La mia Recensione: Basement Revolver - Embody

 La mia Recensione:

Basement Revolver - Embody

Se esistono sentimenti che definiscono la nostra esistenza basta farsi un giro a Hamilton, nell’Ontario (Canada) e ascoltare questo album assaggiando la poesia del suo lago, che riesce a essere impraticabile d’inverno ma che consolida la potenza dello sguardo dentro la sua potenza oscura. E a decidere il destino dei nostri ascolti è una fata triste che è in grado di disperdere parte di questa realtà nella dolcezza, riuscendo a estirpare sentimenti di solitudine e impossibilità scrivendo canzoni come passi amari sopra i sogni, in un crocevia delizioso, quasi spavaldo.

Si fa coadiuvare da tre compagni dalle braccia delicate ma robuste, come magazzinieri attenti a non rompere, prima ancora che a spostare le loro creazioni dentro i nostri cuori.

Suoni aperti, talvolta cupi, sempre nei pressi di uno Shoegaze minimalista che adopera la calma per anestetizzare l’emarginazione nei testi precisi di Chrisy Hurn-Morrison (la voce più ricca di nuvole al momento), una donna che ha nell’isola la stessa materia ricercatrice che ha nelle mani, in una danza dagli occhi color stupore.

In trentotto minuti non si troverà mai un momento per separarsi da queste onde emotive, da questi ritmi e dalle melodie che celebrano un talento davvero denso di piume che navigano tra la pioggia e il vento dei nostri cuori…

Chrisy mette i pensieri su una barca ed entra nel lago, decidendo di scrivere testi con lo sguardo profondo: in assenza di onde, lei decide di far sprofondare temi dolorosi su un fondale che li attende con tremante dolore. Gli argomenti descritti sono spesso circostanziati a fatti reali e alla propensione di miscelarli con una fantasia che matura riflessioni che non attraccano mai alla depressione. E alla musica viene conferito il ruolo di un coma con onde celebrali che si muovono attente, senza bisogno di foga, per mantenere un’atmosfera generale, abbracciata a dinamiche oniriche, sensuali e prudenti: una saggia modalità da cui imparare. Dilatazioni, tutto sparpagliato con armoniosa capacità, le canzoni sono un concept album razionale e sonoro, un’esplorazione viscerale che alza lo sguardo saltuariamente verso un piccolo cambiamento per dimostrare che anch'esse hanno muscoli nelle braccia. Ma non tirano mai i pugni: tutto in loro è rispettoso anche quando si danza, perché sembrano capaci di dare volutamente alle atmosfere il potere di una leggendaria brina che rende i nostri ascolti nuovi brividi da vivere, gioiosamente.

Le traiettorie presenti fanno di queste canzoni una galleria dove gli affreschi che troviamo solo in parte ricordano i loro primi lavori, tre Ep e cinque singoli, più il precedente Lp Heavy Eyes. È chiaramente vistosa la loro crescita, il complesso di variabilità a loro disposizione, i disegni melodici in estensione, con sfumature evidenti che fanno di questo album una stella marittima dei nostri pensieri.

Capaci di fissare bene nella nostra memoria la svolta dell’indie americano degli anni ’90, hanno saputo andare oltre oceano e venire a guardare qui, nella terra d’Albione, dove hanno trovato arcobaleni Shoegaze con il freno a mano, dove poesia e immaginazione fanno l’amore con grande gentilezza.

Le corsie della loro bellezza si riempiono costantemente di un incrocio alquanto difficile e pericoloso che si specifica nell’unire perfettamente molto spesso Dreampop e Shoegaze, riuscendoci come Dei illuminati da un talento inarrestabile e fluente, con melodie tra il cupo e i raggi di sole, in un impeccabile bacio accademico.

Dimostrando come la pandemia potesse e dovesse essere utilizzata non come noioso passatempo ma come preziosa analisi, in questi solchi troviamo l’amalgama tra il ragionamento e l’incanto di una evidente evoluzione spirituale, dove riescono a materializzare la realtà complessa con il bisogno della semplicità, con l’utilizzo di una misteriosa bacchetta magica. Lo si intende quando, ascoltando queste undici vibranti farfalle, si vola in sali e scendi sensoriali ed emotivi, perdendo la paura, acquisendo consapevolezze che mutano la nostra identità. Sono le chitarre a pilotare ardori, è la batteria che disciplina il buon gusto con l’intelligenza, è il basso a fare del nostro stomaco un teatro sperimentale eccelso.

I quattro fanno continuamente spazio a intuizioni, convergono come unico combo verso la necessità di versare chilometri di vernice dentro una tristezza primitiva, qui sciolta nel mare calmo dei loro scettri. Capaci di fertilizzare le note con sublime maestria, si riesce a vedere tutto il loro corso di manipolazione e l’intenzione di dare ai pensieri una finestra su montagne innevate. Ed è proprio da quest’ultime che scendono ogni tanto delle slavine di suono che eccitano e fanno provare il brivido di una necessaria paura.

Specchi sparsi in ogni testo, in tutte le note, fanno di questo lavoro un atto di disciplina, il necessario sviluppo della conoscenza, con un armamentario vistoso, sempre generoso, per poter invadere con consapevolezza i nostri sensi raggelati. Riuscendo con l’autoanalisi, infine, a fare della musica una bolla promiscua ed efficace, dove tutto accade per un disegno divino che ci fanno vedere, come una concessione necessaria per loro, e che lascia a noi la responsabilità di non sprecare la ricchezza di questo lavoro…

Song by Song

1 - Skin

“Feel you standing there

Try to grin and bear, 

Touch me with your stare”

Ed è delirio sullo stile Catherine Wheel quello che apre l’album, con lo slow-core che si mette addosso abiti Shoegaze, per un incantevole cammino dentro la pelle, tra distorsioni e il basso che bussa al cuore sino a quando l’ipnotica voce di Chrisy ci insemina con petali di poesia.

2 - Be Okay

“In the darkness

It gets hazy

Stuck in its grasp”

La formula rimane quella sognante ma tutto si fa più pieno di muscoli, con la voglia di correre nel buio per sentire l’aria fresca, per rallentare, correre ancora, nella frenesia di chitarre come graffi del vento.

3 - Circles

“Try to take each day that comes

One step at a time

Decluttering my mind”

Siamo dentro una seduta analitica dal risvolto doloroso, con la mente che perlustra sembianze, riflessioni, cerca risposte nel marasma emotivo e razionale.

La musica è una stanza psichedelica, lenta, suggestiva, che bacia la World Music sino a trasferirsi, con eleganza, in un ballo Dreampop con lo sguardo Shoegaze.

4 - Slow

“If I could call you on the telephone

I’d ask you maybe can I just come home

Don’t want to have to prove my innocence”

Lacrime incantevoli necessarie e nutrienti scendono dal trinomio voce - parole - musica per stabilire, sui nostri sensi, una dipendenza assoluta: dove vive l’intensità, la rabbia, la voglia di chiarire, vi sarà sempre un corrispettivo di sensi allineati verso il cielo. Strepitosa dimostrazione di classe, l’atmosfera del brano è una stufa che riesce a far capire il vuoto e il pieno di certe distanze, con la musica che, raccolta in una fascina notturna, suggerisce il chiudere le porte all’imprecisione. Qui tutto è perfetto e quelle lacrime iniziali finiranno per farvi volare via da voi stessi…

5 - Blackhole 

“Every day it feels like more

Weight on my chest

Pushing me down

Consumes my soul”

Tra un a pioggia dissetante e chitarre che seminano sogni, il brano è una testimonianza di delicata propensione a fare dell’amore un luogo aperto, sino ad arrivare al soffocamento in un buco nero. Come la nebbia di novembre, qui si percepisce l’umidità di un sentire che sembra morire, ma saranno proprio queste atmosfere musicali a far divenire il tutto una ninnananna malinconica e perfetta.

