heart

The bang above the sky of Frosinone: with the attitude of a hard-core cluster of inches, the track presents the coexistence of ardour and rejection, with the sounds perfectly circumscribing the words. In the stylistic search, note how the track suspends itself, returning to the scratch of the initial harmonic turn to accommodate a brilliant female voice that disorients and conquers.

8 - Shards

We come to the end of this cursed fresco in a state of grace with the song offering its sides to various, probable and obvious juxtapositions, but Old Scribe rejects them. The three do not seek originality, peaks from which to look down on any defeated colleagues. Instead, they throw themselves into the lava labyrinth to leave a trail of hissing roughness, to stun, certainly not to bewitch, thus giving the composition a brilliance that distinguishes it from the others. It experiments, seizes the chance of a becoming and writes the future of this band that made its debut by making the night tremble...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

6th March 2024

https://batcaveproductions.bandcamp.com/album/the-silent-lineage

La mia Recensione: Thalatta & The Babasons - Uanema

 

Thalatta & The Babasons - Uanema

“ ’A troppa derettèzza fa trasì ’ncurrìvo” - Chi vuole fare troppo il furbo finisce col dare fastidio a tutti.

Detto Napoletano

La polvere della precipitazione, dell’arroganza, della violenza ossida il cielo e la terra, nel tempo di un degrado in salita e in discesa.

La musica potrebbe raccontare tutto questo, ci prova, sbagliando spesso a puntare il mirino, disperdendo un compito che l’arte non può negarsi. In arrivo sulla nostra disordinata propensione alla dispersione un album che è un lavoro pregno di anarchia, imprigionato nei limiti dell’uomo che la nega, fisicamente, mentalmente sino a farlo anche con i sogni. Sono storie che attraversano il tempo, come furti autorizzati per spiegare la dannazione umana, utilizzando sistemi multipli che arricchiscono la comprensione. 

Pare di veder passare tra le strade di Pomezia LA VECCHIA ‘O CARNEVALE, la maschera doppia che comprende una vecchia signora e Pulcinella sulle sue spalle, mentre con le sue nacchere (le Castagnelle) porta a spasso racconti, scherni, frustrazioni e scherzi per svelare l’inettitudine locale e non solo, come uno sguardo che svela e abbatte le maldicenze. Il titolo del lavoro è una esclamazione di stupore, di sorpresa (Wow, Dio mio…eccetera) ed è quello che sa generare nel cuore del Vecchio Scriba: gli alimenti con cui il tutto viene presentato spaziano, spezzano il fiato, come spezie miracolose che sanno cambiare perfettamente il gusto per ordinarlo, assemblarlo e tributare l’applauso del palato. Un disco che parrebbe essere una sessione serale di prove tecniche per un concerto: via la tecnologia, i software, la produzione che gonfia un prodotto e nasconde le reali capacità rappresentate. Semplice, diretto sporco, senza artifizi, decolora gli inganni e mostra i pugni, con testi che eseguono autopsie continue, e musiche capaci di camuffare combat folk con un rock esagitato e violento a tratti, dolce in altri. Ma c’è un sudore che cade sugli amplificatori e che ossida le bugie, le finte strutture e offre alla musica la verità. 

Uanema è un virus benigno, malefico, un cantautorato fine che si tuffa nella forma propulsiva dello scontro, del disturbo, sequestra l’inutile e presenta il conto, tra solitudini, voli angelici, traffici loschi, disperazione e soprattutto una abbondante dose di rabbia educata alla costruzione di un cambiamento, prima individuale e poi collettivo. Chitarre che partono dagli Smiths per arrivare alla Darkwave, al proto-punk, sino ad afferrare per i capelli l’alternative, sviluppando tra le sue trame fiumi usciti dai vaporosi anni Settanta. Il basso è un animale libero di ferire, con dita prensili, soffocanti. I due strumenti coesistono perfettamente in quanto privi della morbosa attenzione verso gli effetti: scevri della finzione, seguono una linea diretta che impatta e finalmente ci sgombera dall’ingombrante moda attuale. Il drumming è un vomito integro, spavaldo, concentrato, con la tecnica del cuore che spazza via la storia. 