6 - Storm

“Maybe I was made to love you

Shake this tired head 

Fill my dry bed”

Rimane la pioggia ad accompagnare questa voce piena di un radioattivo pulsare, uno sgocciolare nel cuore, con una linea melodica affidata a poche ma sensualissime note e un suono che sembra un fischio che bacia un riverbero educato, con il drumming che rende il tutto un eco di potente suggestione, mentre nel ritornello tutto si fa delirio tra il registro alto e le chitarre svolazzanti.

7 - Transatlantic

“Liquid are your thoughts

I hear them flow

Like water trickling”

Che dolcezza sopraffina! Ci si coniuga con diamanti ritmati, tra fusioni di spasmodici desideri che sorpassano le distanze e chitarre in attesa di ruotare e che lo fanno con garbo. Il ritmo è un esercizio di perfetta chimica tra il basso e un drumming che pennella poetiche vampate di gioia. Nel contesto di un testo molto profondo, Chrisy veste la voce di cristalli liquidi nel quale vedere le sue potenzialità totalmente esibite.

8 - Dissolve

“Passing time draws us nearer 

I dissolve into you”

L’amore improvviso arriva e apre i pori: siamo nella primavera del cuore e la musica fa altrettanto, per unire una storia semplice ed efficace, per dare al tempo parole e musica come un canto celeste.

9 - Tired

“Carry the weight of your judgement

‘Til I’m forced down on my knees”

Uno squarcio il testo, un abbraccio la voce, una consolazione questa musica: calorie necessarie per ingrossare la mente verso una positività che sembra lontana. Una discesa dentro le mani che graffiano e note musicali come un mantello a proteggere questo cataclisma…

10 - Tunnel Vision

“Deep, deep dive

I feel so confused

All the time”

Shoegaze allucinato e celestiale, il drumming secco, la chitarra che alza la polvere e le parole, minime, a saldare il frastuono per testimoniare che la band sa arrivare al sodo, tra il cuore e la mente, come artigiani dello stupore. 

11 - Long Way 

“Your body will change

It will look different

Its curves and its burdens

Carry the shame”

L’onestà intellettuale richiede sincerità e a volte durezza, se non addirittura una non tanta velata crudeltà, per stabilire il contatto autentico dell’esistere.

L’ultimo brano, spaventosamente glaciale e siderale, è un esplodere continuo, con e senza distorsioni. È un abbandono delle maschere e per essere visibile nulla deve essere complicato. Pochi accordi ma un’atmosfera inequivocabile determina la fine dell’album per dare all’ascolto una gioia che implode…

Alex Dematteis 

Musicshockworld

Salford

1 Gennaio 2023

https://basementrevolver.bandcamp.com/album/embody

https://open.spotify.com/album/7egXCioiZMNz9EmGk7Z3GB?si=NBTOGPtKSJqGY2rlhmGK2g

My Review: Basement Revolver - Embody

 My Review:

Basement Revolver - Embody

If there are feelings that define our existence, we just need to take a trip to Hamilton, Ontario (Canada), and to listen to this album while sampling the poetry of its lake, which manages to be impassable in winter but consolidates the power of the gaze within its dark power. And deciding the fate of our listening is a sad fairy who is able to disperse part of this reality into sweetness, managing to eradicate feelings of loneliness and impossibility by writing songs like bitter steps over dreams, in a delightful, almost swaggering crossroads.

She is assisted by three companions with delicate but strong arms, like warehouse workers careful not to break anything, before moving their creations inside our hearts.

Open, sometimes sombre sounds, always in the vicinity of a minimalist shoegaze that uses calm to anaesthetise marginalisation in the precise lyrics of Chrisy Hurn-Morrison (the most cloudy voice at the moment), a woman who has in the isle the same searching matter she has in her hands, in a dance of astonished eyes.

In thirty-eight minutes, one will never find a moment to separate oneself from these emotional waves, from these rhythms and melodies that celebrate a truly feather-rich talent that sails through the rain and wind of our hearts…

Chrisy puts her thoughts in a boat and enters the lake, deciding to write lyrics with a deep look: in the absence of waves, she decides to sink sorrowful themes on a seabed that awaits them with trembling pain. The topics described are often circumstantial to real events and the propensity to mix them with an imagination that matures reflections that never dock at depression. And the music is given the role of a coma with brainwaves that move carefully, without the need for eagerness, to maintain a general atmosphere, embraced by dreamlike, sensual and cautious dynamics: a wise modality to learn from. With dilation and everything spread out with harmonious skill, the songs are a rational, sonorous concept album, a visceral exploration that occasionally looks up at a small change to show that they too have muscles in their arms. But they never throw punches: each thing about them is respectful, even when dancing, because they seem able to deliberately give atmospheres the power of a legendary frost that turns our listening into new thrills to experience, joyfully.

The trajectories present make these songs a gallery where the frescoes we can find are only partly reminiscent of their early work, three EPs and five singles, plus the previous LP Heavy Eyes. Their growth is clearly noticeable, as well as the range of variability at their disposal and the melodic designs in extension, with evident nuances that make this album a maritime star of our thoughts.

Capable of fixing well in our memory the American indie twist of the 90s, they have been able to go overseas and come and look here, in the land of Albion, where they have found shoegaze rainbows with a handbrake, where poetry and imagination make love with great kindness.

The aisles of their beauty are constantly filled with a rather difficult and dangerous crossroads that is specific in combining perfectly very often Dreampop and Shoegaze, succeeding like gods illuminated by an unstoppable and flowing talent, with melodies between darkness and sunshine, in an impeccable academic kiss.

Demonstrating how the pandemic could and should be used not as a boring pastime but as a valuable analysis, in these grooves we find the amalgam of reasoning and the enchantment of an evident spiritual evolution, where they manage to materialise complex reality with the need for simplicity, using a mysterious magic wand. This is understood when, listening to these eleven vibrant butterflies, one flies through sensory and emotional ups and downs, losing fear, gaining awareness that changes our identity. It is the guitars that drive ardours, it is the drums that discipline good taste with intelligence, it is the bass that makes our stomachs a sublime experimental theatre.

The four continually make room for intuition, converging as one combo towards the need to pour kilometres of paint into a primitive sadness, here dissolved in the calm sea of their sceptres. Capable of fertilising notes with sublime mastery, you can see their whole course of manipulation and their intention to give thoughts a window to snow-capped mountains. And it is precisely from the latter that occasional avalanches of sound descend, capable of exciting and making one feel the thrill of necessary fear.

Mirrors scattered in all their lyrics, in every note, make this work an act of discipline, the necessary development of knowledge, with a conspicuous paraphernalia, always generous, to be able to invade our chilled senses with awareness. Succeeding with self-analysis, finally, to make music a promiscuous and effective bubble, where everything happens by a divine design that they make us see, as a necessary concession to them, and that leaves us with the responsibility of not wasting the richness of this work…

Song by Song

1 - Skin

"Feel you standing there

Try to grin and bear, 

Touch me with your stare"

And it is a Catherine Wheel-style delirium that opens the album, with slow-core that puts on shoegaze clothes, for an enchanting walk inside the skin, through distortions and the bass that knocks at the heart until Chrisy's hypnotic voice inseminates us with petals of poetry.

2 - Be Okay

“In the darkness

It gets hazy

Stuck in its grasp"

The formula remains the dreamy one but everything becomes more full of muscles, with the desire to run in the darkness to feel the fresh air, to slow down, to run again, in the frenzy of guitars like wind scratches.

3 - Circles

"Try to take each day that comes

One step at a time

Decluttering my mind"

We are inside an analytical session with a painful implication, with the mind scouring for semblances, reflections, searching for answers in the emotional and rational marasmus.

The music is a psychedelic, slow, evocative room, kissing World Music until it elegantly moves into a Dreampop dance with a Shoegaze look.

4 - Slow

"If I could call you on the telephone

I'd ask you maybe can I just come home

Don't want to have to prove my innocence"

Necessary and nourishing enchanting tears descend from the trinomial voice - words - music to establish, on our senses, an absolute addiction: where the intensity, the anger, the desire to clarify lives, there will always be a counterpart of senses aligned towards the sky. An astonishing display of class, the track's atmosphere is a stove that succeeds in conveying the emptiness and fullness of certain distances, with music that, gathered in a night-time wooden bundle, suggests closing the doors to inaccuracy. Everything is perfect here and those initial tears will end up making you fly away from yourself...

5 - Blackhole 

"Every day it feels like more

Weight on my chest

Pushing me down

Consumes my soul"

Between a thirst-quenching rain and guitars that sow dreams, the track is a testimony to a delicate propensity to make love an open place, until it suffocates in a black hole. Like the November fog, here you can feel the dampness of a feeling that seems to be dying, but it is precisely these musical atmospheres that make it all become a perfect melancholic lullaby.

6 - Storm

"Maybe I was made to love you

Shake this tired head 

Fill my dry bed"

It remains the rain that accompanies this voice full of a radioactive pulse, a dripping in the heart, with a melodic line entrusted to a few but very sensual notes and a sound that seems a whistle kissing a polite reverb, with the drumming that makes the whole thing an echo of powerful suggestion, while in the refrain everything becomes delirious between the high register and the fluttering guitars.

7 - Transatlantic

"Liquid are your thoughts

I hear them flow

Like water trickling"

What an exceptional sweetness! We are conjugated with rhythmic diamonds, among fusions of spasmodic desires that overtake distances and guitars that are waiting to rotate and that do so gracefully. The rhythm is an exercise in perfect chemistry between the bass and a drumming that brushes poetic displays of joy. In the context of very profound lyrics, Chrisy dresses her voice in liquid crystals in which to see her potential fully shown.

8 - Dissolve

“Passing time draws us nearer 

I dissolve into you"

Sudden love comes and opens the pores: we are in the springtime of the heart and the music does the same, to unite a simple and effective story, to give time words and music like a heavenly song.

9 - Tired

"Carry the weight of your judgement

'Til I'm forced down on my knees"

Lyrics are a laceration, the voice is a hug, this music is a consolation: calories necessary to swell the mind towards a positivity that seems far away. A descent into scratching hands and musical notes like a cloak protecting this cataclysm...

10 - Tunnel Vision

"Deep, deep dive

I feel so confused

All the time"

Hallucinated and celestial Shoegaze, the remarkable sound of the drums, the guitar raising the dust and the words, minimal, soldering the din to testify that the band knows how to get to the heart of the matter, between the heart and the mind, as artisans of amazement. 

11 - Long Way 

"Your body will change

It will look different

Its curves and its burdens

Carry the shame”

Intellectual honesty requires sincerity and sometimes harshness, if not a not so veiled cruelty, to establish the authentic contact of existence.

The last track, frighteningly glacial and sidereal, is a continuous explosion, with and without distortion. It is an abandonment of masks and in order to be visible nothing must be complicated. Few chords but an unequivocal atmosphere determine the end of the album to give the listener an imploding joy…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

1st January 2023

https://basementrevolver.bandcamp.com/album/embody

https://open.spotify.com/album/7egXCioiZMNz9EmGk7Z3GB?si=NBTOGPtKSJqGY2rlhmGK2g

La mia Recensione: Loom - The Dream Is Over

 Loom - The Dream Is Over

Kalmar è un luogo sconosciuto, impervio e insostenibile, come tutto ciò che è distante.

La musica rimpicciolisce le cose che sembrano irraggiungibili e portandole al petto ci regalano un abbraccio imprevisto.

Da ventisette anni quattro ragazzi, affacciati al loro Mar Baltico, rovistano tra i sentimenti e li accordano all’intenzione di renderli visibili, praticabili e solenni. Adoperano archi di intelligenza musicale che fa sì che non abbiano limiti ad attraversare l’acqua composta di particelle di Shoegaze malinconico, con il Postpunk a sorvegliare, spizzichi di sale che contengono viaggi di un Alternative elegante. E infine stratificano l’indie Rock per lasciare un senso di muscolosità che sta bene con tutto, come un completo classico sulle scarpe da ginnastica.

L’ultimo loro incanto omicida è The Dream Is Over, che per il vecchio scriba è assolutamente la canzone a cui ha dato il difficile ruolo di rappresentare la più splendente dell’anno.

Un testo che fa scivolare le lacrime dal cervello alla punta dei piedi: un nuovo lago salato nel quale tuffarci, nel quale trovare i sogni paralizzati da una realtà che si oppone, opprime, scalcia per raggiungere l’obiettivo di spegnere anche la più robusta delle fedi.

In un corollario di chitarre scintillanti, capaci di essere ritmiche e frastornanti, si danza ingobbiti ma rassicurati dalla voce miracolosamente angelica di Evelina Nicklasson che sale e precipita come le sue parole, tatuate sui precipizi ritmici di Frederick Axelsson, il guardiano di ogni pulsione omicida, perché spesso si arriva a credere che il feedback e il suo wah-wah siano coltelli affilati volti a difenderci da gesti insensati. Ma si potrebbe pensare invece che sia proprio lui a causarli: mistero della musica, da contemplare.

Roland Klein, Henrik Viberg e Eddie Wilmin (produttore e musicista aggiunto) sono i muratori che innalzano l’impianto sonoro per condurlo al cielo, in una cantilena che arriva all’emozione con spruzzi virulenti e malinconici.

E si affoga in una fuga che sconfigge ogni intenzione, con il Mar Baltico a benedire la struggente canzone con una scossa tellurica che abiterà la vostra estasi colorata di lacrime nordiche, perfette…

Alex Dematteis 

Musicshockworld

Salford

30 dicembre 2022

https://loom2.bandcamp.com/track/the-dream-is-over

https://open.spotify.com/album/1wVr4HHOIm1vJlcbKoYIOE?si=qpE7c2_FTBaQOCmHGLPeDw

My Review: Loom - The Dream Is Over

 My Review:

Loom - The Dream Is Over

Kalmar is an unknown place, impervious and unbearable, like everything that is distant.

Music shrinks things which seem unreachable and, bringing them to our chests, gives us an unexpected embrace.