La voce è una forma epilettica, che veste la passione e si appiccica ai colori, divenendo sempre di più un termometro che rivela calore e meditazione, tra slanci e frenate proficue, moderata e potente, fissa l’ascolto nel pianto a dirotto, mai sazio, nell’applauso delle emozioni che sa procurare.

La lingua napoletana e quella italiana si schierano dalla parte del sostegno ai concetti espressi, alle storie, alle favole sbilenche che debbono essere raffigurate attraverso una scrittura molteplice, mai avversarie, ma portatrici sane di ricchezza. La musica pare essere la prima risorsa ubbidiente a queste avventure, la radiografia pulsante che ipnotizza, non divaga, sempre certifica la verità che trova nei versi e nei percorsi ritmici e melodici un sostanziale bacino espressivo, dove si pescano elementi che ci rendono più maturi. I brani sanno spesso presentare, al loro interno, cambiamenti di atmosfera, di ritmo, con splendidi controcanti e cori che danno all’insieme una forma di completezza che non abbisogna di sovrastrutture. Canzone dopo canzone ci accorgiamo della loro attenzione per la storia di personaggi che provengono anche dal passato (Villanella sballata), in una processione di morali e accadimenti che si scambiano il palcoscenico, tra l’ironia e il polso fermo. Nulla vacilla, non esistono momenti di decadimento artistico: come se le nostre mani, in questi trentasette minuti, continuassero ad arrossire e i nostri timpani a raccogliere le scintille di fuoco che queste parole e questi movimenti musicali vogliono generare. Ci si sente come tramortiti, accarezzati, tra feste e giornate in cui la solitudine ha il significato di emarginazione: i quattro di Pomezia lottano, urlano, si arrabbiano e cercano di creare una nuova sensibilità utilizzando la realtà, le leggende, le storie, le tradizioni di luoghi che paiono sempre più allo sbando. Si oppongono: ascoltate con attenzione come i loro flussi coscienti creino dipendenza, attraverso gli arpeggi della chitarra e i pugni di Thalatta, Dea che sta tra il nero e il bianco, creando vortici di grigio per sveltire una presa di posizione. L’emozione di questi brani è solo la fine di un abito nuziale, la sua coda, in quanto, se si presta accurata attenzione, ci accorgiamo di come il tutto venga messo sul fuoco, per scaldare una sensibilità che la musica moderna non offre più. Il disco italiano più necessario di questo 2024, e non solo, è qui, attivo, votato allo struggimento e al consolidamento di necessità che abbiamo disconosciuto. Otto attestati intellettivi spalancano il centro del sistema nervoso centrale e lo mettono innanzi a una scelta: o avviene uno scatto interiore o si muore…

Quello che arriva è un terremoto proveniente dalla coscienza, alleata in modo magico alla storia dello sperpero, e il risultato è una collezione di brani come perle vere, senza prezzo: sta a noi nutrire il risveglio, e questo album ci presenta il conto, cercando di dare alla resa, alla pigrizia una serie di sberle più che meritate. Grinta, passione, metodo, nel progetto finale di un lavoro che disintegra il superfluo. Non vi capiterà più di ritrovarvi tra fiumane espressive che sono volte a destabilizzare l’inutilità quotidiana…

In conclusione: quando l’arte sveglia i battiti cerebrali, quelli del cuore si aggrappano a essi come un circo gioioso dove la maturazione è l’unico obiettivo raggiungibile. Un’opera fuori dall’ordinario, un vascello temporale che ci mette sulla rotta di una crescita umana inespugnabile….

Album Italiano del 2024!

Alex Dematteis 

Musicshockworld

Salford

11 Febbraio 2024

https://thalattaandthebabasons.bandcamp.com/album/uanema-2