For twenty-seven years four young men, facing their Baltic Sea, have been rummaging through feelings, tuning them to the intention of making them visible, practicable and solemn. They employ arcs of musical intelligence that makes them have no limits to cross the water composed of particles of melancholic Shoegaze, with Postpunk which supervises the whole and sprinkles of salt that contain journeys of an elegant Alternative. And finally they layer indie Rock to leave a sense of muscularity that goes with everything, like a classic suit over sneakers.

Their latest murderous charm is The Dream Is Over, which for the old scribe is absolutely the song he gave the difficult role of representing the brightest tune of the year.

Lyrics that make tears flow from our brain to the tips of our toes: a new salt lake in which we can dive, in which we can find dreams paralyzed by a reality that opposes, oppresses, kicks to reach the goal of extinguishing even the strongest faith.

In a corollary of shimmering guitars, capable of being rhythmic and dizzying, one dances curved but reassured by Evelina Nicklasson's miraculously angelic voice that rises and plummets like her words, tattooed on the rhythmic precipices of Frederick Axelsson, the guardian of every murderous impulse, because we often come to believe that feedback and his wah-wah are sharp knives aimed at defending us from senseless gestures. But one might think instead that he is the one who actually causes them: a mystery of music, to be contemplated.

Roland Klein, Henrik Viberg and Eddie Wilmin (producer and additional musician) are the masons who raise the sound system to lead it to the sky, in a chant that reaches the emotion with virulent and melancholic splashes.

And we drown in an escape that defeats all intentions, with the Baltic Sea blessing this poignant song with a telluric current that will inhabit your ecstasy colored with Nordic and perfect tears...

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

30th December 2022

https://loom2.bandcamp.com/track/the-dream-is-over

https://open.spotify.com/album/1wVr4HHOIm1vJlcbKoYIOE?si=qpE7c2_FTBaQOCmHGLPeDw

La mia Recensione: Tricor - Last Christmas

 

La mia Recensione:

Tricor - Last Christmas

Scendere nel passato, salire nel futuro: ecco un’immagine esplicativa di una modalità che riguarda molti, dalla quale non potersi discostare.

Poi esistono altri sistemi: basterebbe, nella densa foresta musicale, incontrare per un whiskey i cavalieri teutonici Tricor e una nuova magia allargherebbe le chance di attitudini diverse.

Siamo nei pressi di un ibrido che si rende fattibile e oscillante, tra consensi e forse anche perplessità ipotizzate da chi non ha la mente aperta. 

Esce però un singolo illuminante, devastante per ciò che riesce a dimostrare, e che rischia l’emarginazione, perché chi è avanti alla fine rimane da solo, dal momento che chi è coraggioso spesso incontra l’esclusione…

Il problema è lo status della versione originale, in quanto una nuvola di persone contrarie potrebbero gridare lo sconcerto più convinto e il rifiuto più profondo.

Una canzone che è entrata nella storia della musica pop, ben lontana dalle mie corde, è stata ripresa e mostrata sotto una luce diversa, quella perfetta per lo scriba che, riconoscente, apprezza e propone, per rendere le menti capaci di fare lo stesso percorso della band tedesca: trovare un abito perfetto per la propria pelle.

Ed è decadenza leggera, non invasiva, quasi consolante e del tutto accettabile, per rimanere perfettamente liberi di stare a metà tra qualcosa che si apprezzava nascostamente e la sensazione perfetta che questa versione sia molto più accessibile.

Confortante e consolante vedere la Darkwave rendersi leggera per consentire allo Shoegaze di fare lo stesso, in un gioco delle parti eccitante e catatonico, deviante e programmato per generare nuove forme di seguaci sotto l’albero di Natale. L’approccio del combo germanico è rispettoso proprio perché non c’è festa senza tristezza, anche nascostamente, ma reale.

Il cantato è sciamanico nel tempo della modernità, con suoni lontani da quelli delle tribù ma in grado di generare la stessa obbedienza. 

Le chitarre e il basso sono volenterosi nel gioco di ruoli diversi ma obbligati a generare un senso di complicità che alla fine risulta essere perfetto. Il ritmo, lontano parente di quello dei Wham!, è la calamita danzante che potrebbe rivelarsi, alla fine, la chiave di un innamoramento, perché questa versione consente l’incontro che forse, sotto sotto, avremmo sempre voluto poter vivere con il brano. 

Le parole del testo qui trovano più credibilità ed efficacia e questo aspetto genera una grande gioia, perché finalmente si può ascoltarle con un atteggiamento migliore.

Ed è abbandono epocale, il ribaltamento del senso originale con questo, dove si può rendere possibile un abbraccio a questa fenomenale cover…

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

24 Dicembre 2022

https://tricor.bandcamp.com/track/last-christmas

https://www.youtube.com/watch?v=dKoP2-K8UU0

La mia Recensione: Roxy Music - For Your Pleasure

Roxy Music - For Your Pleasure 

La Storia ha creato Favole che hanno riscritto il valore dell’Arte.

Per necessità, svelandone il piacere.

E come tutte le favole, pure questa ha avuto la difficoltà di veder tributato il proprio merito attraverso altre che sono state scritte dopo.

Perché esistono album e band che non hanno immediato riconoscimento, e questa è quasi una tragedia, altro che favola.

E la band Londinese, rappresentante perfetta di che cosa sia l’imprevedibilità all’interno di una costante sperimentazione, sforna l’album che cambierà la musica di lì a poco: un merito innegabile non subito inteso nella sua straordinaria capacità. Canzoni come vocabolari immensi, poesia che inventa il futuro più che ricordarne i fasti, perché i tempi lo richiedevano e una pletora di artisti di quella fulgida contemporaneità avevano già stabilito la necessità di un cambiamento più che essenziale. Ma i cinque cavalieri mutanti, Brian Eno, Bryan Ferry, Paul Thompson, Andrew Mackay e Phil Manzanera ebbero il merito di trovare la vernice migliore per fare del mondo artistico, musicale e culturale un luogo magico, profondamente diverso e necessariamente nuovo.

Dopo l’album di esordio, altrettanto seminale ma meno preciso, questo secondo lavoro (da qui il folletto Eno salutò la compagnia e intraprese una più confortevole camminata tra le sue adorate scorribande con le sue amate manopole) sentenziò, definì e conclamò una svolta epocale.

Partendo dal riassumere il cammino più fosforescente del Rock e di tutte le sue piume incantevoli, i Roxy Music con For Your Pleasure fecero un salto in avanti di cui ancora oggi si sente il profumo e la precisione con cui la storia della musica da loro ha avuto i doni più grandi: il merito, la capacità, la magia, la perfezione. Facendo pure in modo che certe particelle delle canzoni contenute diventassero addirittura generi musicali destinati a creare fiumi di generose propensioni, che perdurano e lo faranno per sempre.

Riascoltarlo oggi, con orecchie attente, non può che definire uno spazio dentro il quale la musica ha trovato sia ramificazioni che specificazioni, continuative, per disegnare specificità essenziali, in costante proliferazione. Otto brani intrisi di un tutto che non smette di essere perlomeno intravisto, percepito, ma non ancora colto: è proprio questo aspetto a renderlo immortale, un generatore di dinamicità senza possibilità di bavaglio, senza che nessuno possa fermarne la corsa. Si dovrebbe consegnare la medaglia d’oro a questo strato spesso di suoni unici in contesti di proliferazioni inarrestabili con l’ipnotica capacità di fare della notte un cammino felpato e sensuale, del mattino un respiro robusto e del pomeriggio una produzione immensa di esercizi sonori tesi ed effervescenti.

Inevitabile pensare che gli abitanti celesti siano riusciti a mandare ai ragazzi della capitale britannica segnali di vita, pulsioni e attrezzature melodiche e ritmiche fuori dal limite umano: queste sono canzoni figlie di alieni ma non alienanti, sono scintille monocromatiche con un gas sconosciuto a portarle in giro per il pianeta culturale musicale senza possibilità di negarne il mistero: ciò che è stato possibile fare con le otto canzoni di questo disco è tuttora per molti è praticamente impossibile. Non tutti possono essere figli delle stelle…

Ed è nostro e di tutti il Piacere dell’ascolto, una matrioska di infinite dimensioni dentro la quale tutto si fa sottile, immenso, catartico e devastante: come un unico imprevisto che regala ossigeno e dona l’imprevedibile dono della immortalità, ecco che ci ritroviamo infanti al primo giorno di scuola, totalmente sopraffatti e già distrutti al cospetto di cotanta diversità.

Si dovrebbe fare l’ecografia, una tac total body, immergere queste canzoni dentro l’acido più portentoso per scoprire la scorza infinita di queste pillole incantevoli che fanno viaggiare la mente come nemmeno massicce dosi di droghe potrebbero fare. 

E poi lo stile: un capitolo nuovo della letteratura dovrebbe riempire i nostri giorni per intenderne la potenza, la dinamicità, perché è forse questo elemento che maggiormente sgomenta e produce moti di godimento indiscutibili. Ne sono sicuramente intrisi con dimensioni che ancora oggi paiono sfuggenti a ogni descrizione. Se il glam ha dei meriti è quello di aver fatto dello stile una propensione, molto di più che una capacità, ecco allora che i Roxy Music (sicuramente non estranei a questo genere musicale ma proprietari, inconfutabili, di molti altri) inventano il peso massimo di questa capacità e diventano i principali creatori di infinite gemme. Producono la moda all’interno delle canzoni, abiti e tessuti che non si trovano nei mercati, nei negozi, nelle fabbriche. 

Riscrivere la Storia dell’eleganza, nei primi anni Settanta poi, è di fatto qualcosa di straordinario: incomprensibile è intenderne la modalità, spudoratamente comprensibile invece è goderne la morbidezza, l’intensità, provare piacere nel trovare il garbo con il quale la somma delle note diventa sempre una passerella radiosa, dove il nero fa sorridere e dove è il blu a renderci tutti inebetiti. 

Ma qui c’è molto altro, perché la perfezione è un cielo che non si accontenta dello stile, cerca particelle flessibili per generare l’incontestabile, per dar modo al futuro di non conoscere siccità, rendendo possibile l’assoluta esigenza di trovare nella pancia dell’album un pozzo di San Patrizio.

Si diventa utenti anonimi di un ospedale psichiatrico quando si mette la mente nei percorsi di queste canzoni: uno sciame di sirene provenienti da Atlantide salgono sul velo del tempo e scendono in questi solchi per facilitare l’abbandono della nostra lucidità, rendendoci devoti schiavi di ogni possibile piacere. Perché, indiscutibilmente, nuove modalità sensoriali apparvero, generando sconvolgimenti, e occorreva tempo per capirne il valore. E poterne, conseguentemente, godere i frutti. 

L’ensemble Londinese ridefinisce i movimenti e la storia delle canzoni, nel contesto storico dove soprattutto il Progressive aveva mostrato questa necessità: l’alta produzione di canzoni e canzonette a uso e consumo dell’immediatezza avevano incominciato a rendere insoddisfatti molti musicisti, creando imbarazzo e noia, rabbia e frustrazione. Sembrava che tutto questo potesse solamente generare la modalità della creazione di nuovi generi musicali. Ma i Roxy Music fecero molto di più e molto meglio ed è già tutto in queste composizioni, respiri ribelli ma che tenevano conto dell’importanza della storia musicale. 

Con questo album tutto diventa provocazione, essenza pura di inquinate tossicità rivestite di delicatezza, di una pornografica attitudine a fare dell’ascolto un amplesso osceno, sconnesso rispetto a quella che era la musica in quegli anni. Pose e ammiccamenti, sferzate nevrotiche, corse a perdifiato, palpabili idiosincrasie, fughe da schemi rifiutati prima e ridefiniti poi, con l’assoluto bisogno di fiammate tribali che ispessiscono il delirio. For Your Pleasure è il lungo momento nel quale l’inferno e il paradiso si sfidano, inventando continuamente le regole e i luoghi non di uno scontro, bensì di generosi ammiccamenti che sfiniscono l’ascoltatore, rigenerando il presente.

Tutto si fa dominio nel giardino della schizofrenia, dove il pathos circonda il respiro, catatonico per definizione, logorando la possibilità di rinunciare alla perversa volontà di cibarsi di queste splendide fotografie oscene perché questo in realtà è l’album. La psichedelia malata di Eno disegna la follia dei polmoni di MacKay, le contorsioni metalliche di Manzanera spargono spasmi, le pelli di Thompson sconquassano il cielo e la voce di Ferry è l’acqua santa che scende dal cielo per regalarci i cancelli aperti che ci introducono nel bordello scostumato del nuovo paradiso.

Ma poi: ciò che era la magia maggiore e prioritaria era la perfetta adesione alla promiscuità musicale tra i componenti della band, in continua elaborazione spontanea e studiata, l’appuntamento ideale di una complicità senza precedenti. Le idee musicali qui sono campi di funghi in un bosco fertile, dove tutto pullula di magie a noi umani non comprensibili, ma grazie a Dio nella condizione di un ascolto masticatore. Tutto ha una direzione nell’album: dieci mani che pescano dall’oceano quintali di luce e vapori di una intensità mai sfiorata prima perché le note sono dardi, piume, eretiche dimostrazioni di valori assoluti che agitano i battiti portandoli verso il volto celeste. Tutto è miscela, un carburante colorato come nemmeno un arcobaleno sa essere, come se fosse impossibile proseguire il percorso tracciato nella musica prima di loro. Lo si capisce dalle fiammate, dai cambiamenti di scenari, dalle progressioni cavalcanti che, come temporali impavidi, non arrestano il loro dipinto. Altro che crossover e cose varie e maldestramente assortite: un vinile sacro che si eleva e si discosta, conducendo tutti verso la bellezza. 

Il lusso, la passione e la volgarità si incontrano, dentro un prisma di suoni confezionati a misura, nati e vissuti come il lavoro metodico di un sarto nella sua piccola stanza che, una volta finito, renderà più bello il mondo. A partire dall’artwork, si ha l’impressione che un’esperienza sublime stia per invadere le nostre vene e così sarà: si incontrano molteplici forme espressive, con una scenografia che cambia in continuazione dentro la recitazione da premio oscar, per un fascio interstellare che fa capire come le idee siano generatrici di piaceri multipli, ridisegnando il senso del tutto. Allora note come un circo senza tempo circondano gli stili che cambiano il passo, si sciolgono e rinascono  diversi.

Rumori, cacofonie leggere, malinconie e sottili e clamorosi sbandamenti dalla pelle dorata rendono questo album il genitore che ogni figlio dovrebbe avere: creativo, disciplinato, strabordante, enigmatico, trasversale, efficace, incontenibile, capace di suscitare curiosità a bocca aperta, For Your Pleasure è uno dei pochi album che hanno stravolto la musica, e non solo, come uno starter talentuoso prima di una gara dei 200 metri piani. 

L’incontro della genialità, in cinque esseri umani, è oggettivamente una incredibile casualità, che bisogna saper governare e conservare: a questo serve registrare la musica, per renderne possibile la fruizione mentre il tempo si allontana da quella situazione. Sono passati quarantanove anni da quell’incontro, da quella semina, e tutto è vivo, lucidamente e splendidamente, affinché nulla possa impedire lo studio e l’apprendimento. 

Ascoltare qui è lezione di classe, di armonia e piacevole solitudine, dove la gelosia vorrebbe creare piaceri individuali e solitari, per non condividere con nessuno questo orgasmo: l’amore è anche questo, innegabilmente, e si vorrebbero concerti di questo album nelle nostre singole stanze, in un solo, infinito lungo applauso.

Un’opera robusta, che sostiene e genera proliferazione non può che essere ammirato. Il gruppo musicale più influente degli anni ’70 è stato proprio questo e l’incantevole progetto di cui lo scriba sta parlando è ancora oggi un brivido dal quale sgorgano semi. 

Allora l’elettronica diventa non un atteggiamento sonoro ma una impronta, il punk nasce con una maschera perfetta, il glam mette la freccia e sorpassa la sua stessa storia, il progressive lascia le tracce perché vengano fotografate senza la necessità di metterci interamente le scarpe dentro.

Via i ritornelli e via la consuetudine di fare della canzone un fischio e/o un canto sotto la doccia: occorreva una bastonata piena di charme ed eccola qui, possente. 

Non solo dei generi sono nati da qui (post-rock, ambient, world music, post-punk, e altri ancora) ma soprattutto un concetto nuovo del tutto, dal pensiero alla musica, dove il baricentro (la genialità) avesse il ruolo e il dovere di immergersi in un tuffo continuo.

Potrei scrivere un libro, ma mi fermo qui.

Un disco del genere non si spiega: lo si vive con ascolti continui, essendo consci del fatto che ci fa arrendere tutte le volte e ci rende piccoli, ma con la certezza che si nasce con lui per poterci regalare l’illusione che prima o poi potremo farne uno simile.

Proprio vero: ci nutriamo dell’impossibile… 

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

23 Dicembre 2022

https://open.spotify.com/album/6gKMWnGptVs6yT2MgCxw29?si=dE5vzh_vRnyaVmO48cJ-cwSi 

La mia Recensione: Tout Debord - Ça ne veut rien dire

 La mia Recensione:

Tout Debord - Ça ne veut rien dire

Ci sono città che dormono respirando la follia degli allori che impediscono agli arti della mente di muoversi, di ossigenarsi, di continuare a produrre cibo essenziale per giustificare il presente.

Parigi invece no: instancabile, intelligente, prosegue il suo cammino creando arte in tutti i settori, con quella dimestichezza che sicuramente è albergata nel suo DNA.

Poi, in quanto a originalità, possiamo benissimo chiudere entrambi gli occhi: la qualità non manca e la vittoria del movimento sulla pigrizia è accertata, verificata, sublimata.

Lo scriba scruta, bussa alle porte della città, tutte, ed entra soddisfatto in quella aperta da Leonid Diaghilev, colui dietro e dentro il quale vive l’idea di portare la musica di Tout Debord nella stratosfera sopra il polo artico.

In questa poltiglia di elettronica propensione alla danza schematizzata ed essenziale, vi sono schizzi sublimi di pennellate estasianti, un cercare il trucco per far pendere l’ascolto verso il sacro cerchio della dotazione crescente.

Sedici minuti scarsi, cinque composizioni e la certezza che siano più che sufficienti per inquadrare musica raffinata e potente da essere in grado di instaurare una felice dipendenza grigia. 

Sì, grigia, come l’atmosfera che circonda le nuvole sopra i camini di fabbriche operative ventiquattro ore al giorno. L’elettronica basilare e contemplativa inglese della seconda metà degli anni ’70 sembra aver attratto Leonid, portando fuori asse il solito nazionalismo francese.

Quindi? Stupore in armoniosa proliferazione si presenta e cementa i grazie che abbracciano queste canzoni, che spaziano attraverso i generi musicali ma sono sempre pulsanti di buongusto e precipitazioni emotive.

La musica proposta è quindi generosa, vivace, dentro le particelle velenose di un presente che dimentica il sole, viaggiando sulle dance floors della capitale francese, come energetica dimostrazione di un ribaltamento nei confronti della concezione di quale sia la parte più desiderata di ogni giornata. Qui sicuramente è la danza, il desiderare occhi chiusi che producono sogni che sembrano essere stimolati da questo esercizio sonoro sempre attaccato alla minimal wave più contemplativa, alla Coldwave più raffinata, al Synthpop meno avvezzo alla facile digestione e ai parallelepipedi di un elettrofunk sublime.

Facile immaginarlo con gli occhi verso le sue tastiere, ricoperte di riflessi ’70 e ’80, instancabile, mentre studia la mappatura dei suoni di quegli anni per cercare libertà di manovra, indipendenza, per potersi staccare da paragoni che gli toglierebbero poesia, perché è proprio quest’ultima a regnare violentemente in questo Ep. E si presenta nella tessitura di trame spesse di storie, con strumenti e stili che già da soli sanno riempire gli occhi di acqua in movimento.

 Ci si ubriaca di impalcature essenziali ma potenti, efficaci, mancine di sicuro, perché in questi brani il diavolo non ha bisogno di provocare facilmente dolore: altri sono gli obiettivi e te ne accorgi alla fine dell’ascolto, quando l’energia ti ha abbandonato. 

Con richiami evidenti a fare dei loop i fedeli alleati per attirare consensi e slanci, tutto trova posizione nel delirio del piacere che modifica continuamente direzione e modalità.

Corriamo a guardare queste canzoni da vicino e potrete sicuramente celebrarne la bellezza…

Song by Song 

1 Les gens sont les gens

Ed è subito Synthpunk a livelli acidi, in una pozzanghera dove al posto del fango vediamo danzare farfalle piene di bracciali Synthwave: tutto è robotico e gelido, la melodia però presenta il volto nel finale.

2 Ça ne veut rien dire

Si prosegue con un ritmo e uno schema apparentemente simili, ma in questo frangente il synth disegna volti cupi e il cantato fa da contrasto solo per quanto concerne le linee melodiche. Ma è un momento che viene anestetizzato da un suono metallico, capace di circondare i fianchi della canzone.

3 Aveugle

La canzone divina arriva ed è estasi glaciale, lo sbarramento del potere del sole. La parte ritmica è incessante, i toni bassi della tastiera sostengono il cantato che è un grumo di sangue ripetuto. 

4 Le miroir 

Il livello qualitativo si conferma a quote alte: il brano raggiunge le zone di una Darkwave timida ma robusta, un tracciato di attesa crea il pathos che governa e strega il nostro respiro. Il cantato si abbassa ulteriormente per scavare il terreno dove si balla tra gocce di nero.

5 QCH

L’ultimo visibilio sorprende: si cambia panorama, mood, saltando nella Yugoslavia dei primi anni ’80 e nel Belgio fertilissimo. È la testa che pilota il tutto, in un sentire l’ebm come un flash che si contamina con bisturi elettronici di grande capacità nel tagliare la pelle e concedere spazi al prurito di una selvaggia Coldwave francese.

Alex Dematteis

Musicshockworld

Salford

22 Dicembre 2022

https://tout-debord.bandcamp.com/album/a-ne-veut-rien-dire-detriti

https://open.spotify.com/album/2zcnVLuMRh5h36iYTFTkv2?si=phzhk5YxTR-DCckZ8eypBA

La mia Recensione: Left for Pleasure - Human Contract

 La mia Recensione:

Left For Pleasure - Human Contract

Germania 

Synthwave - Darkwave - Postpunk 

C’era una volta l’abbondanza di generi musicali, un via vai continuo di nuove scoperte, che creavano come conseguenza stupore, assimilazione e gioia, per poi tramutarsi in genitori capaci di generare parti plurigemellari.

Ma ciò che fa più male al vecchio scriba è la mancanza della ricerca del suono, il suo sviluppo e una precisa collocazione stilistica.

Tutto è appiattito, uguale e noioso: il digitale, l’ignoranza musicale e il disinteresse nei confronti di un approccio serio e professionale hanno un fatto il resto.

Ci sono eccezioni e una di queste è rappresentata da questa band tedesca (toh, guarda caso, che casualità vero?), che arriva dopo quattro singoli all’esordio sulla lunga distanza.

Ed è alba, primavera, gioia, seduzione circolare, all’interno di atmosfere cariche di tristezza, agitazione controllata, spargimenti di lacrime a presa rapida.

Questi suoni poi: sia data alla felicità una porzione di cielo e a noi il compito di un rispettoso inchino. 

Andiamo a vedere un po’ meglio da dove vengono e cosa fa di loro una band così interessante.

Halle è una città dalla storia tormentata, difficile e di cui si parla poco anche musicalmente: sembrerebbe costretta a chiudersi in se stessa perché luoghi troppo importanti e famosi le stanno vicino (Berlino, Dresda, Lipsia), togliendole forse quella visibilità che meriterebbe.

Con una cattedrale gotica che è bene visitare come l’autore della recensione fece nel 1997, questo posto ha creato lavoro con l’industria chimica. 

Ed è proprio quest’ultima ad aver generato paura, desolazione, resa, frustrazione come i due tedeschi sono riusciti a dimostrare con questo sublime esercizio musicale.

Siamo di fronte a strutture che vagano tra spazi sonori concepiti con precisione, riferimenti stimolanti e ingressi verso circuiti di polvere di amianto che cade dentro movimenti robusti, paradisi desolati, abbandonati, per precisare la vivacità della mediocrità umana.

Le menti del duo diventano laboratori di immagini, ostinazioni, scariche voluminose di fiori appassiti, dove tutto si rende necessariamente in grado di ingravidare la tetraggine, per condurla, spalle al muro, alla conseguente fucilazione.

I Sintetizzatori dominano, nel volo torbido dell’affanno che qui viene posizionato come l’ultimo ostacolo prima del decesso.

Le voci provengono da entrambi i membri della band, capaci di stimolare suggestioni maliarde, nel doveroso esercizio deprimente, che esalta la qualità di musiche avvolgenti, rigide, robotiche e in grado di condurci verso danze che piegano gli arti. 

Le arterie si riempiono di una certificata abilità di propagandare un delirio artistico con il suono che domina la struttura delle composizioni: si viaggia continuamente avanti e indietro nel tempo, un falò che viene congelato dalle impronte Coldwave sapientemente quasi nascoste, come per certi frammenti Ebm. 

Si riscontra l’immensa attitudine a cambiare ritmi, dando alla preposta sezione un notevole raggio di azione, rendendo più semplice alle trame melodiche il compito di infierire sui nostri rapiti ascolti. Ed è un matrimonio perfetto per associazioni di necessità che mettono radice canzone dopo canzone: solo nella splendida Germania musicale poteva nascere un album così intenso e deflagrante. Non c’è bisogno di distorsioni per sentirsi crollare il cielo addosso: i due lo prendono con le loro dita nere e lo abbassano, generando frastuoni e lampi nei nostri cuori frementi.

Le atmosfere sembrano greggi multipli in un’adunata a fine esistenza: qualcosa di profondamente sacro sgorga dalle composizioni per certificare l’assenza di una via di fuga. Ed è un funerale celebrato in un anticipo così lontano. Ma noi, commettendo l’imperdonabile errore di danzare, crediamo di metterci al sicuro senza voler concedere spazio a testi apocalittici, tenebrosi, dove il disincanto diviene il sovrano assoluto. 

Ne pagheremo il prezzo il giorno in cui, invece, i nostri occhi si chineranno su queste parole pesanti come lastre di marmo.

Pazienza: al tempo sia concesso il potere di punirci.

 Se vogliamo essere un minimo attenti allora diamo almeno spazio all’osservazione, nell’economia degli strumenti, di come il basso sia determinante, con la sua propensione a fare del Postpunk il suo maestro, punto di riferimento e attore eccelso nella recitazione di tutto il suo campionario. 

E la chitarra? Compare molto meno, ma sa farlo come se al futuro volesse concedere un ricordo minimo ma straordinario.

Al synth ho già accennato ed è bene non dimenticare gli arrangiamenti, come comete sbrigative in attesa dello schianto nel vuoto.

Questo disco riesce a suscitare entusiasmo dentro una nube tossica ed è ora di descriverlo, canzone per canzone.

Song by Song 

1 Vortex

Ed è tuono iniziale, il tremore e la profezia che si annusano, un ipotetico luogo che viene mostrato tra fumi infreddoliti e la voce intensa di una donna che soffia, balza con toni suadenti all'interno di questo ritmo lento e sincopato.

2 Rainy

Selvatica esibizione di suoni lucidi ma cupi, la danza acquatica scende dal cielo per allarmare i nostri occhi, con una chitarra periferica che circonda il respiro. Ed è Darkwave e Postpunk in congiunzione perfetta, per annebbiare i sensi dentro le polveri dilatate di una musica che resiste all’attacco del tempo.

3 Blue Eyes

Basso e chitarra in entusiasta parata aprono la danza di occhi blu solo in apparenza: la malinconia vince il duello e si posiziona, convinta, sul viso, mentre un synth straziante bacia note come tergicristalli attivati perché bisogna far scomparire le lacrime.

4 Vase

Giunge una voce con un riverbero maligno, nella marcia che avanza ipnotica, lenta. Il cantato sequestra le forze e piazza un attacco vincente. Ed è terremoto al rallenty, glaciale.

5 Feel

La voce maschile arriva dopo pochi secondi ed è stupore. Una liturgia ritmica ci fa danzare come marionette stravaganti e inebetite, tutto si fa cupo e drammatico, il cantato opprime, abbatte la resistenza per lasciare spazio al gioco erotico della chitarra e del synth in stato di grazia.

6 Banish Sorrows

Nuova chicca balistica: il duo crea un altro edificio dai suoni perfetti, equilibrati, per venire a contatto con uno splendido crescente, un loop che solo la tastiera può generare. Ed è rincorsa nei corridori delle paure.

7 Angeldust

Gli anni ’80, ripuliti, disinfettati, aggiornati e corretti, trovano pace in questo brano, dominatore assoluto, capace di farci abbreviare il fiato. Come un rimbombo apocalittico, la voce accarezza atomi di secondi col suo registro alto ed è pura follia sensoriale.

8 Your Skin Turns Blue

L’inganno dei primi secondi sembrerebbe portarci verso le atmosfere drammatiche dei Joy Division. Poi, però, si va altrove, con in dono uno strazio simile a quello della band Mancuniana. Caos e visibilio si baciano.

9 Hinter Schweren Gedanken

Echi dei primi bagliori ebm dei Pankow paiono volenterosi di ribadire lo stupore, l’amore per il presente disco. Poi si corre con gli anfibi dentro l’acqua fredda di questa musica che si fa emblematicamente ancora più gelida.

10 Phantom

Il respiro sprofonda sotto la cupola di Phantom, il crocefisso che cade lentamente dentro il nostro sentore che non vi è più il tempo per sognare. Il congedo di questo strategico e stratosferico album avviene con un cantato decadente, come il pianto di una sirena ferita. E le note musicali sono il luogo di ogni scioglimento, il crollo totale, l’addio perfetto.

Alex Dematteis

Musicshockworld 

Salford

21 Dicembre 2022

https://detritirecords.bandcamp.com/album/left-for-pleasure-human-contract

https://open.spotify.com/album/1KYEQvojuIn6ufSjNpDuv0?si=7IVnATqRTbypkmzgcmW8hw

My Review: Left for Pleasure - Human Contract

 My Review:

Left For Pleasure - Human Contract

Germany 

Synthwave - Darkwave - Postpunk 

Once upon a time there was an abundance of musical genres, a constant bustle of new discoveries, which created astonishment, assimilation and joy as a consequence, and then turned into parents capable of generating multiple births.

But what hurts the old scribe most is the lack of sound research, its development and a precise stylistic position.

Everything is flattened, equal and boring: digital, musical ignorance and disinterest in a serious and professional approach has done the rest.

There are exceptions, and one of them is this German band (look, what a coincidence, right?), which arrives after four singles on its long-distance debut.

And it is dawn, spring, joy, circular seduction, within atmospheres laden with sadness, controlled agitation, shedding of quick-setting tears.

Then these sounds: let happiness be given a portion of the sky and us the task of a respectful bow. 

Let's take a closer look at where they come from and what makes them such an interesting band.

Halle is a city with a troubled, difficult history that is also little talked about musically: it would seem to be forced to turn in on itself because places that are too important and famous are close to it (Berlin, Dresden, Leipzig), perhaps taking away the visibility it deserves.

With a Gothic cathedral that is well worth visiting as the reviewer did in 1997, this town has created jobs with the chemical industry. 

And it is the latter that has generated fear, desolation, surrender, frustration as the two Germans have managed to demonstrate with this sublime musical exercise.

We are faced with structures that wander through precisely conceived sonic spaces, stimulating references and entrances to circuits of asbestos dust which falls within robust movements, desolate, abandoned heavens to specify the vividness of human mediocrity.

The duo's minds become laboratories of images, obstinacies, voluminous discharges of wilted flowers, where everything necessarily makes itself capable of impregnating bleakness, to lead it, back to the wall, to the consequent shooting.

Synthesizers dominate, in the turbid flight of shortness of breath that is positioned here as the last obstacle before death.

Vocals come from both members of the band, capable of stimulating seductive suggestions, in the dutifully depressing exercise which enhances the quality of music that is enveloping, rigid, robotic and able to lead us to limb-bending dances. 

Arteries are filled with a certified ability to propagate an artistic frenzy with sound dominating the structure of the compositions: one continually travels back and forth in time, a bonfire that is frozen by Coldwave imprints which are cleverly almost hidden, as with certain Ebm fragments. 

One finds the immense aptitude to change rhythms, giving the preposed section considerable range, making it easier for the melodic textures to rage on our enraptured listening. And it is a perfect marriage by associations of necessity that take root song after song: only in splendid musical Germany such an intense and deflagrating album could be born. There is no need for distortion to feel the sky crashing down on us: the two take it with their black fingers and bring it down, generating din and lightning in our quivering hearts.

The atmospheres sound like multiple flocks in a gathering at the end of existence: something deeply sacred gushes from the compositions to certify the absence of an escape route. And it is a funeral celebrated in such distant anticipation. But we, by making the unforgivable mistake of dancing, believe we are securing ourselves without wanting to give space to apocalyptic and gloomy lyrics, where disillusionment becomes the absolute ruler. 

We will pay the price on the day when, instead, our eyes will bend over these words as heavy as slabs of marble.

Oh well: may time be granted the power to punish us.

 If we want to be a bit attentive then we have at least to give space to the observation, in the economy of the instruments, of how the bass is decisive, with its propensity to make Postpunk its master, point of reference and sublime actor in the recitation of its entire collection of samples. 

And the guitar? It appears much less, but it knows how to do it as if to grant the future a minimal but extraordinary memory.

I have already mentioned synth and it is good not to forget  arrangements, like hasty comets waiting for the crash into the void.

This record manages to arouse enthusiasm within a toxic cloud and it is time to describe it, song by song.

Song by Song 

1 Vortex

And it is initial thunder, tremor and prophecy sniffing each other, a hypothetical place being shown amid chilled fumes and a woman's intense voice blowing, leaping in persuasive tones within this slow, syncopated rhythm.

2 Rainy

A wild display of lucid but somber sounds, the watery dance comes down from the sky to alarm our eyes, with a peripheral guitar surrounding the breath. And it is Darkwave and Postpunk in perfect conjunction, to cloud the senses within the dilated dust of a music that resists the onslaught of time.

3 Blue Eyes

Bass and guitar in enthusiastic parade open the dance of blue eyes only in appearance: melancholy wins the duel and sits, victorious, on the face, while a heartbreaking synth kisses notes like windshield wipers activated because tears must be wiped away.

4 Vase

A voice with a malevolent reverberation comes, in the march that advances hypnotic, slowly. Vocals seize the forces and place a successful attack. And we have an earthquake in slow motion, glacial.

5 Feel

The male voice arrives after a few seconds and it is astonishment. A rhythmic liturgy makes us dance like extravagant, inebriated puppets, everything becomes dark and dramatic, vocals are able to oppress, breaking down resistance to leave room for the erotic play of guitar and synth in a state of grace.

6 Banish Sorrows

New ballistic gem: the duo creates another edifice of perfect and  balanced sounds to come into contact with a splendid crescendo, a loop that only keyboards can generate. And it is a chase in the hallways of fears.

7 Angeldust

The 80s, cleaned up, sanitized, updated and corrected, find peace in this track, absolute dominator, able to make us shorten our breath. Like an apocalyptic rumble, the voice caresses atoms of seconds with its high register and it is pure sensory madness.

8 Your Skin Turns Blue

The deception of the first few seconds would seem to take us towards the dramatic atmospheres of Joy Division. Then, however, it goes elsewhere, with an agony similar to that of the Mancunian band as its gift. Chaos and rapture kiss each other.

9 Hinter Schweren Gedanken.

Echoes of Pankow's early ebm flashes seem willing to reiterate the awe, the love of the present record. Then one runs with combat boots into the cold water of this music that becomes emblematically even colder.

10 Phantom

The breath sinks under the dome of Phantom, the crucifix slowly falling inside our feeling that there is no more time to dream. The end of this strategic and stratospheric album comes with a decadent singing, like the cry of a wounded siren. And the musical notes are the place of all dissolution, the total collapse, the perfect farewell.

Alex Dematteis 

Musicshockworld 

Salford

21st December 2022

https://detritirecords.bandcamp.com/album/left-for-pleasure-human-contract

https://open.spotify.com/album/1KYEQvojuIn6ufSjNpDuv0?si=otbNk95CR9SUL1mud-yGFg